Características

Elementos innovadores

El Swing es un estilo de jazz eminentemente orquestal, influido por la música de origen europeo y que se caracterizó por aportar al jazz una serie de innovaciones conceptuales importantes:

Incrementa el número de miembros de las bandas de hot, mediante la duplicación de instrumentos.

Establece una fijación rítmica derivada de la pérdida del concepto de rítmica global, propio del hot, y, por tanto, de la polirritmia. En el Swing, la batería es el único instrumento con una función totalmente rítmica, lo que le confiere una relevancia especial en cuanto motor de toda la banda.

Valoriza los temas melódicos, tanto por la predominancia de pasajes straight, como por la irrupción de los arreglistas. Se sustituye el concepto polifónico horizontal por una armonización vertical.

Establece una estructura invariable de las piezas, fijándose rígidamente el lugar y duración de las improvisaciones y regulándose mecánicamente la relación entre las partes.

Utiliza, como recurso de tensión, el riff, frase corta repetida varias veces, con crescendo final. Por el contrario, elementos típicos del hot, como los breaks y stop times, se convierten en inusuales.

Consolida la utilización de los registros altos de los instrumentos, con preferencia sobre los bajos e, incluso, los medios, lo que condiciona el resultado sonoro del conjunto, separándolo tímbricamente de la opacidad típica del hot.

Elementos tradicionales

El Swing conserva, sin embargo, aspectos importantes de la tradición hot, especialmente en la forma de abordar el instrumento y la manera de improvisar, así como el carácter continuo del ritmo.

En la temática, se revaloriza el blues y se adaptan melodías populares del music hall, produciéndose además una evidente mejoría técnica de los instrumentistas.

Me atrevo a decir que el "swing" es para la mayoría de músicos y críticos de jazz, el aspecto más importante de esta música, e incluso se le da prioridad frente a otros aspectos tales como la forma melódica, la armonía funcional, la solvencia técnica, el oído bien desarrollado, la versatilidad, la originalidad, etc. Y sin embargo es un tema que genera bastante controversia, ya que cada uno tiene su propia forma de ver, sentir y describir al swing, no existe una definición exacta ni una única forma de swing. A continuación vamos a tratar, dentro de lo posible, en reflejar y describir el concepto de swing dentro de un marco técnico lo más preciso posible.

Se podría decir que el swing es una combinación de dos componentes esenciales: La unidad rítmica y la interpretación del rítmo. La unidad rítmica debe llegar como algo natural por medio de combinaciones compatibles de músicos rítmicamente competentes que tengan experiencia en tocar juntos. Se puede aprender hasta un grado razonablemente exacto la interpretación rítmica, usando el esquema decorcheas expresado con medios puramente técnicos referidos al rítmo, la articulación y los acentos.

Rara vez se escribe la música en alguna de las dos maneras que figuran a la derecha, aunque es como tienen a sonar. En su lugar, se escriben corcheas lisas y llanas dejando al improvisador la libertad de la interpretación. Este ritmo se denomina "shuffle". En el siguiente video se puede apreciar a partir del minuto 0:27

Otro aspecto importante en el lenguaje es que si bien la mayor parte del jazz se toca "legato", existe entre los improvisadores la tendencia a atacar levemente una nota de cada dos, ligando la otra, acentuando los tiempos débiles para ligar a los fuertes. Este tipo de

articulación es bastante peculiar pero muy propio del estilo, y a su vez explica la preponderancia de las figuras sincopadas.

Tengan en cuenta que cada instrumentos tiene sus propias virtudes y limitaciones, por ejemplo, éste tipo de articulación es mucho más notorio en los vientos que en las cuerdas. Existen desviaciones de la interpretación rítmica, la articulación y los acentos, pero prevalecen estos tres aspectos como característicos dentro del jazz .

Bien, ahora trabajemos con una línea que podría ser tocada por un artista improvisador de jazz, ejecutándola en primer término en la manera en que está escrita, sin alterar el ritmo, ni la articulación o los acentos...

Algo así es como debería sonar en primera instancia: tal cual como está en la partitura.

Si bien los sonidos elegidos parecen estar dentro del estilo del jazz, si se toca la línea a secas, el swing jazzero falta casi por completo... Ahora toquen nuevamente la línea, pero

esta vez aplicando el ritmo shuffle del que estuvimos hablando anteriormente. Aún no es necesario centrarnos en la articulación ni los acentos, la idea es hacer paso a paso e ir notando la diferencia que genera en la interpretación. El patrón rítmico ahora pasa a tocarse de la siguiente manera.

Agréguese luego la articulación que figura abajo, manteniendo el ritmo de shuffle pero sin agregar aún los acentos, quedando de la siguiente manera:

Por último, los acentos en los tiempos débiles para completar el ejercicio.

Este ejercicio trata de lograr hacerle conocer la sensación de swing. Los aspectos que mencionamos no son los únicos que sirven para trabajarlo, pero sí los más fundamentales. Dejo otro ejemplo de línea de solo que puede ser trabajada de la misma manera si lo crea necesario.

LA ESTÉTICA DEL JAZZ: PRINCIPALES ELEMENTOS

1.- Introducción: definición de “jazz”

Para contestar a la pregunta ¿qué es el jazz? deberemos crear una respuesta enciclopédica que responda de manera completa y concisa, es decir, que defina. En las enciclopedias encontraremos respuestas no muy satisfactorias, debido a su vaguedad e imprecisión:

Forma de expresión musical surgida en las regiones meridionales de EEUU a partir del encuentro de la música popular europea de los colonizadores franceses, españoles e ingleses, y del folclore africano de los esclavos (Enciclopedia Salvat)

Música nacida en el siglo XX en EEUU dentro del grupo étnico de los negros, cuya base rítmica proviene de África. (enciclopedia Áreas)

Tipo de música norteamericana, especialmente de baile en el que prevalecen la frecuencia de las síncopas y el rápido paso de un tono a otro (Enciclopedia Sopena)

Todas estas definiciones son válidas pero poco aclaratorias e imprecisas

En este sentido los críticos americanos Woody Woodward y Marshall Stearns dieron la siguiente definición de jazz: El jazz es una forma de música de arte que se originó en los Estados Unidos mediante la confrontación de la música europea con la de los negros procedentes de África. La instrumentación, melodía y armonía del jazz derivan principalmente de ls tradición musical de Occidente, mientras que el rimo, el fraseo, la producción del sonido y los elementos del blues se derivan de la música africana. El jazz difiere de la música europea en tres aspectos fundamentales, que le caracterizan:

Una relación especial con el tiempo, definida como swing (basado en alargar la primera de cada 2 corcheas, a modo de “atresillamiento”)

Una espontaneidad y vitalidad de la producción musical en que la la improvisación desempeña un importante papel.

Una sonoridad y manera de frasear que reflejan la individualidad de los músicos ejecutante

2.- Los elementos del Jazz

FORMACIÓN DEL TONO Y EL FRASEO

La “diferencia de tono” que existe en el jazz respecto a la música occidental, se basa en lo siguiente: En una orquesta sinfónica, los miembros de la sección de cuerdas (por ejemplo) tenderán a sonar homogéneamente, intentarán que cada miembro tenga un ideal de sonido como parte de todo instrumental, y su habilidad será que sepa realizar ese sonido homogéneo. A un músico de jazz, por el contrario, no le interesará adaptarse a una imagen sonora casi siempre comprometedora, sino que buscará a lo largo de su carrera un sonido propio. Para ese sonido individualista no existen principios estéticos sino más expresivos y emocionales.

Este valor expresivo también aparece en la música europea, pero lo que cambia es la importancia de ambas tendencias: en el jazz prevalece la expresión a la estética, mientras que en la música clásica, la estética es más importante.

Esto no quiere decir, ni mucho menos, que el jazz adolezca de “antiestético”, o que no tenga estética. Lo que toca un música de jazz es “verdadero” en un sentido inmediato, ingenuo y “primitivo”, el músico de jazz toca lo que siente, lo que “le sale” o le que se le ocurre”, sin enmarcarse en cánones estéticos. La belleza radica ahí donde contradice los estándares estéticos. Saber escuchar jazz, significa, a grandes rasgos, tener una cierta sensibilidad para poder apreciar este nuevo sentido de “belleza”

Así, en la literatura del jazz (aunque más, bien deberíamos decir en la discografía del jazz) encontramos sonidos tan personales como el vibrato lento y expresivo de Sydney Bechet, el sonido voluminoso de Coleman Hawkings, el luto de Miles Davis, la sonoridad lírica de Lester Young, el claro brillo de Dizzy Gillespie, e incluso el sonido clásica de Stan Getz.

LA IMPROVISACIÓN

En primer lugar, debemos tener en cuenta que la improvisación, a pesar de ser una de las principales características definitorias del jazz, no es algo exclusivo del mismo. Ya hace 200 años, nuestros antepasados iban a ver improvisar Buxtehude, Böhm, Pachelberg,... también posteriormente oían improvisar a Beethoven, Thalberg o Clementi, e incluso en el siglo XIX, los concertistas improvisaban unas cadencias que muchos de los actuales solistas de jazz admiran por su fraseo y estructura.

La improvisación en el jazz tiene otra concepción diferente a la de la música clásica. Una improvisación en una cadencia romántica, o una ornamentación barroca, etc, está basada en el principio de “fidelidad a la obra”, uno improvisa imitando cómo lo habría hecho el compositor en su época. En el jazz, el intérprete tiene una total libertad para improvisar como quiera sobre una estructura armónica y rítmica dada. E incluso en el llamado “free-jazz”, no existe siquiera esa estructura.

La improvisación en el jazz se basa en inventar nuevos “coros” (improvisación de longitud igual a la duración del tema) sobre la armonía de un tema dado. Este tema suele ser una de las dos siguientes formas:

O bien un tema de tipo song (lied, canción) de 32 compases forma AABA, de ocho compases cada parte

O bien una forma blues de 12 compases (de la que hablaremos más adelante)

El músico de jazz trata de reinventar o improvisar nuevas líneas melódicas por en cima de la estructura armónica de estas estructuras. En el jazz, lo que ocurre es que estos temas se tocan por diferentes intérpretes noche tras noche en diferentes locales, por los que los temas son conocidos por todos los músicos. Este tipo de temas son los denominados “standars”.

Podemos, a modo de resumen, presentar 6 cláusulas que definen y engloban lo que sería la improvisación den el jazz:

Una reimprovisación es tan legítima como una improvisación

Lo improvisado sólo puede reproducirlo quien lo ha producido

Lo improvisado y reimprovisado son una expresión personal de la situación de quien improvisa

Para la improvisación en el jazz se juntan el improvisador, compositor e intérprete en uno solo

Un arreglista escribe, a partir de la experiencia de la interpretación improvisada

La improvisación en este sentido es indispensable y definitoria de la música jazz

EL ARREGLO

Podríamos pensar que existe una contradicción al presentar como elementos del jazz a la vez a la improvisación y el arreglo. Sin embargo, los músicos de jazz consideran el arreglo no como un obstáculo ala libertad improvisadora, sino como una ayuda. Un arreglo lo podemos definir como una improvisación fija y repetible. En una ejecución de un tema arreglado, (típico para big bands, quintetos, octetos, etc.) los músicos tocan una improvisación escrita por el arreglista sobre el tema dado, con diferentes voces, ritmos, etc.

Posteriormente, los solistas hacen sus coros de improvisación (sólos) alternando con el arreglo escrito.

EL BLUES

Para definir la palabra “blues” vamos a analizar sus diferentes acepciones: ambiental, racial, sociológica, musical y formal.

Desde el punto de vista ambiental (en la época) el blues es un sentimiento que se caracteriza por la apatía, la tristeza, la desgana, .. debido a las condiciones sociales negativas que acaecían en la rutina diaria de los negros americanos de principio de siglo.

Desde el punto de vista formal, el blues representa un esquema armónico de doce compases que tienen por base los tres acordes fundamentales de la tonalidad: tónica, dominante y subdominante dispuestos de la siguiente manera:

Esta estructura de acordes de 12 compases es común en todos los blues desde los más antiguos, sin embargo, se puede complementar con armonía más compleja sin dejar de tener la misma función, a partir de dominantes y subdominantes secundarias, sustitución de acordes con la misma función, tensiones, etc.

Desde el punto de vista musical, debemos tener en cuenta que los negros que comenzaron a a hacer música en América, enfrentados a la música europea, adaptaron con asombrosa rapidez su sentimiento musical pentatónico a nuestro sistema tonal europeo. Eran problemáticos los grados tercero y séptimo que no existen en el sistema pentatónico. Esto lleva a que los músicos toquen y canten la tercera y la séptima mayor o menor indistintamente (según el sentimiento o la intención) sin amarrarse a normas armónicas, esto crea una nueva sonoridad emocionalmente ambigua. Las escalas pentatónicas mayor y menor eran usadas indistintamente sobre un acorde mayor, por tanto aparecen unos choques de tercera mayor y menor a la vez o de séptima mayor y menor. Estas notas que entran en el sistema del blues pero se escapan de la explicación armónica europea se denominaron “blue notes” ya que son la que caracterizan la sonoridad.

El blues tiene también un fuerte componente racial, significa un sentido de la vida realmente negro en el mundo blanco. Durante decenios se consideraba al blues como el último reducto de la música negra que ningún blanco pudo tomar jamás. Se consideraba que lo blancos no podían tocar blues (porque no eran capaces).

EL RITMO Y EL SWING

Todo grupo u orquesta de jazz consta de 2 secciones:

Sección melódica: trompeta, trombón, clarinete saxos, etc

Sección rítmica: batería, bajo y piano y guitarra (estos dos últimos cuando no tienen un plano melódico o solista)

La sección rítmica adopta un papel de soporte a la melodía o improvisaciones que hace la otra sección. Esto crea una multiplicidad rítmica característica del jazz. El ritmo cobra en el jazz una importancia porcentualmente mayor que la que existe en la música clásica. Esto no quiere decir que en la última no tenga importancia el ritmo, si no que su importancia relativa es menor.

Una de las principales apreciaciones que tenemos al escuchar jazz es su carácter rítmicamente inestable y flotante. Esto es debido a que en un compás cuaternario no se acentúan los tiempos fuertes (1 y 3) sino los débiles. En los diferentes ritmos lo hacemos de diferente manera:

En los primeros ritmos usado en el jazz (como el Ragtime de Nueva Orleáns en los años 20, ) todavía se acentúan los tiempos fuertes pero ya en los otros se acentúa el 2 y el 4.

A lo largo de historia del jazz, estos ritmo se han ido mezclando con otros de tipo étnico, popular, etc. apareciendo lo que se denomina el jazz de fusión. En tre los diferentes estilos, cobra importancia la bosanova, el rythm & blues, el soul, los ritmos latinos, etc.

La explicación de lo que es el swing es algo más difícil de representar. Aunque en el anterior ejemplo “c” lo hemos representado sobre el papel, realmente no se puede escribir ya que no es exacta su representación. El swing surge a raíz del choque de los ritmos africanos (no basados en el beat) con la música europea. Se da al intentar integrar un ritmo irregular en un compás de binario. Su representación escrita es algo parecido a lo escrito anteriormente pero no está en su sitio. Para poder tocar swing hay que sentir el swing, no se trata de colocar la corchea antes o después, es cuestión de sentimiento, como dice el baterista Jo Jones. Es por esto que en el llamado jazz sinfónico (mezcla de música clásica y jazz) no suene igual el swing, ya que los músicos que lo tocan son de formación académica y el swing no es algo que se pueda aprender ni sistematizar en un estudio, es algo que se escucha, se siente, se entiende y se adopta como propio.

3.- Conclusión

Aunque a lo largo de esta exposición he tratado de exponer lo que serían los elementos descriptivos y definitorios del jazz, debo reconocer que ni son todos los que están ni están todos los que son. No es imprescindible que el jazz tenga todos estos elementos ni mucho menos que no pueda disponer de otros que no he enumerado. Tampoco hay que olvidar que el jazz es una música en constante evolución y desarrollo, por lo que sus posibilidades de apertuyra a fusiones, improvisaciones,etc. son infinitas. El propósito de este estudio es hacer una aproximación más o menos explícita y ordenada de lo que entendemos por jazz, sin ninguna otra aspiración.

Interpretación de un guión de Jazz:

Cuando un pianista de formación clásica pero sin conocimientos de jazz trata de interpretar la partitura de un standard, se siente impotente porque solo ve una línea melódica con unos acordes extraños encima,  y al tocarla no suena a jazz sino a una pobre melodía  sin ningún sabor. Así viene escrito todo el repertorio de jazz en guiones, lead sheets, real books, fake books. Aquí van algunos secretos para ayudar a esas personas a interpretar una partitura de jazz.

La métrica:

La inmensa mayoría de piezas están escritas con un compás de 4/4, y algunas con ritmo de jazz-waltz en 3/4. Esporádicamente se encontrarán compases de 5/4, 7/4… como algunos temas de Dave Brubeck.

El sentido del ritmo:

Viendo los videos de los grandes músicos de Jazz, observará como la mayoría lleva el ritmo con el pié.  Este hábito lo prohíben en las Instituciones académicas. En youtube encuentra muchos videos de Jazz.Los músicos de jazz sienten el ritmo, sin pensar en el mismo. Con ese movimiento rutinario del pié les aflora el subconsciente y así usan su metrónomo interno, sin tener que contar los tiempos y sus fracciones. Así liberan a su mente consciente del trabajo de contabilidad de los valores de las notas y van acomodando las notas de acuerdo a los golpes rítmicos o el pulso que va marcando el pié.

El sabor del swing:

Un gran secreto para interpretar jazz es el sabor del swing, que consiste en los valores de las corcheas. Cada tiempo de negra equivale a dos corcheas, y estas dos corcheas tienen diferente valor: la primera corchea del tiempo vale el doble que la segunda. 

Para profundizar más en el sabor del swing vea esta lección en Lecciones Gratis: El Sabor del Swing

La síncopa:

Una nota en contratiempo (upbeat) ligada a una nota igual en tiempo fuerte (downbeat) es una síncopa y produce gran excitación.Cuando se habla de jazz se dice que es música sincopada. En la música clásica se marca el acento en los tiempos 1 y 3. En jazz los acentos se marcan preferentemente en la corchea que antecede a los tiempos 1 y 3, produciendo así una gran excitación hacia arriba.

La Armonía de Jazz:

La armonía clásica consta de tríadas, que son acordes de tres sonidos: 1ª, 3ª y 5ª, y cualquier nota extraña se considera como una disonancia que debe resolverse.En la armonía de jazz los acordes constan de un mínimo de 4 sonidos: 1ª, 3ª, 5ª y 7ª. 

La séptima que se añade a la tríada le da color al acorde. La novena, oncena y trecena le dan tensión.  En jazz hay acordes con mayor o menor tensión. En el acorde completo de trecena se tocan todas las notas de la escala, yuxtaponiendo terceras (1, 3, 5, 7, 9, 11, 13). La oncena suena mejor con #.

La 9a corresponde a la 2a sobre la 8a.La 11a corresponde a la 4a sobre la 8a,La 13a corresponde a la 6a sobre la 8a.

En Armonía Clásica una nota perteneciente al acorde es consonante, y una nota extraña a la tríada produce una DISONANCIA. En la Armonía tradicional de Jazz  las 7 notas de la escala pertenecen al acorde completo de 13a, y por consiguiente son consonantes.En Armonía de Jazz se habla de tensiones y no de disonancias.

Observe cómo todas las notas de la escala pertenecen al acorde completo de trecena: C  E  G  Bb  D  F  A. Si aparece alguna de las 5 notas restantes, se consideran como alteraciones dentro del mismo acorde modificando su cifrado. Db y D# son 9a alterada y el cifrado cambiaría a C7-9 o a C7+9. F# es la 11a alterada y el cifrado queda C9+11. Ab es la 13a alterada y el cifrado será C9b13.B es la 7a mayor y el cifrado cambia a Cmaj7

Para aprender los acordes básicos de Jazz practique Todos   los Acordes en Piano.

Armonía Cuartal:

En el gran acorde cuartal aparecen las doce notas cromáticas, yuxtaponiendo cuartas (C, F, Bb, Eb, Ab, Db, F#, B, E, A, D, G):

En el primer compás aparece el gran acorde cuartal, compuesto por las 12 notas de la escala cromática.En el segundo compás aparece el acorde cuartal completo de C.En el tercer compás aparecen las formas cuartales de C.Con las formas cuartales se trabaja con una armonía más abierta, que admite todas las 12 notas cromáticas como integrantes del gran acorde cuartal.  Este es un gran recurso para la improvisación libre.

Para un conocimiento más profundo de la armonía de Jazz y la forma de interpretar los acordes vea:

Armonía de Jazz en Piano    

El bajo rítmico:

El bajo desempeña un papel fundamental en la interpretación del Jazz. Normalmente va marcando el pulso en negras, tocando la raíz o fundamental del acorde en el primer tiempo de cada compás y siempre que aparezca un cambio de acorde.En los standards viejos va alternando con la 5ª en el tercer tiempo del compás, y los acordes rítmicos a cargo del piano o la guitarra van en los tiempos segundo y cuarto, a manera de una marcha.

El Bajo caminante (walking bass):

El bajo va marcando el pulso en negras, caminando por las notas del acorde o notas de la escala, en tal forma que cae a la siguiente fundamental (principio de compás o cambio de acorde) por semitono o por nota vecina de la escala correspondiente. Cuando el acorde dura varios compases, se inicia con la fundamental y en los demás compases con cualquier nota del acorde.

Para entender el proceso del bajo caminante en la mano izquierda del piano, es conveniente estudiar cuidadosamente el módulo 

 El Bajo Caminante 

Adquiéralo picando en su título

Los bajistas encuentran un gran recurso para interpretar partituras a primera vista y para improvisar sus líneas de Bajo Caminante en el Método 

Bajo a Primera Vista

 Las Grandes Bandas de Jazz (Big Bands):

En los años 30 y 40 florecieron las Big Bands con su sonido espectacular.Para comprender el  estilo de las grandes bandas es conveniente leer el blog Arreglo para Big Band.

Para aprender a escribir arreglos en bloques armónicos se recomienda estudiar Armonización Coral e Instrumental:

Armonización Coral e Instrumental

Ejecución de guiones de Jazz:

Ya tenemos los elementos necesarios para hacer sonar las partituras con sabor de jazz, pero en un estilo muy elemental.  Ahora veamos todos los estilos que podemos aplicar para enriquecer nuestra versión de una obra de jazz: 

Fondo armónico: La mano izquierda toca el acorde como un fondo.

Acordes rítmicos: El bajo suena en tiempos 1º y 3o  y el acorde en 2o y 4o, al estilo de una marcha.

Stride: El bajo alterna raíz con 5a  en los tiempos 1º y 3º; y el acorde suena en 2o y 4o tiempo, al estilo de una marcha.

Conchas armónicas: La izquierda toca dos notas: el bajo y la 3ª o la 7ª.

Eje de terceras y séptimas: La derecha toca la melodía y la 3ª o 7ª; la izquierda toca conchas armónicas: el bajo y la 7ª o 3ª. Entre las voces extremas de Melodía y bajo van dos voces armónicas con la 3a y la 7a.

Bloques armónicos: La mano derecha toca la nota de la melodía y debajo de ella añade las 3 notas restantes del acorde. Si la nota de la melodía no pertenece al acorde, se armoniza como si fuera la nota del acorde más próxima por debajo de ella. 

Bloques de Shearing, o Estilo de teatro: La mano derecha toca la melodía en bloques armónicos, y la mano izquierda dobla la melodía muy ligada.

Bloques de Concierto: La mano derecha toca la melodía en octavas, añadiendo una o dos notas del acorde entre ambas octavas.

Formas de los acordes: Las formas más usuales para interpretar los acordes con la izquierda, son las Formas A&B y las Formas Cuartales.Las Formas A&B omiten la raíz del acorde para dejársela al Bajo, y contienen la 9a y la 13a, omitiendo también la 5a. A esta forma de interpretar los acordes se le llama "rootless chords" o acordes sin raíz. Ejemplos: C = E G A D.  G7 = F A B ELas Formas Cuartales se forman con 3 notas en intervalos de cuartas perfectas. Ejemplo: C = E A D,  D G C,  A D G,  B E A

Un buen pianista de Jazz domina todas estas técnicas y sin necesidad de escribir los arreglos, los improvisa en tiempo real.

Para aprender a ejecutar guiones de Jazz en Piano, vea:

Ejecución de Guiones de Jazz en Piano

Hasta aquí ha aprendido todas las bases para interpretar una partitura de Jazz. 

Para aprender la Improvisación, la esencia del Jazz, es necesario estudiar cuidadosamente la lección siguiente:

Improvisación

Aprendiendo a Improvisar

Adquiéralo picando en su título

La improvisación es la esencia del jazz. ¿Cómo aprender a improvisar?Necesitamos una base de conocimientos y habilidades antes de comenzar, como el dominio de escalas de Jazz, todos los   acordes , progresiones, arpegios, modos, escalas pentatónicas,  digitaciones, patrones rítmicos, valores de las notas, sentido del ritmo....

Muchos músicos, excelentes lectores y con profundos estudios musicales, no se atreven a improvisar, pues poseen todos los conocimientos musicales y conocen todas las reglas de armonía, pero al tocar su instrumento queman toda su energía pensando en las notas de la melodía, contabilizando valores de las notas, recordando acordes, modos, arpegios, bajos, digitaciones, patrones rítmicos... y ya no les alcanza la energía mental para la creatividad. Cuanto menos tenga que pensar mientras toca, tanto mayor será su creatividad y su facilidad para improvisar.

Para poder improvisar con facilidad se debe tocar a nivel subconsciente, sintiendo la música sin pensar en ella, para darle libertad a la mente consciente en la improvisación.  Aprenda a controlar su subconsciente estudiando El Subconsciente en la Música.

¿Cómo iniciarse en la improvisación?

Elija el guión de una de sus piezas favoritas de Jazz. 1)  Tóquela una vez para presentar el tema.2)  Improvise frases sobre los acordes.3)  Para concluir vuelva a tocar el tema. 

Para iniciarse en la improvisación siga estos pasos:

   1)  Con la mano izquierda toque los acordes en forma de conchas de dos   notas: El bajo, y la 3a o 7a, como un fondo armónico simple.

  2)   Con la derecha improvise frases a base de las notas del acorde. Dedíquese a crear muchas frases solo con notas del acorde sobre una misma pieza.

  3)  Puede enlazar esas notas del acorde con notas de paso o notas cromáticas, de tal modo que caiga a la siguiente nota de acorde por semitono o por nota vecina de la escala.

Practique mucho este tipo de ejercicios para adquirir la facilidad de improvisar en tiempo real.  Jamás escriba sus frases, pues ya no sería improvisación, sino un ejercicio de composición. 

El módulo Aprendiendo a Improvisar  le enseñará cómo iniciarse en la improvisación.

Aprenda a improvisar con los Modos de Jazz y con Escalas Pentatónicas.

Practique mucho y disfrute de la improvisación en el Jazz.

Para aprovechar al máximo este material en el piano, debe tener facilidad en su ejecución tanto al oído como por nota, y dominio absoluto de todos los acordes.Si tiene interés en lograrlo pronto, es conveniente visitar el blog Aprenda PIANO pronto por sí mismo. 

Método Completo de Piano a Primera Vista