-Glamourosadas…………………………pág. 3
-R. Mesa y sus Pinturas………………….pág 7
-La Biblioteca…………………………..pág 10
-Genio y Figura…………………………pág 12
-Manualidades………………………….pág. 14
-Superhéroes con poderes absurdos…….pág 17
-El Cómic indignado con la RAE………pág 19
-Nuestra Sonia………………………....pág. 21
-Cocina con Riesgo……..……………...pág. 54
-Ficomic y Joso en Gamelab……………pág 56
-Expocómic, quince años de lujo……….pág 57
-Damiselas en Peligro……………….…pág. 58
-Biodramina cumple 60 años…………...pág 62
-Pasatiempor………...……………...….pág. 68
-Héroes sin pantalones………………....pág. 70
-El Origen del nombre TBO………….. pág. 72
-Escoge 2012……………...………...…pág. 75
-Reg Parlett: su biografía…..…………..pág. 76
-Presentación de Camila, PBP………….pág 83
¡REINVENTANDO CLÁSICOS!
¡El glamour nunca se marcha de vacaciones! El glamour nunca se para. El glamour siempre está de guardia.
El verdadero glamour tampoco conoce la palabra crisis y como muestra de ello os presentamos nuestra
colección de clásicos reinventados; una serie de prendas low cost que podréis llevar varias temporadas porque
jamás pasarán de moda y a las que les hemos dado nuestro toque glamourosón especialmente osado. ¡Todos a
sus asientos! ¡Empieza el desfile!
Reinventando los cuadros:
El estampado a cuadros más bello y artístico en un cómodo minivestido de lino ideal para
deslumbrar en cualquier pinacoteca y para afirmar que tú pintas mucho.
Menos vaporosos que los volantes convencionales pero mucho más ecológicos. Los volantes de este
mono proceden de un desguace. ¡Cedan paso al reciclaje!
Nosotras sí que hemos sabido darle un giro a la marinière. ¡Tiembla Jean Paul Gaultier! Las rayas
más marineras y electrizantes las inventó Sadie. Nota: Para la creación de este outfit no fue
sacrificado ningún animal. Las rayas utilizadas están hechas de un plástico especial 100%
biodegradable.
¡Nunca volverás a decir que los topos son aburridos!
Este verano serás una auténtica TOPo MODEL si te dejas ver con este impresionante vestido de
noche con chal a juego. ¡Tus fans querrán excavar una galería desde Nueva Zelanda para dejarse
cegar por tu luz de glamourrrr!
Este verano, recuerda: ¡Mantén a raya al topo volante del cuadro!
R. Mesa y sus Pinturas
Por Geno Mesa
Desde pequeñita ya le encantaba colorear y
disfrutaba como nadie las clases de dibujo en el
colegio. Más exactamente de las de dibujo, de
manualidades, de pintura… cualquier cosa que
tuviera que ver con esa rama de la expresión
artística.
Rosa Mesa, gijonesa de poco más de treinta
años, cerró el mes pasado su cuarta exposición
individual.
A lo largo de su hasta ahora corta carrera, ha
participado además, en una muestra colectiva en
Cudillero y dos de sus obras han formado parte
de sendos concursos: el del Bulevar de la Sidra
de Oviedo y el de Mujeres Pintoras de
Infiesto. Lamentablemente no se llevó ningún
premio pero ambos certámenes le sirvieron para
darse a conocer un poco más.
A través de sus pinturas podemos recorrer los
lugares más característicos de la ciudad que le vio
nacer, aunque en esta última exposición se ha
abierto al mundo mostrando otros rincones de
España como Cádiz, y del resto del globo como
Nueva York, Londres o incluso Japón. Poco
viajera, recopila las imágenes para sus cuadros de
las miles de fotografías que sus amigos y amigas
hacen en sus vacaciones o lugares de residencia y
que no dudan un momento en cederle.
En el año 2004 decidió tomarse las cosas más
en serio y se apuntó a una academia que le
ayudase a profesionalizar su estilo. Desde
entonces acude todas las semanas a la
Academia Ruymar, en Gijón, donde primero
siguió las directrices de Franco, gran
acuarelista y, tras él, las de Catalina Delmiro,
renombrada pintora asturiana, bajo cuyas
enseñanzas continua hoy en día.
¿Cuál es tu técnica favorita?
La verdad es que aún no tengo una técnica
elegida claramente como tal. He ido probando
un poco de todo, quizá con un poco más de
experiencia pueda llegar a definirme más por
una o por otra. Lo que si tengo claro es que me
inclino más hacia aquellas que no necesiten
disolventes para llevarlas a cabo, aunque no
por eso dejo de usarlas. Sin lugar a dudas
prefiero las de base de agua, como el acrílico,
la acuarela aunque también me sirven unos
pasteles o un simple lápiz.
Me consta que hace años realizaste alguna obra
abstracta ¿tienes pensado volver a retomar este
estilo o definitivamente te quedas con el
realismo?
Al menos de momento me quedo con el realismo.
Quizá en un futuro experimente con lo abstracto
de nuevo pero a día de hoy considero que para
ello me vendría bien más experiencia y
conocimientos.
Una pequeña confesión: algo que se te resista…
He de reconocer que no sé hasta qué punto se
me resiste debido a que se necesita mucha
práctica y dedicación, cosa que aún no he
hecho pero sin duda lo que peor llevo son los
retratos. El retrato requiere de mucha
experiencia, claro está para el que no le sale
bien sin más, que también los hay. La dificultad
no radica en que la cara quede bien sino en
que el retratado se reconozca y transmita vida,
tenga alma y eso al menos en mi caso requiere
que le dedique más tiempo.
¿Siempre supiste que querías ser pintora?
Pues no. Siempre me encantó pintar, dibujar,
hacer manualidades de todo tipo pero la
posibilidad de llegar a ser pintora surgió apenas
hace unos años, cuando comencé a hacer acrílico
con la que es hoy mi profesora. Gracias a ella y
su confianza en mí me animé a hacer las
exposiciones y a participar en los concursos,
cosas en las que nunca había pensado antes.
Claro está que no son a nivel de galerías sino de
pequeñas salas o cafeterías pero es el comienzo.
En tus respuestas sale mucho la palabra
“experiencia”. Eres plenamente consciente de
que aún te quedan cosas que aprender.
Si y muchas, además de perfeccionar lo que ya he
aprendido a base de practicar.
Un sueño…
Como pintora, en principio poder llegar a
exponer en al menos una galería de arte. Y en el
ámbito de las manualidades pues quizá tener un
negocio propio donde además poder dar clases.
Si queréis ver gran parte de su obra, incluidos los
cuadros de su última exposición no dudéis en
visitar su blog:
http://cuadrosrosamesa.blogspot.com.es/
La Biblioteca
Por Silvia Tarragó
Conocí a Isabel cuando vino a la
biblioteca municipal de Cabrera de Mar,
un pueblo de la comarca del Maresme, en
Barcelona, para presentar su último libro,
Descubriendo el corazón de la Tierra,
siete lugares cambiaron mí chip, que
acababa de publicar Plataforma Editorial
Al escucharla, me cautivó la manera en
que explicaba sus experiencias a lo largo
de muchos años de viajar por el mundo y
de ayudar a personas con carencias
médicas. Enseguida me atrajo la manera
tierna, impregnada de amor, con la que
hablaba de aquellas culturas. Lejos de
centrarse en las privaciones materiales, en
el sufrimiento, la desigualdad y tantas
otras penurias, Isabel ofrecía una visión
enriquecedora de aquellas gentes.
Personas que han sabido mantener una
sabiduría ancestral, un equilibrio sano con
su entorno preservándose, de este modo,
de todos los males que afectan a nuestro
primer mundo.
Al leer su libro, Descubriendo el corazón
de la tierra, he percibido el respeto hacia
unos seres humanos que han sabido
mantener su esencia. A lo largo de los
siete relatos que explican los siete
respectivos viajes a diferentes países,
Isabel deja notar una humildad muy lúcida
que apunta a un estilo de vida mucho más
lleno y feliz que el nuestro. Una sencillez
que nos hubiera evitado el desastre a todos
niveles, ecológico, económico, social... al
que nos dirigimos.
Pero, además de la reflexión que se puede
extraer de la lectura, también podemos
disfrutar con las detalladas descripciones
que ofrece sobre escenarios, costumbres,
gastronomía o vestuario. La exuberante
naturaleza del Brasil, la magnitud
avasalladora de los paisajes australianos o
la riqueza cultural y natural de África, son
algunos de los escenarios que se retratan
en esta obra.
Este es el segundo libro de esta autora
barcelonesa afincada desde hace 32 años
en Cabrils, otro pueblo del Maresme, el
primero fue Goundi, unas vacaciones
diferentes, también editado por Plataforma
Editorial. Los derechos y beneficios
obtenidos de estas publicaciones van
destinados a la Asociación Misión y
Desarrollo para Goundi, de la que Isabel
es vicepresidenta.
Isabel Rodríguez Vila es fotógrafa,
escritora y enfermera. En el año 1992 se
diplomó en enfermería para ayudar a su
marido, cirujano, al descubrir su vocación
como cooperante. Años después,
siguiendo el consejo de Vicente Ferrer a
quien visitaron en un viaje a la India que
se explica, precisamente, en este libro,
instituyó junto a su marido e hijos la
asociación Misión y Desarrollo para
Goundi. El objetivo de esta entidad es
mejorar las condiciones de salud y
garantizar la adecuada asistencia en esa
región del Chad, en África Central.
Su página web es:
http://www.misionydesarrolloparagound
i.com/
Genio y Figura
Por Javier Mesón
Del mundo de los fanzines, y el humor
gráfico, llega la primera novela gráfica de
José Tomás, “Genio y figura”. Un autor
que retrata como nadie el panorama
comiquero nacional en clave de humor,
con algunos puntos mordientes, sobre esta
forma de cultura, que ha enamorado con
sus historias, a miles de lectores ávidos de
emociones y diversión, en las páginas de
los llamados tebeos. Bajo esa premisa, se
presenta este cómic, con un estilo sencillo,
y humorístico, que tras su lectura nos
dejará con una sonrisa entre los labios.
La obra, narra la vida de Juanjo Pérez, un
autor de cómic de gran éxito, que ha sido
nominado al Premio Nacional de Cómic,
con una novia que está buenísima. En la
primera visión del personaje, vemos que
se ha caído por una ventana, y con esa
incógnita avanzamos en la lectura, con un
Juanjo maltrecho.
Poco a conoceremos la causa que le ha
llevado a esa situación. Para continuar la
narración, con la elaboración de un
encargo editorial (que recuerda mucho al
“Yo”, de Juanjo Sáez), una portada para su
nueva obra, metiendo caña a los
diseñadores gráficos de por medio.
Inesperadamente sufre el secuestro de su
persona, a manos de otro dibujante caído
ahora en el olvido, infundiéndole miedo de
verdad a nuestro amigo Juanjo Pérez. Un
secuestrador que no se corta con nada,
metiéndose con todo lo habido y por
haber: los críticos de cómic o el rollo
sobre la novela grafica. Su misión será
acabar con todos los autores consagrados,
como Carlos Giménez, Paco Roca,
Felipe Hernández Cava, Max, o la
misma organizadora del Salón del Cómic
de Barcelona: Ficomic. La fortuna hará
que en el último instante el secuestrador
caiga en desgracia, y Juanjo sea liberado
por la policía, con las consiguientes
secuelas psicológicas.
Tiempo después, el propio Pérez cortará con su
novia y a su vez una nueva amiga con él. Lo que
le llevará a un comentario misógino en Twitter,
que le hará en caer en desgracia, sin encontrar
editor alguno interesado en su obra, cayendo en
un espiral sin retorno. Su vida pasará por
momentos muy duros, planeando su venganza
entre los lectores y editores que se tercien,
mediante un fuego purificador, que reduzca todo
a cenizas, todo volvería a partir de cero. En el que
él, nuevamente podría tener un verdadero
protagonismo.
De esta manera, el autor desmitifica este mundo
del cómic tan egocéntrico, mediante la crítica, la
parodia, y todo lo relacionado con los blogs, y el
Twitter. Con un estilo ameno y divertido,
disfrutaremos de un tebeo que nace con la única
pretensión de hacernos pasar un buen rato de
lectura, y a fe que lo consigue.
Guión y dibujos: José Tomás
Colección: Crepúsculo nº 30
Editorial: Edicions de Ponent
Formato: rústica, 132 páginas, 17 x 23 cm, b/n
PVP: 18 €
Valoración: *** ½
Manualidades a Todo Riesgo Por Susana Riesgo
BOLSA DE TELA DE PARAGUAS
Materiales: Un paraguas viejo, tijeras y máquina de coser (en su defecto aguja e hilo)
Separamos la tela del armazón del paraguas, cortando los hilos que lo unen a él y con cuidado para no
“picar” la tela. También cortaremos los hilos que sujetan las puntas. Doblamos la tela a la mitad y la
cortamos como en la foto.
De las picas sobrantes cortaremos las tiras que formarán el asa de nuestra bolsa. Coseremos (en doble y
del revés) las tiras para que no se deshilachen y les damos la vuelta. Las cosemos entre ellas para obtener
el largo de asa que nos guste.
Con la tela de revés, cosemos los laterales de la bolsa, y repasamos con una costura el agujero por el que
salía la punta del paraguas. También cosemos las asas al bolso.
Por último, podemos plegar la bolsa y aprovechar la tira de cerrar el paraguas para dejarla tan pequeña
que no ocupe espacio y nos coja en cualquier bolso.
SUGERENCIA: Si el paraguas no es liso o con estampado pequeño, la forma anterior puede que no nos
sirva para aprovechar el dibujo de nuestra tela. Así que otra forma de cortar y coser, sería doblar la tela a
la mitad pero con el doblez hacia arriba. Luego doblamos y cortamos como en la foto:
Como en el primer caso, aprovechamos los extremos para hacer las asas (en este caso dos tiras) y las
cosemos igual. En este caso, la tela tenía unos agujeros, así que en vez de dejar el borde superior recto, le di
una forma y le cosí un bies de color marrón. Como asas, puse dos tiras que anudé en la parte superior.
Superhéroes con poderes absurdos
Desde hace años la industria cinematográfica se
nutre de personajes de cómic para sus películas.
Este verano 2012 es el verano del superhéroe, con
films como The Avengers, Spiderman y Batman
en la cartelera.
Sin embargo, otra serie de “superhéroes”, nunca
llegaron a alcanzar el éxito de los más grandes,
sin llegar a capturar jamás nuestra imaginación.
Son los superhéroes más extraños y bizarros que
autor alguno pudiera crear, y aquí os diremos por
qué…
LA ABEJA ROJA (RED BEE)
Lo que convierte a este “superhéroe” en un
personaje bastante rancio, no es ese traje que daña
a la vista, no. Es el hecho de que no tuviera
absolutamente ningún poder. La Abeja Roja
luchaba contra el crimen con la ayuda de
Michael, un abejorro entrenado que vive en su
cinturón. ¡Ahí es nada!
EL COMEDOR DE MATERIA (MATTER-
EATER LAD)
Probablemente debería recibir un premio al peor
nombre de la historia del cómic. Su poder consiste
en… comer materia en todas sus formas, algo muy
poco útil en cualquier lucha, dicho sea de paso.
Solo me puedo imaginar a este superhéroe
llenándose el buche mientras sus compañeros se
dejaban las manos pegando hostias…
AQUALAD
Hijo de un rey asesinado en un reino subterráneo,
Aqualad no impresionó a los lectores, quizá por su
falta de… er… poderes. Eso sí, tenía los ojos color
violeta. Tras el asesinato de su padre, su madre es
desterrada a la capital de Atlantis, donde nace
Aqualand y es precisamente el color de sus ojos lo
que le hace inferior genéticamente a los demás.
LA LEGION DE SUPERMASCOTAS (THE
LEGION OF SUPER-PETS)
En los cincuenta y sesenta, los tebeos comienzan a
introducir a animales con los mismos poderes que
los superhéroes. Incluían a Krypto, el Superperro;
Beppo el Supermono; Streaky el Supergato y
Comet el Supercaballo. Básicamente son animales
con capas.
JUBILEE
Jubilation (Jubilee) Lee podía hacer bolitas de
colores y crear serpentinas con los deditos.
Imprescindible en cualquier fiesta… Ah, no. Se
trata de plasma explosivo.
ANT-MAN (EL HOMBRE HORMIGA)
El hombre hormiga encoje a voluntad y le es
posible controlar insectos. ¿Quieres una invasión
de hormigas pegajosas o termitas en casa de tu
suegra? Ant-Man es tu hombre.
Fue creado por Jack Kirby y Stand Lee y en
realidad son una serie de hombres. Cuando uno se
retira, otro ocupa su lugar.
INDIGNACIÓN EN EL MUNDO DEL CÓMIC CON LA
DEFINICIÓN DE MANGA EN LA RAE
Manga: género de cómic japonés, de dibujos
sencillos, en el que predominan los argumentos
eróticos, violentos y fantásticos
Así define el Diccionario de la Real Academia
Española el Manga, lo que no ha tardado en
desatar la polémica y las reacciones indignadas
desde el mundo del cómic, considerándola errónea
en el concepto y denigrante en la caracterización.
Desde el FICOMIC, Carles Santamaría, Presidente
del Salón del Manga de Barcelona y del Salón
Internacional de Cómic, ha hecho circular el
siguiente comunicado:
“Manga es el nombre que recibe el cómic en
Japón y como en el resto de países tiene una gran
diversidad de géneros. A lo largo de su fructífera
historia el manga ha dado auténticas obras
maestras de diversos géneros teniendo en Osamu
Tezuka a su gran referencia autoral tras la
Segunda Guerra Mundial,
Reducir el manga a temática erótica, violenta y
fantástica es dar una visión manipuladora y
distorsionadora que muestra desconocimiento o
mala intención en la redacción. Resulta
vergonzoso que defina al manga como de “dibujos
sencillos”, ya que si algo caracteriza al cómic
japonés es la gran diversidad de estilos gráficos
de una gran calidad y originalidad. Uno de los
aspectos más bochornosos de dicha definición es
que además parece resultar de una mala
traducción de un texto sobre el manga que se
encuentra en el Oxford Dictionaries Online.
El manga es una de las manifestaciones más
dinámicas e interesantes de la cultura japonesa
contemporánea y tal definición de la RAE es un
auténtico insulto para la misma, así como para los
profesionales que lo dibujan, editan y venden en
librerías, como para los millones de lectores que
tiene el manga en todo el mundo. Por todo ello, se
debe exigir la retirada inmediata de tal aberrante
definición en el diccionario de la RAE y que una
comisión de expertos en manga pueda aportar una
definición objetiva y clarificante sin coste
alguno.”
Por su parte, Emilio Gonzalo, Presidente de la
AEAC (Asociación Española de Amigos del
Cómic), y Presidente de Expocómic y Expomanga
Madrid, también ha emitido un comunicado
manifestando la indignación de su organización
por los mismos motivos:
“A raíz de la definición que la Real Academia
Española ha incluido del concepto MANGA en su
nueva actualización, desde la Asociación
Española de Amigos del Cómic no podemos sino
expresar nuestra más sincera preocupación. Una
preocupación, por otro lado, ajena totalmente a
polémicas y reacciones viscerales. Para todos es
evidente que una disciplina artística tan relevante,
que tantas obras maestras universales nos ha
regalado y que nos sigue deleitando a diario, no
puede reducirse por una Institución tan
distinguida a tan apabullante sencillez:
«Género de cómic de origen japonés, de dibujos
sencillos, en el que predominan los argumentos
eróticos, violentos o fantásticos».
Todos coincidimos en lo párvulo de semejante
descripción. Pero no es fruto sino del
desconocimiento. Desde la AEAC no creemos que
haya mala intención en modo alguno, desde luego.
Es, sencillamente, desconocimiento. El problema
es la dejadez de la Academia, por lo visto poco o
nada interesada en consultar a expertos las
nuevas incorporaciones a esta lengua que es de
todos. Ella ha de velar por la defensa de la
Cultura en el más literal sentido de la palabra, y
quienes luchamos porque el Noveno Arte sea así
considerado, Cultura, estamos inevitablemente
preocupados. Preocupados sin exaltaciones
incendiarias.
Desde esa preocupación y no sin cierta decepción
exigimos con firmeza la retirada de esta nueva
entrada del Diccionario y su modificación
inmediata, desde luego, pero consensuada con
verdaderos conocedores de la materia. No es
pedir mucho. Pero lo exigimos para el concepto
MANGA del mismo que lo hacemos para
cualquier otro erróneo o equivocado que
demuestre la falta de interés de nuestros
Académicos. Millones de voces lo piden. La RAE,
como cualquiera de nosotros, puede equivocarse,
y aquí lo ha hecho. Esperamos que sea capaz de
rectificar de manera pronta y efectiva.
Norma Editorial, uno de las más importantes en la
distribución de manga, también expresó su
malestar tanto en su blog oficial como en las redes
sociales: “Nuestro gozo en un pozo: manga ya
está en la RAE, pero…”. Bajo este título, Norma
comparte las palabras del veterano traductor de
manga y anime Marc Bernabé, que en su blog
personal Niponadas ha dado su opinión:
“… la RAE ha anunciado la inclusión de nuevas
palabras en su Diccionario, que, recordemos, es
normativo y, por lo tanto, de obligatorio
cumplimiento en teoría. Y me ha alegrado porque
he sabido que dos de las nuevas palabras
aceptadas en la lengua castellana son "manga" y
"sushi". Después de tantos años usando en
nuestro día a día estas palabras, ya era hora de
que se incorporaran oficialmente a nuestro léxico.
Esta alegría, sin embargo, se ha tornado en
indignación al dirigirme al diccionario, buscar
estas palabras por primera vez y leer su
definición, sobre todo la de manga”.
Cocina con riesgo
Por Remi Riesgo
Mousse de requesón con miel.
Ingredientes para cuatro personas:
250 gr de requesón materia grasa
125 gr de leche
60 gr de azúcar
2 claras de huevo
Sal
Elaboración:
En un cazo ponemos a calentar la leche junto con el azúcar y el requesón.
Removemos bien hasta mezclar perfectamente todos los ingredientes. Dejamos que
temple.
Montamos las claras junto con la sal.
Añadimos las claras a la mezcla de requesón con movimientos envolventes.
Vertemos la mousse sobre el recipiente elegido y refrigeramos durante al menos 3 horas.
Al servir añadimos miel al gusto.
Tiempo de elaboración: 30 minutos
Dificultad: fácil
Calorías aprox. por ración.: 200 Kcal
Sugerencias:
Podemos sustituir el azúcar por la sacarina, el requesón por uno 0% materia grasa y la
leche por desnatada y conseguiremos así un postre que no pasa de las 90 Kcal. y todo
sin haber perdido su sabor.
Es importante hacer esta receta con requesón, pues el queso fresco o el queso batido
no son igual de ácidos y no le dan el mismo sabor al juntarse con la miel.
FICOMIC Y LA ESCUELA
JOSO EN GAMELAB
Por Tomás Pardo
FICOMIC y la Escuela de Cómic Joso comparten una
isla de cerca de 100 metros cuadrados en Gamelab
2012, la VIII Feria Internacional del Videojuego y el
Ocio interactivo que se celebra del jueves 28 de junio
al domingo 1 de julio en el Palacio 1 de Fira de
Barcelona Montjuïc. En dicho espacio FICOMIC va a
promocionar el XVIII Salón del Manga con el
reparto de 5.000 vales de descuento para la entrada
de este festival. Por su parte, la Escuela de Cómic Joso
va a desarrollar una serie de master-class y talleres
abiertos a profesionales y al público por parte de
profesores que han participado en el diseño de
videojuegos, así como de dibujantes que han adaptado
al cómic algunos de los videojuegos más populares. El
objetivo es mostrar la relación existente entre el
mundo del cómic y del videojuego, que comparten el
dibujo como base de creación gráfica y la narrativa
secuencial. Os recordamos que si habéis conservado la
entrada del pasado Salón del Cómic esta os servirá
para obtener un 2x1 en el Gamelab.
El programa de talleres y master-class es el siguiente:
MASTER-CLASS DE JUEVES A DOMINGO
Tendrán como tema principal las adaptaciones de
videojuegos al cómic y el concept art como
herramienta de pre-producción.
JUEVES 28
18:00. IKARI STUDIO: Diseño de personajes
para videojuegos
VIERNES 29
12:00. IKARI STUDIO: Diseño de personajes
para videojuegos
18:00. FRANCIS PORTELA: Halo, del videojuego
al cómic
SÁBADO 30
12:00. SERGIO SANDOVAL: Proceso creativo de
los cómics Deus Ex y Uncharted
17:30. JUAN CARLOS CONCHA: Diseño y
preproducción por animación
18:45. IKARI STUDIO: Procesos y aplicación de
color de Arkham City y Uncharted
DOMINGO 1
12:00. IKARI STUDIO: Procesos y aplicación de
color de Uncharted
18:00. JUAN CARLOS CONCHA: Diseño y
preproducción por animación
ACTIVIDADES PARALELAS
Durante todas las jornadas de GAMELAB y entre el
espacio horario destinado a las clases magistrales se
harán:
Demostraciones continuadas de ilustración digital,
cómic y concept-art a cargo de expertos. El público
podrá participar de pequeñas tutorías con los
profesionales responsables de las demos.
Concurso de diseño de personajes abierto al público de
todas las edades.
Expocómic, quince años de lujo
Por José Arce
El genial Max se encargará del cartel de la
edición 2012
Entre los próximos 29 de noviembre y 2 de
diciembre los fanáticos del noveno arte ─y de la
cultura en general─ tienen una cita con el Salón
Internacional de Tebeo de Madrid –
Expocómic 2012, que vestirá sus mejores galas
para celebrar el que será su XV aniversario.
Semejante acontecimiento requería un autor a la
altura de la circunstancias, y es un todo un honor
anunciar desde la organización que el cartel de
esta edición correrá a cargo de Francesc
Capdevila, mundialmente conocido como Max.
Es un verdadero lujo contar como cartelista con
quien ha recibido el Premio Nacional de
Ilustración y el Premio Nacional del Cómic, entre
tantos otros agasajos al alcance de tan sólo un
puñado de titanes. Además, lanzamos ya el
nombre de uno de los primeros invitados
internacionales, Ben Templesmisth, imparable
talento australiano que nos meterá el miedo en el
cuerpo con su talento para el horror gráfico.
Francesc Capdevila, “Max” (Barcelona, 1956).
Quería ser pintor, pero el brutal talento de este
catalán, verdadero clásico vivo de nuestra
historieta, no podía abarcar una sola disciplina;
así, ha desplegado su arte como ilustrador,
diseñador e historietista, moviéndose con
envidiable comodidad en prácticamente cualquier
género que se le antoje. Miembro fundador de “El
víbora”, creador de Peter Pank, portadista de The
New Yorker, autor de la mascota del centenario
del F.C. Barcelona… su capacidad de gestación
artística es inmensa, sólo equiparable a su
genialidad. Obligado es citar trabajos como
“Licantropunk” (1988), “Nosotros somos los
muertos” (1993), “El prolongado sueño del Sr. T”
(1998) o “Bardín, el superrealista” (2007), aunque
su catálogo es imposible de resumir de modo
somero. Los Premios Nacionales de Ilustración y
del Cómic que ha recibido encabezan una lista de
reconocimientos que le colocan en el Panteón del
Noveno Arte, todo con mayúsculas.
Ben Templesmith (Perth, Australia, 1984). Que a
sus 28 años haya sido nominado siete veces a los
Premios Eisner es un dato que habla por sí solo de
las aptitudes naturales de este artistazo que nos
visita desde el otro extremo del globo. Despuntó a
principios de siglo XX en Image Comics, la
factoría de Todd McFarlane, a partir de la serie
“Fell”. Y ese mismo año, junto a Steve Niles,
publicó en IDW sus mundialmente famosos “30
días de oscuridad”, asfixiante epopeya vampírica
que trascendió la viñeta para ser adaptada, de
momento, en dos películas. De estilo impactante,
macabro, aterrador en el sentido más global de la
palabra ─se encarga de todo el proceso: lápiz,
entintado, color y tratamiento infográfico─, los
proyectos se acumulan en la cartera de este joven
autor que se confirma como nombre a seguir en el
presente y el futuro del cómic, más aún desde que
se confirmase que será uno de los ilustradores de
una nueva serie digital del mismísimo héroe de
Gotham.
Damiselas en peligro
No es ningún secreto que a lo largo de los años la
figura femenina se ha utilizado para vender
cualquier producto. Chicas sexys, con poca ropa,
durante todas las épocas han sido el rostro –o el
cuerpo- de múltiples productos, y el de la
literatura y el cómic no iba a ser menos.
Las femme fatales “campaban” a sus anchas en la
época dorada de los libros de bolsillo, para
Westerns, novelas detectivescas, de terror, de
amor, eróticas.
Hoy nos detendremos en las portadas de algunos
paperbacks de “damiselas en peligro”.
La época dorada de estos clásicos se centró en las
décadas de los cincuenta y sesenta, donde por lo
general se mostraba a alguna chica a punto de ser
atacada en la portada, frecuentemente con muy
poca ropa o prendas tan ajustadas que dejaban
poco a la imaginación. La atracción para ciertos
lectores era inevitable, tanto por el trasfondo
erótico que las portadas emanaban en ciertos
casos, como por esa desazón de saber qué le
pasaba a tan atractiva joven. Estaban dedicadas a
un público masculino, ¿y qué hombre con un poco
de sangre en las venas podría resistirse ante una
imagen así?
A veces, el atacante salía en la portada, bien e
espaldas o mostrando su rostro y en actitud
amenazadora. Otras, tan solo mostraba una mano,
con o sin revólver o cualquier tipo de arma, pero
en cualquier caso, siempre amenazante. En otros
casos, el supuesto amenazante no aparece, siendo
el peligro alguna sombra o el hecho de que la
fémina esté corriendo, perseguida por una
invisible presencia indicadora de un peligro
inminente.
En la mayoría de estas portadas, el peligro para la
bella dama es bastante más ostensible, un hombre
-o incluso otra mujer- acechante o persiguiendo a
la heroína con la intención de causarle daño.
Estas cubiertas, en contraste con otras muchas, no
mostraban una violencia flagrante, no
representaban una escena de lucha o de ataques
contra mujeres, sino que simplemente se
concentraban en crear una atmósfera que no
dejaba lugar a dudas de las intenciones del
supuesto atacante para instigar la inquietud en el
lector con una imagen que ilustraba perfectamente
el sentimiento de inminente fatalidad capturado en
las mejores historias de suspense. Una cualidad
convertida en arte.
BIODRAMINA: 60 años contra el mareo
Biodramina. Ese fármaco con o sin cafeína que
evita los efectos del mareo en el viajero.
Y os preguntaréis… ¿y qué tiene que ver la
Biodramina con el cómic y la ilustración? Pues
bastante, si tenemos en cuenta que a lo largo de
estos sesenta años ha creado carteles publicitarios
que de por sí constituyen verdaderas obras
maestras. Carteles que se han expuesto en
Barcelona con motivo del aniversario de estas
pastillitas de sabor amargo, en el Ateneu.
Corría un 6 de Junio de 1952 cuando Biodramina
llegaba a las boticas españolas, tras ser creada
durante la guerra. En realidad, se puede decir que
Biodramina tiene unos 68 años porque justo
también un 6 de Junio, pero esta vez de 1944,
tenía lugar el Desembarco de Normandía, que
tiene mucho que ver en la historia del fármaco.
Biodramina se complace en que el éxito de aquella
misión es debida, en parte, a su fórmula, y es que
mientras la Marina de EEUU y la Royal Navy
británica ultimaban los planes para el día D, uno
de los pilares de su estrategia era evitar que sus
soldados se mareasen durante la travesía marítima.
Hasta entonces, habían hecho uso de la
escopolamina, un alcaloide bastante peligroso de
la planta del estramonio, que evitaba el mareo
pero podía producir alucinaciones, dilatación de
pupilas –que impediría apuntar correctamente un
arma-, y en caso de dosis muy altas incluso la
muerte.
Pero tampoco era plan dejar a los pobres marines
expuestos a la cinetosis que puede producir en el
organismo el oleaje u otros medios de transporte,
que es lo que sucede cuando al cerebro le llegan
informaciones contradictorias de la vista o el oído,
responsable del sentido del equilibrio y la posición
y el sistema osteomuscular, causando náuseas y
vómitos.
Así, la alternativa a la escopolamina llegó en
forma de un antihistamínico de probada eficaz
contra la pérdida de orientación o equilibrio, los
sudores fríos o el malestar del mareo: el
dimenhidrinato, componente esencial de la
Biodramina unos años después, cuando el doctor
John Uriach se hizo eco del uso del dimenhidrato
en EEUU. El Dr. Uriach empezó entonces a
comercializarlo en España a partir de 1952,
realizando algunas modificaciones y bautizándolo
como el fármaco que conocemos hoy en día.
Es ese mismo año cuando la marca crea a Don
Bío, representante publicitario pionero en el
sector.
Ya en la década de los 60, con el boom de los
automóviles utilitarios, el uso de la Biodramina en
las angostas carreteras españolas y el aroma a
gasolina que desprendían los vehículos, se hizo
casi una necesidad.
Los posters y folletos de Biodramina no se limitan
a las farmacias. Agencias de viajes, hoteles,
compañías aéreas, marítimas y todas las
relacionadas con el sector turístico y de acceso al
viajero se hacen eco de las fantásticas propiedades
de Biodramina, que crea toda una línea de
merchandising con recortables, mapas de
carreteras y algún que otro coleccionable.
A partir de ahí, el que más o el que menos ha
hecho uso de manera preventiva o in extremis
alguna vez de Biodramina, que coincidiendo con
este 60 aniversario desde su distribución en
España, inauguró el mes pasado en el Atenau de
Barcelona una exposición de carteles publicitarios
que muestran la evolución de los viajes en las
últimas seis décadas, sobre todo de los viajeros
españoles.
Como curiosidad, decir que el último cartel de la
conocida marca ha sido creado por el popular
presentador de televisión Andreu Buenafuente.
Tampoco se desgastó las neuronas el buen
hombre.
Si en los sesenta se convierte en un imprescindible
de las familias viajeras del fin de semana o épocas
estivales, su verdadera consolidación llega en los
años 70, cuando Biodramina se asienta como
marca reconocida y de referencia en el tratamiento
del mareo.
1971 es testigo de un acontecimiento decisivo: el
lanzamiento de Bidoramina C o Biodramina
Cafeína, con las mismas propiedades que la
Biodramina-D y destinada a ofrecer nuevas
alternativas al consumidor, evitando que este
caiga dormido por los rincones como una Bella
Durmiente cualquiera.
Con el aumento del poder adquisitivo de los
ciudadanos, los viajes de larga duración
comienzan a ser habituales, tanto dentro del país
como en el extranjero y las vacaciones se asientan
de manera institucionalizada.
En 1978 se producen cambios importantes.
Biodramina C sustituye de manera definitiva a la
D, con una campaña paulatina para introducir la
nueva fórmula, con un éxito atronador. Al año
siguiente, con nuevas legislaciones vigentes,
recibe la calificación de EFP (Especialidad
Farmacéutica Publicitaria), con lo cual
Biodramina puede adquirirse libremente en
farmacias sin necesidad de receta médica como
era obligatorio hasta entonces.
En los ochenta, siendo ya una marca establecida y
conocida por todos, Biodramina sigue
investigando, creando y realizando cambios. En
1988 presenta su variedad en chicle, con un sabor
mucho más agradable que el de la pildorita
amarilla y de eficacia casi inmediata.
Casi cuarenta años después de su invención, en
plenos 90s, Biodramina es líder indiscutible de los
productos contra el mareo, siendo citada incluso
en novelas, artículos o tiras cómicas,
imprescindible en la vida del viajero.
En esa década continúa adaptándose a los cambios
sociales e infraestructurales. Se producen mejoras
en las carreteras españolas y los nuevos vehículos
son mucho más cómodos que sus predecesores, lo
cual deriva en una mejora, también, de las
condiciones para el viajero, que no se ve expuesto
en demasía a violentos traqueteos o curvas
cerradas, por lo que Biodramina deja de ser
imprescindible en las necesidades de éste.
Con un turismo cambiante, actualmente viajamos
más pero menos días. El número de escapadas de
corta duración se incrementa en un 10% en 2011 y
el de cruceros en casi un 20%, y es precisamente
ahí donde aun se halla el mercado fuerte de
Biodramina.
Cuando tus héroes olvidan los
pantalones…
Por Lew Stringer
Lew Stringer es dibujante, trabajando activamente
desde hace casi treinta años en la creación de
personajes para revistas como Beano, Dandy,
Buster y muchas más, y ha trabajado freelance
para IPC, Marvel, Egmont, Panini, D.C., etc. Este
mes colabora con nuestra revista con un
interesante artículo sobre los desaguisados que
puede producir un entintador despistado…
Era 1967. El verano del amor. Y cuando los
Maestros del Mal atacan y tienes que liderar a Los
Vengadores en la batalla, ¿quién tiene tiempo para
recordar sus pantalones?
Los Power Comics de Odham eran mis favoritos,
y aun lo son, pero cuando cometían errores, hacían
verdaderas meteduras de pata.
Cuando reimprimían historietas de Marvel,
Odhams recibía copias en blanco y negro y,
presumiblemente, algún tipo de guía de colores,
probablemente en forma de los cómics originales.
No siempre se adherían a esa guía cromática y los
errores a veces podían ser mínimos, pero en un par
de ocasiones… bueno, solo hay que ver la portada
de la revista Terrific Num. 20 expuesta en la
columna de la derecha, con un Capitán América
en plena batalla con las piernas al aire. Con
bastante frecuencia cometían el error de dejarle
con los brazos desnudos, pero esto es otra cosa…
Para alguien que era una Leyenda Viva de la II
Guerra Mundial y que estaba intentando retener el
respeto de los que le rodeaban, unos shorts no le
daban precisamente una buena imagen.
Y si uno se fija, al fondo Thor también parece
querer adoptar un moreno de albañil.
Y para demostrar la diferencia en color (o mejor
dicho, la falta de éste), sirva como muestra el
original del cómic, la portada del Avengers núm.
15. No está en muy buenas condiciones pero este
fue el tercer cómic de Marvel que compré y por
entonces aún no había desarrollado la habilidad de
conservarlos adecuadamente. Tenía
ocho años.
Otra metedura de pata, pero no tan divertida,
había tenido lugar con anterioridad, en 1966, en
la primera aparición de Hulk en la portada de
Smash!
Como la mayoría de fans probablemente saben, en
su primer número en América en 1962, The Hulk
tenía la piel gris, pero como no se imprimía
consistentemente, lo cambiaron a verde en el
número dos. Presumiblemente nadie se lo dijo a la
casa Odhams…
Y para rizar el rizo, parece que Hulk tenía
preferencia por esmalte de uñas blanco. ¿Quién lo
habría podido adivinar? “¡El hombre más extraño
de todos los tiempos!!” Desde luego, y además
lleva un vestido amarillo…
Y para finalizar… ¡Robin en slips!
Hasta aquí el artículo de Lew sobre los errores
colorísticos de Odhams, pero no es la única
publicación que comete semejantes errores.
Bruguera ya cambió el colorido de sus originales a
su libre albedrío durante su historia. En el comic
para chicas, era más que frecuente dar color a un
escote “inapropiado” o, todo lo contrario, colorear
como piel mangas que eran largas, cambiando así
el modelo como quien recicla un vestido.
Tal vez busquemos y os lo enseñemos…
El Origen del nombre TBO
Por Carlos de Gregorio y Rosa Segura
La Revista TBO es, por muchos motivos, una
pieza fundamental en la historia de las
publicaciones de humor en España. Fue pionera
entre las revistas dirigidas a la infancia, y
transmitió su particular sentido del humor a
varias generaciones de lectores de toda edad y
condición. Pero nos dejó otro legado que no
podemos olvidar: de las tres letras que formaban
su cabecera surgió la palabra “tebeo”, con la que
pronto comenzaron a designarse de modo
general todas las revistas infantiles de
historietas, hasta el punto de ser incluida en el
Diccionario de la Real Academia Española.
Hoy en día la palabra “tebeo” no solo continúa
utilizándose sino que ha ampliado su
significado, extendiéndose a prácticamente
cualquier publicación de historietas, tenga
formato de revista, folleto, cuaderno o libro, y
sea cual sea el público destinatario de dicha
publicación.
Hasta hace poco tiempo, se pensaba que el
nombre de la revista TBO había nacido en 1917,
coincidiendo con la fundación de la revista así
denominada. Sin embargo, Rosa Segura, autora
del libro “Ediciones TBO ¿dígame? Memorias
secretas de una secretaria”, realizó este 2012
un singular descubrimiento que ha aportado una
nueva perspectiva al nacimiento de la palabra
TBO, adelantando nada menos que ocho años
dicho acontecimiento.
Durante algún tiempo se especuló con la teoría de
que las siglas TBO podían corresponder a las
iniciales del fundador de la editorial Bauzá, que fue
socio de Emilio Viña durante varios años. SE trata
de un error que cae por su propio peso, pues ni las
iniciales corresponden con el auténtico nombre del
editor, ni este tuvo relación alguna con los inicios
de la publicación. El propio Albert Viña, que
durante años fue director del TBO, lo desmintió en
una carta al director publicada en el diario La
Vanguardia el 2 de Febrero de 1992, pocos días
después de la publicación de una columna en la
que se daba por cierta esta elucubración.
En una reciente entrevista, Albert Viña recordaba
que el nombre del TBO fue idea de Joaquín Arques
Escriña, un empleado administrativo y literario del
litógrafo Arturo Suárez, que fue el editor de los
primeros nueve números de la revista. Fue también
Arques quien, según nos cuenta Albert Viña,
concibió el plan de lanzar una publicación infantil
para amortizar mejor los trabajos con la maquinaria
de la imprenta.
Las letras que formaban la cabecera TBO no tenían
ningún significado especial ni pretendían transmitir
ningún mensaje en clave. Su única pretensión era
hacer un divertido juego de palabras, un recurso
que ya había sido utilizado por publicaciones como
la revista argentina de humor gráfico PBT (1904) y
la revista galante KDT (1909), y que aún volvería a
aparecer en tebeos como KKO (1932), PBT
(1935) o KCHT (1948), además de la revista
infantil femenina BB, lanzada por Joaquim
Buigas como “suplemento del TBO” en 1920.
El descubrimiento de Rosa Segura que vamos a
relatar fue realizado gracias a una conjunción de
circunstancias que aparentemente no tenían
relación alguna con el TBO, como son su gran
afición a la zarzuela y el desgraciado incidente
sufrido por un familiar suyo a finales del siglo
XIX. Uno de los hermanos del padre de Rosa
Segura era cabo segundo de la Armada
Española y formaba parte de la tripulación del
crucero “Reina Regente”, hundido durante un
temporal en las aguas de Gibraltar en 1895. No
sobrevivió al naufragio ninguno de sus 420
tripulantes.
Había transcurrido más de un siglo desde este
suceso cuando Rosa Segura, con su habitual
inquietud intelectual, decidió aprovechar las
nuevas tecnologías para tratar de conocer la
historia de aquel naufragio. Rosa Segura
participa de forma muy activa, desde hace
varios años, en uno de los principales foros
españoles dedicados al mundo del tebeo, y en
esta ocasión decidió ponerse en contacto con un
foro dedicado a la Historia Naval de España. En
dicho foro coincidió con un aficionado a la
zarzuela de nacionalidad argentina llamado
Gerardo Etcheverry, y como Rosa Segura
compartía con él dicha afición, entablaron
diálogo sobre el género lírico. Ella se ofreció
amablemente a rebuscar en sus archivos y
enviarle un listado de las zarzuelas que tuvieran
relación con el mar. Para ello echó mano del
extenso índice de una colección dedicada a la
Zarzuela. En su revisión de títulos, tardó varios
días en llegar a la letra T, y cuál no sería su
sorpresa cuando apareció ante sus ojos el
nombre de una revista lírica llamada “T.B.O.”,
compuesta por Arturo Lapuerta Morente (1872-
1934), con libreto de Eduardo Montesinos
López (1868-1930) y del dramaturgo y
periodista Ángel Torres del Álamo (1890-1958).
Lo más llamativo del caso era que esta obra había
sido estrenada en el Teatro Noviciado de Madrid el
29 de Abril de 1909, tres años antes del incendio
que destruyó completamente dicho teatro… y ocho
años antes de la fundación de la revista TBO que
todos conocemos.
Rápidamente quiso compartir con algunas
personas, entre las que me encuentro, este curioso
hallazgo, y en poco tiempo conseguimos dos
ejemplares de la revista lírica T.B.O, que
actualmente conservan la propia Rosa Segura y el
antiguo director del TBO, Albert Viña.
Descubrimos que la obra se ambientaba en la
redacción de un nuevo periódico llamado,
precisamente, T.B.O. El argumento se basaba en la
búsqueda por parte de los reporteros de temas para
la redacción de esta nueva publicación, y se
incluían partes dialogadas y números cantados,
como es el propio de este género artístico. El inicio
de la obra nos parecía profético: “¡Ánimo, señores!
A trabajar. Mañana saldrá el primer número de
T.B.O. y hay que lucirse. Ya saben ustedes que
éste no será un periódico vulgar. T.B.O. viene a
llenar un vacío”.
El libreto incluía un Suplemento Extraordinario
con un cuadro final añadido por los autores,
posiblemente después del estreno, lo que explica
el subtítulo de la obra, “revista lírica en cuatro o
cinco cuadros (a gusto del consumidor)”. En la
última página de este suplemento encontramos
un escrito con consejos para los directores de
escena, y en él se indica que al final de la
representación, en calidad de apoteosis, se
extendió un telón corto representando “un
extraordinario del periódico T.B.O.”,
acompañado por un letrero que decía: “Regalo
de T.B.O. a sus suscriptores”. Por supuesto, este
periódico de ficción no tiene relación con
ningún periódico de la época ni con la revista
infantil TBO, que aún tardaría ocho años en
nacer.
A primera vista pudiera parecer que la
coincidencia entre el nombre de la revista lírica
y el TBO, que tantas horas de diversión nos ha
proporcionado es una mera casualidad. Sin
embargo, existe una clara conexión entre ambos
“TBO” que nos conduce a otra conclusión. Da
la casualidad de que Joaquín Arques, el
empleado que sugirió a Arturo Suárez el nombre
del TBO, había sido uno de los escritores más
destacados entre la abundante nómina de
autores teatrales murcianos del siglo XIX. El
especialista Antonio Crespo ha estudiado
detenidamente su obra, y concluye que la
producción de Joaquín Arques como libretista
de zarzuelas es bastante numerosa,
sorprendiendo el éxito que obtuvieron algunos
de sus estrenos, muy por encima del nivel medio
de aceptación de las obras de sus colegas.
La biografía de Joaquín Arques aúna su afición
a la zarzuela con su labor en el mundo editorial.
Sabemos que nació en Murcia el 22 de Septiembre
de 1861. Se dedicó desde muy joven al periodismo,
y dirigió varios periódicos en su ciudad natal desde
1886. Ya en el siglo XX se trasladó a Barcelona,
donde tuvo a su cargo varias publicaciones de las
llamadas galantes o sicalípticas. Paralelamente, se
había acercado al mundo del teatro desde 1884,
inicialmente como actor aficionado. En 1888
estrenó su primera obra como autor, la revista
“Murcia” con música del maestro Muñoz Pedrera.
La obra se representó en 24 ocasiones a lo largo de
4 meses en el teatro Romea, constituyendo un éxito
indudable para un autor local y primerizo. En solo
diez años, Joaquín Arques estrenó nueve piezas
teatrales, varias de ellas con enorme éxito. Ya en
Barcelona, continuó su aportación al mundo de la
escena como autor, por lo menos hasta 1912.
Sabemos que en los años posteriores trabajó en la
litografía de Arturo Suárez, donde intervino de
forma decisiva en el nacimiento de nuestro clásico
TBO, tal como comentábamos más arriba.
¿Se inspiró Joaquín Arques en el título de la revista
lírica de sus colegas Lapuerta, Montesinos y
Torres? Como mínimo, debemos concluir que es
muy probable que la conociera, ya que formaba
parte destacada del gremio de los autores de
zarzuela. Quizá nunca pueda demostrarse con
certeza esta inspiración, pero gracias a la
curiosidad infatigable de Rosa Segura hoy sabemos
a ciencia cierta que el primer TBO de la historia es
un poco más antiguo de lo que suponíamos.
ESCOGE 2012
Con cartel realizado por Corominas, del 29 de
Junio al 1 de Julio tuvo lugar este año el II
Escenario de Cómic de Getafe ESCOGE, con
múltiples actividades y la presencia de algunas
personalidades del mundo del Cómic.
Este año, además han tenido lugar exposiciones,
como la dedicada a Moebius, con una muestra
de los homenajes de otros autores influenciados
por el autor recientemente fallecido en la
fachada de la Delegación de Cultura, o las que
tuvieron lugar en la Sala Lorenzo Vaquero,
como fueron la exposición Antonio Mingote:
Tres diamantes en Getafe, el Arte de
Corominas, con visita guiada del propio autor y
una exhibición de Curiosity Shop guiada por las
autoras Teresa Valero, Montse Martin y Gabor.
El Viernes 29 tuvo lugar la presentación exprés de
9th Comic y Ninth Comic, con su editor Sandro
Mena y el dibujante Jesús Alonso Iglesias. A
continuación, una mesa redonda bajo el títulos de
“¡Caramba!” dedicada al comic de humor, seguida
de otra mesa redonda, esta vez bajo el título de
“Autores en Obras”.
Tras ello hubo un encuentro con Juan Díaz
Canales, que hablaría de Blacksad, y a
continuación firmas de Manuel Bartual, Alberto
González, Jesús Alonso Iglesias y Juan Díaz
Canales.
El Sábado se presentaría El Retrato de Dorian
Gray, de Corominas y Lorenzo Pascual. Tras las
mesas redondas de Voces del Comic Nacional,
Manga Ancha y Made in USA, y firmas de Paco
Roca, Juan Berrio, Mireia Pérez, Enrique
Corominas, Estudio Kosen, Kenny Ruiz, Montse
Martin y Teresa Valero, Carlos Pacheco, David
López y Pepe Larraz, el día quedaba clausurado
para la llegada del plato fuerte del Domingo: más
firmas, entrega de los premios del concurso
Nacional e Infantil y a la Trayectoria Profesional,
con entrega de placas de futuras calles a Jordi
Bernet, Paco Roca, Carlos Pacheco, Mingote y
Moebius.
Para culminar un día cargado de emociones,
después de una mesa redonda sobre Juego de
Tronos, se proyectó el cortometraje nacional
Crosbow y el largometraje de animación Arrugas,
de Paco Roca.
Reg Parlett: prolífico autor
Reginald Edward Parlett nació un 2 de Agosto
de 1904 en Londres. Su padre, Harry, fue un
prolífico artista cuyo trabajo apareció en
muchas publicaciones victorianas, generalmente
de manera anónima, y en una buena cantidad de
postales bajo el seudónimo de “Comicus”.
El joven Reg tuvo una infancia muy normal.
Jugó en las calles de Londres, trepó árboles,
compró caramelos en las tiendas locales de su
barrio y, junto a sus compañeros de clase, leyó
cómics tales como Puck, Butterfly, Comic Cuts
y Chips, todas publicadas por Amalgamated
Press, con sede en Londres.
Desde bien temprano parecía que Reg y su
único hermano, George, habían heredado el
talento artístico de su padre. Reg en particular
pasaría mucho de su tiempo libre copiando
ilustraciones de revistas y realizando bocetos de
objetos y escenas de sucesos que le interesaban.
Estaba fascinado, por ejemplo, con el conflicto
de la Primera Guerra Mundial, y realizó muchos
dibujos detallados representando varios de sus
aspectos.
Cuando la Guerra terminó, apenas había dejado
la escuela y la idea de una carrera artística aún
no se había asentado en él, convirtiéndose en
oficinista en Thomas Cook, la famosa agencia
de viajes.
Mientras tanto, el padre de Reg, Harry, había
empezado a enviar su trabajo a los comics de
Amalgamated Press. Un amigo de la infancia de
Harry, Percy Cocking, había sugerido esta idea en
1915. Cocking estaba ya establecido en esa época y
era bastante prolífico: sus personajes más
conocidos fueron “Weary Willie and Tired Tim”
que dibujó continuamente durante casi cuarenta
años para la cubierta de la revista Chips.
Harry Parlett siguió los consejos de Cocking.
Después de todo, era el siguiente paso lógico en su
carrera: trabajar en un cómic era similar a dibujar
varias postales basadas en el mismo tema. También
era cierto que la experiencia que había conseguido
ilustrando postales le había llevado a un estilo “de
comic” de manera natural que era lo ideal para
publicaciones tales como Butterfly, Chuckles, Film
Fun, Firefly, Funny Wonder y otros famosos títulos
que disfrutaban de la era dorada del comic a
principios del siglo XX. Desde el momento que
sus primeras contribuciones fueron aceptadas,
Harry produjo más trabajo por lo comics de lo
que había hecho con anterioridad.
Harry Parlett mostró algunos de los dibujos de
Reg a sus contactos en Fleetway House, el
cuartel general de Amalgamated Press, y pronto
Reg encontró que había un mercado para chistes
de una sola viñeta e historietas que se molestaba
en presentar de manera freelance. Reg dejó su
trabajo en Thomas Cook y en 1923 se convirtió
en un miembro permanente de la plantilla de
Fleetway House.
El hermano de Reg, George, tras intentar su
suerte en varias profesiones (fue vendedor y
trabajó también en una ocasión para una
compañía aseguradora), siguió una carrera que
se desarrolló de manera similar. Se unió a
Amalgamated algún tiempo después, y se quedó
en Fleetway House como miembro de la
plantilla durante varios años antes de empezar a
trabajar desde casa de manera freelance.
El primer editor para el que Reg Parlett trabajó
fue Stanley Gooch, un hombre de estándares
altos con una reputación por ser muy exigente.
Gooch era muy estricto pero utilizaba su
conocimiento y experiencia para ser servicial, y
bajo su dirección, Reg aprendió muchísimo.
Al recién llegado artista se le pidió que trabajara
en una amplia gama de actividades: dibujo a
lápiz, entintado, caracteres, guiones, y, lo más
importante, el duplicado del trabajo de otros
artistas. Un “duplicado” consistía en dibujar con
el estilo de otro artista, una labor que a veces era
muy necesaria debido a enfermedad o vacaciones.
Un buen multicopista podía asegurarse de que los
lectores no pudieran detectar el cambio de artista
en sus tiras favoritas.
Fue precisamente el duplicado lo que fue tan
importante para el futuro desarrollo del arte de
Parlett hijo. Durante los siguientes años se le pidió
que dibujara en el estilo de virtualmente cada
artista importante trabajando por entonces para
Amalgamated Press. Esto provocaría una base de
entrenamiento de incalculable valor para el joven
artista que entonces no tenía un estilo establecido
propio. Conoció y se hizo amigo de casi todos los
artistas, desde visitantes pocos frecuentes de
Fleetway House como el legendario Roy Wilson,
hasta el talentoso y muy respetado “Bertie” Brown.
Brown era extremadamente prolífico y un artista de
gran talento cuyo trabajo estaba muy cotizado entre
los editores. Su producto más conocido eran las
aventuras de Charlie Chaplin que aparecieron en la
portada de Funny Wonder durante muchos años.
El hecho de que Bertie Brown y Reg viviesen
relativamente cerca les ayudó a establecer una
firme amistad. Reg encontró que a Bertie le
encantaba darle el apoyo de su experiencia por
medio de una crítica constructiva y de consejo
con respecto a su trabajo.
Reg pronto comenzó a ser un artista “habitual”
por derecho propio. Uno de sus mejores
personajes y el que más duró fue “Sally in Our
Alley” que fue uno de los primeros que dibujó
en su propio estilo.
A finales de los años 20, Reg se había
convertido en un artista muy bueno. Y, tras ser
aprendiz durante seis años que le llevó a
aprender cada detalle de la industria y a
contribuir como el artista habitual de “Larry and
Len”, “Jerry and Auntie”, “Pharaoh and his
Mummy”, “Our Double Dutchies” y muchos
otros, Reg recibió el reconocimiento que se
merecía cuando se pidieron que fuese el artista
de una nueva serie llamada “The Sheriff of
Sherbert City” que apareció en la prestigiosa
portada de Merry & Bright. Tuvo tanto éxito
que pronto le pidieron que hiciera la última
página del comic también. Esta era una versión
humorística de Robin Hood y fue, casi sin
ninguna duda, la primera vez que este
legendario héroe aparecía en comic en formato
de historieta. Ambos “Sherbert City” y “Robin
Hood” estaban deliciosamente dibujados y
ejecutados y revelaban los grandes progresos
que Reg había realizado durante su tiempo en
Fleetway House.
Para probar la subida de su reputación en la
empresa, en 1934 le piden que ocupe el lugar
del dibujante de “Pitch and Toss” en Funny
Wonder. Esta historieta había sido llevada a la
portada por Roy Wilson a través de cuyos
esfuerzos se había convertido en una tira muy
popular. Reg mantuvo la calidad establecida por
Wilson y la aumentó, si cabe. Otras asignaciones
importantes le seguirían, en la portada y en el
interior, que incluyeron “Wildflower and Little
Elf”, “Larry the Larky Legionnaire”, “Jolliboy’s
School”, “Happy Harry and Sister Sue”, “Our
Screen Screams” y “Jerry, Jenny and Joe”.
Fue en la década de los treinta, también, cuando
Amalgamated introdujo los Anuales de Navidad
para muchos de sus tebeos semanales. A Reg se le
pidió que dibujara las portadas a color y
suministrar alguna de las secciones a color que
aparecían en su interior. El primero que le pidieron
fue el Jester Annual (1936). Su trabajo también
apareció en anuales de Crackers, Funny Wonder,
Tip Top y Jingles. Las secciones a color del interior
protagonizadas por Pitch and Toss que aparecieron
en ediciones de el Funny Wonder Annual eran
especialmente buenas. A finales de los años 30 Reg
Parlett era uno de los maestros de Fleetway House.
Reg se había casado en 1928 y para entonces ya
tenia dos hijos, Malcolm y Grahame. Había
conocido a su esposa Mary en un baile siete años
antes y hasta su muerte permaneció felizmente
casado con ella. Mary demostró ser, además de una
gran compañera, toda una ayuda profesional:
durante años se encargó de los caracteres en las
viñetas y también hizo algún entintando en negro.
Cuando la guerra llegó en 1939, Reg se alistó en la
RAF y, por sus habilidades artísticas, se le asigno a
trabajar principalmente en mapas. Sus deberes
allí aun le dejaban tiempo para enviar sus
habituales historietas pero según la guerra
progresaba, a los comics les iba bastante mal: se
estaban dejando de producir algunas cabeceras
y se cancelaron los Anuales debido a la escasez
de papel. Aquellos comics que sobrevivieron
redujeron su tamaño y a veces su periodicidad,
apareciendo quincenalmente en lugar de cada
semana. De cualquier modo, un nuevo comic
que había comenzado un año antes de la guerra
se las había apañado para mantener su
calendario semanal, aunque sin la portada a todo
color de la que había presumido cuando el
primer número se publicó. El comic en cuestión
era Radio Fun y en sus páginas aparecieron
algunos de los mejores trabajos de Reg Parlett.
Su “Big-Hearted Arthur” fue publicado durante
muchos años al igual que “Revnell and West”,
“Tommy Handley”, “Jack Warner” y otros.
En 1945, cuando la guerra llegó a su fin, solo
una relativa cantidad de tebeos de Amalgameted
permanecía en el mercado; el trabajo era escaso
y estaba el problema añadido de los militares
que eran desmovilizados y querían recuperar sus
antiguos puestos. Reg pensó en intentar algo
diferente. Un día vio un anuncio en un periódico
de la Organización Rank; la compañía
cinematográfica británica estaba montando una
unidad de animación bajo la dirección de David
Hand, y Reg solicitó un trabajo allí con la
animación en mente. Hand reconoció de
inmediato sus habilidades creativas y le ofreció
un empleo como escritor en el departamento de
historias, siendo ascendido a director de
historias posteriormente. Este era, de hecho, un
puesto ideal para Reg, ya que había estado
escribiendo guiones y dibujando comics durante
más de veinte años y la suya era la clase de
experiencia que estaban buscando. Era el trabajo
del escritor el de crear visualmente mucho de los
personajes divertidos y situaciones que habrían de
ser usadas y dibujadas para incluirlas en las
películas. Tenía que tejer una historia a partir de
estos eventos y pasar su trabajo a los animadores
que ponían el movimiento en los personajes.
GB Animation, como la división de Rank era
conocida, trabajó en dos notables y exitosos
proyectos: the “Musical Paintbox” y “Animaland”.
Reg trabajó exclusivamente para la última.
Desafortunadamente la influencia de la televisión
sobre el cine comenzó a hacerse sentir a finales de
la década de los 40 y Rank Organisation encontró
que la producción de dibujos animados ya no era
viable financieramente. El estudio cerró en 1950.
De cualquier modo, los dibujos de la Rank no
fueron la última incursión de Reg en el campo de la
animación. Reg también contribuyó al primer
largometraje animado británico, basado en la
famosa novela de George Orwell “Animal Farm”,
que fue estrenado en 1954 por los Estudios Halas y
Batchelor.
Reg Parlett no abandonó totalmente su trabajo en
comic durante este periodo en la industria del cine.
Entre 1948 y 1950 hizo bastantes trabajos para
comics que, sorprendentemente, no fueron
publicados por ninguno de los dos gigantes
editoriales, Amalgamated y Thomson D.C. Estas
publicaciones independientes tenían títulos como
Star Flash, Zip, Funbeam, Flash… y fueron
publicadas por Philipp Marx, Martin y Reid y
otras compañías pequeñas aprovechando la
escasez de comics de la posguerra. Todas
estaban sujetas a un control editorial mínimo y
los editores daban carta blanca a sus artistas,
que Reg encontraba a la vez estimulante y
gratificante. La desaparición de los comics
independientes coincidió con el cierre de GB
Animation y Reg Parlett regresó a trabajar a
tiempo completo para los comics de
Amalgamated Press.
Sin embargo, no fue solo el cine el que sintió la
influencia de la televisión en los 50. Antes de
1955, algunos de los comics más conocidos
publicados por Fleetway terminaron sus días de
una vez por todas. Comic Cuts, Chips, Tip Top y
Jingles le deben su cese principalmente a la
creciente popularidad del nuevo medio. De
cualquier modo, había un poco de consuelo para
Reg en forma de nuevos comics mejor
adaptados a los tiempos. Uno de estos, fue TV
Fun en el cual Reg dibujó las aventuras de
personalidades tales como Max Bygraves, Sally
Barnes, Mick and Montgomery, Tony Hancock,
Bernard Bresslaw, Frankie Howerd y otros.
Aunque no era su primer intento de caricatura
para comic, habiendo trabajado anteriormente
en series con Arthur Askey, Jack Warner y
Tommy Hanley, aquí demostró que podía ser
versátil.
En los años 60, Reg recibió su primera
oportunidad de hacer tiras para la prensa: heredó
“Just Jake” que aparecía en el Daily Mirror y
permaneció como el artista habitual hasta que el
rotativo decidió hacer recortes en la cantidad de
espacio destinado a comics y decidieron
suprimirlo.
A la vez, sus series continúan apareciendo en los
comics publicados por Fleetway en Eagle, Valiant,
Boy’s World, Lion, Swift, Buster y Film Fun. Esta
última revista era un título famoso con el que la
familia Parlett estaba intrínsecamente relacionado:
el padre de Reg, Harry, había contribuido en el
primer número cuando apareció en 1920, y su
trabajo continuó apareciendo regularmente hasta
que se retiró en los años 40. Film Fun dejó de
existir en 1962.
Los años 70 un nuevo tema llega a los comics: los
personajes tradicionales son remplazados por
vampiros, hombres lobo, fantasmas, momias,
monstruos y toda una caterva de creaciones de
pesadilla. Estos “seres” que en principio eran
solo para aquellos de corazón fuerte, se
convirtieron en encantadoras y divertidas
figuras objeto de las risas de los niños. ¡El
comic descubría el horror!
Una multitud de personajes aterradores nacieron
del lápiz de Reg Parlett, que se deleitó en el
hecho de que era algo fresco y nuevo y muy
diferente a lo que había dibujado antes. Era un
tema bastante popular y duró varios años.
Durante este tiempo su trabajo incluyó: The
Mummy’s Curse (La Maldición de la Momia),
“Hire a Horror”, “Freddy Fang”, “The Haunted
Wood”, “Nightmare”, “Evil Eye”, “Creepy Car”
(nuestro Genovevo) y muchos, muchos otros…
que en España también conocerían el éxito de la
mano de la editorial Bruguera en varias de sus
publicaciones.
Lo que es indiscutible es que ni en los setenta ni en
los ochenta conocieron los comics británicos la
misma época dorada que habían conocido antaño.
Si un comic llegaba al año, se consideraba que lo
estaba “haciendo bien”. Y Reg trabajó para algunos
de esos comics de corta duración, como Cor!! en
1970 o Wow! a principios de los ochenta. En los
cuales dejó su mejor trabajo, como “Creepy
Comix”, que tras ver la luz en las páginas de Wow!,
continuó en Whoopee! cuando ambas revistas se
unen, y que constituye toda una obra maestra salida
de la mano de un octogenario con sesenta años en
el negocio.
Uno de los comics de larga duración en los que
contribuyó Reg fue Buster, nacido un 28 de Mayo
de 1960. Una serie de editores con talento así como
sus excelentes autores contribuyeron a mantener a
los lectores fieles durante su circulación. Reg entró
a formar parte de su equipo en 1965 como
dibujante y también como guionista del
personaje principal, un chico llamado Buster
que en 1983 comienza a aparecer también en la
sección de comic de la cabecera escocesa de
IPC Sunday Mail. Y se da la circunstancia de
que esta tira a color, firmada en la última viñeta
por Reg, se convierte en el primer trabajo que
firma con su rubrica desde sus ilustraciones para
los Anuales de Navidad en los años 30.
Fuente: Alan Clark, The Comic Art of Reg
Parlett (1986)
Presentación de Camila,
Pequeña Bestia Parda
Hace un par de semanas tenía lugar la
presentación en la Galería Sampol Sampol de
Palma de Mallorca del tebeo de Álex Fito
“Camila, Pequeña Bestia Parda”, la nueva niña
mala del mundo del cómic. Si pensabas que Fifí
era Terrible, Camila es simplemente aterradora.
La presentación estuvo a cargo del Rosa Martí,
redactora de EDT junto al propio autor.
Según contó Rosa a los presentes, años atrás
había querido ser como David Bowie imitando
su vestimenta y peinado, aunque se había tenido
que conformar con ser ella misma. Creía que
admirar hasta querer intentar convertirse en otra
persona solo le podía pasar una vez en la vida
pero al leer a Camila volvió a tener esa
sensación, claro que aquí la transformación era
en ente de ficción. (El universo interior de Rosa
es algo complejo).
Rosa se proclama fan absoluta de Camila, de su
humor, de su brutalidad y lo subraya como un
tebeo necesario para esta sociedad podrida en la
que nos hallamos.
Alex cuenta que Camila nació en “El Víbora”,
revista prestigiosa del mundo del cómic ya por
desgracia desaparecida. Cuando comenzó su
creación era otro tipo de publicación más destroyer
y de otra temática, ahora se ha convertido en una
tira de periódico de la más fervorosa actualidad.
Contando esto Alex se emocionó por los tiempos
difíciles que vivimos. Una voz que lucha por hacer
pensar a sus lectores, por intentar cambiar algo
desde su pequeña parcela. Camila es una pequeña
bestia parda pero su autor es todo corazón.
EDT
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Con menos vampiros que en la Saga de Crepúsculo, con menos
magua que en Harry Potter, pero con mucho drama y
sobreactuación…
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