El Espectáculo Teatral nº 60 febrero 2011

el mundo del espectáculo teatral

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Editorial

Aunque lo pudiera parecer, ni se nos coló un texto falso en el pasado número de la revista ni nos hemos vuelto locos dejándonos llevar por la escritura automática de

los surrealistas. Han sido bastantes las llamadas y correos electrónicos que hemos reci-bido referidos al editorial que abría nuestro ejemplar correspondiente al mes de febrero, pero tenemos que retrotraernos un número más allá, al mes de enero, para explicarnos.En el número 58, en resumen y tal y como habían entendido (correctamente) bastantes de nuestros lectores, veníamos a decir que por mucho que lo políticamente correcto sea criticar los modelos empresariales de Focus y Pentación como ejemplos de una visión exclusivamente mercantilista del teatro, alejada del “excelso” papel cultural que debería tener el teatro, la realidad demuestra que, cuando hay elecciones en nuestro ámbito profesional, son ellos los elegidos por el sector para regir los destinos de las principales asociaciones teatrales del país.Es cierto que no se trata de las únicas asociaciones existentes, pero las otras son más pequeñas y débiles (ni mejores, ni peores) y el hecho de que cada cual se integre en una asociación a su medida no hace sino debilitarnos a todos.Pues bien, una vez más, tuvimos que escuchar voces que se referían a nuestro editorial de enero como una defensa a ultranza de los grandes empresarios del sector e, incluso, nos han acusado de “lamerles la mano (o lo otro)”. Está claro que hay quienes en cuanto ven escritos los nombres de Focus y Pentación se obcecan y sólo quieren entender su propia interpretación de lo que leen y no lo que realmente significa: la petición de que nos olvidemos de los reinos de taifas y tengamos el valor de pelear desde dentro por cambiar las cosas. Que no hacen falta más asociaciones, sino menos. Somos un sector pequeño, tan pequeño como el pueblo de Madarcos, en el que si el día antes de las elecciones municipales se empadronaran los invitados a una boda podrían hacer alcalde al padrino y concejala de cultura a la novia. Y tanta división, la que siempre hemos criticado (eso sí lo hemos criticado siempre y es la razón, también, de nuestra ambición por que se cree una Academia de las Artes Escénicas), lo único que hace es empequeñecernos aún más. Ni Focus ni Pentación necesitan que una minieditorial como la nuestra les “defienda”. Ni, mucho menos, pedimos una Academia creada con dinero público; al contrario: la queremos privada, que se sustente con pequeñas cuotas de todos los que libre y voluntariamente quisieran participar y que, ¡ojalá!, fueramos todos: el censo sumaría varios miles. Actores, figurinistas, escenógrafos, técnicos de luces, productores, distribuidores, programadores…, ¡hasta los periodistas especializados! Que entre todos pongan al frente a un gestor de consenso, alguien liberado de otros compromisos, pero de reconocida valía profesional, que sea capaz de pelear en todos los frentes por los intereses comunes del SECTOR en pleno, ya sea ante el Ministerio de Cultura, la FEMP, o cualesquier otro ámbito que reclame su presencia. Alguien que pueda pelear por lo IMPORTANTE mientras los demás ocupan todas las horas del día en rentabilizar su trabajo, lo urgente. Mientras, nuestra reconversión industrial sigue adelante sin que podamos o sepamos hacer nada para adecuarnos a ella. En las actuales circunstancias huelga el discurso del compromiso político con la cultura: con un número cada vez mayor de ayuntamientos quebrados, realizando ERES y sin pagar los recibos de luz y agua, ¿cómo podemos esperar que destinen sus inexistentes euros a contratar nuestro espectáculo? Cuando ha costado un mundo conseguir que el Parlamento aprobara la descafeinada Ley Sinde, que reclama en pleno TODO el sector del cine y la música juntos, ¿dónde vamos nosotros con nuestras pequeñas miserias respectivas?Nuestro discurso es breve y reiterativo, pero nos sorprende que tantas veces sea malinterpretado. En las actuales circunstancias abogamos por la profesionalización del sector y la unión de asociaciones (que se sustente sobre la votación democrática) y empresas; la creación de centrales de compras que sirva para reducir costos (de material de escenografía, vestuario, imprenta o, incluso, de asesoría fiscal, laboral y contable); abogamos por la imaginación a la hora de generar ingresos atípicos. Y, sobre todo, en unas aguas tan revueltas como las actuales, abogamos por generar propuestas independientes de los dineros públicos: búsqueda de patrocinios y nuevos clientes y espacios donde desarrollar espectáculos.Estamos hablando de la supervivencia aunque, efectivamente, cada cual puede hacer las cosas como su experiencia le dé a entender. Es la forma de vida de cada quien lo que está en juego. Sólo eso.

Jesús Rodríguez Lenin Editor

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Edita: Publicaciones Teatrales S.L.

c/ Julián Camarillo 47 port. D of. 104 28037 MADRIDTel.: 91 304 04 88

Director: JESÚS RODRÍGUEZ FERNÁ[email protected]

Director de arte: ENRIQUE PÉ[email protected]

Redactora Jefe: CRISTINA RELLO [email protected]

Redacción: JAVIER MORA, CLARENCE J. BODDICKER.

Autoedición: LAURA R. DIONIS, FRANCISCO CACENAVES

Publicidad: ABEL VALERO [email protected]

Publicidad Equipamiento: SANTIAGO GARCÍ[email protected]

Fotocomposición: Dos Dimensiones, S.L.Depósito Legal: M-46213-2005Imprime: Gráficas Villena.Distribuye: National Post.

SUMARIO:

6 EMPRESAS - 6: Asimétrica y Scna - 8: Entrevista a Enrique Salaberría

11 FERIAS Y EVENTOS - 11: dFeria y Feria de Teatro de Castilla-La Mancha - 12: FETEN - 14: Escena Círculo y Festival de Títeres de Redondela - 15: TOT Festival

17 RECINTOS - 17: Kubik Fabrik

18 PREMIOS - 18: Entrevista a Juana Escabias - 19: Premios Max

21 COMPAÑÍAS - 21: Teatro de texto - 28: Teatro multidisciplinar - 29: Musicales - 31: Danza - 32: Circo - 34: Magia - 35: Infantil

37 EQUIPAMIENTO ESCÉNICO

OPINIÓN - 10: Heteatrodoxias, de Xavier Marcé - 16: El Apuntador, de Marco Tulio Luna R. - 20: Ferias y Feriantes, de Isidro Rodríguez Gallardo - 42: La reflexión, de Robert Muro

No hemos entendido nada y (2)



empresas

Desde el pasado 28 de febrero se celebra en la sede de la Fundación

Lázaro Galdiano de Madrid la primera edi-ción de los Talleres de Marketing Cultural, Ticketing y Desarrollo de Audiencias que organiza la consultora cultural Asimétrica, cuyos socios directores son Raúl Ramos y Robert Muro. En total serán nueve talleres de 35 únicas plazas que están avalados por las principales asociaciones británi-cas de marketing cultural y desarrollo de audiencias –Arts Marketing Association (AMA), Audiences UK y la Asociación Bri-tánica de Técnicos Teatrales (ABTT)–, y que se desarrollarán hasta el 16 de mayo.Estos talleres están dirigidos a todos aquellos profesionales del sector cultural con al menos cinco años de experiencia que quieran mejorar el funcionamiento de sus organizaciones en áreas como el desarrollo de públicos, el marketing cultural, el ticketing, o los nuevos medios. Los talleres contarán con ponentes nacionales e internacionales de reconocida trayectoria como Andrew de la Rosa, director de la ABTT; Beth Aplin, directora de Aplin Partnership; Ana Álvarez, directora de the55; Katy Raines y Kate Sanderson, socias de Indigo Ltd.; Debbie Richards, directora de Baker & Richards Consulting; David Brownlee, director ejecutivo de Audiences UK; Javier Martín Balsa, consultor asociado a Asimétrica; y

Arriba, de izda. a dcha: Elena Hernando (directora de la Fundación Lázaro Galdiano), Irene Pardo (coordinadora de La Red), Sonia López (vicepresidenta de La Red), Maribel Sausor (responsable de Formación de la Fundación Autor) y María Valls (formación de La Red). Abajo, de izda. a dcha: Rubén Gutiérrez (responsable de Estudios de la Fundación Autor), Robert Muro y Raúl Ramos (socios directores de Asimétrica) y Nicolas Jackson (departamento de Arte y Literatura del British Council), durante la presentación de estos talleres.

AsimétricaRealiza los I Talleres Internacionales de Marketing Cultural, Ticketing y Desarrollo de Audiencias

Roger Tomlinson, director de The Ticketing Institute. La organización, además, cuenta con la colaboración de la Fundación Autor, La Red Española de Teatros, Auditorios,

Fue en 2007 cuando se puso en marcha una nueva actividad en el sector de las artes escénicas: Scna. Esta iniciativa nació en el País Vasco como

un encuentro que ofreciera un lugar propio para que compañías y distribui-dores pudieran mostrar sus más recientes producciones a los programado-res interesados en conocerlas. Una característica a destacar de Scna es la inclusión de los espectáculos en la programación habitual de los municipios participantes, de manera que los montajes son vistos con “público de calle”, es decir, en las mismas condiciones que cuando son programados por los técnicos de cultura asistentes.Ahora llega una nueva edición de Scna, que se llevará a cabo los días 25, 26 y 27 de marzo en los municipios vizcaínos de Elorrio, Matiena, Berriz y Amorebieta. Este año contará con la participación de los espectáculos “No me hagas daño”, de Tanttaka; “El día que llegó una nube y llovió”, de Trompicallo; “Tengamos el sexo en paz”, de eme2; “Don Juan Tenorio”, de El Temple; “Einstein & el dodo”, de El Temple; y “Rua Aire”, de El Retrete de Dorian Gray.Con estas jornadas, además, sus organizadores –las empresas A Priori Gestión Cultural, eme2 y Julio Perugorría Producciones– pretenden potenciar la cercanía y el intercambio de opiniones, y facilitar el debate sereno y sin estridencias entre todos para ser más conscientes de los problemas del sector y buscarles solución.

Circuitos y Festivales de titularidad pública, y el British Council.

Los municipios vizcaínos de Elorrio, Matiena, Berriz y Amorebieta acogerán su II ediciónScna

Más información en la edición digital

“Einstein & el dodo”, de El Temple.



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Hasta dónde está previsto el creci-miento de Smedia en cuanto al nú-

mero de teatros a gestionar?- La cuestión no está en cuántos teatros hay, sino en el proyecto. Y cuando hay proyecto una empresa crece y si no lo hace se estanca. En 1999 comencé con el Alcázar y desde entonces hemos ido desarrollando el proyecto, lo que ha supuesto nuevos espacios de una forma natural. Y un proyecto es un paraguas frente a los bombardeos. Ahora estamos en un momento dulce, con un proyecto concreto, aunque sea muy diversificado.Recientemente hemos realizado una serie sobre la vida de Miguel Hernández en dos capítulos, que se emitió en diciembre en Televisión Española y se va a emitir en Canal 9, y que hemos producido

entre La Marea Producciones, Sateco Documentalia y Dacsa Produccions.En realidad Smedia es un grupo con un perfil de trabajo discreto, sin alardes. No se trata de demostrar nada a nadie sino de seguir una línea en la que creemos, de trabajar e ir sumando. Los resultados son la mejor recompensa. Poca gente sabe que desde hace ocho años programamos en Santander el teatro Tantín de la Caja de Cantabria, recuperando la temporada de verano.- ¿Qué es más Smedia, una empresa de paredes o una productora?- Claro que producimos. Y coproducimos. Producimos para televisión, para teatro, etc. “El enfermo imaginario”, “39 escalones”, “Un marido de ida y vuelta”, etc. Y este año vamos a presentar diez o doce

producciones. Nos gusta mucho producir porque para nosotros es una forma de ofrecer calidad y de acercarnos al público. Con tanta sala y tanto espectáculo llegas a conocer muy bien la demanda y lo que el público realmente busca cuando compra una entrada y se sienta frente al escenario. Estamos en un lugar privilegiado que te ayuda a entender muchas cosas. Eso sí, nunca hay que olvidar la calidad. De todas formas siempre te puedes equivocar. Y nos hemos equivocado. Pero es parte del proceso. Luego también está el tema de que tienes que tener en cuenta si te diriges a un teatro público o a uno privado.- ¿A qué te refieres?- Al falso concepto sobre lo público y lo privado. Lo público es la independencia, la libre expresión. Y no es lo que

“Está muerto lo de vivir del dinero de la administración”Ya son once los espacios de mayor o menor tamaño que Smedia gestiona en la capital. Desde que Enrique Salaberría comenzara en 1999 su modelo de gestión encargándose del teatro Alcázar, en los últimos años se han incorporado el Compac Gran Vía, Fígaro, Infanta Isabel, Pequeño Gran Vía, Nuevo Teatro Alcalá (sala 1 y sala 2), Galileo, Nuevo Apolo

y en las últimas semanas el Lara, al que se añade el local de cena con espectáculo Faena Madrid. Situado voluntariamente al margen de las distintas “familias” que capitanean el sector, muestra en esta entrevista su propia visión de un futuro de las artes escénicas que no se dirige hacia donde, dice, todo el mundo se empeña en dirigirse.

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Director general de Smedia


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empresas

existe actualmente. El modelo público no ha existido como tal nunca, salvo excepciones, como son el teatro Real, el Español, el María Guerrero o el Nacional de Catalunya. El resto no. El resto de teatros no se comportan como un modelo de libre expresión, sino que se les está nutriendo de espectáculos que cumplen los requisitos suficientes para ser programados. Son espectáculos filtrados por decisiones administrativas, no artísticas.De todas formas un ejemplo de proyecto abierto que se está conjugando bien es el teatro Galileo.- No se te escucha planteando tus propuestas en marcos como Mercartes…- Es que Mercartes es una feria que quiere seguir manteniendo un modelo muerto. En Semana Santa celebramos cada año la muerte de Cristo y Mercartes, como otras ceremonias, es la celebración de la muerte del teatro.El problema es el miedo a qué modelo se instaura, por el temor a perder los privilegios de unos frente a otros. Lo que

pienso es que alguien va a tener que administrar la estructura pública que se ha creado. Eso sí: va a haber que administrarla de otra manera. Es muy extraño que no se permita la renovación de las estructuras. Hay un inmovilismo entre la necesidad de mantener lo que viene de atrás y vivir de las subvenciones.Está muerto lo de vivir del dinero de la administración, pero no es un problema de los últimos dos años: el problema empezó hace diez años. Dentro de veinte años el 50% de la sociedad va a trabajar para el ocio. Y fuera de Madrid hay teatros y solares.- ¿El éxito de taquilla es fruto exclusivamente del talento o requiere un porcentaje elevado de marketing?- Es la combinación de muchos elementos: primero el querer a los demás, lo más importante. No dejar de pensar en ellos. Y hacerlo todo pensando en ellos. Aunque, vuelvo a insistir, sin olvidar la calidad. Al público hay que transmitirle algo.Yo te puedo asegurar que si antes invertíamos 90.000 euros en marketing por espectáculo/año, ahora estaremos en 45.000 o menos. Pero hemos invertido más en personal para desarrollar un marketing más viral, más adaptado a los tiempos. Sigue siendo marketing. Pero es lo mismo: si no estudias como se desarrollan las cosas, siempre haces lo mismo. Si estudias ves que las cosas tienen que cambiar y esto tiene que ver con los cambios en la sociedad y en las tecnologías. - Es notoria tu animadversión a las administraciones públicas. ¿Nos dirigimos inevitablemente a la gestión privada de espacios públicos o eso es algo que, en cualquier caso, sólo se podría llegar a producir en grandes ciudades?- No creo. No vamos a una gestión privada. Partiendo de la sustantividad de las artes escénicas y su necesario mecenazgo, plantearlo es estar un poco ciego a la realidad. A lo que se tiene que ir es a un concurso público con intervención de control económico y propuesta artística. Algo que se sitúe entre el modelo inglés, francés, alemán u holandés, con el carácter español. Y cada región tiene su propia identidad…- ¿Qué crees que tendrían que hacer las pequeñas productoras para sobrevivir si no son contratadas por los ayuntamientos o las redes?- Tomar la plaza. Exigir los recintos. Y desarrollar una labor completa. No se puede estar haciendo el mismo teatro que se hacía hace 20 años, ni siquiera hace 10. Hay que observar, adaptarse y proponer. Los espacios existen. Hay que tomar la plaza pero sabiéndola tomar.

entrevista



heteatrodoxias

La administración pública nunca ha destacado por sus esfuerzos para

crear públicos. No es una afirmación mayestática sino empírica que constata una tendencia muy extendida en la de-fensa de los creadores y los contenidos artísticos y un cierto abandono de los programas destinados a incrementar el consumo cultural. La creación de públi-cos es probablemente el principal reto de nuestras políticas culturales y una ne-cesidad ineludible para la sostenibilidad de nuestro sistema cultural.El nuevo director del Barbican Center decía recientemente que los ajustes presupuestarios derivados de la crisis económica sólo podían resolverse cambiando el perfil de los trabajadores del centro hacia una visión mucho más comunicativa y participativa. La propuesta del Barbican supone cambiar de raíz el paradigma básico de la gestión cultural del siglo XX que podría formularse de la siguiente manera: “programemos lo mejor para atraer al público”, por otro que podría definirse de la siguiente manera: “busquemos los públicos y luego programémosles lo mejor”.Ambas formulaciones podrían, quizá, llevarnos al mismo sitio, pero es indudable que suponen metodologías distintas, perfiles profesionales diferentes y probabilidades de éxito o fracaso más contrastadas que las que nos propone el tópico clásico que supone que “la oferta crea su propia demanda”.Si existiera una política cultural de laboratorio podríamos especular con los resultados de ciertos experimentos: ¿qué ocurriría, por ejemplo, si un porcentaje mayoritario de los recursos públicos se dirigieran a subvencionar al espectador y

no al producto? Probablemente no gran cosa, dado que el municipalismo cultural subvenciona y mucho los precios de la entrada cultural, pero descubriríamos que el concepto de público cultural unívoco es antiguo, poco eficaz y discriminador. En realidad, una de las aportaciones colaterales del desarrollo de las modernas industrias culturales es hacer evidente la existencia de diversos públicos de la cultura, cada uno de ellos dotado de características, impulsos y niveles de gasto y acercamiento al producto cultural muy diferenciados.¿Nos hemos fijado, por ejemplo, en un hecho tan curioso y desconcertante como el siguiente?: los mismos jóvenes que jamás gastarían un euro en música o cine en Internet si utilizan un ordenador convencional, compran productos en abundancia cuando consiguen disponer de un Iphone o un Ipad. ¿Son piratas, o simplemente aprovechan las posibilidades de un sistema de accesibilidad a través de sus características técnicas y conceptuales? En un caso se trata de un sistema abierto y en el otro de un sistema cerrado. El primero es un sistema que se ha prestigiado desde sus valores culturales y democráticos, el otro es un simple, y muy seductor, sistema de consumo cultural. La tecnología nos ha convertido a todos en potenciales consumidores culturales, salvo quizás, una reducida capa de ciudadanos a los que la tecnología les está vedada por razones económicas. Lo que nos enseña esta realidad es que los sistemas tradicionales de relación entre oferta y demanda tienen una escasa vigencia.

El espectáculo en vivo no es una excepción. Hay que diferenciar la problemática del consumidor habitual al que le afectan las políticas de precios porque fácilmente se sitúa cerca de su umbral máximo de gasto, del espectador esporádico al que las políticas de precios le afectan poco. Y hay que diferenciarlos del público ajeno al espectáculo en vivo, al que habrá que seducir mediante estrategias en las que el precio no es para nada relevante.Las estrategias indiscriminadas de oferta cultural de los grandes teleoperadores de telefonía móvil han dañado brutalmente la imagen de los derechos de autor y han lesionado su economía, pero han sido muy útiles para los intereses de las grandes multinacionales que han desarrollado los sistemas de distribución comercial en proceso de consolidación (Google, Apple, Amazon, etc.). El problema de las políticas públicas de cultura es que no ha sido capaz de aprovechar tantos años de gratuidad cultural (fiestas mayores, programaciones municipales, etc.) para incentivar un modelo de consumo cultural sostenible. El reto es resolverlo: en primer lugar por razones puramente logísticas (tenemos un 40% de desocupación en las salas públicas o convenidas), en segundo lugar por cuestiones financieras (la economía de los servicios culturales públicos, gestionados directamente desde la Administración, externalizados o pactados, será mixta o adquirirá progresivamente tintes clasistas). Y no nos engañemos, esta realidad afecta a los contenidos digitales, pero no es para nada ajena, al teatro o a la música en directo.

Xavier Marcé

Sobre los públicos y la culturaEl público es el elemento más importante de las artes escénicas y, sin embargo, es también quizá el que más abandonado han tenido los responsables del sector, como explica Xavier Marcé en el siguiente artículo. Desde los espacios escénicos no se ha dedicado ni el esfuerzo ni el tiempo suficiente a la creación de públicos. Además, ha imperado la falsa creencia de que estos eran muy homogéneos, cuando en realidad se diferencian por multitud de factores que tienen que ser identificados para poder ofrecer el producto artístico más adecuado a cada uno de ellos.



ferias y eventos

A pesar de que su andadura estuvo en la cuerda floja durante el año

pasado, dFeria, la feria de artes escénicas de San Sebastián, regresa del 14 al 17 de marzo –en vez de en julio, como era habi-tual– y recobra además su carácter inter-nacional. Así, destaca la representación, por primera vez en nuestro país y en ver-sión original subtitulada, de la obra “Hotel Splendid”, de la compañía coreana Cho-In Theatre. El espectáculo habla de las “mujeres consuelo”, las 200.000 mujeres, principalmente coreanas, que durante la Segunda Guerra Mundial fueron raptadas por el ejército japonés para ser esclavas sexuales. También vendrá de más allá de nuestras fronteras el Teatro de Marionetas de Oporto, que presentará “Wonderland”, un espectáculo para adultos sobre la Alicia de Lewis Carrol. En total la participación internacional constituirá el 15% de la pro-gramación.Durante este año también se podrán ver en San Sebastián dos estrenos absolutos. El primero será “Menú del día”, de Noemí

Viana & Jesús Rubio, un suculento banquete coreográfico compuesto por las piezas “Pintxo de Ofelia”, un “Sinnerman”, un “Sorbete de vídeo-danza” y un “Pi 20” como plato principal. El segundo es “Time al tiempo”, el divertido nuevo montaje Ron Lalá, números, canciones y risas al más puro estilo de estos cinco actores y músicos, que pondrá el broche de oro a este evento. Pero antes de eso habrá tiempo también para ver las propuestas de algunas compañías vascas, como “Historias de papel”, de Behibi’s; “Ma, corazón de locomotora”, de La Enana Naranja; o “Corre payasa corre”, de Panta

Rhei, todas ellas dirigidas al público infantil.Por último, la programación contará con varios espectáculos que girarán en torno al maltrato hacia las mujeres. Es el caso de “Duda razonable”, de Vaivén; de “No me hagas daño”, de Tanttaka; y del espectáculo de danza “Vergüenza”, de Santamaría Compañía de Danza. Además, otra de las compañías internacionales, el Centre Chorégraphique National de Caen, tratará el tema del velo islámico a través de la coreografía de “Manta”.

dFeriaRegresa en marzo y recupera su programación internacional

Puertollano y Almodóvar del Campo (Ciudad Real) acogerán las funciones in-cluidas en la Feria de Teatro de Castilla-La Mancha, que tendrá lugar entre los

días 4 y 6 de abril. Siete de las dieciocho producciones que se exhibirán en su XV edición serán internacionales, procedentes de países como Reino Unido, Colombia, Italia, Hungría, Chile y Portugal. De las restantes, seis serán de la región anfitriona.Un montaje se podrá ver los tres días de feria. Se trata de “Matrimonio de invierno”, de Teatro delle Ariette. Durante el primer día también estarán “Absurdo ma non troppo”, de Teatro de Malta; “Torvaldo furioso”, de El Óbolo Producciones; “Tao Te”, de los hungaros Ferenc Feher; y de “The room”, de Thomas Noonce Dance.En la jornada de transición Ultramarinos de Lucas mostrará “La noche”, mientras que la Compañía Mariantònia Oliver ofrecerá el montaje de danza “Nou”. También se podrán ver “Mono A mono B”, de Capitán Maravilla Productions; “Los peces no vuelan”, de los chilenos La Mona Ilustre; “André & Dorine”, de Kulunka Teatro; “En otra parte”, de los colombianos L’Explose; y “Rites”, de Company Charmeleon.Y el día de cierre habrá también espectáculos infantiles como “Cáscaras”, de A Priori Producciones, o “Del otro lado del árbol”, de Elfo Teatro; así como el montaje flamenco “Por unos pasitos de ná”, de Ambulantes Danza. Company Chamaleon repetirán con “Amaranthine”, y Por Conveniencia / Noemí Viana & Jesús Rubio llegará con el montaje coreográfico “Menú del día”, Cristina Gómez con “El espacio del sueño”, y el portugués Jöao García Miguel con “Madre Coraje”.

Feria de Teatro de Castilla-La ManchaDiversidad en la procedencia de las compañías que participarán en su XV edición



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“Carne di prima qualitá”, de Natxo Montero.



ferias y eventos

En contra de lo que se pudiera ima-ginar en un principio, la crisis eco-

nómica no hizo acto de presencia en FE-TEN, que entre los pasados días 20 y 25 de febrero alcanzó su vigésima edición. Muy al contrario, se han superado todas las marcas de asistencia de profesionales y público. “Antes de iniciar el periodo de inscripción teníamos algún temor sobre cómo iba a repercutir la crisis en la asis-tencia a FETEN, pero podemos decir que no lo ha hecho en absoluto, al revés, ha habido más acreditados que nunca, han asistido más de 500 profesionales, lo que indica que, independientemente de que luego pueda ocurrir en la programación de sus respectivos espacios, el interés de los programadores desde luego no está en cri-sis”. Quien habla es Marián Osácar, quien

FETEN

desde hace ya varios años se encarga de la coordinación de esta feria junto a Humber-to Fernández.“Respecto a los espectadores –continúa Osácar–, aunque en este momento estamos sumando datos, creo que vamos a superar los 27.000 que asistieron en la pasada edición. Para nosotros es muy satisfactorio ver como las funciones de aforo limitado se llenaban en taquilla, pero sobre todo como lo hacían las del teatro Jovellanos a las siete de la tarde, cuando hace unos años nos costaba llenarlo, ya que ahora acuden familias enteras con el abono FETEN para poder asistir durante toda la semana”.Y es que son muchos los cambios que ha presenciado esta feria en sus primeras dos décadas de existencia: “FETEN empezó

siendo una feria europea de teatro para niños y niñas, porque las compañías al principio eran solamente de teatro. Este año hemos aprovechado para empezar a denominarla ‘de artes escénicas’, para reflejar ese cambio de realidad de los últimos años en los que se han ido incorporando distintas técnicas, e incluir así teatro, danza, ópera, musicales, teatro de objetos, teatro de calle, clown, circo, instalaciones multimedia... Por otro lado, a nivel de evolución de públicos, hemos tratado al niño como espectador del presente, no del futuro, y como un espectador inteligente y sensible. Además hemos recuperado al adulto como espectador de artes escénicas infantiles. Ya no se trata de dejar al niño en la puerta del teatro y esperar a que salga, sino de

“El refugio”, de la compañía La Rous, se alzó con dos premios FETEN 2011La gran triunfadora de los premios FETEN 2011, concedidos el pasado 25 de febrero como broche de oro de la Feria Europea de Artes Escénicas de Gijón, fue la obra “El refugio”, de la compañía granadina La Rous, ya que se alzó con dos de los galardones más importantes: el que reconocía al Mejor Espectáculo de esta edición de la feria, y a la Mejor Interpretación Femenina, que recayó en su protagonista, la actriz Rosa Díaz. “El refugio” es un espectáculo dramático dirigido a niños de más de 8 años que nos traslada al duro escenario de la guerra y que ha sorprendido a los espectadores por su crudeza. El argumento se centra en Eva, una niña en mitad de una guerra. Mira el mundo a través del agujero del refugio en el que se esconde... y espera. Espera y se pregunta: “¿De qué sirve una niña en una guerra?”. Con este montaje, que se estrenó en el marco de FETEN, la compañía La Rous comienza a emular el éxito que cosechó con su anterior producción, “La casa del abuelo”.

Grandes datos de asistencia de profesionales y público en su XX aniversario

Todos los galardonados en esta edición de los premios FETEN, cuyo acto de entrega supuso la bajada del telón de la XX edición de la feria.



ferias y eventos

entrar y disfrutar con él doblemente: primero, porque las propuestas cumplen sobradamente las expectativas de un espectador adulto, y, segundo, al ver a su pequeño disfrutando con el espectáculo”, señala la coordinadora de FETEN.Para Osácar, a día de hoy, las artes escénicas –y, por extensión, las ferias que las amparan– no deben tener ningún miedo a las nuevas tecnologías, sino que deben servirse de ellas como herramientas de trabajo. “Podía haber cierta inquietud hace unos años cuando empezaron a aparecer espacios virtuales y entornos digitales. Lo único que siempre ha hecho el teatro es utilizar las tecnologías como un instrumento más, lo que se comprueba en las producciones a la hora de ofrecer un mayor aporte técnico, a la hora de

difundir los espectáculos o a la hora de plantear posibles espacios escénicos. Pero las nuevas tecnologías no van a ser un sustitutivo en absoluto de las artes escénicas. Es más, creo que será al revés, todo lo presencial, ya sean conciertos, performances, o representaciones de teatro o danza, tiene su sitio cada vez más patente, porque las personas necesitamos socializarnos, compartir experiencias en comunidad, y los teatros son el mejor espacio para hacerlo”.A pesar de lo que dice el tango, veinte años si son muchos, y marcan un estupendo momento tanto para reflexionar, al volver la cabeza hacia atrás, como para mirar hacia el futuro. “A corto plazo –explica Osácar–, nuestro reto es mantener el interés de la feria como mercado y como escaparate de las tendencias creativas. A medio plazo trataremos de llegar a dos objetivos. Por un lado, a nivel de festival, queremos extender la programación en nuestra comunidad a través de un circuito de teatro asturiano, para que no solo sea Gijón el centro de referencia. Por otro, y a nivel de feria, queremos atraer a un mayor número de programadores europeos para que nuestras compañías nacionales tengan un mayor mercado más allá de nuestras fronteras”.

Listado completo de ganadores de FETEN 2011

Mejor Espectáculo- “El refugio”, de la compañía La Rous

Premio Especial del Jurado al Mejor Espectáculo de Títeres y Objetos- “Las hadas de la Bella Durmiente”, de Disset Teatre

Premio Especial del Jurado al Mejor Espectáculo de Danza- “Río de Luna”, de Da.Te Danza

Mejor Dirección- Ángel Calvente, de El Espejo Negro, por “El fantástico viaje de Jonás el espermatozoide”

Mejor Interpretación Femenina- Rosa Díaz, de La Rous, por “El refugio”

Mejor Interpretación Masculina- Eduardo Zamanillo, de PTV Clowns, por “Enamorirse”

Mejor Escenografía- Alfred Casas, de Farrés Brothers i Cía, por “La maleta de Agustí”

Mejor Dramaturgia- Teatro Gorakada por su visión de “El ogrito”, de Suzanne Lebeu

Mejor Vestuario y caracterización- Efimer y Roberto G. Alonso, de la compañía Roberto G. Alonso, por la obra Zing-Zing

La actriz Rosa Díaz, a la hora de agradecer el premio que recibió a la Mejor Interpretación Femenina por su trabajo en “El refugio”, de la compañía La Rous.



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Hasta el 21 de mayo la programación del teatro Fernando de Rojas del

madrileño Círculo de Bellas Artes adquirirá una nueva dimensión con el desarrollo del sello de espectáculos Escena Círculo. El objetivo de este ciclo es acercar al espec-tador el mejor teatro a unos precios asequi-bles. Esta su primera edición se abrió el 7 de febrero con “Aullidos”, el espectáculo de títeres para adultos de la compañía Tea-tro Corsario, y a lo largo de su vigencia aco-gerá obras de Chéjov, Strindberg, Beckett, Pinter y Arrabal.Precisamente será el montaje “Fando y Luis” de Arrabal, a cargo de Teatro de Cerca, el encargado de cerrar este ciclo, aunque antes pasaran por el escenario del Círculo los montajes “Vania. La realidad y el deseo”, de Teatro del Norte; “Tejido abierto-Tejido Beckett”, de Tejido Abierto; “El amante”, de Anaclé Producciones; “Acreedores”, de Si Acaso Teatro; y “El

La compañía madrileña Teatro El Zurdo ha relevado a la gallega Tanxarina en la

dirección del prestigioso Festival de Títeres de Redondela (Pontevedra) – Memorial Juanjo Amoedo, cuya XII edición se celebrará entre los próximos días 23 y 29 de mayo. Así, Luis Crespo, uno de los máximos responsables de Teatro El Zurdo, se hará cargo de la dirección artística, desde la que pretende seguir la hue-lla de la brillante trayectoria que la compañía Tanxerina, con más de 30 años de existencia, ha mostrado en las once ediciones anteriores bajo la batuta de Miguel Borines, Tatan y An-drés Giráldez.Esta noticia viene a sumarse al buen momento que vive Teatro El Zurdo. Su montaje “La ruleta rusa” es finalista en la categoría de Mejor Espectáculo Revelación para la XIV edición de los premios Max, que se entregarán el próximo 9 de mayo en Córdoba. Además su más reciente producción, “La ventana de Chygrynskiy”, regresará a la sala Cuarta Pared de Madrid, donde permanecerá durante cuatro semanas entre los meses de junio y julio.

Escena CírculoConocidos autores marcan el inicio de esta serie de ciclos teatrales temáticos

jardín de los cerezos”, de la compañía Rayuela.Los sucesivos ciclos de Escena Círculo se articularán, al igual que el primero, en torno a un denominador común, que puede ser un autor –Shakespeare, Molière, Brecht, Buero...–, una época –el Siglo de Oro, la

generación del 27, la posguerra mundial, la Guerra Fría...–, un tema –la pareja, la sociedad, la guerra, la picaresca...–, o un género –la comedia, la tragedia, el teatro del absurdo...–.

Festival de Títeres de Redondela

Un instante de la edición del año pasado del Festival de Títeres de Redondela (Pontevedra).

Teatro El Zurdo coge las riendas de este evento en su XII edición


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Regresa el Festival de Títeres y Tea-tro de Objetos de Barcelona, el TOT

Festival, con una importante novedad: Jacques Trudeau, secretario general de UNIMA (Asociación Internacional de Ma-rionetistas) se ha puesto al mando de su dirección artística. La que será su segunda edición se celebrará del 18 al 27 de marzo en el Poble Espanyol e intentará superar las marcas de su predecesora, a la que asistie-ron más de 5.000 espectadores y 14 com-pañías de marionetas de todo el mundo.Este año los platos fuertes de la programación los constituyen dos grandes compañías de Irán e Israel, países con una gran tradición marionetista. El montaje iraní “The Earth and the Universe”, que se estrenará en España, está ideada y dirigida por Zahra Khiali, una reconocida y premiada marionetista que desde 1990 tiene su propia compañía, integrada solo por mujeres. Y desde Israel, y también en primicia en España, llegará “A touch of light”, un montaje de marionetas y objetos basado en la vida de Louis Braile a cargo de The Train Theater, una formación teatral especializada en espectáculos dirigidos a menores con necesidades especiales.Sin embargo, el TOT Festival quiere reivindicar que el títere no es solo una disciplina para el público familiar, sino que también pueden disfrutar de estos montajes los adultos, por lo que este año se han programado tres espectáculos dirigidos a los mayores de edad. De entre ellos destaca, procedente de Bélgica, la obra “Geneviève, si chaste, si pura”, de Taptoe Theater, que mezcla títeres, ópera y actores. Además se podrá disfrutar de “Carmen”, de Bambalina Teatre Practicable, y de “El Principito”, de Teatro Silfo.

Por último, en esta segunda edición también habrá hueco para el denominado como TOT Off, una propuesta al aire libre en la que en diferentes rincones del recinto

se podrá disfrutar de espectáculos de calle muy diversos creados por nuevas y jóvenes compañías que buscan su espacio en el mercado escénico.

TOT FestivalJacques Trudeau se incorpora a la dirección en su segundo año

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el apuntador

El escenario como refugio del actor, más allá de ser aquel sitio en donde

se “expone a las miradas y escrutinios del honorable público”, es el punto de partida y de llegada de la línea en el horizonte. Si algo admiran mis progenitores en el mun-do del arte, según sienten ellos, es: “el sen-timiento universal que contiene el mundo del arte, la hermandad entre artistas sin re-paro alguno”; dicho sentir lleva a mi amada y sacrificada madre a confiar en que nunca su “adorado y nunca bien ponderado hijo” (en este caso yo) se encontrará solo y sin ayuda esté donde esté.Compañía Petíteres y Petu Teatro, nombre demasiado holgado para un pequeño teatro de “uno” que, sin embargo, como otros tantos actores y actrices, artistas en general, obran por el mundo con su espectáculo “unipersonal”, “unitario”, “mono-temático”, “mono-lógico” o no…, en fin, “en solitario”. Desde la dramaturgia hasta la recepción de las entradas, si es necesario; desde la actuación hasta la operación luminotécnica, superando casi lo imposible: el “¡¡don de la ubicuidad!!”. Ésta es la autovía para crear y poner en escena productos que obedecen a las necesidades personales, a la «flexibilidad” de los productos culturales, y a la imperiosa realidad de ajustarse a los emolumentos ofrecidos por los contratantes, que en ésta época, más aún, se refugian en el escudo de la crisis para rentabilizar al máximo. A su favor, se entiende.Entre los tantos caminos que se emprenden con el mismo ánimo tradicional de los consabidos cómicos, y respetando lo que ya ellos escribieron por los senderos andados, no pude más que reconocer, a las primeras de cambio, lo que el sentimiento expresado por mis progenitores -con cierta inocencia, o posiblemente con esperanza para sentirse menos ansiosos al ver el rumbo que su vástago escogió por vida-, había dicho y pre-dicho: “…hermandad entre artistas sin reparo alguno”. Y qué más próxima hermandad que saliendo por el sitio que muchos desaconsejarían por no estar al norte de aquí o de allá: Portugal. Pedazo de la Iberia, que por aquello de estar de espaldas siempre España y su alter ego, como matrimonio que se quiere pero solo se encuentra en la noche para

el momento del placer y luego… a dormir, y si se tercia, criticar con afición los males y defectos del cónyuge reflejo del mismo que se atreve, porque como dice el refrán: “Cuando Juan habla de Pedro, no habla de Pedro sino de Juan”. Sin embargo, la realidad del sentimiento se impone a las verdades, los principios y los estatutos. La Iberia toda y sus retoños son fruto de la necesidad y la fortaleza, la humildad y la tristeza, la alegría y la soberbia, la pasión y la frustración. Pero la línea del horizonte del arte nace y termina donde nació para recomenzar. En el camino de “solitario” nunca me encontré más acompañado saliendo de las intangibles, impuestas e imaginarias líneas fronterizas.Aquel temor “natural” a no entender ni ser entendido era aumentado ante la preocupación permanente por modificar la pieza teatral llamada “El éxito” (paradoja de la vida ante el miedo a no tener el mínimo de acierto en idioma y tierra desconocida) y otras actuaciones, que, como “actor de historias», «contador de historias» o como conocemos «cuentacuentos”, realizaría en tierras lusas a más de algunos wokshops. Entre estas inmediatas angustias me adentré en la Sierra de la Estrella para darme cuenta muy rápidamente que podía más el temor que la realidad, pues poco a poco y con el esfuerzo que realiza todo individuo que se interesa por su interlocutor, fui siendo un “trashumante teatral”; eso sí, sin un duro y arriesgando, pero con el placer de haber cruzado las fronteras de mí mismo. El temor ante lo desconocido y ante los demás, ajenos a nuestro entorno cotidiano. Ese miedo se fue disipando en la medida en que me adentraba en el contacto humano de la Iberia portuguesa, cuando veía y oía, cuando sentía esa hermandad artística que no es más que reflejo de lo que puede ser la verdadera solidaridad para cualquier individuo del mundo cuando realmente abre su piel a la lectura del viento y se esfuerza por entender y comprender al otro. No hay límite lingüístico, no hay sensación de orfandad ni de lejanía… todo estaba en la mente del sujeto.No puede decirse que los grandes teatros hayan acogido las piezas que he realizado, ni siquiera puede decirse que la prensa

haya percibido mi presencia, pero sí que puede constatarse que mi espíritu ha sentido el placer de encontrar al “hermano de sangre”, aquél que siempre ha estado ahí y que no quería o podía reconocer. Al final, el sueño grande de una Iberia que comparte, que ha sufrido las angustias y disfrutado de los triunfos, una península que surge de la mezcla cultural de los imperios que se asentaron en su momento aquí, una Iberia que ha creado obras maestras de la literatura universal como «El Quijote», «El Cantar del Mio Cid» o «Las Lusíadas», entre tantas otras; una Iberia que tiene muchos brazos abiertos en el mundo entero por la herencia que dejó siglos atrás y que hoy hace un solo mundo cultural más allá de sí misma. De todo esto hace ya más de diez años que sucedió, y hoy en día no me siento fuera de casa en ninguna parte y menos aún en la Iberia, encuéntreme donde me encuentre, pues el idioma no es óbice para tener el sentimiento abierto y la comunicación fluida, las diferencias culturales son simplemente aquellas que podemos dar en llamar «de costumbres», y a todo podemos acostumbrarnos cuando hay interés y esfuerzo por construir juntos, pues nadie “es” por sí solo, sino en la medida del otro que es uno mismo. Como en España, en Portugal hay muchas instituiciones con «coraçao»: Teatro Espaço Évoe, Espaço Só, festival Andanças-Pédexumbo, Contagiarte, festival Danza e Teatro, el gran Festival ItinerArte, Encuentro Único “Raquel Vieira”, teatro O Quarto da Lua”, festival ByonRitmos, Universidad de Lisboa, de Coimbra, de Porto, de Évora, Contos de Outroura en Montemor, Pédexumbo Associaçao, teatro Encerrado para Obras, festival Pé Na Rua, instituciones, freguesias, xuntas municipales, bibliotecas, escolas y universidades portuguesas y españolasActuar durante todo este tiempo y compartir los talleres y conferencias que he impartido tanto en España como en Portugal, me permite decir que mis padres seguirán teniendo razón: “El arte no tiene fronteras”, y añado: “¡Como el amor tampoco las tiene!”. Grande «saudade» de la Iberia total y bienvenidos a seguirla construyendo y amando.

La Iberia: fuente inagotable de arte y sentimientopor Marco Tulio Luna R.

Con una personalidad única y un amor eterno por el teatro, Marco Tulio Luna R. escribe en este número un artículo sobre los lazos fraternales que unen a España con Portugal desde el punto de vista teatral. Marco es el fundador y único integrante de la compañía Petíteres y Petu Teatro, además de actor, director, docente, conferenciante, dramaturgo... Sin olvidar que también es licenciado en Derecho, especializado en Sociología y Cultura.

el mundo del espectáculo teatralrecintos

Ya ha arrancado la actividad de Kubik Fabrik, un espacio dedicado principalmente a la

creación escénica, pero que también está abierto a propuestas relacionadas con cualquier expresión artística, y que ha sido creado por la compañía Mr Kubik. Situado en el barrio madrileño de Usera, cuenta con 250 metros cuadrados dedicados a la imaginación, a la creatividad y al disfrute del arte.El espacio está destinado como sala de ensayos para compañías de teatro, y como lugar adecuado para la representación teatral tanto de espectáculos de la propia Mr. Kubik como de cualquier otra formación que quiera alquilar sus instalaciones. Sus responsables ofrecen toda una serie de cursos de formación para profesionales y para principiantes de diferentes materias como son el teatro, el clown, el diseño escenográfico, la manipulación de muñecos, etc. Además llevan a cabo portfolios fotográficos de proyectos escénicos, así como el diseño y la construcción de escenografías.

Kubik FabrikMr. Kubik crea en Madrid una nueva sala multiusos para las artes escénicas


el mundo del espectáculo teatralentrevista


premios

La obra con la que has ganado se titula “Apología del amor”, y, sin embargo,

el amor, en su sentido más romántico, bri-lla por su ausencia. ¿Cuál es la razón de este título? ¿Cuál es el sentimiento o la idea que has querido transmitir con este texto?- El título constituye un juego de palabras. La obra trata sobre el encuentro entre una prostituta y un hombre que demanda sus servicios, pero que no es un cliente habitual. El encuentro empieza con mucha tensión, con situaciones que van de un extremo a otro, y en ese clima que se crea el amor es absolutamente imposible, de ahí la razón de ese título. Mi teatro es muy abierto, lo que más me gusta es lanzar preguntas al público, describir historias que incluso yo misma no entiendo y que plasmo en el papel con la esperanza de que alguien me explique lo que quieren decir mis personajes. Si hubiera alguna idea predominante en el texto, viéndolo como espectadora o como lectora, no como creadora, sería lo fácil que podría ser la vida y cómo los seres humanos nos la complicamos y se la complicamos a los demás; y, al mismo tiempo, como la gente sigue conservando la esperanza hasta el último momento. - Además de autora, eres directora de escena. ¿Cómo imaginas la puesta en escena de esta obra?- Escribo casi como una directora de escena. Lo he hablado con Juan Carlos Rubio y con otros autores-directores y les pasa lo mismo. Yo ya me he imaginado la obra mientras la escribía, veía los personajes, sus movimientos, incluso lo hice con dos actores que conozco en mi cabeza, y la puesta en escena la tengo totalmente controlada. Sin embargo, no quiero dirigir esta obra yo misma. Cuando

Ganadora del V premio El Espectáculo Teatral

dirige otra persona te muestra aspectos del texto en los que tú no habías reparado, y eso te enseña mucho como dramaturga y como directora escénica. Por el momento la he llevado a un par de personas que conozco en productoras y les gustó mucho, pero tenían el problema de que no era comedia. Ahora sí que la voy a empezar a mover más en serio.- El premio ofrece la publicación del texto ganador por Ediciones Irreverentes. ¿Es esta una manera efectiva y poco explotada de promocionar una obra teatral?- El día que recogí el premio ya dije que lo hacía con una inmensa felicidad porque desde que creasteis el premio me pareció que era una manera estupenda de darle

promoción a los autores. Eso a veces es más importante para un autor que una cuantía económica. Publicar está complicadísimo, la gente que quiere hacer teatro no lee teatro, y por lo tanto, como no se vende, no se publica.- Como autora, ¿consideras que desde los teatros públicos se debería apoyar más a los dramaturgos españoles contemporáneos en vez de dar salida a tantos autores extranjeros o a clásicos ya demasiado representados?- Los teatros privados tienen que hacer taquilla, mientras que los teatros públicos deberían cumplir otra función. Deberían apoyar más a los autores españoles, pero

también a las compañías pequeñas, a las compañías autóctonas españolas. A través de ese tejido que constituyen las compañías pequeñas se están sacando a la luz a muchos autores. Hay muchos dramaturgos que no han visto nunca una obra suya representada, y eso es malo, porque no te enseña a escribir teatro.- Por último, ¿qué sensación tienes ante la actual situación del teatro en nuestro país? - Sí contesto a día de hoy, en el año 2011, con la crisis que tenemos encima, tengo que ser muy pesimista. Pero por otro lado creo que sí tenemos razones para ser

optimistas porque pienso en como estaba el teatro diez o quince años atrás y veo que ahora hay mucha más oferta y mucha más calidad. Si comparamos el teatro con el cine español, el cine ha perdido calidad en las historias que cuenta. Además los padres actuales piensan que el teatro es una necesidad educativa

para sus hijos, lo que en un tiempo va a aumentar el público teatral. Y también veo mucho interés en la gente por estudiar teatro, como los grupos de adultos que quieren ir a los centros culturales, o las escuelas... Lo que hace falta es articular toda la oferta que hay, aprovecharla un poco más. Hay muchos centros culturales que están regidos por personas que no entienden demasiado de teatro y que trabajan con criterios economicistas. Si toda la gestión que hay del teatro se articula, cuando salgamos de la crisis vamos a disfrutar de un momento estupendo para el teatro.

Foto: Santiago Ruiz Omeñaca.

La dramaturga y novelista Juana Escabias se ha unido al grupo formado por Lourdes Ortiz, Raúl Hernández Garrido, Santiago Martín Bermúdez y Emilio Williams al alzarse con la V edición del premio El Espectáculo Teatral, convocado por esta revista y Ediciones Irreverentes, con su obra “Apología del amor”. La vida de la escritora madrileña gira casi en exclusiva en torno al mundo del teatro. Autora de dieciséis obra dramáticas, de las cuales seis ya han sido estrenadas, desde 2003 cuenta con su propia compañía, Teatro Sonámbulo, desde la que ha dirigido varios montajes escénicos de textos propios y ajenos. Además es profesora de Teoría Teatral y preside el Comité de Teatro de UNESCO-Comunidad de Madrid, desde el que organiza diversas actividades internacionales relacionadas con el mundo de los escenarios.

Juana Escabias

“Mi teatro es muy abierto, lo que más me gusta es lanzar preguntas al público, describir historias que incluso yo misma no entiendo”



premios

Mejor Espectáculo de Teatro - “Bodas de sangre”, del Instituto Andaluz de las Artes y las Letras – Centro Andaluz de Teatro, Instituto Nacional de

las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) – Centro Dramático Nacional

- “El arte de la comedia”, del Teatro de La Abadía - “La función por hacer”, de Kamikaze

Producciones

Mejor Espectáculo de Teatro Musical - “Absurdo ma non troppo”, de Teatro de Malta - “Nit de Sant Joan (Noche de San Juan)”, de

Dagoll Dagom - “Pegados”, de The Kaktus Music Corporation - “Torrijas de cerdo”, de Uroc Teatro

Mejor Espectáculo de Danza - “Despídete de ti. (Carmen)”, de la Compañía

Arrieritos Danza - “Dies irae en el réquiem de Mozart” de la

Compañía Marta Carrasco - “Wonderland (País de las Maravillas)”, del

Víctor Ullate Ballet-Comunidad de Madrid

Mejor Autor Teatral en Castellano - Ernesto Caballero, por «En la roca» - Ferrán González Rosel, por «Pegados» - Francisco Nieva por «Tórtolas, crepúsculo y telón»

Mejor Autor Teatral en Catalán o Valenciano - Albert Espinosa por «El fascinant noi que treia la llengua quan feia treballs manuals (El fascinante chico que sacaba la

lengua cuando hacía trabajos manuales)» - Alfredo Sanzol por «Delicades (Delicadas)» - Lluïsa Cunillé, Roger Bernat, Jordi Casanovas,

Nao Albet y Marcel Borràs por «Dictadura-Trancisió-Democràcia (Dictadura-Transición-Democracia)» Mejor Autor Teatral en Euskera - Agurtzane Intxaurraga y Arantxa Iturbe por

«Aitarekin Bidaian (El viaje de mi padre)» - Alfredo de Etxabe por «Mirentxu» - Jon Urraza por «Bestela Ondo... ezta? (Por lo demás bien... ¿no?)»

Mejor Autor Teatral en Gallego - Eduardo Alonso por «Glass City (Cidade de Cristal) (Ciudad de Cristal)» - Quico Cadaval por «Shakespeare para

ignorantes» - Santiago Cortegoso por «A filla de Woody Allen

(La hija de Woody Allen)»

Mejor Adaptación de Obra Teatral - Ana Isabel Fernández Valbuena por «El arte de la comedia» - Daniel Veronese por «Glengarry Glen Ross» - Miguel del Arco y Aitor Tejada por «La función por hacer» Mejor Composición Musical para Espectáculo Escénico - Carles Santos y Ara Malikian por «La lucha libre vuelve al Price» - Ferrán González Rosel y Alícia Serrat Anadón

por «Pegados» - Javier Muñoz, Augusto J. Algueró y Nacho Cano

por «Blancanieves Boulevard, El Musical» Mejor Coreografía - Cristina Hoyos por «Bodas de sangre» - Inma Sáenz por «Blancanieves Boulevard, El Musical» - Sol Picó por «El ball (El baile)» Mejor Director de Escena - Carles Alfaro por «El arte de la comedia» - Javier Muñoz por «Blancanieves Boulevard, El Musical» - Miguel del Arco por «La función por hacer» Mejor Director Musical - Augusto J. Algueró y Javier Muñoz por

«Blancanieves Boulevard, El Musical» - Carles Santos por «La pantera imperial» - Joan Miquel Pérez por «Pegados» Mejor Escenografía - Andrea D´Odorico por «Glengarry Glen Ross» - Ricardo Sánchez Cuerda por «Frankenstein» - Rodrigo Zaparaín por «Blancanieves Boulevard, El Musical»

Mejor Figurinista - Alejandro Andújar por «Frankenstein» - Elisa Sanz por «Nubes» - Rossel Muñoz por «Blancanieves Boulevard,

El Musical» Mejor Diseño de Iluminación- José Juan Fernandez (Jota) por «Blancanieves

Boulevard, El Musical»- Juanjo Llorens por «La función por hacer»- Pedro Yagüe por «Nubes» Mejor Actriz Protagonista- Bárbara Lennie por «La función por hacer» - Carmen Machi por «Almuerzo en casa de los

Wittgenstein (Ritter, Dene, Voss)»- Vicky Peña por «Marburg» Mejor Actor Protagonista - Carlos Hipólito por «Glengarry Glen Ross» - Ferrán González por «Pegados» - Jacobo Muñoz por «Blancanieves Boulevard,

El Musical» Mejor Actriz de Reparto - Fanny Alcázar por «Blancanieves Boulevard,

El Musical» - Manuela Paso por «La función por hacer» - Miriam Montilla por «La función por hacer»

Mejor Actor de Reparto- Alberto Jiménez por «Glengarry Glen Ross» - Nacho Felipe por «Blancanieves Boulevard, El Musical» - Raúl Prieto por «La función por hacer» Mejor Intérprete Femenina de Danza - Àngels Margarit por «Le Meridien Barcelona

712 - Solo per a habitació d›hotel (El meridiano Barcelona 712 - Solo para una habitación de hotel)» - Noelia Gómez por «Trenca9s» - Sol Picó por «El ball (El baile)»

Mejor Intérprete Masculino de Danza - Dorian Acosta por «Wonderland (País de las Maravillas)» - Israel Galván por «La Lucha libre vuelve al Price» - Manuel Liñán por «Tauro»

Mejor Espectáculo Infantil - «El sueño de una noche de verano», de La Bicicleta S.L. - «Nubes», de Aracaladanza, Sadler´S Wells

Theatre, Danceeast, Mercat de les Flors, Auditorio de Tenerife

- «Pinocho, un cuento musical», de Tempus Producciones Cb

Mejor Empresario o Productor Privado de Artes Escénicas- Focus por «Boulevard»; «La doble vida d›en

John (La doble vida de John)»; «Tres dones i un llop (Tres mujeres y un lobo)»; «Un marit ideal (Un marido ideal)»

- Jana Producciones por «Blancanieves Boulevard, El Musical»

- Kamikaze Producciones por «La función por hacer»

Mejor Espectáculo Revelación- Aragón: «Habibi / Amado», de Producciones Viridiana- Asturias: «Doctor Fausto», de Higiénico Papel Teatro- Baleares: «María?», de Res de Res & En Blanc- Canarias: «Senderos de gloria», de Burka Teatro- Cantabria: «I love Catalina», de Hilo Producciones- Castilla-La Mancha: «Naranjas exprimidas»,

de La Cantera Producciones- Castilla y León: «Dogville», de Rayuela Producciones Teatrales- Cataluña: «Flirt», de Guillem Albà & Always Drinking- Comunidad Valenciana: «Yayos», de Germinal Producciones- Galicia: «Life is a paripé», de Obras Públicas- Madrid: «La ruleta rusa», de Teatro El Zurdo- Navarra: «Beckett 5», de Atikus- Murcia: «La comedia de los errores», de La Ruta Teatro- País Vasco: «Decir lluvia y que llueva», de Gaitzerdi Teatro

Imagen de archivo de los ganadores de la edición del año pasado de los premios Max.

Premios MaxYa se conocen los finalistas de la XIV edición de estos galardones

El Gran Teatro de Córdoba acogerá el próximo 9 de mayo la gala de entrega de la XIV edición de los premios Max,

cuyos finalistas a sus 23 categorías ya se han dado a conocer. La Fundación Autor de la SGAE, entidad fundadora y encargada de organizar estos galardones, ha destacado la elevada participación

en esta edición, la heterogeneidad de las propuestas recibidas, y el alto número de obras que han obtenido alguna nominación, todas ellas estrenadas entre el 1 de septiembre de 2009 y el 31 de agosto de 2010. El Comité Organizador hará público próxima-mente los Premios Especiales de este año.

Listado de candidatos

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ferias y feriantes

Te distancias, dejas todo ahí, de-trás de tus espaldas, y te vuel-

ves a mirar el paisaje. Gente conocida. Unos más y otros menos próximos. Amigos y compañeros de profesión que producen, diseñan vestuarios y corpó-reos, escriben, distribuyen, maquillan, interpretan, dirigen, ayudan, compo-nen luces y sombras, crean espacios escénicos, etc., etc.; y de pronto se vuelven y te miran. Sonríen. Levantan, levemente, una copa: chin-chin. No parece que ocurra nada. Hay que di-simular, ser correctamente correctos. Salir en la foto pero sin estar muy lejos ni demasiado cerca para cuando suce-da el cambio. Porque esto va cambiar. Nadie sabe cómo pero sí que tiene que cambiar y que hay que estar ahí por si acaso y sin demostrar nada en exceso. Se llega a hablar de la crisis en la superficie de la misma. Todo está que no se sabe cómo está, aún sabien-do como está. Se sabe quién guardó porque lo ganó, y quien pensó que la bonanza era eterna y no guardó nada y quien atesoró sin mayor esfuerzo y con respaldo.Claro que, en cien años, calvas y calvos. Y te llega, contemplando el paisaje total, algo de aquellas enseñanzas que te obligaron a ser ateo sin dejar de creer en lo que te enseñaron a creer. Y es jodido, comentamos los amigos, dos en este caso: uno el otro y el otro yo. Qué tristemente todo pasa por el cuento o parábola de la corrupción del templo... ¿Quién será el del látigo que limpie el Templo?.Y Madrid con su feria de teatro, Madferia, en el epicentro de estas elucubraciones, donde se mostró desde lo excelente a lo innecesario. Como el espacio tiene sus limitaciones, no lo malgastaré en lo innecesario y de lo excelente seleccionaré tres tragos largos porque uno ya no llega cabal a la cuarta copa.

“Unos cuantos piquetitos”, de Laila Ripoll, producción de [in]constantes, sabiamente dirigida por Emilio del Valle. El tema de los malos tratos a mujeres es tan viejo como el mundo y de plena actualidad; tan plena y tan continua que se ha llegado a hacer habitual. Y eso no es nada bueno.Emilio cuenta con dos instrumentos perfectamente afinados, Carolina Solas y Chema de Miguel, para cuajar un espectáculo duro, durísimo, en el borde de la más tremenda angustia, porque el juego de la mentira/verdad, tienen una unidad que diluye límites.Chema de Miguel, como siempre. Podríamos decir que es un actor y punto. Pero tal y como está el patio, que “el más tonto hace un botijo”, hay que indicar que Chema es uno de los mejores actores de la profesión. Todos sus silencios están llenos de contenido y todas sus acciones están en perfecta concordancia con su objetivo como personaje. Carolina Solas es la función. Me creo todo lo que cuenta, sufro todo lo que sufre, siento el mismo miedo que siente y me desnorto con ella. Gracias Carolina por dejarme compartir contigo todas las emociones que ofreces.

“Torvaldo furioso”, de Lucía Vilanova, producción de El Óbalo dirigida por Lino Ferreira. Al hablar de Lino después de, años ha, haber compartido escena y escenarios, sabiendo su constancia infatigable, su inteligencia y la sensibilidad tan especial que le acompaña, no podía esperar nada más que lo que viví viendo esta función: un gran trabajo de dirección donde nada se escapa, todo está medido y no sobra ni falta nada de nada, con una actriz y un actor totalmente consecuentes con la propuesta de dirección. La atmósfera es impresionante, crea un clima que te envuelve y te aprisiona gracias a la limpieza de interpretación de Inma Nieto en cada uno de los necesarios registros, y a la contundencia de Julio Cortázar,

con un inicio donde todo lo que parece no es y que él, con breves gestos, postulaciones, intenciones, va retirando la cáscara para descubrir el huevo. Y ahí, donde lo fácil sería el histrionismo, este gran actor no pasa nunca el amplio limite de la verdad

“4.48 psicosis”, de Sarah Kane, una propuesta de Teatro en Tránsito, dirigido por Carlos Aladro y una estupenda iluminación de Ion Anibal. Y, por supuesto ELLA, Beatriz Argüello, ACTRIZ. Cuando tienes la fortuna de recibir algo tan bellísimo como es el trabajo de Beatriz Argüello no salen las palabras, ni hacia dónde te llevan ni por qué. Las palabras de Sarah Kane desde las tripas de Beatriz. “Ahora estoy aquí y logro verme pero cuando soy raptada por bajas ilusiones de felicidad del horrible hechizo de este motor de magias, no logro tocar mi verdadero yo”. Sarah Kane.A la salida de espectáculo alguien dijo: “Es lo mejor que vi en cien años, es inmensamente bueno, tan bueno que no lo puedo llevar a mi pueblo”. Punto y aparte

Lo de Boadella en El Canal, “Amadeu”, refleja que cuando Boadella se pone en plan aburrido, porque parece no interesarle el asunto, suele hacerlo mejor que nadie, a pesar de un magnifico coro, una soberbia orquesta y unos actores brillantes

“Quien no se hace el vivo, va muerto. Estás obligado a ser jodedor o jodido, mentidor o mentido. A tiempo de qué me importa, el qué le vas a hacer, el no te metas, el sálvese quien pueda. Tiempo de los tramposos: la producción no rinde, la creación no sirve, el trabajo no vale”.Eduardo Galeano, “El libro de los abrazos”.

El tiempo de los tramposospor Isidro Rodríguez Gallardo

“Llegan a Jerusalén. Y, entrando en el Templo, comenzó a expulsar a los que vendían y a los que compraban en el Templo, y derribó las mesas de los cambistas y los puestos de los que vendían palomas. Y no permitía que nadie transportase cosas por el Templo, y les enseñaba diciendo: ¿No está escrito que mi casa será llamada casa de oración para todas las gentes? Vosotros, en cambio, la habéis convertido en una cueva de ladrones”

el mundo del espectáculo teatralteatro de texto


compañías

El cándido Orgón se ha visto cegado por la falsa devoción de Tartufo y lo

ha introducido en su casa. A pesar de te-ner a toda su familia en contra, ese hom-bre obnubilado por el simulado fervor del estafador avanza hacia aquello que todos le desaconsejan y reprueban. Finalmente, y solo cuando vea con sus propios ojos el engaño, será cuando descubra que ha ido

demasiado lejos en su terquedad.En pocas líneas, está es la sinopsis de “Tartufo”, esa comedia sencillamente genial con la que Molière se granjeó verdaderos enemigos en la corte. Ahora el director Hernán Gené, de la mano de la productora Lazona, la lleva a escena protagonizada por él mismo junto a José Ángel Egido, Nathalie Seseña, Itziar

Miranda y Roberto San Martín. La obra se estrenará el 11 de marzo en Avilés y continuará su andadura al día siguiente en Gijón, y los días 18 y 19 del mismo mes en Valladolid. Y para el mes de abril las citas tendrán lugar los días 1 y 2 en Logroño, los días 8 y 9 en Pamplona, y el día 30 en Huelva.

Foto: Javier Naval.

Teatro del T e m p l e

ha trabajado en numerosas oca-siones con textos clásicos tanto del Siglo de Oro como del siglo XX. Con “Don Juan Tenorio”, de José Zorrilla, se

enfrenta a otro reto, el del clasicismo del siglo XIX. La obra se podrá ver por primera vez en el teatro Principal de Zaragoza entre los días 9 y 13 de marzo. Pero para acercar al público actual este icono de la escena española y del romanticismo español, Teatro del Temple considera necesario una lectura más contemporánea que rompa con los moldes morales y estéticos sobre los que se ha construido su puesta en escena. De ello se encarga la dramaturgia de Alfonso Plou y Carlos Martín, quien también dirige esta obra que interpretan Francisco Fraguas, Ivana Heredia, Gabriel Latorre, Rosa Lasierra, Marco Aurelio González, Agustín Miguel, Sascha Montenegro y Francesc Tamarite, y que distribuye Julio Perugorría Producciones.

Tartufo

Los personajes de la Commedia dell’Arte retornan con este estreno

Don Juan TenorioTeatro del Temple reinterpreta el clásico del romanticismo español

Avilés acogerá el estreno de esta versión de la genial comedia de Molière

El título de la obra “Diamanti”, que se

estrenará el 19 de marzo en Tabernas (Almería), en el marco de las Jornadas del Siglo de Oro de Alme-ría, procede de un juego de palabras, el formado por las palabras italianas “diamanti” (diamante) y “di amanti” (de amantes). Y es que con este nuevo trabajo de la Compañía Internacional Teatro di Comedia la formación vuelve a adentrarse en la Commedia dell’Arte y en sus tramas clásicas, donde el trabajo corporal del actor cobra suma im-portancia.Pulcinella, la máscara más misteriosa de este género, es el hilo conductor de esta historia en la que aparecen los enamorados Flavio e Isabella, la señora Pantalone, el Doctor Graziano, Arlequín, Colombina y muchos más. Este espectáculo de comedia, de capa y espada, vestuario de época basado en atelieres venecianos, donde hay duelos, bromas, intrigas, golpes de teatro y máscaras está protagonizado Carolina Calema, Gerardo Lagüens, Pantxo Nieto, Sara Villanueva, Patricia Almohalla y Pablo Torregiani.

Diamanti


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compañías

Tigre Tigre Teatro, la compañía creada por Eduardo Aguirre de Cárcer, Ignacio García May y José Luis Patiño, estrenó en 2010 su tercer montaje, “Ibsen tras

el cristal”, un “ensayo dramatizado sobre la figura y obra del autor noruego”. El es-pectáculo, que se estrenó en el Casino Militar de Madrid y, posteriormente, se ofreció en un pequeño hall de la Universidad de Murcia, regresa a la capital en marzo, para recalar en el teatro Espada de Madera, donde podrá verse todos los lunes del mes, con José Luis Patiño y Xenia Sevillano como únicos actores protagonistas.Según explica García May, “la distribución [del espectáculo] es singular: no queremos un espectáculo que pueda verse todos los días a la misma hora y en el mismo sitio, sino que cambie de localización y que además está hecho para representarse en espacios fuera de lo común y para públicos muy reducidos, casi como si un grupo de elegidos entrara en la casa del propio Ibsen a escucharle hablar sobre su vida”. Una propuesta arriesgada y, hasta cierto punto, kamikaze, pero absolutamente premeditada, si atendemos a la opinión del autor experto en Ibsen. “Esto de cambiar de ubicación es lo contrario a lo que desea todo el mundo –explica–, pues lo lógico es tener un espacio permanente donde el público pueda encontrarte con facilidad. Pero digamos que la apuesta es la contraria: que sea el público el que te busque, a través del facebook de la compañía. Dicho de otro modo: ahora que todo se regala, la idea es llevar la contraria y no facilitar nada. El que lo quiera, que lo busque. Como no pretendemos hacernos ricos con esto hemos querido jugar esa baza, un poco suicida, pero que forma parte de la naturaleza del proyecto”.Al finalizar su estancia en el Espada de Madera, “Ibsen tras el cristal” viajará a otros destinos que se encuentran en negociación actualmente.

Ibsen tras el cristalTigre Tigre Teatro ofrece un ensayo dramatizado sobre el autor noruego


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compañías

La compañía cubana Mefisto Teatro ofrecerá el 19 de marzo en Bembibre (León) la obra “Elogio de la cazadora”, ganadora del premio El Espectáculo Teatral en 2009. Este texto escrito por Santiago Martín Bermúdez se mueve entre el humor y el drama, y cuenta con una estructura cercana al sketch, ya que cada escena narra una secuencia sentimental y humana de la vida de una mujer que se enfrenta a 18 tipos de hombres o “máscaras”. El montaje se podrá ver, además, el 3 de mayo en Cuenca, el día 5 del mismo mes en Tolosa (Guipuzcoa) y el día 21 en Salamanca. De su distribución se encarga Pep Ser.

Los escenarios son, para Moncho Borrajo, una especie de imán: es tal la atracción que ejercen sobre él que no es capaz de resistirse. Así, tras tres años alejado de

las tablas en lo que parecía una “jubilación anticipada”, el humorista gallego regresa ante su público con un espectáculo titulado “Golfus Hispánicus”. Sin embargo, de cara a este esperado retorno habrá que tener un poco más de paciencia, ya que el montaje no se estrenará hasta el próximo 23 de septiembre en el teatro Colón de La Coruña. El montaje, dirigido por Víctor Conde, se centra en la Hispania ocupada por los romanos, época desde la que se pretende hacer una crítica de la situación actual de nuestro país, tanto desde el punto de vista político como desde el social.

Desde el 4 de marzo, y durante cuatro únicas semanas, la sala Guindalera de Madrid acogerá las representaciones de “Historia de un soldado”, de Ramuz-Stavinski, una de las

producciones que la compañía del recinto escénico realiza para la Obra Social Caja Madrid desde 2000 dentro del programa “Entra en escena”, dirigido al desarrollo de audiencias. Esta obra para toda la familia narra una historia que explora la ambigüedad entre el bien y el mal a través del mito de Fausto, el hombre que vende su alma al diablo a cambio de riquezas. La complicidad que se establece entre la figura del narrador y la música aproxima a este espectáculo al ambiente propio del circo o la feria.

Moncho Borrajo regresa al teatro en septiembre con “Golfus Hispánicus”

El mito de Fausto revisado para toda la familia en “Historia de un soldado”

“Elogio de la cazadora”, premio El Espectáculo Teatral 2009, llega a León

Remiendo Teatro, compañía granadina formada por la dra-maturga Gracia Morales, el director escénico Juan Alberto

Salvatierra, el iluminador Fernando M. Vidal y el actor y productor Carlos Gil Company, llevará del 7 al 17 de abril al madrileño teatro Galileo la obra “NN12”, la misma con la que Gracia Morales se alzó con el XVII Premio SGAE de Teatro en 2008. Su propia autora participa en su elenco artístico junto a los actores Carolina Busta-mante, Jorge Molina y Antonio Romero. En “NN12”, dirigida por Juan Alberto Salvatierra, se asiste a un proceso de investigación forense mediante el cual se identifican los restos de una mujer hallados en una fosa común. La acción

se desarrolla en un lugar y un tiempo indeterminados: podría ser cualquier país donde una situación de guerra o de dictadura haya producido lo que llamamos “desaparecidos”. En palabras de su autora: “La cuestión de las desapariciones forzosas es un tema muy complejo y problemático, especialmente en un país como España, donde el proceso de exhumar cadáveres se está realizando ahora y saca a la luz el dolor, el miedo, el rechazo y la indiferencia... En ‘NN12’, sin embargo, he decidido no ubicar los hechos, consciente de estar hablando de una situación que se ha dado (y se sigue dando) en todos los tiempos y en todas las geografías”.

NN12La obra con la que Gracia Morales ganó el premio SGAE de Teatro en 2008

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compañías

Pentación Espectáculos ha reunido en su más reciente producción todos los ele-mentos necesarios para crear una espectáculo brillante: un texto de calidad y muy

apreciado por el público, un director de profesionalidad avalada y unos grandes intér-pretes. El resultado es “La sonrisa etrusca”, un montaje teatral basado en la conocida novela de José Luis Sampedro que dirige José Carlos Plaza y que cuenta con un reparto encabezado por Héctor Alterio y Julieta Serrano.La obra está protagonizada por un anciano calabrés que vive en un pueblo hasta que es llevado a casa de su hijo, en la ciudad, para que le hagan una exploración médica, ya que se encuentra gravemente enfermo. Pero su energía no está agotada del todo, y aún tendrá tiempo de disfrutar muchos momentos con su nieto e incluso de enamorarse...“La sonrisa etrusca” se estrenó el 3 de marzo en el Palacio de Festivales de Santander. Unos días más tarde, en concreto el día 10 del mismo mes, el montaje llegará al teatro Bellas Artes de Madrid, donde se podrá disfrutar de esta tierna historia hasta el 24 de abril.

La sonrisa etruscaJulieta Serrano y Héctor Alterio protagonizan esta versión de la novela de José Luis Sampedro



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Nacida de una idea original de Luis García-Berlanga, y basada en el fa-

moso crimen de Mazarrón que sacudió a la sociedad española de aquellos años, en 1964 se estrenó la película “El extraño via-je”, de Fernando Fernán-Gomez, una obra ignorada y censurada en su día, y conside-rada actualmente como uno de los mayo-res logros del cine nacional. Ahora las em-presas El Reló Producciones y Castellana Eventos, con la colaboración de Secuencia 3 en su distribución, han trasladado este largometraje a los escenarios españoles.En un pequeño pueblo de provincias, cercano a la capital, vive una familia compuesta por tres miembros: la dominante y seria Ignacia y sus dos tímidos y retraídos hermanos, llamados Paquita y Venancio. La vida monótona de la localidad solo es alterada los sábados, cuando un conjunto musical de Madrid viene a amenizar con sus canciones el fin de semana. Un sábado de tormenta, Paquita y Venancio, miedosos, oyen ruidos y se dirigen hacia la habitación de su hermana. Allí creerán ver a una cuarta persona, aunque su hermana Ignacia lo negará...

Víctor Ullate Roche, Juana Cordero, Guillermo Montesinos, Juana Andueza, Ana Villa y Mar del Hoyo pueblan ese municipio que representa, como si de un pequeño ecosistema se tratará, la España rural franquista de aquella época, la misma en la que aún hoy sigue preocupando “la apariencia” y “el que dirán”, precisamente el desencadenante de la tragedia que centra esta obra y que es capaz de arrancar tanto escalofríos como carcajadas de humor negro. Y es que el texto que han adaptado Guillermo Montesinos y Marta Fenollar y que dirige Gabriel Olivares supone una mezcla de cuento de terror, novela policíaca y crónica costumbrista.Además “El extraño viaje” cuenta con varios alicientes extras para ser llevada a escena. Por un lado está la variedad de atmósferas que se dan en este retrato hiperrealista de la España de los años 50 y 60, con el hondo contraste entre la rancia dictadura y la modernidad que luchaba por abrirse paso, la extensa distancia existente entre el pueblo y la ciudad, la moral y la fiesta, los ricos y los pobres, la Iglesia y la taberna... Por otro lado, están

la diversidad de géneros y estilos que se dan en la obra y que suponen todo un reto para su puesta en escena: el sainete sangriento, la zarzuela paródica, el incisivo humor negro, o la reelaboración del tradicional coro griego con la inclusión de los cotillas de pueblo. Todo ello da como resultado una mezcla esperpéntica que conduce de cabeza al universo de Valle-Inclán, o lo que es lo mismo, al teatro.Durante las próximas semanas son muchas las localidades españolas que acogerán las representaciones de “El extraño viaje”. En marzo se podrá ver entre los días 4 y 6 en Granada, el día 17 en Soria, y el día 27 en San Fernando (Cádiz). Del 31 de marzo al 3 de abril permanecerá en Málaga, y ya durante el cuarto mes del año hará escala en Villanueva del Pardillo (Madrid) el día 8, en Segovia el día 16, en Huercal Overa (Almería) el día 29, y en Motril (Granada) al día siguiente. Con fechas cerradas hasta el próximo mes de agosto, su llegada a la ciudad de Madrid se producirá del 28 de julio al 28 de agosto, periodo en el que se representará en el teatro Bellas Artes.

El extraño viajeLa brillante película de Fernán-Gómez cobra vida sobre el escenario




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Cuatro parejas llegan a una imponente mansión

en las afueras de Nueva York para celebrar el décimo aniver-sario de boda de una de ellas. La primera pareja en llegar a la casa encuentra al anfitrión –el teniente de alcalde de Nueva York– con un disparo en la ore-ja, sin su mujer y sin el servicio doméstico. Las maniobras que estos hacen para que las demás parejas no se enteren de lo sucedido, y los malos en-tendido que éstas generan, conducen a la comedia “Rumores” a situaciones delirantes. Y la situación está lejos de resolverse cuando entra en escena la policía y todos tienen que explicar lo inexplicable... Descalzos Producciones y Alberto Blasco producen esta desternillante obra de Neil Simon, autor neoyorquino, uno de los creadores más rentables y exitosos de Broadway gracias a textos tan conocidos como “La extraña pareja” o “Descalzos por el parque”, con la que pretenden repetir los buenos datos que ya alcanzaron con el montaje de “Sé infiel y no mires con quien”. Para ello, y tras su estreno en el teatro Amaya de Madrid el pasado 12 de enero, iniciarán una gira por todo el territorio nacional el próximo mes de abril. Yolanda Arestegui, Jesús Cisneros, Isabel Gaudí, Fernando Albizu, Carmen Navarro, José Luis Mosquera, Cristina Peña, Antonio Vico y Aitor Legardón, todos ellos a las ordenes de Pedro G. de las Heras, interpretan esta divertida producción que distribuye Maribel Mesón.

Hanoch Levin es uno de los dra-

maturgos más estima-dos de Israel. Prolífico y polémico, sus come-dias oscuras, de gran perspicacia psicológica, han impresionado y en-cantado al público. Él es precisamente quien firma “Shitz”, la obra que dirige Mariano de Paco Serrano bajo la producción Óscar Huéscar Producciones Teatrales y a la que dan vida Marta Malone, Alfonso Vallejo, Lola Dorado y Jimmy Barna-tán. El montaje vio la luz el pasado 26 de febrero en el Auditorio Municipal de Chapinería (Madrid).Shprajtzi Shitz, una chica voraz, quiere casarse a toda costa con un joven llamado Tzarkes Peltz, ávido oficial del Ejercito de Reserva, quien se muestra atraído por el dinero de su futuro padre político, que se enriqueció por el comercio de los camiones y de los bulldozers en la península del Sinaí. Dos guerras –la de los Seis Días (1967) y la de Kippour (octubre de 1973)– encuadran la acción de esta comedia con un escenario bélico como transfondo. Peltz se casa con la chica, mete la mano en la empresa del padre y la hace fructificar cavando zanjas para el ejercito, hasta el día en el que él mismo es enviado al frente.

Shitz Mariano de Paco dirige esta ácida obra del dramaturgo israelí Hanoch Levin

RumoresInicia su gira esta divertida obra de Neil Simon, autor de “La extraña pareja”


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el mundo del espectáculo teatralteatro multidisciplinar


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Más de 40 caballos en escena, pa-sión incondicional, acción trepi-

dante y música son los ingredientes de “A la luz de las estrellas”, el espectáculo con el que Apassionata regresa a Barcelona en dos únicas actuaciones que tendrán lugar el 26 de marzo en el Palau Sant Jordi.Después del éxito cosechado con “La magia de la libertad”, montaje que presenciaron más de 450.000 espectadores, Apassionata vuelve a ofrecer un encuentro mágico entre hombres y caballos que supone un entretenimiento excepcional para toda la familia.El espectáculo cuenta la fascinante historia de Leyla. Cuando ella le pide un deseo a una estrella fugaz, esta cae a la Tierra en forma de polvo de estrellas. Leyla la recoge y llena con ella su amuleto dorado de la suerte, con la esperanza de poder utilizarlo para dar la felicidad a todos los habitantes de la Tierra. Pero su plan se ve frustrado: una oscura figura roba el amuleto dorado

El gran éxito alcanzado con la obra “Sevilla reza cantando”, estrenada

en el teatro Imperial de Sevilla en la prima-vera de 2000 y que durante diez tempo-radas consecutivas ha recorrido diferentes espacios escénicos, ha sido el percutor de “La pasión según Andalucía”, un espectá-culo que cumple con la universalidad fes-tiva, tradicional e histórica de la Semana Santa andaluza. El conocido cantante Pas-cual González se sirvió de un importante

estudio bibliográfico y una minu-ciosa recopilación de datos his-tóricos, musicales, tradicionales y costumbristas de la Semana Santa de las ocho provincias an-daluzas para la creación de este drama litúrgico de vanguardia. Gracias a sus diferentes vertien-tes musicales –sacra, clásica y contemporánea, histórica e in-édita, marchas procesionales de los más prestigiosos composito-res andaluces, folclore popular, flamenco–, completadas con la proyección de monográficos visuales y una impresionante puesta en escena, este montaje se convierte en un espectáculo

único. Sobre el escenario, los cuatro intérpretes principales, Pascual González y Cantores de Híspalis, acompañados por seis músicos profesionales, banda de música, coral polifónica, un saetero y un grupo de figuración, van desarrollando el libreto de la obra a través de piezas musicales de diferentes géneros, arropadas por una narrativa lírica y poética como hilo conductor.

A la luz de las estrellasLos caballos de Apassionata vuelven a Barcelona

La pasión según Andalucía

de Leyla. Ella, junto al misterioso jinete Garrocha Pedro, se dispone a recuperar su precioso polvo de estrella.

Pascual González y Cantores de Híspalis recrean la Semana Santa andaluza

el mundo del espectáculo teatralmusicales


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Forever young

El musical “Hendaya. Cuando Adolfo encontró a Franco” ha sido incluido

en la programación del primer semestre del año de la Red de Teatros de la Comunidad de Madrid. De esta manera, el pasado 12 de febrero comenzó la gira de esta produc-ción de Ribalta Producciones en el centro cultural Pilar Miró de Madrid, que continuó el día 26 del mismo mes en Pinto y Rivas Vaciamadrid, y, ya fuera de este circuito, en

Hendaya. Cuando Adolfo encontró a PacoDa comienzo la gira por todo el país de este musical sobre el encuentro entre Hitler y Franco

Murcia al día siguiente. Ya en marzo, se po-drá ver en las localidades también madrile-ñas de Valdemoro el día 18 y de Serranillos del Valle el día 26. Y algo más adelante, en el mes de mayo, llegará a Cádiz el día 13 y regresará a Madrid el día 14.Esta comedia musical en pequeño formato expone una alocada y musical versión de lo que pudo ser el encuentro histórico entre Franco y Hitler. Miguel Ángel Jiménez en el papel de Hitler, Juan Carlos Maestre como Franco, Luis Yagüe como Ribbentrop y Rafael Galán como Serrano Suñer dan vida a este texto original de Carla Guimaraes y Pepe Macías, conocido por su colaboración en Paramount Comedy y el programa de televisión “Sé lo que hicisteís...”, quien también se encarga de su dirección junto a Flavia Scarpa.

Y tú que harás en 2050? De esta pregunta parte “Forever

young”, la nueva comedia musical que dirige y produce Tricicle. Fue durante una estancia profesional del trío catalán en Oslo cuando, paseando por la calle, Carlos Sans, Joan Gràcia y Paco Mir, in-tegrantes de la formación, vieron unos carteles de esta producción y decidieron ir a verlo esa misma noche. A pesar de no entender ni una palabra de noruego, quedaron fascinados con los personajes, con el t r a -bajo de los actores y con la calidad de las versiones musicales, por lo que nada más regresar a Barcelona decidieron comprar sus derechos para estrenarlo en 2011. Y el resultado es este montaje que verá la luz entre los días 16 de marzo y 24 de abril en el teatro Compac Gran Vía de Madrid, y que posteriormente se representará en el teatro Olympia de Valencia entre los días 27 de abril y 1 de mayo.En “Forever young”, siete jóvenes actores

Tricicle demuestra que los viejos rockeros nunca mueren

se representan a sí mismos, o mejor dicho, a lo que serán dentro de cuarenta años, cuando estén residiendo en un asilo para artistas retirados que no se resignan a ser simplemente viejos. Se trata de un espectáculo tierno sin rozar jamás lo cursi, divertido sin caer nunca en el mal gusto, inteligente pero para públicos de cualquier edad, en el que se interpretan temas que ya forman parte de nuestro ADN: “Satisfaction”, “Imagine”, “Get up, stand up” o el que da título al musical, por mencionar solo algunos.


el mundo del espectáculo teatraldanza

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compañías

El próximo verano la productora Glo-bal Escenia presentará por primera

vez en España al Ballet Cubano Clásico de Miami (Cuban Classical Ballet of Mia-mi). La compañía realizará una gira por los principales festivales y teatros de España con la obra “Giselle”, una joya del ballet romántico y pieza fundamental de la danza clásica. Por el momento está confirmada su presencia en la localidad madrileña de El Escorial los días 4 y 5 de agosto.Bajo la dirección de Pedro Pablo Peña, director del Festival Internacional de Miami, y Magaly Suárez, esta compañía

La compañía catalana de danza Erre que Erre reflexiona en su mon-taje “Principios opuestos” sobre el ritmo que facilita el encuentro

entre dos formas de concebir la vida tan dispares como afines: una espi-ritual y otra racional. Dos concepciones que no son más que grados de una misma cosa. El ritmo es el hilo conductor que nos permite avanzar y hacernos visibles, dando la sensación de que podemos controlar el tiem-po y crear universos comunes a partir de puntos de vista diferentes.Erre que Erre, colectivo de creadores afincado en Barcelona y activo desde 1996, estrenó esta pieza los pasados días 15 y 16 de enero. Después de representar el espectáculo “Avatar”, la formación continuó investigando en el territorio de la interactividad entre el movimiento, el cuerpo y la tecnología. “Principios opuestos” nació de la unión creativa entre sus dos coreógrafos e intérpretes, Mario G. Sáez y Víctor Zambrana, con un nutrido equipo de colaboradores. Tras representarse en el Centro Párraga de Murcia los días 4, 5 y 6 de marzo, se podrá ver en Cádiz en Danza el 27 de abril.

formada por 25 intérpretes contará con la presencia de primeros bailarines como Arionel Vargas y Rolando Sarabia, así como con las primeras bailarinas Lorena Feijoo, del San Francisco Ballet, y Xiomara Reyes, del American Ballet.El Ballet Clásico Cubano de Miami, con gran reconocimiento por parte de la crítica especializada norteamericana, es la única compañía de ballet clásico de la ciudad más conocida del estado de Florida, y fue creada por el deseo y la necesidad de presentar al público de esta urbe programas con un alto nivel técnico y artístico.

Global Escenia, por su parte, es una empresa creada recientemente por Dolores Font , Carmelo Barrera y José Juan Fernández para dar soporte a otras compañías en todos los terrenos: asesoría, producción, técnico, organización, etc. Su objetivo es proporcionar ayuda a todas aquellas formaciones, principalmente las de pequeño formato, que por sus características no puedan disponer de personal en cada una de esas áreas. De la distribución en nuestro país de “Giselle” se encarga la empresa Dolores Font Producción y Distribución.

GiselleEl Ballet Cubano Clásico de Miami visitará por primera vez nuestro país

Principios opuestosLo espiritual y lo racional se unen en la nueva pieza de Erre que Erre


el mundo del espectáculo teatralcirco


compañías

El Steampunk es un subgénero de ciencia ficción que tuvo su relevancia en los años 80 y comienzos de los 90 del

pasado siglo, y que implica un mundo en el que predomina la tecnología del siglo XIX, en especial la de la época Victoriana, con el vapor de la Segunda Revolución Industrial como elemento predominante. La estética de este “retrofuturismo” es la que so-bresale en “Circus Oz”, el espectáculo que la compañía austra-liana del mismo nombre llevará al Teatro Circo Price de Madrid entre los días 4 y 27 de marzo. Giros imposibles, contorsiones increíbles y un sinfín de acrobacias forman parte de esta propuesta con auténtico espíritu de circo que ha cosechado aplausos en los escenarios más prestigiosos del mundo. De hecho, la compañía ha divertido a niños y adultos de 26 países de los cinco continentes con esta producción de más de dos horas de música en directo, con sorprendentes hazañas acrobáticas y bromas que provocarán las carcajadas al ritmo del rock de la banda de Circus Oz.

Circus OzSteampunk, rock y humor se fusionan en este entretenido montaje

El próximo 2 de abril Madrid se convertirá en la primera ciudad española que acogerá “Corteo”, el espectáculo del Cirque du Soleil. Bajo el Grand Chapiteau blanco situado en el Escenario Puerta del Ángel, la compañía canadiense ofrecerá la producción con la que actualmente está de gira por Europa y para la que ya ha anunciado que prorrogará su estancia en la capital hasta el 15 de mayo. Posteriormente se trasladará a Valencia, donde está previsto que arranque sus

CorteoUn festivo desfile centra el regreso del Cirque du Soleil a nuestro país

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compañías

funciones el 15 de junio en el Campus dels Tarongers de la Universitat de Valencia. Los siguientes ciudades en las que hará escala serán Alicante el 27 de julio en el Recinto Ferial de Rabassa, y Sevilla el 8 de septiembre en el Charco de la Pava. “Corteo”, que significa “cortejo” en italiano, se estrenó en Montreal en abril

de 2005, y desde entonces ha visitado 34 ciudades de 4 países diferentes. Se trata de una procesión alegre, un desfile festivo imaginado por un payaso, en el que la pasión de los actores se combina con la elegancia y la fuerza de los acróbatas en un espacio misterioso entre el cielo y la tierra.

Entre el Cielo y el Infierno” es el primer trabajo de la com-pañía Circo Teatro Inestable, fundada hace menos de un

año por profesionales provenientes de distintos géneros escé-nicos y con una importante formación y bagaje profesional a sus espaldas. Su elenco artístico está formado por el chileno Francisco L. Godoy, artista especializado en circo, materia que le ha llevado incluso a trabajar con el Cirque du Soleil, y los españoles Elena Lucas, bailarina, docente y coreógrafa, asidua colaboradora de Karlik Danza Teatro, y Javier Herrera, actor y director inmerso en la investigación teatral.Para este debut escénico, en el que han querido fusionar disciplinas como la danza, el teatro, la música y, por supuesto, el circo, con la intención de crear una estética, una atmósfera y un sello propio de la compañía, han contado con la dirección de la dramaturga y coreógrafa Cristina D. Silveira, fundadora de Karlik Danza Teatro, y con las composiciones del músico chileno Seidu. El resultado es un completo espectáculo que reflexiona sobre cómo la búsqueda de la felicidad nos convierte en sumisos de nuestros propios miedos.

La ópera prima de Circo Teatro Inestable fusiona en la pista diversos géneros

Entre el Cielo y el Infierno

el mundo del espectáculo teatralmagia compañías

Jammes Garibo ha sido contratado para realizar un total de 23 actuacio-

nes en el Magic Castle de Hollywood de su espectáculo de magia “Magic Xtreme”, en concreto desde el 28 de marzo al 4 de abril. Como para cualquier profesional del ilusionismo, actuar en este magnífico teatro, protagonista de grandes películas, supone para Jammes entrar por la puer-ta grande en el mercado norteamericano, pues se trata de un escenario referente, de culto y admiración para cualquier mago, además de estar situado a pocos metros del teatro Chino y del Kodak, donde se ce-lebra la entrega de los Oscars, por lo que cuenta entre sus espectadores con impor-tantes actores, directores y productores cinematográficos.A su regreso de Estados unidos y de la mano de Guti Producciones, la empresa que le representa, Jammes Garibo volverá a recorrer los escenarios españoles con “Magic Xtreme”, un montaje con el fuego, las apariciones, los grandes

aparatos de magia y un ritmo trepidante como ingredientes principales, que ha demostrado estar a la altura de cualquiera de los ofrecidos en Las Vegas. Esta temporada, para la que Guti Producciones ya mantiene abierta la contratación, incluirá novedades en cuanto a efectos especiales, vestuario y piezas musicales

específicamente compuestas para algunos de los números.La fuerza que transmiten en escena, su extensa trayectoria y los premios que atesoran los profesionales que dan vida al espectáculo han contribuido al éxito cosechado por “Magic Xtreme” tanto dentro como fuera de nuestras fronteras.

Magic XtremeJammes Garibo actuará en el Magic Castle de Hollywood

el mundo del espectáculo teatralinfantil


compañías

En todo cuento de prin-cesas tiene que haber

una rana que al ser besada se convierta en... Y aquí es donde la obra “La princesa Ana”, ganadora del premio Sal a Escena 2010, otorgado por el Ministerio de Igual-dad, lo revoluciona todo. Este montaje de la compañía Tarambana regresa a su sala homónima madrileña, donde se podrá ver todos los sábados y domingos del mes de marzo. Llega un día en que la princesa Ana tiene que seguir la tradición, tiene que casarse para poder reinar en su país. Solo hay un problema: ella no quiere casarse con ninguno de los príncipes que han venido a pedir su mano. Tan solo quiere seguir siendo feliz con su mejor amiga, una dulce ranita. Cuando la rana le sugiere que la bese para probar suerte, sorprendentemente, en vez de un príncipe azul aparece una

La princesa AnaRegresa a la cartelera de la madrileña sala Tarambana

hermosa joven. A partir de ahí tendrán que luchar para demostrar que pueden reinar y hacer feliz a su pueblo gracias al amor que les une. Bajo la apariencia de un relato clásico de príncipes y princesas, esta obra nos ofrece una historia diferente que esconde un mensaje de tolerancia, amor y diversidad ideal para los más pequeños. El montaje combina la presencia de actores y marionetas, y cuenta además con divertidas canciones y coreografías que contagiarán a los niños en el patio de butacas.

El nuevo teatro Pompeya de Madrid ha comenzado una nueva etapa tras existir como cine desde 1953. Su ubicación es un auténtico lujo, ya que está en el “corazón” de los teatros de la capital: la Gran Vía. Este espacio, que cuenta con un aforo de 200 personas, ha iniciado ya una programación dedicada al público infantil que es gestionada por la productora Entrebastidores, la compañía de teatro Kazumbo y la actriz Eva Almaya. Juntos forman un equipo centrado en ofrecer desde este recinto toda una serie de espectáculos para los más pequeños que se caractericen por su calidad.Así, durante los fines de semana del mes de marzo el teatro Pompeya albergará el montaje “Qué pasa en la plaza IV”, de la compañía Músicos y Titiriteros. En ella un juglar canta y cuenta lo que ve e imagina que pasa en la plaza, como por ejemplo

Qué pasa en la plaza IVLa programación infantil del teatro Pompeya de Madrid acoge esta obra

la historia de un payaso que lucha por ponerse la nariz y se enamora de una flor, la de un concertista de flauta y la inesperada interrupción de un gimnasta, o la de un vendedor de miel que caza sonidos en sus frascos.




el mundo del espectáculo teatralinfantil


compañías

Xip Xap es una de las compañías que acaban de pasar por FETEN.

Su participación en la vigésima edición de la Feria Europea de Artes Escénicas para Niños y Niñas de Gijón ha satisfecho a la formación en todos los aspectos. Primero, porque todas las representaciones que realizaron de “La cigarra y la hormiga” contaron con un lleno absoluto y con un público completamente entregado. Y, se-gundo, porque pudieron constatar que su montaje aporta a los niños momentos de diversión y de fiesta, salpicados con algu-nos instantes de tristeza, y, sobre todo, de grandes dosis de reflexión en la que tienen que contribuir los adultos que les acompa-ñen al teatro. “La cigarra y la hormiga” es un cuento que habla de insectos, que nos habla de la amistad, de las diversas formas de ver la vida y de cómo encararla, de la bondad y la maldad, y del egoísmo y la generosidad. A través de este montaje de teatro de títeres los espectadores viajarán por todas las estaciones del año a la vez que ayudarán a las hormiguitas a conseguir una canción bonita y animada.

Durante el mes de marzo la obra in-fantil “Cáscaras” formará parte de

Teatralia, el Festival Internacional de Ar-tes Escénicas para Niños y Jóvenes de la Comunidad de Madrid. En el marco de su programación, esta producción de A Priori Gestión Teatral se podrá ver en el centro cultural Pilar Miró de Madrid los días 5 y 6, en Leganés el día 25 y en San Fernando de Henares al día siguiente. Además, du-rante esta primavera el montaje también

La cigarra y la hormigaConvocó a un gran número de espectadores en las funciones que se realizaron en FETEN

recorrerá la Red de Teatros de Castilla-La Mancha y las ciudades de Logroño y Za-ragoza.“Cáscaras” es un espectáculo de Comedia del Arte para niños en el que Arlequino, un criado muerto de hambre del pueblo de Villanueces, se encuentra con Trufaldino, un criado de Valdegüevos al que también le sobran las ganas de comer. Entre los dos traman un astuto ardid: cada uno robará al amo del otro. La historia se complica

cuando Isabela de Villanueces y Basilio de Valdegüevos, hijos de los respectivos amos robados, se enamoran locamente, y el padre de Isabela, Pantalone, se pelea con el padre de Basilio, Balanzone.Esta comedia está hecha al más puro estilo del siglo XVI, época en la que los cómicos hacían reír o salían trasquilados. Su banda sonora, inspirada en melodías del Renacimiento, ha sido compuesta e interpretada por Elena Aranoa y Nacho Ugarte, ambos especialistas en música popular e instrumentos antiguos. La utilización de la zanfona, la vihuela de arco, el pandero cuadrado, flautas, conchas de vieira, etc., en la grabación complementan la composición, creando una atmósfera sonora que nos acerca a la época de la Comedia del Arte.

CáscarasUn espectáculo de Comedia del Arte para los más pequeños de la casa



feriasV Convención AFIAL

entrevistaMaga EngineeringNace una nueva marca

de sonido española

Cáscaras

el mundo del espectáculo teatralferias equipamiento

Ya son cinco ediciones las que ha celebrado la Convención AFIAL y se

pude afirmar definitivamente que es una feria consolidada, todas sus convocatorias pueden calificarse como exitosas y la últi-ma, celebrada entre el 7 y el 9 de febrero en su ubicación habitual, el Pabellón de Cristal del recinto ferial de la Casa de Cam-po en Madrid, –que sigue sin ser la mejor de las ubicaciones para este tipo de certá-menes– no ha sido una excepción. Se trató de una feria animada con un buen número de asistentes (al cierre de estas páginas to-davía desconocíamos los datos oficiales) y una cifra de expositores similar a la de su anterior edición, aunque de todas formas se hicieron notar unas cuantas ausencias. Este era precisamente el primer síntoma que ponía de manifiesto que no siempre la salud de una feria refleja con fidelidad total la del sector al que representa.Efectivamente, mucha afluencia de público, stands muy ocupados, todo el mundo informándose sobre las últimas novedades, pero ¡ay!, cuando llegaba la pregunta retórica en los primeros saludos entre viejos conocidos, que para eso sirve también una feria, para verse y mantener contactos –y para encontrar otros nuevos, desde luego–, esa pregunta que actualmente también es fatídica: “¿qué tal va todo?”, una sombra de pesimismo se cernía pesadamente sobre las conversaciones. No se puede ocultar, la crisis está castigando duramente al sector y todos sabemos ya de sobra quiénes la han sufrido y la sufren con mayor crudeza.Todos han tomado las medidas necesarias para continuar sobreviviendo, sobre todo aquellos más dependientes de un mercado nacional agónico, porque los fabricantes pueden contar con el apoyo que les da la exportación a otros mercados un poco más saludables. Solo cabe esperar, y en este sentido el grado de pesimismo de cada uno se mide con el tiempo que estima

Convención AFIAL 2011Inasequible al pesimismo

que transcurrirá hasta que empiece la recuperación.Ahora mismo ya no se trata solamente de una crisis, sino de una reconversión, de un cambio de modelo económico en el sector del espectáculo y las artes escénicas, hasta ahora excesivamente dependiente de las arcas públicas, las cuales se han quedado vacías para estos menesteres. Se acabaron las alegrías y el desenfreno a la hora de manejar presupuestos ajenos. Es muy posible que el futuro esté en la conjunción de iniciativas privadas y públicas, además de la búsqueda de patrocinios y otras fórmulas que han de salir de la imaginación de los más emprendedores. Eso es lo que hace falta, imaginación y adaptación a

las circunstancias, porque de aquellas pasividades nos vienen estos lodos y solo aunando esfuerzos se puede recuperar la estabilidad y conseguir trabajar en un mercado más racional de lo que ha sido hasta ahora.Por lo demás, hay que aplaudir a los organizadores de la convención AFIAL porque, a pesar de todas las circunstancias desmoralizadoras han sabido permanecer inasequibles al pesimismo, desarrollando una feria que mantiene su poder de convocatoria y sus puntos fuertes, como las demostraciones de equipos de sonido en el exterior del pabellón –aunque ahí también se hicieron notar importantes ausencias– que este año tuvieron más suerte con la

Demostración de equipos de sonido en el exterior del Pabellón de Cristal.

el mundo del espectáculo teatralferias


equipamiento

climatología y atrajeron a gran cantidad de público. Es de destacar por otro lado la completísima e interesante agenda de conferencias y seminarios. A este respecto también hay que aplaudir la colaboración entre AFIAL y ATAE (Asociación de Técnicos de Artes Escénicas), que se encargó de la elaboración de buena parte

del programa. Hay que alegrarse de que por fin un sector profesional hasta ahora atomizado y bastante desprestigiado empiece a tener una voz unificada y una mayor consideración entre las empresas de este humilde sector económico.

Stand de la firma madrileña Ben-Ri Electrónica.

Stand de la firma Rosco. Stand de la compañía Stonex.

José Luis Rosales en el stand de su firma, Silence Elerctroacústica.

De izda. a dcha: Eduardo Hinajeros, de la firma Guil Accesorios, Angel Riba (DAT) y josé Luis García (Disco Systems Proyectos) en el stand de DAT.

Nacho Alberdi, en el stand de su firma, Seesound.

Sebastien Lesourd (izda.), de Interdifusión, posa en el stand de Pínanson junto a Ángel Sánchez y su hijo Andrés.

Vicente Lucio (izda.) y Pedro González en el stand de Fantek.

Celes Albizu y Raimon Martí, en el stand de la firma valenciana D.A.S. Audio.

El técnico de sonido Antonio Castro junto al gerente de Altair, Antonio M. Ruiz, en el stand de la firma.


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la técnica, instrucciones de uso

El incendio de un local de espectá-culos tiene su canción. Se trata de

la famosa “Smoke on the water” de Deep Purple. Todos los que hacen sus primeros pinitos en la guitarra y los aficionados a los concursos de guitarra de aire reconocen inmediatamente el archiconocido riff de guitarra. La canción se compuso en los días que siguieron a la prevista actuación del grupo en el Casino de Montreux, situa-do a orillas del lago Léman en Suiza. El 4 de Diciembre de 1971, cuando el concier-to de Frank Zappa, –otro de los grandes del momento–, estaba finalizando, un es-pectador lanzó una bengala que prendió en el techo de cañizo acabando con el edificio en pocos minutos. La canción evo-ca la imagen del humo sobre el agua del lago mientras las llamas se alzaban hacia el cielo a la vista de todos. Cuentan cómo el público permaneció fuera contemplan-do el incendio convencido de que Frank Zappa estaba dando un increíble final a su espectáculo.Efectivamente, ver arder un teatro es un espectáculo digno de emperadores. Y bien mirado, ¿qué mejor final para un teatro que morir por el fuego? ¿Hay algo más grandioso y dramático a la vez?Pero en estas cuestiones, hay que distinguir claramente la frontera que separa la poética de la realidad. El “soberbio espectáculo” pudo derivar en tragedia. La evacuación de los dos mil jóvenes que abarrotaban el local fue posible gracias a que Frank Zappa utilizó su guitarra Gibson para romper los ventanales que daban a la piscina. El organizador de los conciertos, Claude Nobs, (Funky Claude, en la versión de Deep Purple), tuvo una meritoria actuación salvando a algunos espectadores que se habían refugiado en el sótano.No siempre ha habido tanta suerte. De vez en cuando nos llegan noticias de incidentes en locales públicos que dejan tras de sí espantosas cifras de cadáveres. Los titulares de los locales no pueden dejar la seguridad física del espectador a la improvisación. ¿Qué hubiera ocurrido si el señor Gibson fabricase una guitarra menos resistente y no hubiese sido posible romper con ella el ventanal del Casino de Montreux?

La integridad física y la salud es un derecho reconocido en la Constitución. En su Artículo 51 precisa: “Los poderes públicos garantizarán la defensa de los consumidores y usuarios, protegiendo, mediante procedimientos eficaces, la seguridad, la salud y los legítimos intereses económicos de los mismos.” Como consecuencia, el Estado tiene un deber de vigilancia para garantizar el cumplimiento efectivo de nuestros derechos. No sólo debe promulgar las leyes pertinentes, sino que debe poner en práctica un sistema de control para verificar que éstas se cumplen. De ahí, por ejemplo, la condena al alcalde de Buenos Aires por el incendio de la sala Cromagnon que en 2004 dejó 193 muertos y más de 600 heridos. Un local de representación precisa de licencia de apertura condicionada al cumplimiento de diversas normas, entre ellas las relativas a la seguridad del público. Esta legislación tiene como característica su dispersión y heterogeneidad. Numerosos textos legales deben ser tenidos en cuenta: la Ley Orgánica sobre la Protección de la Seguridad Ciudadana; la Ley de Ordenación de la Edificación y su Código Técnico de la Edificación; los innumerables reglamentos y disposiciones técnicas relacionados con éste; el Real Decreto sobre la Norma Básica de Autoprotección; el Reglamento General de Policía de Espectáculos Públicos y Actividades Recreativas (con sus correspondientes versiones autonómicas); las reglamentaciones municipales, etc.La propiedad del local dispone de una herramienta eficaz para velar de manera efectiva por la seguridad del espectador, de los artistas y personal técnico: el famoso Plan de Emergencia. Se pretende con él disponer de una planificación y organización humana que permita la utilización óptima de los recursos técnicos disponibles para hacer frente a cualquier contingencia.El proceso para su establecimiento consiste en 1) evaluar el riesgo identificando sus factores, estableciendo las medidas preventivas que se deriven y corrigiendo los defectos observados, 2) dotar al local de los medios técnicos de protección necesarios para la actuación en caso de incidente 3) establecer una organización

de los recursos humanos disponibles y sus protocolos de actuación y 4) implementar el plan y la estrategia para su cumplimiento y mejora. Estos son los pasos y los documentos que la norma establece para redactar el Plan de Emergencia.¿Por qué, en el caso de nuestro ejemplo, se permitió un techo de cañizo altamente inflamable? ¿Por qué no disponía el local de adecuadas vías de evacuación y fue necesario improvisar la rotura de los ventanales? ¿Se habían realizado los simulacros de emergencia necesarios para constatar la dificultad de evacuación? No se identificó el riesgo o, si se hizo, no se actuó para corregirlo.En agosto de 2004, una vez declarado el incendio en un local comercial de Asunción (Paraguay), los vigilantes de seguridad cerraron las puertas para evitar que los clientes se marcharan sin pagar. El resultado: 119 fallecidos. Como se ve, en este caso, los encargados de velar por la seguridad carecían de protocolos de actuación adecuados invalidando así cualquiera de las medidas técnicas tomadas.Implementar un Plan de Emergencia es responsabilidad de los titulares del local. Verificar que así sea, es responsabilidad de la Administración Pública. Demasiadas veces nos informan los técnicos que trabajan en diversos locales (la mayoría de ellos de titularidad pública) de que su teatro no dispone de plan de emergencia, que no saben qué hacer en caso de incidente y que asisten diariamente a la conculcación de las medidas de seguridad elementales.“No te preocupes, lo hago bajo mi responsabilidad”, dice el responsable político o empresario de turno. La cuestión es saber si, llegado el caso, mantendrá esta arrogancia ante el juez o echará las culpas al personal técnico al que no ha dotado de los medios ni de la formación suficiente.El caso de los teatros públicos es especialmente flagrante. El poeta ya dejó escrita la locución adecuada al caso: “Quis custodiet ipsos custodes”? (¿Quién vigilará a los vigilantes?).

Jordi Planas

Humo en el aguaFrank Zappa and The Mothers / were at the best place around, / but some stupid with a flare gun / burned the place to the ground. / Smoke on the water, the fire in the sky./ They burned down the gambling house. / It died with an awful sound. / Funky Claude was running in and out / pulling kids out the ground.

“Smoke on the water”, Deep Purple

(Frank Zappa and The Mothers / estaban en el mejor sitio, / pero algún estúpido con un lanzabengalas / hizo que ardiera el lugar hasta los cimientos. / Humo en el agua, fuego en el cielo. / Incendiaron el casino. / Se consumió con un ruido terrible. / Funky Claude entraba y salía corriendo / sacando fuera a los niños.)

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equipamiento

Maga EngineeringLa nueva marca presentó sus sistemas line array

Nace una nueva marca y parece que lo hace

con muy buen pie. Lo ex-cepcional es que un equipo fabricado en España esté suscitando tan buenas opi-niones entre los técnicos de sonido de nuestro país, en contra de los prejuicios ha-bituales respecto al producto nacional.Reputados profesionales de la sonorización han alabado el rendimiento que son capaces de ofrecer los sistemas de Maga Engineering. En principio se han lanzado cuatro gamas de recintos acústicos: las series Vertical, Sub, Wedge y Horizon. En cuanto a la primera, de momento solo consta de un modelo, el módulo line array compacto ME10V, el cual encierra un altavoz de 10” (núcleo de neodimio, 450W AES) y dos motores de 0,8” (neodimio, 40W AES cada uno) con filtro pasivo. Cada caja es capaz de ofrecer un SPL máximo de 133 dB (tres cajas: 140 dB) y tiene un patrón de dispersión de 100º. La inclinación dentro del array es ajustable en nueve pasos de 0º a 9º.La serie Sub complementa a este line array con dos modelos de subgrave, el ME118SND, con un solo altavoz de 18” (neodimio, 1.100W AES y máximo SPL 138 dB pico), y el ME218SND, que con dos altavoces de 18” duplica la potencia aportando más pegada en la banda de frecuencias más bajas.En cuanto a la serie Wedge, de momento el modelo que presenta es el recinto autoamplificado multiusos ME12WA, cuyo diseño externo le permite ser usado como monitor de escenario o en un pequeño P.A. Incorpora dos amplificadores clase D de 250 vatios, que alimentan un altavoz de 12” y un motor de 1”, además de un completo proceso digital interno con cuatro presets configurables por el usuario.Por último, a la serie Horizon pertenece el recinto trapezoidal ME12Z, también con un altavoz de 12” (núcleo de ferrita, 500W AES, 8 Ohms) y un motor de 1” (neodimio, 80W AES, 8 Ohms).

Sistema line array compacto ME10V de Maga Engineering.

Subgrave ME118SND.

Caja autoamplificada multiuso ME12WA.

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la última

Asisto cada lunes en la Fundación Lázaro Galdiano a los primeros

Talleres Internacionales de Marketing, Ticketing y Desarrollo de audiencias organizados por Asimétrica, la nueva consultora cultural de la que formo par-te junto a mi socio, Raúl Ramos. Acudo para aprender; acudo porque me gusta abrirme a todo tipo de saberes. Cada uno se siente vivo de una manera y a mí me mantiene vivo el conocimiento. El primer taller, impartido por Andrew de Rosa, director ejecutivo de la Asociación Británica de Técnicos Teatrales (www.abtt.co.uk) abordaba el tema “Diseño de espacios culturales desde la perspectiva del usuario”. Apasionante. Hacer de la perspectiva del cliente la línea maestra que dirige el pensamiento y la acción de los gestores culturales es una de las mayores aportaciones que ha hecho el último marketing a la cultura. Porque el modelo decimonónico de cultura ha dado ya todo lo que podía dar en estos tiempos de cambio de paradigmas. Porque la concepción de la cultura como una doctrina sagrada ofrecida a la humilde y desconocedora población por los poderes públicos a través de santones especializados está agotada. Hoy, los usuarios, ciudadanos con plenos derechos y dotados de capacidad de juicio y elección, han de ser escuchados, atendidos y satisfechos en sus necesidades culturales. Y su opinión tenida en cuenta. La función de los gestores culturales no puede ser únicamente ofrecer contenidos artísticos y culturales dotados de calidad. Su nueva tarea es hacer que el “viaje” cultural de los usuarios, desde que se acercan a la información buscada por primera vez –mediante la web o por otros medios–, hasta que salen por la puerta del museo, teatro, galería o auditorio, sea una experiencia lo más memorable posible. El viaje es lo esencial, decía el

“Escuchar” al espacio, cuidar a los públicos

Este artículo de nuestro colaborador, Robert Muro, plantea una línea de reflexión relevante en la gestión cultural, aquella que nos recuerda que el verdadero protagonista del encuentro es el destinatario del arte y la cultura. Él es quien decide; para él debemos diseñar un viaje por los espacios físicos de la cultura que busque lo memorable.

Va por Paloma Pedrero, que lucha valiente –como siempre: como es– contra la enfermedad mala. Para que la gane, para ayudarla a que la gane. R.M.

maestro Kavafis en su “Viaje a Ítaca”. Ya, ya sé que no se refería a este tipo de viaje, pero permítanme esta licencia verdaderamente poética que pone en valor lo que ocurre al usuario de espacios culturales, antes y después del acontecimiento artístico en sí.Porque la satisfacción es el resultado de diversas variables, y el deseo de repetición no siempre depende de que el hecho artístico haya resultado bello. Miren, cuando tomamos un taxi sabemos que nos llevará al destino, y eso será, aparentemente lo principal. Pero, si pudiéramos elegir, ¿volveríamos a tomar ese taxi si estuviera sucio, oliese mal, o el taxista fuera mal educado, o simplemente hiciera caso de mala gana a nuestra solicitud de que baje la radio? Es evidente que no repetiríamos en un servicio que ha hecho de nuestro “viaje” algo perfectamente olvidable. Convengamos en que nuestro pequeño mundo de la cultura –museos, galerías, librerías, teatros, centros culturales…–no es diferente.En este sentido, la experiencia inglesa, y en general el bagaje que los espacios culturales anglosajones han acumulado en este terreno, es simplemente deslumbrante. Y a la vez un ejemplo tendido que nos ayuda a repensar la relación con nuestros clientes, también mediante el diseño y el uso adecuado de los espacios culturales. Los principios de accesibilidad física y conceptual, la claridad y la facilidad de circulación, y la adaptabilidad, forman parte del ADN del diseño y empleo de los espacios comunes de teatros y museos.En nuestro país son muchos los espacios en los que resulta difícil proporcionar a los usuarios un viaje amable y satisfactorio. Viejos edificios poco acordes a su uso contemporáneo, o nuevas edificaciones realizadas sin “pensar” el uso, taquillas que impiden tener una relación directa

y cómplice con el comprador, bares pequeños incapaces de hacer frente a las necesidades de buen servicio en poco tiempo, servicios sanitarios francamente mejorables o desproporcionados según géneros, son algunos de los más notables y habituales. A menudo a esos espacios les pedimos que nos den más de lo que pueden, desde luego mucho más que aquello que su diseño original permite. En otras damos por perdida la batalla y no les sacamos todas las posibilidades que tienen.Al terminar el primer Taller comenté en voz alta que en mi opinión los gestores debemos tener con los espacios una relación humilde, alejada de arrogancias. Que hay que escucharlos, porque ellos nos dirán lo que podemos y lo que no podemos hacer; lo que debemos y podemos cambiar y aquello que es imposible transformar y que hay que aceptar. Y todo ello pensándolo desde la búsqueda de la mayor satisfacción para quien finalmente va a viajar por él: el usuario, el ciudadano cultural. Debemos tener en cuenta, además, que los usuarios de hoy no valoran solamente su nivel de satisfacción comparándolos con los servicios de diferentes espacios culturales, sino en relación a otras experiencias de ocio y de consumo que ya han avanzado notablemente en este terreno. (Queda para el futuro, por cierto, una reflexión sobre la relación entre el arte y la cultura y el ocio).Los gestores culturales, los responsables de la gestión de esos espacios, han de asumir esa tarea, esa enorme responsabilidad de proporcionar un viaje estimulante al espectador, que le incite y anime a repetir la experiencia: un viaje de ida… y de muchas vueltas.

Robert Murowww.robertmuro.wordpress.com

El Espectáculo Teatral nº 60 febrero 2011

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