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1.1. BOCCACCIO Y SU ÉPOCA

Giovanni Boccaccio nació en de 1313. Pudo haber nacido en Florencia, en Certaldo o, incluso, según algunas fuentes, en París, lugar al que su padre debía desplazarse a menudo por razón de su trabajo. Se sabe que su infancia transcurrió en Florencia hasta 1325 o 1327. En 1331 conoció a una dama napolitana de la que se enamoró apasionadamente a la que inmortalizó con el nombre de Fiammetta («Llamita») y a la que cortejó sin descanso con canciones y sonetos. Bajo su influencia escribió Boccaccio sus novelas y poemas juveniles. Se sabe que fue Fiammetta la que puso fin a la relación entre los dos, y que la ruptura le causó a Boccaccio un hondo dolor.

En diciembre de 1340, después de al menos trece años en Nápoles, tuvo que regresar a Florencia a causa de un grave revés financiero sufrido por su padre. Entre 1346 y 1348 vivió en Rávena. En 1348 regresó a Florencia, donde fue testigo de la peste que describe en el Decamerón. En 1351 le fue confiado el encargo de desplazarse a Padua, donde vivía Petrarca, a quien había conocido el año anterior, para invitarlo a instalarse en Florencia como profesor. Entre ambos escritores nació una sincera amistad que se prolongaría hasta la muerte de Petrarca, en 1374. En el último período de su vida recibió del ayuntamiento de Florencia el encargo de realizar una lectura pública de La Divina Comedia de Dante, que no pudo concluir a causa de la enfermedad que le causó la muerte el 21 de diciembre de 1375.

La obra de Boccaccio se enmarca en la transición entre la Edad Media y el Renacimiento. Aunque sus escritos aún poseen rasgos medievales, el autor del Decamerón inaugura, junto con Dante y Petrarca,  el Renacimiento para la literatura europea. Durante los siglos XIV y XV (y para ciertos factores ya desde el XIII), la sociedad medieval va experimentando cambios en todos sus órdenes: estos cambios, graduales y paulatinos, la van llevando progresivamente hacia el Renacimiento.

Florencia será el centro de esos cambios, tomando el testigo de Provenza. En estos siglos Florencia se convierte en une república independiente, en la que la burguesía comercial y los grandes gremios sustituyen a las viejas familias aristocráticas en el gobierno de la ciudad y extienden su influencia a toda Europa. Se trata de un periodo de enorme riqueza artística y literaria, cuyos representantes principales son Dante, Petrarca y Boccaccio.

Son pocos los datos fidedignos sobre la vida de Dante: su amor por Beatriz, a la que conoció siendo niños, y su dedicación a la política, que lo condujo al destierro del que nunca regresó y en el que encontró la muerte en Rávena, en 1321. Su obra más importante, una de las obras fundamentales de la literatura occidental de todos los tiempos, es la Divina Comedia. Es una obra extensa, articulada en torno al número tres, como imagen de la Santísima Trinidad. Está compuesta por tres partes, cada una de ellas formada por treintaitrés cantos, salvo la primera, que tiene uno más que sirve como introducción. Narra Dante su viaje por las tres regiones de ultratumba de la religión cristiana: el Infierno, el Purgatorio y el Paraíso.

Al contrario que Dante, de la vida de Petrarca existen abundantes datos: intelectual de prestigio, vinculado a diversas cortes italianas, tuvo, como Dante, un gran amor, Laura, a la que dedica su Cancionero. Escribió

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indistintamente en latín y en “lengua vulgar”. En italiano compuso su obra mayor, el Cancionero, escrita durante más de cuarenta años. Dedicada a Laura, en ella desarrolla Petrarca su concepción del amor, el petrarquismo, que tendrá una enorme influencia en la literatura posterior: devoción a la amada, aceptación del sufrimiento que ello supone, muerte de la amada, deseo de salvación a través del amor… La obra está compuesta por 366 poemas, distribuidos en dos secciones tituladas “In vita” e “In morte”, además de un soneto prólogo y una canción final dedicada a la Virgen María.

Junto a Boccaccio, Dante y Petrarca figuran entre los precursores que anticipan en el siglo XIV una nueva concepción del mundo centrada en el hombre y su creatividad. Los tres autores sentaron las bases tanto del Humanismo como del Renacimiento.

1.2. EL DECAMERÓN Y LA OBRA LITERARIA DE BOCCACCIO

Como sus contemporáneos Dante y Petrarca, Boccaccio es autor de obras en latín y en italiano. Entre sus obras latinas destacan Genealogia deorum gentilium, una de las más completas recopilaciones de leyendas de la mitología clásica. De casibus virorum illustrium ,una obra con la que se intenta demostrar la caducidad de los bienes mundanos y la arbitrariedad de la fortuna recurriendo a una serie de historias protagonizadas por personajes de todas las épocas. Y De claris mulieribus, una serie de biografías de mujeres ilustres.

Sus obras en italiano son: el Filocolo, La caza de Diana, el Filostrato o la Teseida. La más significativa es el Corbacho, un relato cuya trama, tenue y artificiosa, no es más que un pretexto para un debate moral y satírico. Tanto por su tono como por su finalidad, la obra se inscribe en la tradición de la literatura misógina. La composición tiene su origen en un enamoramiento poco exitoso de Boccaccio.

El Decamerón es un libro constituido por cien cuentos, algunos de ellos novelas cortas, terminado por Giovanni Boccaccio en 1351, alrededor de tres temas: el amor, la inteligencia humana y la fortuna. El autor italiano emplea una técnica heredada de la tradición oriental: parte de una historia  y de un narrador principal (como Sheherezade en Las Mil y una noches) que, a lo largo de varias jornadas, va engarzando las cien historias que componen el texto. Para engarzar todas las historias, Boccaccio estableció un marco de referencia narrativo: la obra se inicia con una descripción de la peste bubónica, la epidemia que golpeó Florencia en 1348, argumento que da ocasión a que un grupo de siete jóvenes mujeres y tres hombres, que huyen de la plaga, se refugien en una villa en las afueras de Florencia. Para pasar el tiempo, cuentan historias.

Cada día, uno de los jóvenes es nombrado rey de los demás, con el encargo de organizar las narraciones, así como de proponer un tema  sobre el que éstas han de versar. De este modo, cada miembro del grupo cuenta una historia por cada una de las diez jornadas que pasan en la villa (de ahí proviene el nombre en griego que da título al libro: déka 'diez' y hēméra 'días') hasta completar las cien narraciones.

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El Decamerón rompió con la tradición literaria y, por primera vez en la Edad Media, Bocaccio presentó al hombre como artifice de su destino, más que como un ser a merced de la gracia divina. Con esta obra, además, Boccaccio desarrolla el tradicional cuento medieval añadiéndole una dote psicológica de la que carecía, presentando al ser humano como lo que es: una persona con virtudes y defectos, con sus penas y glorias.Boccaccio pretende dotar a su obra de una cohesión interna de la que carecían las obras narrativas de su tiempo: se trata de un paso más hacia la creación de la novela moderna. Lo que hoy entendemos por novela es un texto de gran extensión con una estructura bien definida, coherente, con sentido unitario, que desarrolla por lo general un argumento de principio a fin. Este género, sin embargo, no aparecerá en la literatura europea hasta el surgimiento del Lazarillo y el Quijote, mucho tiempo después. El Decamerón  no desarrolla un argumento unitario y carece de la cohesión de una novela, pero Boccaccio, consciente de las carencias de la narrativa de su tiempo, hace un esfuerzo por ir más allá de la mera recopilación de cuentos e historias: las cien narraciones que componen la obra cuentan con un hilo conductor, con unas características comunes y con unos personajes y un ambiente que sí le dan cierta unidad.

2.1. SHAKESPEARE Y SU ÉPOCA

Shakespeare nació en Stratford-on-Avon, en 1564, en el seno de una familia humilde. Aunque de noble estirpe, su padre trabajó la mayor parte de su vida como carnicero, y William trabajó en el matadero-carnicería desde muy joven. A los diecisiete años compuso su primera cuarteta. Conoció en una reunión de jóvenes amigos a Ana Hathaway, ocho años mayor que él, con la que se casaría poco después. En 1583, nacería su hija Susan y en 1585, sus gemelos, Judith y Hamnet. Abandonó después a su familia y marchó de su población natal. Nunca más volvería a saber de su esposa. Trabajó como maestro de escuela, como escribiente de un procurador y hasta fue cazador furtivo.

Ya en Londres, comenzó a trabajar en el teatro Black-Friars, el más concurrido de Londres. En 1589 escribió su primera obra dramática, «Pericles», y dos años después, «El rey Enrique VI». A partir de entonces, no cesa de escribir obras. En 1607, el rey le concedió la dirección y explotación del Black-Friars, así como una participación en las ganancias del Globe Theatre, el más importante de Londres. Pese a todo, el censor no dejó de causar problemas a Shakespeare. Prohibió la publicación de sus obras y dificultó algunos de sus estrenos. A pesar de todo, el teatro de Shakespeare no dejó de guardar una carga satírica y crítica contra algunos aspectos de la sociedad de su tiempo. En 1613, decidió retirarse a su casa de Stratford-on-Avon. Su situación económica había empeorado y se vio obligado a hipotecar; a partir de este año vivió hasta su muerte en su New-Place, retirado por completo de su actividad literaria.

Con el Renacimiento se pone fin a la Edad Media y se da comienzo a la Edad Moderna. Durante el siglo XVI se produce una gran transformación política, social y económica en Europa: superación definitiva del feudalismo y aparición de un nuevo modelo de Estado ligado a la monarquía; desarrollo de la burguesía y establecimiento de una cierta independencia entre Iglesia y Estado; y consolidación de una economía libre de mercado, basada en el comercio y la actividad financiera. La base ideológica del Renacimiento es el Humanismo, surgido en Italia durante los

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siglos XIV y XV y caracterizado por la visión antropocéntrica de la realidad y la recuperación de los modelos de la antigüedad clásica.

La época de Shakespeare se corresponde con el llamado periodo isabelino, que toma su nombre del reinado de Isabel I, hija de Enrique VIII y Ana Bolena. Se trata de una etapa histórica en la que Inglaterra va a experimentar una profunda transformación económica, política, social e ideológica. El detonante de estos cambios es el conflicto religioso surgido del choque entre el catolicismo y la reforma protestante, entre la “merry old England” y el rigor moralista de los puritanos.

La generación de Shakespeare es la primera que se enfrentará a la necesidad de construir una nueva cultura y de encontrar una nueva identidad nacional y un nuevo lugar para el individuo. Y aunque estos cambios se producen en todos los órdenes, es en la literatura, y de manera especial en el teatro, donde se perciben con mayor claridad. El teatro religioso pervive en Inglaterra más tiempo que en otros países europeos, de modo que hasta finales del siglo XVI no se consolida un teatro verdaderamente popular encabezado por William Shakespeare. Las dos principales características de este teatro son:

La influencia de la comedia del arte italiana e incluso de prosistas italianos como Boccaccio.

La inspiración en la historia y las tradiciones nacionales inglesas.

Aunque oscurecidos por la figura de Shakespeare, el teatro isabelino cuenta con otros autores de mérito, como Thomas Kyd, precursor de la tragedia shakesperiana con su obra La tragedia española; Christopher Marlowe, cuyas obras desarrollan el tema del poder de la maldad y autor de La trágica historia del doctor Fausto, precedente de la obra de Goethe; o Ben Jonson, con el que Shakespeare inició su carrera y que fue su principal competidor. Jonson escribe un teatro llamado “de los humores”, siguiendo la teoría vigente en la época de que el carácter de las personas dependía de los humores o líquidos predominantes en su organismo. Su obra más representativa es el Volpone, comedia en la que un astuto personaje manipula a los demás explotando el vicio de cada uno de ellos.

2.2. ROMEO Y JULIETA Y LA OBRA DE W. SHAKESPEARE

Se conservan treinta y siete obras teatrales de William Shakespeare. Existen muchos criterios de clasificación: cronológicos, estilísticos, temáticos. Es habitual dividirla en tres grandes grupos:

Los dramas históricos. Su tema fundamental es la lucha por el poder; los personajes aparecen humanizados, sin tonos legendarios ni míticos. Dentro de los dramas históricos se distinguen dos tipos: los dramas basados en la historia inglesa, como Ricardo III o Enrique IV; y los dramas basados en la historia antigua, como Julio César o Antonio y Cleopatra .

Las comedias. Destacan por su análisis de los sentimientos humanos y por el virtuosismo de Shakespera para desarrollar tramas

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de enredo. Algunas tienen ambiente italiano, como Mucho ruido y pocas nueces o La fierecilla domada. Otras tienen carácter fantástico, como El sueño de una noche de verano, la obra más optimista del autor. Y algunas, pese a su carácter de comedia, tienen un trasfondo amargo y pesimista, como El mercader de Venecia.

Las grandes tragedias. Son las más importantes dentro de la producción de Shakespeare. Sus protagonistas se convierten en símbolos de las distintas pasiones humanas, siempre complejos y profundos. Romeo y Julieta son los prototipos de los amantes apasionados, cuyo amor se ve truncado trágicamente por circunstancias adversas. Hamlet simboliza la indecisión, la duda, así como la venganza sangrienta. Otelo representa el poder destructivo de los celos. Macbeth es la ambición de poder, capaz de llevar a un hombre hasta el crimen. En El rey Lear, el protagonista acaba destronado y abandonado por todos, tras haber sido engañado por la hipocresía de dos de sus hijas, rechazando el verdadero amor de la tercera.

Además de teatro, Shakespeare escribió también poesía: es autor de algunos poemas narrativos y sobre todo los Sonetos, de estilo petrarquista y gran belleza formal.

En Romeo y Julieta Shakespeare cuenta la historia de dos jóvenes enamorados que a pesar de la oposición de sus familias, rivales entre sí, deciden luchar por su amor hasta el punto de casarse de forma clandestina. Sin embargo, la presión de esa rivalidad y una serie de fatalidades conducen al suicidio de los dos amantes. Algunas fuentes señalan que Shakespeare comenzó la obra en 1591 y la finalizó en 1595, pero la opinión más generalizada sitúa la escritura de la obra en 1597. Aunque la historia forma parte de una larga tradición de romances trágicos que se remontan a la antigüedad, el argumento está basado en la traducción inglesa de un cuento italiano de Mateo Bandello, realizada por Arthur Brooke, que se basó en la traducción francesa hecha por Pierre Boistau en 1559. Shakespeare tomó varios elementos de estas obras, aunque, con el objeto de ampliar la historia, creó nuevos personajes como Mercucio y Paris.

El lector actual encuentra la obra dividida en actos y escenas. Pero esa división no es original de Shakespeare, sino que fue hecha en el siglo XVIII, en un intento de dotar a la tragedia de una apariencia más digna, más "grecolatina". La obra muestra algunas características representativas del genio de su autor, como la relevancia de los personajes secundarios, el uso de subtramas, el empleo de verso y prosa y, especialmente, la conversión de comedia a tragedia (a partir de la muerte de Mercucio en el acto III) y la precipitación del tiempo, que dan a la obra una gran tensión dramática. Se trata de una de las obras más populares del autor inglés y, junto a Hamlet y Macbeth, la que más veces ha sido representada

3.1. GOETHE Y SU ÉPOCA

Johann Wolfgang von Goethe nació en 1749 en Frankfurt hijo de un funcionario del gobierno. De 1765 a 1768 estudió Derecho en la Universidad de Leipzig. Tras enfermar, Goethe volvió a Frankfurt, donde, durante la convalecencia, estudió filosofía ocultista, astrología y alquimia. A través de la influencia de una amiga de su madre se introdujo en el misticismo religioso. De 1770 a 1771, estuvo en Estrasburgo para proseguir sus estudios de Derecho.

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En Estrasburgo, Goethe hizo dos amistades importantes para su vida literaria. Una fue la de Friederike Brion, que tarde le serviría de modelo para personajes femeninos de sus obras, incluyendo el de Gretchen en su drama poético Fausto. La otra amistad, que más tarde reconoció como la experiencia intelectual más importante de su juventud, fue la del filósofo y crítico literario Johann Gottfried von Herder. A partir de la influencia de Herder, Goethe se hizo un escéptico sobre la validez de los preceptos del clasicismo francés que prevalecían indiscutidos en la Alemania de la época. Herder enseñó también a Goethe a apreciar las obras de Shakespeare, y a darse cuenta del valor de la poesía popular alemana como fuente de inspiración para la literatura.

Tras graduarse en Derecho y volver a Frankfurt para ejercerlo, escribió varias obras, con las que inauguró el movimiento literario conocido como Sturm und Drang precursor del romanticismo alemán. El año siguiente, como resultado de un desdichado incidente amoroso con Charlotte Buff, prometida de uno de sus amigos, Goethe escribió la romántica y trágica historia de Las desventuras del joven Werther (1774). El año 1775 se trasladó a Weimar, que entonces era uno de los centros intelectuales y literarios de Alemania. Entre 1786 y 1788 vivió en Roma. De nuevo en Weimar comenzó un periodo de gran creatividad literaria, hasta su muerte en 1832.

Tal como ocurre con Boccaccio o Shakespeare, también la obra de Goethe se sitúa en un momento de transición entre dos épocas históricas y artísticas diferentes: el racionalismo clásico del siglo XVIII y la agitación revolucionaria del Romanticismo.

En contraste con el turbulento siglo anterior, el hombre del siglo XVIII busca sobre todo el bienestar y la felicidad, interesándose fundamentalmente por los aspectos prácticos de la existencia, lo que provocará una gran mejora en las condiciones de vida: higiene, medicina, técnicas agrícolas… y un importante aumento de la población. Se impone el gran movimiento cultural de la Ilustración, que pone en cuestión todos los valores y creencias del siglo anterior. Las bases de la Ilustración son el racionalismo y el criticismo. La literatura es predominantemente didáctica y utilitaria, y su centro es Francia: Voltaire, Montesquieu, Diderot y los enciclopedistas.

Todo el gran movimiento de la Ilustración, con sus ideales reformistas e igualitarios, desembocará en la caída del Antiguo Régimen con la Revolución Francesa en 1789. De la ruptura de los ideales racionalistas surgirá el Romanticismo, durante la primera mitad del siglo XIX. Sin embargo. Algunas de sus características ya se aprecian en la segunda mitad del XVIII, en el periodo llamado Prerromanticismo. Esta tendencia prerromántica puede observarse en varios países europeos. En Francia, cuna del clasicismo y la Ilustración, aparece la figura de Rousseau, que sostiene que la cultura es la causante de todos los males de la humanidad y defiende el valor de los sentimientos por encima de la razón, con lo que anticipa la sensibilidad romántica. Sus ideas, recogidas en El contrato social, influyeron en la Revolución Francesa. También en Inglaterra, donde el racionalismo ya había sido cuestionado desde el origen por filósofos como Hume o Berkeley, se da un movimiento prerromántico: la novela gótica, y

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sobre todo la poesía, con autores como William Blake o James Macpherson (impulsor del “osianismo”, una de las claves de la estética romántica). Pero será en Alemania donde el Prerromanticismo cobre mayor importancia, gracias al nuevo estilo llamado Sturm und Drang (Tempestad y Empuje), que toma su nombre de una comedia de Max Klinger estrenada en 1776. Este estilo defiende el sentimiento y la libre fantasía frente a la razón y las reglas clásicas. Su principal teórico es J.G.Herder, y los autores más significativos son Goethe y Schiller.

3.2. WERTHER Y LA OBRA LITERARIA DE GOETHE

La obra de Goethe es amplia y extensa: fue poeta, novelista, dramaturgo y científico. La poesía de Goethe expresa una nueva concepción de las relaciones de la humanidad con la naturaleza, la historia y la sociedad. Destacan entre sus obras poéticas las Elegías romanas y el Diván de Oriente y Occidente. Sus novelas reflejan un profundo conocimiento de la individualidad humana. Además del Werther, otros títulos significativos son Los años de aprendizaje de Wilhelm Meister, Las afinidades electivas y Los años de formación de Wilhelm Meister.

El teatro de Goethe es fundamental para el desarrollo del movimiento romántico. Tras unas primeras obras, escribe la tragedia Götz von Berlichingen, inspirada en Shakespeare, con la que inaugura el movimiento Sturm und Drang. La principal obra de Goethe es el poema dramático Fausto, publicado en dos partes, la segunda de ellas póstuma. Se trata de un extenso y complejo drama poético-filosófico, donde se reflexiona sobre el destino humano a través de la historia del protagonista, Fausto, que vende su alma al diablo a cambio de la sabiduría, la juventud y el amor.

Además de sus obras literarias, Goethe fue autor también de textos científicos sobre diversos temas, manifiestos, libros de viajes y su autobiografía, Poesía y verdad. En general, sus primeras obras se sitúan en la línea prerromántica del Sturm und Drang, mientras que a partir de su estancia en Italia se observa una vuelta a un estilo más clásico, sin renunciar a los temas románticos. La importancia de la obra de Goethe puede ser juzgada por la influencia que sus escritos críticos, su poesía, sus dramas y sus novelas ejercieron sobre los escritores de su época y sobre los movimientos literarios que él inauguró y de los que fue la figura principal.

Las desventuras del joven Werther se publicó en 1774 y supuso una clara ruptura con la tradición literaria alemana vigente en su momento y conmocionó a la sociedad: premonitoria de los grandes fenómenos de masas, esta obra consiguió influenciar el lenguaje, las pasiones y hasta la estética de la juventud de su tiempo.

Werther es un joven apasionado y sentimental que abandona su ciudad para retirarse a la soledad de Wahlheim, una tranquila e idílica aldea donde se dedica a la pintura y a la lectura. En esta aldea conoce a Carlota, una hermosa muchacha de la que queda absolutamente prendado. Pero Carlota está prometida con Alberto, un honrado lugareño. El amor brota del corazón del joven Werther. Se entrega a una rutina de visitas y anhelos amorosos. La vida del joven discurre, desde entonces, entre la esperanza de una

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posible relación con Carlota y la desesperanza ante la imposiblidad real de dicha relación. Werther intenta enderezar su vida, cambiar de rumbo, pero sus sentimientos serán más fuertes que su razón. La noticia de la inminente boda de Alberto y Carlota lo sume en un profundo desasosiego. Todo lo que antes era hermoso y tranquilizador se ha convertido en insoportable y extraño.

Toda la obra está estructurada en forma de cartas escritas por Werther a su amigo Wilhelm. De esta forma conocemos de primera mano los sentimientos del protagonista, la visión subjetiva que el personaje tiene de los acontecimientos. La acción transcurre en un período de año y medio, desde el 4 de mayo de 1771 al 20 de diciembre de 1772. Más allá de un mero drama amoroso, Las desventuras del joven Werther constituye el retrato de una actitud ante el dolor y la vida. Se dice a menudo que la realidad imita al arte. Así lo atestigua la gran oleada de suicidios acontecida en Alemania tras la aparición del texto de Goethe. Matarse se convirtió en una moda, en un gesto de pureza, de lógica y verdad social. Un personaje de novela, Werther, se convierte al fin en símbolo del romanticismo alemán.

El Werther de Goethe nace en un momento histórico alemán en el que se rompe de forma radical con el culto a las reglas y a la razón predominante hasta ese momento. Se estaba forjando toda una revolución en la lírica, el drama y la novela. Su aparición en otoño de 1774 supone la finalización en Alemania de una literatura dependiente de estilos y formas heredadas de regiones vecinas, de Inglaterra y Francia principalmente.4.1. DOSTOIEVSKI Y SU ÉPOCA

Dostoievski nació en Moscú (Rusia), en 1821. Durante su juventud se vio influido profundamente por su padre, un médico retirado del ejército, alcohólico y despótico. En 1838, el joven Dostoievski partió, por decisión de su padre, hacia San Petersburgo, para ingresar en la Escuela de Ingenieros Militares, aunque él no se encontraba a gusto con sus estudios técnicos. Tras la muerte de su padre, a manos de sus propios siervos, y luego de graduarse, decidió dedicarse a la Literatura. Paralelamente, se sumó a un grupo de jóvenes intelectuales que estudiaban las obras de los socialistas franceses, prohibidas por el zar. Todos los integrantes del grupo terminaron en prisión. Sufrieron el destierro en Siberia y fueron condenados a muerte, pero salvaron sus vidas minutos antes de la ejecución, al recibir una conmutación de penas. Fiódor fue condenado a cuatro años de trabajos forzados en Siberia y a servir luego como soldado raso.

Comenzó a padecer ataques de epilepsia, que lo acompañarían durante toda su vida. En 1854 fue liberado de prisión y enviado como soldado a una unidad militar en Mongolia. Allí vivió por un lapso de cinco años, luego de los cuales lo autorizaron a regresar a San Petersburgo. Luego de diez años de prisión y exilio, pudo retomar su carrera literaria. Debido a su situación económica, agravada por su pasión por el juego, tramitó un crédito que le fue concedido contra el compromiso de presentar una nueva novela en no más de un año. Cumpliendo con ese compromiso escribió El jugador. Escapando de sus acreedores, Dostoievski pasó los años siguientes fuera de Rusia. A pesar de su situación económica angustiosa, durante este período continuó su labor de escritor. Retornó a Rusia en 1873 y murió en San Petersburgo, en febrero de 1881.

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Durante la segunda mitad del siglo XIX se produce la sustitución de la estética romántica por el realismo, en un proceso que abarca tres etapas:

Desde 1830 hasta 1848 el Romanticismo sigue siendo el movimiento cultural dominante, pero algunos escritores comienzan a preocuparse por describir más objetivamente el entorno: es el caso de Stendhal y Balzac.

A partir de 1848 el realismo se impone en toda Europa: Francia (Flaubert), Inglaterra (Dickens), Rusia (Tolstoi, Dostoievski) y España (Galdós).

A partir de 1875 el realismo se desarrolla a través del naturalismo, propugnado por Zola, aunque los límites entre ambos movimientos no están siempre claros.

La aparición del realismo está íntimamente unida al desarrollo histórico y a los cambios sociales, políticos y económicos que se suceden en la segunda mitad del XIX. La burguesía se consolida como clase dominante, apoyándose en la posesión de la riqueza. El capitalismo, unido al gran progreso técnico y científico, supone el predominio de la industria como medio de producción de riqueza en detrimento de la agricultura, culminando así la revolución industrial. El liberalismo democrático será el sistema de organización política en buena parte de Europa, aunque bajo gobiernos autoritarios.

En esta sociedad burguesa, apegada a su realidad y satisfecha de ella, no tiene cabida la estética romántica y su carácter evasivo e insatisfecho. La nueva estética realista se basa en la descripción del mundo real, habla de lo cotidiano: el escritor ha de retratar la realidad, con o sin intención crítica. Esta estética realista encuentra su mejor modo de expresión en la novela: la poesía prolonga los modelos románticos por más tiempo y el teatro es entendido por lo burgueses como una mera distracción. Las principales características de la novela realista son:

Se trata de una novela de medio, que describe al hombre en relación con su entorno. Ya no interesa el aislado e idealista héroe romántico, sino el enfrentamiento individuo-sociedad.

Se abordan asuntos de todo tipo, incluso escabrosos. El autor intenta mantener una perspectiva objetiva, que se

manifiesta generalmente bajo la forma de un narrador omnisciente. Proporcionan una gran cantidad de información: ambientes,

lugares, costumbres, personajes... Muestra de ello es la gran abundancia de descripciones.

Técnicamente, suelen ser novelas de gran complejidad estructural. Los acontecimientos se narran de modo lineal y se busca usar un lenguaje asequible, eliminando la retórica romántica.

4.2. EL JUGADOR Y LA OBRA LITERARIA DE DOSTOIEVSKI

Dostoievski es el principal representante del realismo psicológico: sus novelas plantean siempre dilemas morales y una intensa preocupación por los problemas religiosos y existenciales. Destaca sobre todo por sus

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estudios de personajes, que han servido incluso como modelo de análisis a psiquiatras.

Entre sus novelas anteriores al destierro en Siberia destaca Pobres gentes, en la que defiende el valor del sufrimiento como elemento dignificador del alma humana. A su vuelta a San Petersburgo, recoge su experiencia en la cárcel siberiana en Apuntes de la casa de los muertos. Escribe entonces sus novelas más importantes: Humillados y ofendidos, que enlaza con Pobres gentes; Memorias del subsuelo, en la que denuncia la soledad del hombre en la nueva civilización urbana; El idiota, retrato de un bondadoso personaje que fracasa en su intento de redimir a una mujer por amor; Los demonios, en la que desarrolla la idea de que el ateísmo y el egoísmo conducen a la inmoralidad y el despotismo.

Sus dos novelas principales son Crimen y castigo y Los hermanos Karamazov. Crimen y castigo narra la historia de Raskolnikov, un joven estudiante sin recursos que asesina a una vieja usurera, a la que considera miserable, para salvar a su familia de la indigencia. Angustiado por el sentimiento de culpa, y pese a que un obrero en estado de enajenación mental se ha declarado culpable del crimen, decide finalmente entregarse, por influjo de la joven Sonia. Cumple su castigo en Siberia, adonde le sigue Sonia, y finalmente recobra el sentido moral. Los hermanos Karamazov es la historia de un parricidio, una tragedia familiar y doméstica y al tiempo una metáfora brutal y lúcida de la vida humana. La novela se construye alrededor de Fiódor Karamázov, un terrateniente borracho, arbitrario y corrompido, y de sus cuatro hijos. Narra las relaciones perversas que se establecen entre el padre y los hijos hasta que aquél es asesinado y se acusa del crimen al hijo mayor, que es finalmente juzgado y condenado.

El jugador fue escrita en 1866 y publicada en 1867. La novela refleja la propia adicción de Dostoievski al juego de la ruleta, que en más de un aspecto fue inspiración para el libro. El jugador es además una lúcida reflexión sobre el carácter ruso. Alexei, el protagonista, es el preceptor —pobre, noble y honrado— de la familia del General. Está enamorado de su hijastra Paulina, pero no se atreve a confesar sus sentimientos. La catástrofe se produce cuando la tía del general pierde su fortuna en el casino en pocas horas y el General ve alejarse sus esperanzas de heredar, quedando sumido en la desesperación. Alexei juega compulsivamente a la ruleta y gana una fortuna, que luego pierde con la misma indiferencia con que amontona los billetes sobre el verde tapete. El preceptor, como Ralskolnikov y otros personajes presentes en otras obras de Dostoievski, no controla sus emociones. «Si pudiera dominarme durante una hora, sería capaz de cambiar mi destino», piensa mientras resuelve acudir al casino.

El jugador tiene un cierto carácter autobiográfico. Pero esta narración es mucho más que un retrato de la pasión por el juego, como pretendía explícitamente el escritor ruso. La obra arroja una penetrante mirada sobre las interioridades del carácter ruso. El General vive por encima de sus posibilidades una engañosa vida de fastos y lujo. La tía, rica e inconsciente, fustiga el comportamiento de su sobrino pero pierde su fortuna en la ruleta. Alexei siente un profundo complejo de inferioridad y busca en el juego un rápido enriquecimiento para conquistar a Paulina. Los tres personajes son profundamente fatalistas y piensan en un golpe de fortuna para salvar sus vidas. Pero finalmente las cosas se tuercen y los tres pierden sus

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esperanzas de ver realizados sus sueños. Dostoievski no realiza un juicio moral sobre las conductas de sus personajes. Los describe y los comprende. Y, en cierta manera, los justifica porque son como él: nada se puede contra la mala suerte, una filosofía hondamente arraigada en el pueblo ruso.

5. 1. BAUDELAIRE Y SU ÉPOCA

Charles Baudelaire nació en París en 1821, en una familia acomodada. Tras la muerte de su padre, ocurrida en 1827, su madre volvió a casarse, con un estricto militar, con el que Baudelaire nunca tuvo buena relación, lo que ha servido a algunos biógrafos para explicar el difícil y atormentado carácter del autor. Fue expulsado del colegio y desechó la carrera diplomática para dedicarse a la literatura. Frecuentó grupos literarios y se movió por los bajos fondos, donde conoció a la mulata Jeanne Duval, con la que mantuvo una tormentosa relación durante toda su vida. Probablemente fue también entonces cuando contrajo sífilis, enfermedad cuyas secuelas acabarían causándole la muerte.Al cumplir 21 años recibió la herencia paterna, que casi agotó en gastos compulsivos: fiestas, ropas caras, antigüedades, regalos… Su padrastro intervino y le retuvo el resto de la herencia, dejándole una pequeña pensión. Baudelaire rechazaba radicalmente la vulgaridad, lo que le llevó a adoptar actitudes e indumentarias extravagantes: se consideraba un dandy, por completo alejado del materialismo burgués. Intentó ganarse la vida como crítico de arte en los famosos Salones parisinos, como traductor de Poe y como conferenciante, sin lograr nunca el éxito en ninguna de estas actividades.Consumidor de hachís, constantemente asediado por las deudas, con continuas crisis en su enfermedad y en su relación con Jeanne Duval, en 1856 publicó Las flores del mal, obra que fue inmediatamente atacada por atentar contra la moral pública: esto le ocasionó una multa y la prohibición de seis de sus poemas. Enfermo y endeudado, murió en París en 1867, tras sufrir en Bélgica una parálisis a consecuencia de la sífilis que padecía.

El fracaso de los ideales románticos llevó a los escritores, especialmente los novelistas, de la segunda mitad del XIX a la observación realista de la realidad. Sin embargo, simultáneamente la poesía emprende otros caminos: la exploración de la propia interioridad y la búsqueda de la belleza a través de la palabra. La nueva visión del hombre y el mundo, surgida tras la crisis del positivismo, no puede ser expresada ni por la poesía romántica -excesivamente sentimental y emotiva- ni por la literatura realista -demasiado atenta a la realidad y al servicio de una ideología, ya sea de signo burgués o socialista-. Es necesaria una nueva poesía no utilitaria, en la que la obra no se convierta en una confesión de sentimientos arrebatados ni en un espejo interesado de la realidad.

Las primeras manifestaciones de la nueva poesía son las obras de Edgar Allan Poe y de Charles Baudelaire, que tradujo al francés los textos de Poe. Para ambos la poesía, y el arte en general, tiene como objetivo la belleza absoluta. Pero esta belleza absoluta es un misterio, algo inalcanzable para el hombre. El artista se mueve siempre en los límites de un abismo: entre los divino y lo humano, entre lo visible y lo invisible, entre lo consciente y lo inconsciente. La naturaleza -la vida- se entiende como una

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visión, una correspondencia del cielo en la tierra. Y los poemas transmiten el significado mediante símbolos, que pueden adquirir más de un nivel de significación.

Poe y Baudelaire son seguidos por diferentes tendencias poéticas, tanto en Europa como en América. En primer lugar, el Decadentismo, movimiento en el que suele incluirse a los propios Poe y Baudelaire. Los decadentistas rechazan la sociedad burguesa y adoptan una actitud de superioridad que les lleva a transgredir la moral y a complacerse en lo morboso. Se trata en realidad de una actitud estética, que acompañan con costumbres e indumentarias particulares -el dandismo-. En Francia surgen después dos movimientos poéticos de gran importancia: el Parnasianismo y el Simbolismo. El Parnasianismo, defiende una poesía no sentimental, donde se unan arte y ciencia para alcanzar la belleza. La poesía ha de ser muy elaborada, de gran perfección formal. Su representante principal es Leconte de Lisle. El Simbolismo concibe la poesía como la expresión de sugerencias sensoriales -forma, color, música, efectos visuales- mediante el uso de metáforas e imágenes... Los poetas se expresan por medio de símbolos, que no significan, sino que sugieren, porque lo sugerido se abre a múltiples significados. Los principales poetas simbolistas son los llamados “poetas malditos”: Verlaine, Rimbaud y Mallarmé. La influencia del Simbolismo en la literatura y el arte posteriores es de enorme importancia.

Además de en Francia, la nueva poesía se extiende por otros países, tanto en Europa como en América. En Inglaterra se impone el Prerrafaelismo, inciado por John Ruskin. En Portugal surge la “Generación de Coimbra”, encabezada por Antero de Quental. En Hispanoamérica nace el Modernismo, iniciado por José Martí y Rubén Darío, que tendría enorme influencia en la literatura española. Y en Estados Unidos aparece la figura fundamental de Walt Whitman, autor del poemario Hojas de hierba.

5. 2. LAS FLORES DEL MAL Y LA OBRA DE BAUDELAIRE

La obra de Baudelaire es breve y escasa, salvo los numerosos escritos de crítica de arte. Su primera obra en una novela corta, La Fanfarlo, un autorretrato como dandy. El mismo sentido autobiográfico tiene su breve texto Mi corazón al desnudo. En Los paraísos artificiales analiza los efectos del alcohol y el opio, sobre los que mantiene una posición ambivalente de rechazo y entusiasmo. Su obra se completa con dos poemarios fundamentales: Las flores del mal y los Pequeños poemas en prosa, también conocidos como Spleen de París.

Las flores del mal recoge los poemas que Baudelaire escribió entre 1840 y 1866. Ya en 1841 Baudelaire había anunciado la publicación de un libro titulado Las lesbianas, que nunca llegó a ser publicado. Luego lo anunció como Los limbos, en 1850 y 1851, sin que tampoco tuviese lugar su publicación. Finalmente, en junio de 1857 se publica su libro con el título de Las flores del mal. El libro constaba de un prólogo –“Al lector” y cien poemas agrupados en cinco secciones: “Spleen e ideal”, “El vino”, “Flores del mal”, “Rebelión” y “La muerte”. Seis de los poemas fueron eliminados por la censura por atentar contra la moral pública y religiosa. La siguiente edición es de 1861: contiene 35 nuevos poemas y añade otra

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sección: “Cuadros parisinos”. La edición póstuma de 1868 no añade nuevos poemas, sólo algunos reescritos.

Las flores del mal sorprendió a sus contemporáneos por su originalidad. El realismo de sus imágenes, el feísmo incluso, la violencia, junto al clasicismo de la forma eran absolutamente novedosos. Baudelaire exalta el dandismo y el malditismo como rechazo de la moral burguesa y defiende el simbolismo como modo de interpretación de la realidad. Su idea central es mostrar la maldad de los hombres, al mismo tiempo que encuentra en la bajada a los infiernos de esa maldad una respuesta al “spleen”, al hastío vital. Otros han visto en el libro una especie de moral inversa: mostrar el vicio y el horror para evitarlos.

En cualquier caso, Las flores del mal es el punto de partida de la poesía moderna y Baudelaire probablemente el más importante poeta del siglo XIX. Su valor es múltiple: lleva hasta las últimas consecuencias la concepción visionaria de la poesía –herencia romántica-: el poeta es aquel que ve más allá y es capaz de expresar la verdad profunda de las cosas. Supera el prosaísmo realista y la grandilocuencia romántica. Es precursor de las tendencias poéticas posteriores: simbolismo, decadentismo, malditismo… Y, sobre todo, anticipa el nihilismo de la literatura contemporánea frente a un mundo desencantado, mecanizado y vulgar.

6.1. KAFKA Y SU ÉPOCA

Franz Kafka nace el 3 de julio de 1883 en Praga, en una familia judía. Su padre regentaba desde 1882 un negocio de mercería que transformaría más tarde en unos grandes almacenes que le dieron reputación de ciudadano respetable. Aunque su idioma materno fue el alemán, Kafka aprendió también el idioma checo, ya que su padre quería que su hijo hablara con fluidez ambos idiomas. Estudió Derecho en la Universidad de Praga. Después de sus estudios, en 1907 ingresó como pasante en una agencia italiana de seguros; fue entonces cuando comenzó a escribir. Al año siguiente obtuvo un contrato fijo en otra agencia de dicho ramo. En 1917 se le diagnosticó tuberculosis, lo que le obligó a mantener frecuentes períodos de convalecencia.

Fundamental en la vida de Kafka es su relación con su autoritario padre. En la intimidad, éste no dejó nunca de menospreciar a su hijo. De ese conflicto declaró el propio Kafka que procedía toda su obra, incluyendo en particular su célebre Carta al padre, nunca publicada en vida. También fue determinante en su vida su relación tormentosa con varias mujeres. En 1923 se trasladó a Berlín, con la esperanza de distanciarse de su familia y centrarse en su obra; se reunió con Dora Diamant, una joven de 25 años descendiente de una familia judía ortodoxa, que había huido de su pueblo natal, a la que había conocido en el verano del mismo año. El estado de salud de Kafka empeoró sensiblemente en años posteriores con el avance de la enfermedad. Tras estancias en sanatorios y un tiempo en Berlín, regresó a Praga y posteriormente fue internado en un sanatorio cerca de Viena para recibir tratamiento. Murió en el sanatorio el 3 de junio de 1924. Su cuerpo fue llevado a Praga, donde fue enterrado, el 11 de junio de 1924.

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La vida y obra de Franz Kafka se sitúan en uno de los periodos más complejos y conflictivos de la historia: la primera mitad del siglo XX. A lo largo de este periodo los acontecimientos se suceden a gran velocidad, produciéndose una gran transformación en todos los órdenes: político, social, económico, ideológico y artístico. Podemos distinguir dos etapas diferentes:

Hasta la primera guerra mundial se produce la llamada crisis de fin de siglo: una crisis general provocada por el estallido de las tensiones acumuladas a lo largo del siglo XIX. La crisis de fin de siglo supondrá el final de la sociedad burguesa y de todos sus valores. La crisis de fin de siglo desembocará en la guerra de 1914, que causará una gran transformación del mundo. Con ella empieza verdaderamente la historia contemporánea.

Tras el fin de la guerra en 1918 comienza el periodo de entreguerras. Se inicia con una etapa de gran recuperación económica –los “felices veinte”-, que oculta el recrudecimiento de las tensiones ideológicas provocado por el desarrollo de ideologías totalitarias y la pérdida de credibilidad del sistema democrático. El crecimiento económico se fue convirtiendo en desmesurado, artificial e incontrolable, hasta deshacerse en el crack de 1929, la mayor crisis en la historia del sistema capitalista: de ella nace un periodo de grandes penurias, conocido como los “sombríos treinta”. Sin el soporte de una economía próspera, se endurecen los enfrentamientos ideológicos: el nazismo toma el poder en Alemania (1933), mientras el Frente Popular lo hace en Francia (1936). Se llega así a la Segunda Guerra Mundial, en 1939.

Ambas etapas se caracterizan, pues, por un contexto de crisis. Los acontecimientos no son amables con el hombre, que acaba adquiriendo una visión pesimista y desencantada de la realidad, y también del sentido de su propia existencia, o más bien la falta de sentido. Se impone el pensamiento irracionalista y vitalista, iniciado ya en el XIX por Kierkegaard, Schopenhauer y Nietzsche. La realidad se entiende como algo dinámico que no puede ser apresado por la razón. El culmen de estas concepciones ideológicas es el existencialismo: para los filósofos existencialistas como Martin Heidegger, la esencia del hombre se reduce a su existencia. Estamos arrojados al mundo sin ninguna razón y abocados a la muerte.

A lo largo de toda esta etapa, la novela va a experimentar profundos cambios. La novela ya no puede ser una simple sucesión de hechos objetivos narrados linealmente. Ahora los novelistas se preocupan más por otros aspectos, como el lenguaje o la estructura: se trata de una novela mucho más formalista que la anterior. Además se abandona la narración omnisciente a favor de otros modelos de punto de vista: narrador objetivo, contrapunto, multiplicidad de puntos de vista… Y se introducen nuevas técnicas encaminadas a la expresión de la interioridad, como la corriente de conciencia o monólogo interior.

De manera similar a la etapa realista, la novela sigue siendo el género más destacado durante esta primera mitad del siglo XX. Autores fundamentales surgen en Europa y América. En Estados Unidos la renovación de las técnicas narrativas corre a cargo de Henry James, al que

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seguirá, ya en el periodo de entreguerras, la llamada “generación perdida”: Hemingway, Scott Fitzgerald, John Dos Passos y William Faulkner. En Inglaterra destaca Virginia Woolf. En Alemania, Thomas Mann, Robert Musil, Hermann Hesse y Franz Kafka que, aunque checo, escribe en lengua alemana. Los dos principales novelistas son el francés Marcel Proust, autor de la monumental En busca del tiempo perdido, el irlandés James Joyce, autor del Ulises, considerada la novela más importante del siglo XX.

6.2. LA METAMORFOSIS Y LA OBRA LITERARIA DE KAFKA

Kafka sólo publicó algunas historias cortas durante toda su vida, una pequeña parte de su trabajo, por lo que su obra pasó prácticamente inadvertida hasta después de su muerte. Con anterioridad a su fallecimiento, dio instrucciones a su amigo y albacea Max Brod de que destruyera todos sus manuscritos; Brod hizo caso omiso de esas instrucciones, y supervisó la publicación de la mayor parte de los escritos que obraban en su poder. La compañera final de Kafka, Dora Diamant, cumplió sus deseos pero tan sólo en parte. Dora guardó en secreto la mayoría de sus últimos escritos, incluyendo 20 cuadernos y 35 cartas, hasta que fueron confiscados por la Gestapo, en 1933. Actualmente prosigue la búsqueda de los papeles desaparecidos de Kafka a escala internacional.

Estas circunstancias, junto a la obsesiva autoexigencia del autor, explican el escaso número de obras de Kafka publicadas en vida: La condena (1912), En la colonia penitenciaria (1914), La metamorfosis (1915) y las colecciones de relatos Contemplación (1913), y Un médico rural (1917), además de numerosas cartas. Tras su muerte se publican sus novelas extensas: El proceso (1925), El castillo (1926) y América (1927), estas dos últimas inconclusas. Todas sus páginas publicadas, excepto varias cartas en checo dirigidas a Milena, se encuentran escritas en alemán.

La metamorfosis narra la historia de Gregorio Samsa, un comerciante de telas que vive con su familia a la que mantiene con su sueldo, quien un día amanece convertido en una criatura no identificada claramente en ningún momento, pero que tiende a ser reconocida como una especie de cucaracha gigante. La obra ha tenido numerosas interpretaciones: entre las más obvias están las referidas al trato de una sociedad autoritaria y burocrática hacia el individuo diferente, donde este queda aislado e incomprendido ante una maquinaria institucional abrumadora y monótona que ni él comprende ni ésta lo comprende a él. Otros temas son la soledad de las relaciones rotas y las esperanzas desesperadas y poco realistas que crea tal aislamiento. Algunos autores han querido ver también en esta historia una alegoría de las diversas actitudes que toma el ser humano ante la enfermedad grave e irreversible y cómo a pesar de todo la vida continúa.

Los escritos de Kafka pronto comenzaron a despertar el interés del público y a obtener alabanzas por parte de la crítica, lo que posibilitó su pronta divulgación, hasta el punto de que marcaría el proceso posterior de la literatura del siglo XX. En su obra, a menudo el protagonista se enfrenta a un mundo complejo, que se basa en reglas desconocidas, las cuales nunca llega a comprender. El adjetivo kafkiano se utiliza precisamente a menudo para describir situaciones similares. Sus

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temas son recurrentes: el conflicto generacional entre padres e hijos, la imposibilidad de realizarse como individuos en una sociedad gobernada por el azar y la relación del hombre con un poder absurdo, anticipo del horror de los totalitarismos que surgiría poco después en Europa.

La mayoría de los escritores y críticos del siglo XX han hecho referencias a su figura. Ha habido multitud de estudiosos que han intentado (e intentan) encontrarle sentido a la obra de Kafka, interpretándola en función de todos los puntos de vista posibles: filosófico, literario, psicoanalítico, religioso o sociológico. En cualquier caso, se trata de una de las figuras capitales de la literatura y la cultura contemporáneas.

7.1. SALINGER Y SU ÉPOCA

Jerome David Salinger nació en Nueva York y comenzó su trayectoria literaria escribiendo relatos para revistas de esa ciudad. Además, publicó dos capítulos de lo que posteriormente sería El guardián entre el centeno antes de verse obligado a abandonar los Estados Unidos para ir a la Segunda Guerra Mundial. Su trabajo se vio interrumpido por este conflicto, en el que pudo ser testigo del combate en algunas de las batallas más violentas. Participó en el desembarco aliado en Normandía (1944) como soldado de infantería y durante sus primeros meses en Europa escribió algunos cuentos. Estos hechos le dejaron una profunda huella emocional; posteriormente recurrió a sus experiencias de los tiempos de guerra para algunos de sus relatos.

En 1945, Salinger se casó con una médico francesa de nombre Sylvia, de la cual se divorció; en 1955 se casó con Claire Douglas, unión que concluyó también en divorcio en 1967. Después de haber obtenido la fama y la notoriedad con El guardián entre el centeno, Salinger se convirtió en un individuo antisocial, apartándose del mundo exterior y protegiendo al máximo su privacidad. Se mudó de Nueva York a Cornish, New Hampshire, donde continuó escribiendo historias que nunca publicó. Salinger ha intentado por todos los medios escapar de la exposición al público y de la atención del mismo. Pero sin embargo se ve obligado a luchar continuamente contra toda la atención no deseada que recibe, como figura de culto que es. En 2000, su hija, Margaret Salinger, publicó El guardián de los sueños, libro de “confesiones” en el que ofrece un retrato muy negativo de su padre. Salinger murió en Cornish el 27 de enero de 2010.

Durante la primera mitad del siglo los escritores habían buscado, ante todo, la creación de nuevas formas alejadas de la tradición. Sin embargo, la Segunda Guerra Mundial vino a interrumpir ese proceso: la dimensión de la tragedia, que había devastado el mundo, abruma a los autores, especialmente en Europa. Por ello, las nuevas tendencias se orientan hacia la reflexión sobre el sentido de la existencia humana o hacia la descripción de los efectos de la guerra, y sólo a partir de los cincuenta, cuando comienza a desarrollarse la sociedad de consumo, tal como la entendemos en la actualidad, surgirán nuevos impulsos renovadores.

El existencialismo será el movimiento que mejor encarne la expresión del absurdo de la existencia humana. La muerte es el único

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fin, la conciencia de la falta de trascendencia provoca angustia, el hombre está condenado a ser libre… Los existencialistas darán diferentes respuestas a estos problemas: la acción moral (Saint-Exupèry, André Malraux); la fe (Chesterton, Graham Greene); el compromiso humanista (Albert Camus); o el ateísmo radical (Jean Paul Sartre).

Esa misma visión negativa de la realidad humana está en los dramaturgos del llamado “teatro del absurdo”: estos autores (Ionesco, Samuel Beckett) no discuten sobre el absurdo de la existencia humana, sino que la representan por medio de imágenes y escenas.

En Alemania e Italia, países derrotados en la guerra, aparecen autores cuya intención es reflejar el mundo tras el conflicto, con sus horrores y sus contradicciones, de manera directa y natural. Es el caso del neorrealismo italiano, o novelistas alemanes como Elias Canetti o Ernst Jünger.

Ya en la década de los cincuenta, una vez superados los durísimos comienzos de la posguerra, surgen tendencias literarias renovadoras: los “jóvenes airados” ingleses, dramaturgos que expresan el tedio de la vida contemporánea por medio de una gran agresividad verbal (John Osborne, Harold Pinter); o el “nouveau roman” francés, un intento de renovación de la novela a partir de la importancia de los objetos como reflejo de la cosificación consumista (Alain Robbe-Grillet).

Durante esta segunda mitad del siglo, la narrativa norteamericana adquiere un papel relevante. Tras los precedentes de la “generación perdida” (Hemingway, Scott Fitzgerald) y Faulkner, una gran cantidad y variedad de novelistas se van sucediendo a partir de los años cincuenta:

A principios de los 50 destacan los novelistas sureños, como Carson McCullers o Truman Capote; los afroamericanos, como Richard Wright; y los de origen judío, como Saul Bellow o Isaac Baheshevis Singer. El autor más importante del momento es, precisamente, J.D.Salinger.

A finales de los 50 surge la llamada “generación beat”, contraria a los convencionalismos sociales y culturales, y muy vinculada a la nueva cultura musical y artística. Su principal representante es Jack Kerouac, cuya obra En el camino se convirtió en el referente de toda una generación.

Paralelamente aparecen autores que, al igual que en Europa, buscan una renovación del género, cuestionando el realismo clásico: Tom Wolfe, Vladimir Nabokov o Thomas Pynchon.

En la actualidad la narrativa norteamericana sigue mostrando el mismo vigor, con autores que continúan las líneas emprendidas antes (Philip Roth, Toni Morrison, John Updike) o renovadores como Paul Auster. Tal vez la tendencia más influyente en las últimas décadas sea el “realismo sucio”, representado por Raymond Carver o Richard Ford.

7.2. EL GUARDIÁN ENTRE EL CENTENO Y LA OBRA LITERARIA DE SALINGER

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La obra publicada de Salinger es muy escasa. Además de El guardián entre el centeno la componen los siguientes títulos:

Nueve cuentos (1953). Es una colección de relatos cortos. El libro incluye dos de los relatos más famosos del autor: Para Esmé, con amor y sordidez y Un día perfecto para el pez banana, protagonizado este último por Seymour Glass, el mayor de los hermanos Glass.

Franny y Zooey (1961). Escrita ye en su residencia de Cornish, es la unión de dos relatos breves donde aparecen sus habituales personajes adolescentes, hipersensibles y con tendencias artísticas, en rebeldía contra el corrupto universo adulto.

Levantad, carpinteros, la viga del tejado y Seymour: una introducción (1963) .Este volumen recoge dos novelas o breves o relatos extensos. En ambos aparece la figura fascinante de Seymour, (un joven y prometedor poeta que se suicidó a los treinta y un años), en un caso en el día de su boda, y en el otro como motivo de los complejos sentimientos que despierta entre sus allegados. El primero de los relatos se presenta como una extensa conversación que hace que el tiempo de la acción y el tiempo que emplea el lector en conocerla coincidan perfectamente, mientras que el segundo se presenta como un pseudodiario del hermano del protagonista.

El guardián entre el centeno (The Catcher in the Rye), también traducido como El cazador oculto, se publicó en Estados Unidos en 1951, provocando numerosas controversias por su lenguaje provocador y por retratar sin tapujos la sexualidad y la ansiedad adolescentes. Escrito en primera persona, El guardián entre el centeno relata las experiencias de Holden en la ciudad de Nueva York, después de ser expulsado de Pencey Prep, su escuela secundaria. El título del libro hace referencia a un poema que se explica en el libro, que trata sobre un “guardián entre el centeno” que evita que “los niños caigan en el precipicio”.

Esta novela es la historia de un joven rebelde a camino entre la infancia y el mundo adulto. Holden es un niño mimado por sus padres, al que nada le gusta. En una insensata huida sin rumbo fijo, para intentar evitar explicarle a su padre que ha sido expulsado –otra vez- de la escuela privada Pencey, el protagonista vive en primera persona los aspectos más bajos de la sociedad. Tiene encuentros con mujeres, decepciones y situaciones comprometidas, en una especie de cursillo acelerado de lo que significa la madurez. Holden no tiene ilusión por nada, y está convencido de que ese paso a la madurez es una regresión y no una evolución. Por ello, sólo idealiza a su hermana pequeña, Phoebe, porque representa el último eslabón con su infancia. Salinger es un autor independiente, crítico con la sociedad del momento y sus valores. Como tal puede ligarse, aunque las obras de Salinger sean anteriores a la publicación de los grandes hitos de aquéllos, a un grupo de escritores intelectuales de la contracultura americana que destacó con fuerza a partir de los años cincuenta que, en ocasiones, fueron asociados al pensamiento comunista a causa de la intensidad con que se enfrentaron al sistema americano. El término Generación Beat (en inglés: Beat Generation) se refiere a un grupo de escritores estadounidenses de la década de los cincuenta, así como al fenómeno cultural sobre el cual escribieron. Algunos

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de sus elementos definitorios son el rechazo a los valores estadounidenses clásicos, el uso de drogas, una gran libertad sexual y el estudio de la filosofía oriental. Esta nueva forma de ver las cosas dejó su principal influencia y legado en la posterior contracultura o movimiento hippie. Sus principales obras literarias son Howl de Allen Ginsberg (1956), En el camino de Jack Kerouac (1957) y El almuerzo desnudo de William S. Burroughs (1959).

 Treinta años después de su publicación en 1951, El guardián entre el centeno era tanto el libro más prohibido, como el segundo más estudiado como lectura obligatoria en los institutos estadounidenses.

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