Arte de Asia 2

7/21/2019 Arte de Asia 2

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Cerrado el marco histórico de Japón

VALORES ESTÉTICOS JAPONESES

El estudio de la belleza no estaba configurado como tal. Antes y durante el periodo Heian las

concepciones sobre el arte estaban ligadas a la influencia estética china de los textos

confucianos. El arte que más tempranamente se independiza es el de este periodo

precisamente. Mientras que la generalidad de los escritos medievales sobre arte se caracteriza

por unir el arte y la religión, siendo frecuentes afirmaciones como todas las artes son una y

están en armonía con las enseñanzas de buda, el arte se concibe como la manifestación de una

realidad superior. Una característica que vamos a observar es que no suele haber

plasmaciones realistas de los temas, suelen ser muy simbólicas, el verdadero arte implica una

selección de la belleza, que evita lo humilde y lo vulgar. Con frecuencia la naturaleza ocupa el

lugar principal, tema prioritario en cada una de las manifestaciones, y se va a dejar de lado la

vida diaria de la gente corriente, generalidad hasta mediados del periodo Edo.

Por tanto, dentro de periodo Heian, los calificativos más claros son gracia, refinamiento yelegancia. Okashi, delicioso o con encanto, Fruyu, gusto refinado, Tugen, lo intuido y

misterioso, Iki, belleza elegante con sensualidad contenida. Todos incluyen el concepto de

elegancia, aunque sean conceptos surgidos en varios periodos. De manera que el concepto

estético clave del periodo Heian es el Miyabi, gracia, refinamiento y elegancia. A las personas

se las valoraba por la capacidad de combinar los colores en sus vestimentas, por la manera de

recitar los poemas, eso era bello. Otro rasgo muy valorado y definitorio de la belleza es la

impermanencia, la belleza más exquisita es la más frágil, la efímera, que tiene mucho que ver

con el pensamiento budista, que pone el énfasis en que la vida es un continuo cambio, lo único

eterno es el constante cambio. De manera que esta idea da ese planteamiento filosófico

profundo a este ideal estético. Surge entonces el Mono-no-aware, empatía, apreciación de lo

efímero que tiene ese tinte de tristeza y melancolía, paso del tiempo, se va la primavera, el

otoño. Esta es la belleza cortesana, que da lugar a una serie de manifestaciones artísticas

definidas por estos valores. ¿Cuál es la belleza del guerrero? La que es definida por: el Yugen,

lo sugerente y misterioso, el Wabi, quietud, simplicidad, austeridad, Sabi, soledad, resignación,

tranquilidad, Masuraobi, determinación, fuerza y vigor.

En el período Edo encuentran una vía de expresión en el arte, una filosofía que impregna las

obras con materialidad, un pensamiento que permea la vida cotidiana hasta tal punto que sin

el zen no se entendería la percepción estética de los japoneses. Digamos que va a formar un

todo y hará que las cosas cotidianas y pequeñas también sean importantes desde el punto de

vista artístico, de manera que igual que ellos hablan de vivir con intensidad cada momento,

esta estética se extiende al arte. De aquí que no haya categorización de las artes hasta la

llegada de los occidentales. Dentro del zen, donde Wabi y Sabi son dos valores fundamentales,

se definen valores como asimetría, simplicidad, elegante austeridad, naturalidad, profunda

sutileza, libertad y tranquilidad. Los comerciantes comienzan a tener un valor elevado,

entonces surgen una serie de conceptos definitorios para los mismos. La belleza del

comerciante se caracteriza por el Sui, astringente, amargo, habilidad para adaptarse; Iki,

sensualidad, belleza refinada urbana; Tsu, placer refinado, conocedor de etiqueta y reglas.

Japón era conocido como el país del WA, de la armonía. Y el objetivo es que la belleza de lacreación surja de la armonía, de la belleza de las partes, provocando serenidad y tranquilidad.



Si nos fijamos en un jardín japonés, podemos ver como el creador intenta recrear la naturaleza

como un todo: causalidad natural y forma perfeccionada por el hombre, algo que parece

excluyente entre ambas, pero que combinándolas, es lo que define la cultura japonesa, la

unidad de la antítesis. Cuando comienza el distanciamiento de los principios chinos, entra en el

arte japonés una vertiente más emotiva, sensorial, lo que supuso un estallido de la emotividad

que pasa de la literatura a las artes plásticas y viceversa. SeiShonagon, dama de la corte

durante la era Heian, escribe el Makura no Soshi o El libro de la almohada, diario donde

describe la vida de la corte y reflexiones en cuanto al refinamiento estilístico. Menciona que

se crea una corte donde la habilidad con la espada había ido perdiendo importancia frente a la

poesía, caligrafía, música y el saber vestir. Los más profundos sentimientos se comunican a

través de poemas. Diario de Sarashina, es otro ejemplo de esto. Pone el énfasis en el cambio,

todo está en proceso de algo, un constante fluir. Belleza perecedera de las cosas. Fruto de esta

emotividad hay un magnífico ejemplo en la llamada pintura de sentimientos, pintura del

corazón, Kokoro-e. Todo es expresado de modo simbólico.

El clan de los Taira se impone, y entonces se comienza a imponer el mundo del guerrero, perodel mundo cortesano y de la pintura de género se incluye en la pintura religiosa, de manera

que esta tendrá las características de elegancia y refinamiento que domina el mundo

cortesano. Dentro de esa estética del guerrero, se generan obras donde ya no es esa suavidad,

sino tejido áspero de los monjes, carácter desaliñado, que se ve en Daruma, de Bokkei Sayo. La

pintura a la tinta es de estos momentos del siglo XII y se generaliza en el XIII. WABI, concepto

que deja ver la fuerza interior aunque no haya recursos suficientes, donde se revela la verdad,

la verdad de los materiales. Muy unido a este existe el concepto de SABI, apreciación positiva

del transcurrir del tiempo, el deterioro y la soledad que ello conlleva.

La estética en Japón:

Perido

Belleza del monje y del guerrero

Yugen (lo sugerente, lo misterioso)

Wabi (valor estético fundamental en la estética del zen, es la quietud, simplicidad, austeridad)

Sabi (soledad, resignación, tranquilidad)

Masuraobi (determinación, fuerza, vigor, fortaleza) esto es propio del guerrero

Edo 1615-1868

Belleza del comerciante

Sui (astringente, amargo, habilidad para adaptarse)

IKI (sensualidad, belleza refinada y urbana)

Tsû (placer refinado, conocedor de la etiqueta y las reglas)



En este periodo el zen va a formar un todo y las pequeñas cosas que el zen valora también

serán importantes desde un punto de vista artístico. Igual que ellos hablan de vivir con

intensidad cada momento, esa felicidad que la da el disfrutar cada momento lo que estás

haciendo, del mismo modo la estética se extiende y no por el hecho de que sea un vaso de

papel que debemos tirar debemos prestarle menos atención. Idea de que la obra, lo que hago

debe de ser pleno, completo, debe de tener un cuidado mínimo.

Como el pensamiento filosófico se filtra en la vida cotidiana y esa vida cotidiana hace que se

cree una estética generalizada en la civilización dentro de la estética de esa filosofía.

Valores (del zen?): asimetría/ simplicidad/ elegante austeridad/ naturalidad/profunda sutileza/

libertad y tranquilidad.

Estos tres conceptos característicos de este periodo es el Sui: es aquello que es astringente,

capaz de adaptarse a cualquier situación.

El WA significa armonía. Japón era conocido por los chinos como el país de Wa, el país de la

armonía. Wa al final se utiliza para habitación de estilo japonés… cocina japonesa… es un

término que ha acabado siendo sinónimo de Japonés. El wa se utiliza siempre en

contraposición con lo occidental. El Wa nos habla de cómo Japón es el país de la armonía ya

que socialmente se evita cualquier conflicto. Integrar todas las partes ha sido siempre como un

deseo, la idea de que dos pensamientos diferentes no tiene porque ser exclusivos, la idea de

que la ortodoxia no va nada con los japoneses.

El mundo japonés resultaría incomprensible sin esa búsqueda de la armonía y parece que en

esas manifestaciones artísticas suyas el objetivo primordial fuera que la belleza surgiera de la

armonía, de esa integración de las partes que es lo que provoca en el espectador la

tranquilidad.

Si nos fijamos en un jardín de un templo japonés encontramos como el creador intenta captar

el valor de la naturaleza como un todo. La búsqueda de la unidad de la antítesis es un rasgo de

la percepción japonesa de la belleza.

Cuando comienza el distanciamiento de los principios estéticos chinos penetra en el arte

japonés una vertiente mucho más emotiva, mucho más sensorial, que apela a la sensibilidad,

no a la razón del espectador. Hay un estallido de la creatividad en la literatura y de ahí pasa a

las artes plásticas.

Vida y actividades culturales de la corte: Era una corte donde la habilidad con la espada había

ido perdiendo importancia frente a la poesía, la caligrafía, la música. Los más profundos

sentimientos se comunican a través de poemas. Otra gran escritora escribe “el libro de

almohada” (Makura no soshi) que es obra de shei shonagon. Hace una descripción que intenta

cautivar nuestra mirada a través de una combinación de colores.

Pintura de sentimientos Kokoro-e: colores, perspectiva y composición todo es mostrado de

modo expresivo y sereno. Pintura que intenta captar de un modo indirecto nuestras

emociones.



Dentro de la estética del guerrero se generan obras como Daruma, de Bokkei Saiyo 1452-

1473

Cierto carácter desaliñado y trazos que no tiene nada que ver con las suaves líneas trazadas del

Genji Monogatari.

La pintura a la tinta entra en Japón en el siglo XII (que no es lo mismo que pintar con tinta). En

el siglo XII esta pintura a la tinta comienza a generalizarse en el siglo XIII y en China ya había

sido practicada desde antes y entra con la entrada de las nuevas sectas.

Wabi, muros de las residencia samurai en Hagi, yamaguachi.

Uno es Wabi, solitario cuando aun rodeados de gente, de amigos sentimos que yo debo de

responder a algo que no admite ayudas. Sentido positivo de la soledad, de la pobreza.

Una profunda belleza en la falta de recursos porque ayudan y contribuyen a la plasmación de

la realidad, lo Wabi es lo que no tiene brillo, y que deja aflorar la fuerza interior que lo anima.

Muy unido a wabi es el concepto de sabi que es el deterioro por el paso del tiempo, es la

soledad que ello conlleva, es el paso de algo que finalmente ha perdido su esplendor con lo

cual es algo totalmente opuesto a lo que tenemos instalado en nuestra mente. La soledad en

la que queda el anciano guerrero es Sabi. Hay una técnica de restauración que es aplicar oro

para restaurar por lo cual a esa fractura se le añade oro es decir, se le da una nueva vida al

subrayar las grietas, la herida con ese oro.

Wabi tetera blanca satsuna.



DE LAS TERRACOTAS JOMON A LAS CERAMICAS RAKU Y

LAS CREACIONES DE HAMADA SHOJI

La afición japonesa por la cerámica va más allá del color de la forma y llega a asimilar el

sentido del tacto y por tanto se presta una gran atención a los tipos de arcillas, de cocción, de

esmaltes y no exclusivamente a la decoración. Un barniz que ha repasado sus contornos…

Hacen su aportación y son estéticamente valorados.

Los hornos fueron construidos allí donde había asentamientos de arcilla y cada una de esas

variedades da un estilo de cerámica con lo cual son espejo de las tradiciones locales y su

historia. Por ejemplo la cerámica de arita que recibe las contribuciones de los ceramistas que

llegan de China y de Corea.

Bizzen o Raku en Kiototo que sugiere la serenidad de la ceremonia del té. Gran variedad quepodemos retrotraer hasta el 10.000 a. C. No solo se trata de objetos útiles para el

almacenamiento sino también de tipo ceremonial.

Diferenciación entre una terracota (700-1100 grados de barro cocido) un gres (una arcilla no

calcárea a la que se le añade un fundente con objeto de rebajar el punto de fusión). Más tarde

se introducen en un horno a unos 1300 a. C.

Porcelana: a partir de una arcilla muy pura, caolín, feledespato y cuarzo (molidos los dos

últimos para la cubierta). Es blanca. Compacta, dura, traslucida, impermeable, resonante, de

baja elasticidad y altamente resistente al ataque químico y al choque térmico. Desarrollada por

los chinos en el siglo VII/VIIII, el proceso de cocción de realiza en dos etapas: la primera

corresponde a la obtención del bizcocho y la segunda al vidriado. Hay más si se aplican

esmaltes decorativos.

[IMG] Jomon I, recipiente con líneas.

Formas cilíndricas y de base puntiaguda con decoraciones que se hacen cuando la arcilla esta

todavía húmeda con conchas, espinas de pez, cuerdas…

Conforme se avanza en el periodo jomon, la superficie empieza a adquirir mayor decoración,

movimiento, mayor variedad de formas, incluso a veces empiezan a aparecer los temas deanimales y humanos. No solo según va a avanzando el periodo se ha aumentando la

decoración en la superficie sino que también se utiliza la técnica del pastillaje. No hay cuencos,

platos o tazas con lo cual lo que observamos es que estas cerámicas tenían una función ritual

únicamente. Decoraciones de patrones muy geométricos, muy repetitivos, en ocasiones los

orificios sirven para pasar cuerdas y resultan muy originales y de una gran expresividad y nos

hablan de cómo la estética tiene una función, una importancia dentro de los rituales.

En ocasiones a veces surgen los temas de animales o personas en las decoraciones.

Figura tanto en piedra como en terracota que al principio tenían unos rasgos faciales mínimos

y después perforan los ojos, tiene esas formas almendradas, y poco a poco van pareciendo

más rostros, mascaras.



La cerámica yayoi se va a caracterizar porque son paredes son mucho más finas, mínimamente

decoradas y en bandas horizontales. Vamos a encontrar cuencos, jarras, urnas funerarias, de

modo que estas son variedades propias del periodo yayoi. Las paredes en ocasiones rematan

en rebordes en la parte superior.

Los haniwa eran los que se colocaban alrededor de esos grandes túmulos, llegaron numerosasinfluencias de corea. Las cerámicas más características de este periodo son los haniwa. Eran

figuras que se creaban para acompañar, delimitar distintos círculos en aquellos grandes

túmulos que eran los enterramientos de los grandes jefes locales. ¿Qué función tenían los

haniwa? No solo serían ayudantes y asistentes del difunto sino también guardianes de la

tumba y emblemas del estatus del fallecido. Son piezas de una gran expresividad que nos

atraen de un modo inmediato, son terracotas sencillas que nos ofrecen multitud de datos

sobre la vida, la sociedad, el modo de vestir, los animales que se habían domesticado, el modo

de construir las casas… han mantenido los ojos y la boca con la perforación como un rasgo

expresivo. Solo con la perforación de ojos y boca consiguen dar un carácter al personaje . La

valoración que desde nuestro mundo contemporáneo se hace de la expresividad del material y

sobretodo la simplicidad de este material.

Estos haniwa van a continuar haciéndose hasta el siglo VII que será cuando por influencia del

budismo vayan desapareciendo este tipo de enterramientos. Siglo V y VI en la zona de Nara y

Osaka hay gente llegada de corea que van a ayudar al desarrollo de la cerámica en Japón, al

desarrollo del primer gres cerámico. Hasta este momento se hacían terracotas pero gracias a

estos inmigrantes llegados de corea en el siglo V y VI se hacen los gres cerámicos que se

conocen como SUE. El gres al tener una temperatura de cocción más alta presenta una menor

porosidad por lo que cualquier líquido que se acumulare en estos recipientes no se va a

perder. Con el gres a cocer a mayor temperatura se impermeabiliza y pierde porosidad por lo

que resulta muy adecuado para el almacenaje de los líquidos.

Otra variedad que surge ya en el periodo Heian son las producidas en los hornos de Sanage.

Cerca de Nagoya. Es una producción de piezas que de algún modo en este periodo heian los

celadones chinos (color verde agua del celadon) es muy apreciado y los de sanage intentan

imitar los celadones chinos.

A finales del siglo XII se interrumpe la producción de los hornos de Sanage y se cree que

desapareció el material en la zona, el material que estaban utilizando se agotó en los

yacimientos de la zona de Sanage. El color verdoso, suave, se caracteriza de las cerámicas deSanage.

Jomon

Ceramicas rituales

Yayoi

Ceramicas Utilitarias

Kofun Haniwa

Nara Ceramica Sue, siglo V y VI (primer gres cerámico).

Heian

Ceramica Sanage



Seto: En la zona de seto surge una gran producción. Esta cerámica de seto surge durante el

periodo Kamakura. Florece como demanda en los templos Zen. El Zen entra en el siglo XII y

comienza a tener una serie de demandas en función de sus gustos y surge como respuesta esta

cerámica de seto en el siglo XIII. Se utilizan barnices de cenizas de color ámbar y color verdeque se aplican sobre una decoración tallada, estampada o espolvoreada.

Hacia el siglo XIV estos hornos van perfeccionando el uso de barniz y van a crear unos cuencos

de te inspirados en los cuencos chinos que se conocían como tenmokus ¿? .La producción de

los hornos de seto alcanzan su esplendor a mediados del siglo XV pero las guerras de 1467-

1477 interrumpen el desarrollo de esta cerámica. Son momentos en los cuales la ceremonia

del té comenzaba a ser popular entre la aristocracia, entre la clase militar y comienza la

preferencia por piezas toscas que van modificando el carácter de las piezas demandadas.

El surgimiento del apogeo de la ceremonia del té hace que surjan las necesidades de objetoscerámicos en torno a la ceremonia. La producción de seto se va a desplazar a Mino pero va a

mantener la denominación. Esta cerámica de Mino será la dominante, la más notable del

periodo momoyama. ¿Que es lo que caracteriza la cerámica de mino independientemente de

su vairiedad? Es el carácter robusto, la robustez de sus formas.

El centro de producción de Seto se desplaza a Mino. El término seto se utilizaba como genérico

de cerámica y esùes da nombre a unos determinados hornos y se desplaza esa producción

manteniendo la característica de la robustez a la zona de Mino. En esa zona de Mino y

generalmente en Japón los nombres vienen de los lugares topográficos, en este caso, como es

cerámica de mino por donde se está realizando aunque mantiene buena parte de lascaracterísticas de seto por eso mantiene el nombre.

Se va a diferenciar entre seto Kiseto que es el seto amarillo y el Setoguro que es el seto

negro.

Seto: variedades

Shino y Oribe son las tres variedades.

El Kiseto es amarillo-verdoso.

[IMG] Cuenco conocido como Asahina, finales siglo XVI, 13 cm altura. [IMP]

Uno de los regalos que se podía dar a un general era un cuenco de te lo que nos deja entrever

hasta qué punto tienen consideración social estos objetos.

Tiene un carácter de pieza única, de exclusividad, de individualidad, nunca hay dos iguales.

Vemos una base cortada toscamente a cuchillo y el barniz no se ha distribuido

homogéneamente por la pieza. Pieza que nos llama a tenerla entre las manos y a disfrutar de

ella por el sentido del tacto.

En ocasiones tiene unas ligeras decoraciones, casi siempre referidas a elementos vegetales dela naturaleza y teniendo en cuenta que en este caso el líquido que van a tener es ese verde del



té que conforme vas bebiendo va apreciando esos tonos amarillos y verdes esas imágenes,

descubrimiento de lo que se insinúa.

Esto responde a un planteamiento filosófico, a esa aparente naturalidad, a esa imperfección

como un valor pero también se debe a la técnica utilizada, cuando se utiliza el color bajo

cubierta las altas temperaturas hacen que rebase los contornos. La alta temperatura hace quesea imprevisible.

[IMG] Cuenco de té conocido como Charagi, Es Setoguro el seto negro. [IMP.]

Se percibe esa imperfección en los bordes, esa aparente deformación, pero sabemos que es

algo buscado por la idea de asimilación de la naturaleza en la que no todo es perfecto por lo

cual se produce también una empatía con este tipo de piezas que son un reflejo de nuestra

persona, es decir, no somos perfectos, tenemos imperfecciones. Es decir, somos como un

cuenco de té.

Cerámica de Shino

[IMG]

Blanco con ligera tonalidad de oxido ferrosos donde se han dibujado algunas líneas (volvemos

a la insinuación) zonas más cubiertas y zonas menos cubiertas con esa gran porosidad y el

color es del óxido del hierro. Lo más característico de shino es la cubierta blanquecina

[IMG] Kogan, shino

Importante pieza Kogan que significa antigua orilla que presenta marcas de cuchillos,

imperfecciones del barniz muy valoradas esas imperfecciones. Como espectadores produce la

sensación de pieza de recipiente para el agua. La superficie de esta cerámica se comporta

como un lienzo y se desarrolla un paisaje con una capacidad de evocación. Tiene mucha deuda

con la pintura conocida como haida que es como la pintura surgida como la emoción del

poema y estas piezas hacen referencia a esa cultura literaria.

Toda una poética dentro de estas piezas. Evoca todo un paisaje. Estamos en el siglo XVI yvemos desarrollados algunos de los rasgos que tenemos desarrollados actualmente. Estas



piezas cuando Japón se abre a occidente no se pagaba nada por ellas, lo que gustaban eran los

platos de porcelana…

ORIBE:

[IMG] Cuenco de té en forma de zapato

Entra a formar parte importante el verde oliva, característico de la cerámica oribe. Algo a

destacar es lo que percibimos como el craquelado y las diferentes calidades y características

de los craquelados son importantes porque no es un craquelado fortuito. El craquelado es algo

buscado, como un elemento más de la decoración de la pieza.

[IMG] Recipientes mukôzuke con forma de abanico

[IMG] Pequeños recipientes de la cocina japonesa

En la mesa lo que se busca es una armonía de los distintos recipientes, no que sean iguales

sino que haya una cierta coordinación. Lo que es característico de esta cerámica de oribe es el

color verde. La pintura bajo cubierta se comporta de un modo aleatorio.

La cerámica se plantea como un soporte mas para la creatividad. Los arboles, el puente… se

expresan en esta obra:

Oribe tiene además la característica de toda una inventiva de formas y decoración de caráctergeométrico.

Seis antiguos hornos de Japón.

- Seto

-

Tokoname

-

Shigaraki

- Echizen

-

Tamba

-

Bizen- Iga



¿Cuáles son las tres cerámicas más características?

Mino/Shino Y Oribe

También alcanzan gran importancia estas cerámicas de

Shigarki:

Es una cerámica que presenta una textura muy áspera, sensación de ser hecha con arena de

grano muy gordo. Mantiene las características generales antes nombradas pero en shigaraki

tiene la tonalidad anaranjada de la arcilla, cocidas sin cubierta.

[IMG] MIzusashi, siglo XVI.

Cerámica de Iga:

[IMG] jarrón de flores conocido como Iwakado, s. XVI

Barniz denso, profundas grietas, textura muy tosca porque la arcilla que utilizan contiene

partículas de cuarzo lo que hace que sea difícil su manipulación en el torno.

Estas cerámicas de Iga en estas fechas fueron las que mejor representaron el naturalismo.

Tiene la forma que tiene por el comportamiento de la pieza en el horno. El azar contribuye a la

realización de la pieza.

Cerámica de Tamba:

Piezas grandes, con cubierta verde pero en otras en rojo blanco. Piezas ya de carácter más

general, más utilitario.

El atractivo de la pieza es la distribución del barniz dejado correr.

Cuenco de te llamado Hashidate y Asajiro en el siglo XVII.

Los colores de los recipientes tanto del té como los cuencos intentan estar acordes con la

naturaleza.

Importante la deformidad que se presenta.



Ceramica de BIZEN

La cerámica del bizen suele presentar un cuerpo marrón-rojizo y sin barniz donde se distinguen

marcas de fuego rojas o negras. Cuando se producen esas marcas o imperfecciones se dejan

para dar esa sensación de sakui, ingenuidad.

Sen no Rikyu, 1522-1591

La alta comercialización de la cerámica durante el periodo muromachi la convirtió en una

fuente de ingresos estable, era un modo de desarrollar la economía de la zona lo que

repercute en desarrollar la profesionalidad de los artistas, o artesanos.

El desarrollo de toda esta cerámica vinculada al pensamiento zen a través de la ceremonia del

té. La ceremonia del té arranca de la práctica de los dioses de beber el té para mantenerse

despierto pero llega un momento en que esta ceremonia del té se convierte en un ritual

estilizado y elegante vinculado al pensamiento zen por lo que la función y las formas de lascerámicas cobran especial relevancia hasta el punto de que algunas de las exigencias de la

ceremonia del té ha desarrollado características especificas de la estética japonesa, es decir,

vienen estos valores filosóficos a través de estas cerámicas o a través de las cerámicas se

deducen una serie de valores estéticos.

Sen no Rikyu a los 19 años comenzó a estudiar con su maestro Takeno Jo a quien se relaciona

ya con el concepto de wango, Sen no Rikyu se convierte en un maestro de te primero de Oga

Nobunaga o después de Hideyosi que le obliga a abrirse la barriga. Era de Sakai, zona muy

comercial próxima a la gran ciudad y es considerado como el fundador de las tres escuelas de

te principales: La escuela urasenke es una de ellas.

Un personaje sumamente influyente que llamado la atención sobre el valor de los rústico, de

lo tosco y que va a permitir el refinamiento y la caracterización de la cerámica japonesa. Bajo

su guía se va a desarrollar la cerámica Raku. Esta cerámica de Raku comienza en el siglo XVI y

se va a utilizar el término raku como un término general para un tipo de cerámica de cocción a

baja temperatura con cubierta también a baja temperatura y que son una perfecta

encarnación de wadu.

Se habla de que consiguen convertir el cuenco de té en una abstracción espiritual, niegan el

movimiento, la decoración y va mas allá de la expresión individualista a pesar de que son obrasde las que se conoce su autor. Las variedades que podemos encontrar son muchas.



[IMG] Donyu III Cuenco conocido como Zansetsu,

Estamos ante un paisaje en este cuenco de té que es pura abstracción. No es una pintura pero

logra trasladarnos a ese paisaje como si estuviéramos delante de uno.

[IMG] Cuenco de té con tema de gaza por Minnami, Museo Nacional de Tokio

Si esta influencia de la ceremonia del té va a crear el gusto por lo rustico, lo sencillo, lo

asimétrico y ya va a quedar latente, reflejadas estas características en las piezas utilitarias.

DESCUBIRMIENTO DE CAOLÍN EN ARITA, 1616 PRIMERAS PORCELANAS PRODUCIDAS EN

JAPÓN

Con los hornos coreanos que se conocen como Noborigama, estos hornos coreanos en

pendiente permiten alcanzar temperaturas muy altas con lo cual puede cocerse la porcelana ydurante el periodo edo la cerámica japonesa va a experimentar continuas renovaciones

técnicas y estilísticas tanto en el gres como las cerámicas realizadas con o sin cubiertas. De

estos cambios fueron responsables los maestros de té y la enorme apertura que se produce en

el mercado gracias a la demanda de la nueva clase burguesa. Esta gente va a requerir la

fabricación de cerámicas de uso.

1916 se descubren los yacimientos de arita, se cree que fue un ceramista coreano, que había

sido secuestrado durante la invasión de Corea lo que permitió que se hicieran las primeras

porcelanas japonesas. Con estas porcelanas intentan suplir a las porcelanas chinas y coreanas

y empiezan a producirse las primeras porcelanas

A finales del siglo XVII va a comenzar a desbancar los repertorios más japoneses. Dentro de

esa producción, dentro de los dominios del señor de Nabeshima se van a producir distintas

cerámicas bajo el nombre de Imari y se va a diferenciar la cerámica de Nabeshima y la

cerámica de Kakiemon. Ambas van a ser cerámicas Imari.

Cerámica Nabeshima:

Decoración en general va a ser semejante a la de las lacas, se trabaja el azul bajo cubierta

(antes de aplicar el ultimo barniz con la pieza cocida se aplica el azul y después se añade la

cubierta). Hay un momento en que la exportación de la porcelana china a Europa se hace difícilpor la caída de la dinastía de los Ming y es suplida de modo satisfactorio por las porcelanas

japonesas lo que implica un mayor refinamiento y a finales del XVIII la cerámica China vuelve a

sustituir a la cerámica japonesa en cuanto a la demanda de los europeos. Surge una próspera

exportación a través de la compañía holandesa de las indias orientales. Salían hacia Europa

desde el puerto de Imari y de nuevo vemos como Imari vuelve a ser un nombre relacionado

con la topografía. Por lo que son cerámicas imari ya sean como sean que solo tiene que salir

desde el puerto de Imari.

Hay una fluidez en el manejo de las formas en la cerámica Imari.

Cerámica Kakiemon.



Gustaba más a los europeos. Esta se caracteriza por la aplicación de todos los colores,

esmaltes policromos incluso el dorado con diseños florales, pájaros, aves, ciervos pero todo

ello sobre cubierta. Esto quiere decir que la última cocción para fijar esos esmaltes ya no es a

altas temperaturas sino lo justo para que estos esmaltes no se vayan lo que quiere decir que se

puede aplicar con precisión los colores y las formas sin que salgan por los bordes.

En general ellos van a reservar las porcelanas de nabeshima más para el consumo interior y

siempre las mejores piezas son para el consumo interior. Cuando vemos las piezas de

kakiemon las encontramos en palacios europeos únicamente como decoración sino como

referencias sobre todo la de kakiemon que es una referencia para los ceramistas europeos.

Variedad dentro de estas porcelanas que se conoce como compañía de indias que se hacen

bajo únicamente la demanda de los holandeses. Patrones de ritmo alternado, en las que

aparecen figuras de comerciantes con sus barcos y también vajillas que se envían tanto a China

como Japón con el modelo de encargo para que ellos fabricaran con una declaración pedida

expresamente, con el escudo de la casa correspondiente…

Dentro de la zona del sur, esta la cerámica Satsuma:

Dentro de esta hay distintas variedades.

Tipo que se asemeja a los bordados o a los brocados. De algún modo se convierte en imagen

de género de lo que el occidental quiere saber sobre estos lugares.

Cerámica, como los distintos señores feudales habían considerado que la cerámica era unimportante dinamizador económico. Cuando invaden corea traen como prisioneros ceramistas

coreanos.

Hondo en pendiente de manera que se aprovechaba mejor la energía.

Dentro de la variedad cerámica, escuchando la demanda de los países occidentales va

surgiendo la producción de exportación que intenta ajustarse al gusto de los occidentales para

poder vender más. Como resultado surgen piezas como estas (de tipo nichiki-de) en el siglo

XVIII. Surgen dentro de la variedad de Satsuma (un feudo).

El Esmalte sobre cubierta permite el trabajo al milímetro de los detalles. Se añaden losdorados, incluso la cerámica adquiere un realce o un relieve. Fuera de los dominios de

Satsunma empiezan a abrirse otros talleres, otros hornos cerca de kyoto donde surgen hornos

que comienzan a trabajar con las características anteriores. Ahí se queda la producción de cara

a la exportación.



Otro tipo de Cerámica:

NONOMURA NINSEI (ceramista activo a mediados del siglo XVII)

Una de las características del arte japonés en la no diferenciación de artes mayores y menores

es que cualquier soporte es válido para la creatividad. Yoshino son montes que rodean laciudad de Kyoto. Este ceramista trabaja allí y va a utilizar una ornamentación elegante al

tiempo que poética en su cerámica. La cerámica de Kyoto en este momento.

Kyoyaki es el nombre de este tipo de cerámica sobre la que descansa una decoración que está

más con lo pictórico que con lo puramente decorativo. En los montes de Yoshino nos

sumergimos en los paisajes y nos olvidamos que estamos delante de un jarrón porque la fuerza

pictórica atrae la atención.

El ceramista utiliza temas sacados de los diseños textiles, a veces se inspira en las distintas

estaciones. Va a utilizar esmaltes de fuerte colorido y también el oro y la plata y como novedad

esta técnica (esmalte sobre cubierta) hasta este momento solo se había utilizado sobre

cerámica pero él la utiliza también sobre el gres, sobre la cerámica en general. Muy acorde la

cerámica con el gusto de los aristócratas de Kyoto y del palacio imperial.

Mediados del siglo XVII: En ocasiones la forma redondeada del recipiente se acomoda al

dibujo, es decir las formas redondeadas o caídas de montañas se adecuan a la forma del

recipiente.

Un siglo después, a mediados del siglo XVIII, Ogata Kenzan da relevo al ceramista anterior.

Algunos consideran que es el ceramista más grande que ha dado Japón . Se dan el relevo. No

es un discípulo directo de Nonomura Ninsei pero sí que recoge todas las aportaciones que estehabía dado a la cerámica. Kenzan pertenece a una familia de comerciantes de telas, proveía

esta familia a los miembros de la familia imperial por lo que se cree que vive desde niño un

refinamiento artístico y se puede decir que con él se alcanza el punto culminante dentro de la

cerámica de kyoto. Presenta un personalísimo estilo ya sin notables influencias de la cerámica

china y de corea.

Él era el que se reservaba el trabajo del diseño y la decoración.

Podemos ver dos tipos de piezas muy diferentes: unas son las piezas que representan la

decoración sobre cubierta y advertimos que muchas de las piezas de este están pensadas máspara la apreciación estética que para ser utilizadas como utensilios útiles de la vida cotidiana.

Estas piezas presentan una proximidad con las técnicas de la pintura a la tinta. Él opta por

utilizar la pintura bajo cubierta de manera que se produzca la apreciación de texturas y colores

más borrosos, sin tanto brillo y tanta definición. Distintas técnicas que él puede utilizar.

Cuando utiliza el esmalte bajo cubierta son piezas más frágiles porque debe tener en cuenta el

esmalte al ser cocido, se debe de hacer a baja temperatura.

Proximidad que él buscaba con relación a la suavidad y la definición de la pintura a la tinta

entonces recurre a estas técnicas.



En general, el utiliza siempre colores planos y la mayoría de los temas los toma de la

naturaleza (flores, plantas, cascadas, bambú, ríos…). Son piezas muy expresivas.

Se ve el esmalte bajo cubierta en sus cerámicas y para que este no se estropee la pieza se

cuece a baja temperatura.

Uno de los máximos representantes de la escuela pictórica rimpa es Ogata Korin.

Hacia el final del periodo edo nos encontramos que la cerámica acaba siendo dominada por

una excesiva ornamentación y gran obsesión por la técnica.

Durante el siglo XVIII la producción cerámica se centra en la fabricación de objetos muy

utilitarios, se abren hornos por todo el país. A principios del siglo XIX hay tres importantes

ceramistas que beben tanto de los modelos chinos como de la escuela pictórica Rimpa,

aplicando el esmalte sobre cubierta. Estos son Okuda Eisen, Nina mi Dohachi, Aoki Mokubei.

El patrimonio cultural, las tradiciones empiezan a despreciarse y la producción en masa ahoga

la producción artesanal, sin embargo, mas tarde se produce una reacción contra la

industrialización y los mejores ceramistas vuelven su mirada hacia técnicas tradicionales

buscando allí su inspiración. De algún modo de nuevo la cerámica del té y aquellos

establecimientos especializados en la ceremonia del té y la cocina tradicional, mantuvieron la

producción de una cerámica de calidad, artesanal que asegura un pequeño mercado en los

distintos tipos de cerámicas tradicionales, regionales. Por otro lado siguen floreciendo aquellos

centros dedicados a la exportación en Kyoto, Yokohama, técnicas y colores occidentales tienen

cabida en estas producciones y dentro de este mar revuelto que es el periodo Meiji dondenadie sabe a qué atenerse, donde unos apuestan por la modernización, hay algunas voces que

rompen ese grito. Uno de ellos es Yanagi Soetsu fundó el llamado Movimiento de Arte

Popular, o Mingei. Este advierte de la atención que debe prestarse desde los que hacen los

carteles de madera tallada para los comercios… es decir, producciones de carácter creativo

que tienen un matiz artesanal. Reclaman además el valor del anonimato. Próximos al

movimiento Mingei estuvieron ceramistas como: Kawai Kanjiro, Yomimoto Kankichi y Shoji

Hamada que fue el más conocido en occidente. El establece sus hornos en mashiko y se va a

convertir en un símbolo del artesano anónimo ensalzado por Yanagi. En 1912 él contempla en

una exposición, gravados y cerámicas de Bernard Leach, ceramista británico que expone en

Tokyo en ese momento y él decide entrar en el departamento de cerámica donde va a

conocer a Kawai Kaniro. Él se gradúa. Conoce a Yanari, viaja a China, Corea e Inglaterra para

trabajar con Bernard Leach donde va a pasar tres años donde hay un intercambio de

conocimientos con él de la tradición japonesa y lo que leach puede enseñar.

Le ayuda a construir un horno de tipo coreano. Al no haber las mismas maderas no consiguen

los mismos efectos que en Japón. En la segunda guerra mundial, dados sus constantes viajes,

se sospecha que podía ser un espía. En 1955 a Hamada se le concede el titulo de Tesoro

Nacional Viviente. Ha sido uno de los ceramistas más importantes e influyentes del siglo XX.

Hamada y Bernard Leach hicieron un tanden a favor del reconocimiento de la cerámica como

un arte y dieron unos parámetros para el desarrollo de la cerámica contemporánea. Una de las



aportaciones entre el contacto de los dos para el mundo japonés fue la introducción de la

idea de la cerámica como expresión individual.

A pesar de que hamada comienza muy vinculada al movimiento Minguei donde ponían el

énfasis en el anonimato la cerámica acaba convirtiéndose para él en un modo de expresión

artística individual.

[IMG] Piezas de hamada Shoji

Son deudoras de la cerámica del té. Expresividad de los barnices que dejan su rastro. Mantiene

esa austeridad, contención y expresividad de la materia en sus piezas.

Técnica de la xilografía japonesa (video). Trabajo

El gravado japonés:

La xilografía penetra en el archipiélago de mano de los misioneros budistas tanto chinos comocoreanos alrededor del siglo VI. El material que llega con los textos budistas es papel

estampado por medio de la xilografía. Es mucho más rápido para una difusión que se necesita.

Hay sutras escritos a mano pero el copiar a mano sutras es algo que te da una serie de gracias

(un merito). Sutras ilustrados y escritos a mano hay muchos. Las xilografías más antiguas de

Japón son del siglo VIII que se encontraban dentro de las pagodas votivas llamadas darani. Se

encontraban enrollados dentro, son una especie de oraciones, llamadas mantras, que fueron

encargadas en gran numero por una emperatriz y que introduce en las pequeñas pagodas para

ser distribuidas en 10 grandes templos. Es como si ella llevara su oración escondida dentro de

las pequeñas pagodas de madera. En el periodo heian se extendió la costumbre de introducir

en las estatuas budistas oraciones impresas (como las vírgenes abrideras) porque eraconsiderado un espacio sagrado hasta el punto de que en ocasiones se recubría ese espacio

sagrado de la figura de pan de oro. En ocasiones nos encontramos con planchas o grabados

con planchas con sellos que van estampando uno al lado del otro y se considera que en

muchos casos son contadores de oraciones.

Debemos ponernos en el lugar que de ese siglo XIV donde el budismo se ha extendido y se

necesitan imágenes de culto en numerosos lugares además de los templos y monasterios

como en los hogares. Es más sencillo colorear un gravado que pintar un mandala de principio a

fin. Se hace el estampado de las líneas y después se colorea a mano. Los más antiguos que se

conservan son del siglo XIV.

La importancia del grabado o de mantener a través de la xilografía la proximidad a aquellos

primeros mandalas da una idea de hasta qué punto se consideraban sagradas esas imágenes y

la xilografía permitía que se mantuviera la fidelidad a los modelos dados. Además de los

mandala comienzan a hacerse populares imágenes de los reyes guardianes. Cuando en el

periodo edo se consigue la xilografía policroma es un logro largamente ansiado porque desde

el origen el color estaba asociado con la imagen xilográfica.

[IMG] Taishaku ten de Shibatam, Tokyo, siglo XIX



Se usa también para los libros, no es únicamente solo para sustituir a la pintura sino que los

textos de los libros son estampación xilográfica lo que da una ventaja. Reutilizar de las

planchas por lo que la producción de grabados era muy abundante.

El mandala es una representación que tiende a la geometría, es una estructuración de las

creencias del budismo. Es la estructuración del dogma, de las creencias de una manerageométrica. Esos mandala sirven para la oración, en esos mandala se ve la figura de Buda en

el centro y alrededor otras figuras más santas.

[IMG] Ilustraciones de los sutras.

[IMG] El Sutra del loto.

Algunos mandala rompen la geometría.

[IMG] Plancha de madera

La xilografía en Japón estaba en lo más cotidiano y lo utilizaban para lo que fuera: oraciones,

resguardos, anuncios. En la actualidad la xilografía se utiliza de un modo artístico.

El gravado se lleva a cabo en los monasterios. Después de la unificación de Japón, cuando los

Tokugawa controlan la nación van a aparecer unos mecanismos de publicación y distribución.

La historia y la evolución del grabado hasta ese momento gira en torno al mundo del budismo.

Cuando entramos en el periodo edo aparece una utilización del gravado a parte de los

monasterios y los templos aunque van a seguir existiendo. En el siglo XVI se imprimen por

primera vez textos no religiosos.

Destaca la obra de Ise monogatari: En la obra de Ise monogatari se encuentran ilustraciones

que hacen alusión al mundo de la diversión de la nobleza. Esta xilografía y la tipografía de estas

ediciones se desarrolla en las zonas de Kyoto y Osaka, las zonas de mayor tradición cultural.

Desde ahí se traslada a Edo cuando se convierta en una ciudad con peso que reúna a los

grandes comerciantes del país y se convierta en el primer foco de consumo del país como

ciudad.

Desde el gobierno se va a motivar los libros ilustrados porque se entiende que hay un gran

potencial educativo. Se parte de lo más sencillo. Las primeras ilustraciones que surgen son enblanco y negro, solo de tinta negra y como en siglos anteriores se coloreaba, se aplicaba el

color con pincel (normalmente rojo anaranjado y verde) pero pronto debido a la demanda se

busca introducir novedades y mejoras de manera que se comienza a trabajar en el control del

color por medio xilográfico. Esta es otra de las cuestiones de los editores: cuanto mejor sean

los dibujos, más calidad tendrán los libros, más se tentara a los compradores. Debemos pensar

también que son muy populares los libros de crónicas de viajes, los libros de etiqueta, y

particularmente el género conocido como Ukiyo Zoshi, que va a ser el que va a marcar el

rumbo de los temas a ilustrar, los más populares. De aquí va a reventar el mercado el tema de

este género que se va a centrar en las crónicas del placer, de los barrios de diversión desde

temas de amores, venganzas, la novela… las cortesanas, los festivales, los fuegos artificiales,



los temas eróticos y el paisaje se van a convertir en los temas principales de los ilustradores y a

estas pinturas del mundo de la diversión es a lo que se denomina Ukiyo E

[IMG] Hishikawa Moronobu. 100 mujeres del mundo flotante

[IMG] torii Kiyonobu. Pintura de actores Ichikawa Danjuro II como Soga No Goro y OgawaZengoro como Kudo Suketsune

[IMG] Torii Kioyonobu, 1711

Con anterioridad a 1700 toda la xilografía se presentaba en libros ilustrados y álbumes, es

decir, que no existía la xilografía de hoja suelta sino que eran imágenes para ilustrar un texto o

compendios de imágenes en un libro o álbum.

Antes del último cuarto del siglo XVII los dibujantes eran anónimos y uno de los primeros

nombres conocidos es Hishikawa Moronobu que es el primero en utilizar la lámina suelta,independiente. Fue capaz de establecer una primera escuela de pintura e ilustración inspirada

en el mundo del Ukiyo, en el mundo de la diversión y del placer.

Ukiyo (que significa mujeres del mundo flotante creo) es el nombre que se utiliza para designar

tanto una escuela de pintura o como un tipo de pintura de género surgida durante el periodo

Edo y esta palabra está compuesta de tres ideogramas Uki (que aporta el significado de

pasajero, algo que se deja llevar, que fluye) y o (que significa mundo) y E que significa pintura.

La fonética del primer ideograma permite un doble juego en la comprensión del término. Uki

puede corresponder también con otro ideograma que cambia la connotación ya que puede

referirse al mundo de la tristeza. Por tanto es un juego que se propone hacer un paralelo conlas creencias budistas.



Las escenas eróticas eran de una larga tradición en Japón pero con Hishikawa moronobu su

popularidad se dispara.

Hasta finales de los años 90 del siglo XX era un tema el del gravado erótico conocido como

Shuanga, era un tema apenas investigado. Un tercio de la producción de estampa trataba

estos temas.

En el proceso de evolución técnica se pasa, con la xilografía únicamente de la tinta, se pasa un

ligero coloreado con el verde y el naranja que se incorporan a la hora de colorear estas

estampas.

Ukiyo-e no es sinónimo de gravado sino que puede ser ukiyo-e en pintura y también en

xilografía ya que lo que significa es que hace referencia al mundo del placer.

Los kagema eran adolescentes maquillados y vestidos para parecer mayores.

Un rasgo que caracteriza a la mayoría de la producción del gravado es el hecho de que laslíneas siempre son muy fluidas, se ven los rostros pero luego se ven todo un despliegue de

temas decorativos por la importancia siempre del envoltorio. En las imágenes la belleza no

está en un rostro sino que está en la combinación de colores, en la combinación de temas

decorativos.

Imágenes que nos hablan de perspectivas en la que encontramos la introducción de

perspectivas occidentales:

[IMG] Okumura Masanobu



Permite ver como viste la gente, las tradiciones, como entre la población hay samuráis, es un

barrio de diversión en el que se ve un teatro. No es el barrio famosos de Yoshivara sinoq es el

distrito de Sakai.

[IMG] Suzuki Harunobu, descenso de los gansos salvajes sobre el puente del koto

Curva y contracurva, perspectiva batida que permite ver desde el tejado lo que está

sucediendo. En estos gravados se juega con los dobles sentidos y vemos que están tocando el

koto. Tiene un libro, dos volúmenes, el coto con sus cuerdas. En la esquina aparece una planta

del otoño. Juego de lectura escondida que resultaba algo lúdico para el espectador del periodo

edo por lo que no es solo la imagen lo que compras sino que es el juego también. Cuanto más

culto fuera uno más diversión a la hora de descifrar las imágenes.

Estas mujeres nos vienen a hablar del ideal de belleza cortesano, estas mujeres son más

pequeñas, más frágiles y delicadas. Los rasgos de los rostros recuerdan a las lienas de los ojos,

boca pequeña… que se veían en las imágenes del periodo heian como ideal de belleza

cortesana.

Ejemplo de coloreado xilográfico. Serie de cuentos de Ise de Katsukawa Shunshô

Torii Kiyonaga [IMP]



Son imágenes de género, pero del subgénero del placer. Destacan las mangas largas del

kimono como ondean. Las cortesanas pueden llevar las mangas muy largas. Debajo de los

puentes de madera. La figura ya no es delicada, elegante, frágil y pequeña sino que aparecen

mujeres contundentes, más altas de lo que eran las japonesas en el momento, de manos

grandes. La obra se llama bote bajo el puente Azuma. Las vestimentas aquí son las que marcan

el ritmo en la composición.

[IMG] Torii Kiyonaga, 1787



Vemos como aparecen cortesanas que además van a marcar la moda. Vemos en la parte

superior un recurso con forma de nube para limitar la pintura por arriba.

Calidades distintas en la pintura. En las estampas aparece una gran cantidad de información y

conforme vamos avanzando va aumentado esa información. En el caso de Utamaro es un

artista que va a desarrollar su actividad en el siglo XVIII y en esta estampa nos encontramos elsello de edito y conforme va avanzando el gravado va a ir apareciendo el título, en ocasiones el

sello del editor, del censor y del gravador.

Utamaro se centra en gran medida en el tema de la mujer. Dentro del grabado hay distintos

géneros y el tema de la mujer, de las personas hermosas que generalmente se identifica con el

género femenino pero que en origen no se identifica únicamente con mujer u hombre.

kitagawa utamaro: es el más importante de estos artistas.

Temática:

Bijinga: temática de mujeres hermosas. Es uno de los más importantes

Yakusha-e: Tema de los actores de teatro. Importante.

Kashoga: Otro de los temas es el de flores y pájaros.

Musha-e: Mundo de los guerreros, batallas.

Shunga: grabado erótico

Dentro de toda esa temática utamaro se va a centrar en el mundo femenino. Es un artista quevive prácticamente en las casas de té. Él viviendo dentro nos muestra no solo a la cortesana

en sus desfiles sino en sus momentos más íntimos. Son mujeres de gran tamaño, muy

elegantes donde las vestimentas tienen mucha caída y a pesar de esa estilización, idealización,

en muchas de ellas se percibe como intenta captar una cierta individualización.

Utamaro: tres bellezas de las casas verdes

Utamaro había introducido la tipología de retrato de medio busto denominado ocubi-e (de

gran cuello). Él utiliza para sus fondos el polvo de Mica ara que tengan ese brillo y es a

Utamaro a quien se atribuye esta novedad, esta introducción del polvo de mica en el fondo.



Imagen relacionada con los valores estéticos, lo provocativo, lo sensual. La nuca es

provocativa. Se puede ver un detalle que aparece como lazos de papel. Los pelos, el cabello

esta finamente delimitado, marcado. Es un momento de intimidad.

[IMG] Utamaro: canción de almohada

Dentro del Shunga es una de las grandes obras. Un icono dentro de este género. No es

simplemente que se centre en el acto sexual sino que incluso se puede hablar del carácter

dominante de la mujer. Se ve de nuevo como la elegancia, el juego de ropajes, de color está

por encima o encubre esa temática sexual-erótica. Realmente lo que llama la atención es el ir y

venir, la curva y contracurva de la vestimenta. Es en definitiva, la importancia del envoltorio

japonés. En el gravado no es una línea deforme según sale del lápiz que define las formas sinoque cabe fijarse en el gravado los trazos que en algunas partes adelgazan, son mas cortantes

mientras que en otras son una pincelada o un dibujo uniforme en función de lo que queremos

conseguir.



Aquí destaca una gran delicadeza a la hora de captar las emociones, en la manera de apoyar

los dedos en el cuello o la manera de tocar la mejilla. Es una obra de pequeño formato que son

vistas en la intimidad.

Así como Utamaro destaca por el tratamiento de lo femenino Toshusai Sharaku destaca por

los retrato de actores. Artista del que se sabe muy poco, tiene una breve carrera en el mundo

de la xilografía, 11 meses en los que hizo muchos retratos de actores y pocos de sumo. Esteprefiere centrarse exclusivamente en los rostros. De nuevo acepta la innovación de utamaro

con los fondos con polvo de mika.

En los retratos de Sharaku destaca la expresión del rostro, una expresión forzada. El maquillaje

contribuye a enfatizar esa expresión. Podemos observar que a la hora de componer el rostro



son muy pocas las líneas que lo definen. Lleva un maquillaje exagerado, propio del teatro

kabuki pero con una simbología que intenta potenciar la expresión. Tiene poses

estereotipadas.

Énfasis en la actuación. Se ve el cuidado de las líneas por parte del grabador.

Vemos los dedos crispados, los pies encogidos son recursos muy utilizados en el grabado y en

el teatro kabuki.

Cuando empieza a desarrollarse el género del guerrero estos parecen actores de teatro por lo

que se trasponen los recursos con los que han sido representados los actores.

Utagawa Toyokuni (1769-1825)

Utagawa es el nombre de la escuela fundada por Utagawa Toyokuni. El tratamiento que hace

del color fue muy apreciado en la época. La popularidad de su obra va a marcar la evolución

del genero de mujeres hermosas con el de actores en la etapa final del periodo Edo. Hay quien

dice que en el desarrollo de esta escuela se aprecian las exageraciones o deformaciones

propias de una sociedad en declive.

[IMG] iwai hanshiro IV como onnagata. Publicado por Yamagucho Chusuke, 1794



El actor varón que interpreta a un personaje femenino se conoce por el nombre ONNAGATA.

En muchas de las representaciones podemos saber que es este tipo de actor porque ellos

deben llevar afeitada la parte superior de la cabeza y cuando interpretan personajes femenino

llevan una especie de pañuelo que es como un signo que se utiliza para identificar al onnagata.

Se ve en la imagen.

[IMG] Gansos salvajes descendiendo sobre Iwakimasuya

Utagawa Toyokuni dentro de la escuela Utagawa.

Uno de los discípulos de Utawawa Toyokuni que va a desarrollar la serie de los guerreros, el

tema de los guerreros es Utagawa Kuniyoshi . Cuando el maestro considera que el discípulo

está formado le da el beneplácito y puede trabajar de modo independiente o incluso heredar

su taller. En ese reconocer el nivel de formación del discípulo el maestro le permite usar uno

de los ideogramas de su nombre.

Nos aproximamos, o nos recuerdan a las representaciones del manga actual con estas escenas.

Movimientos de tensión, de violencia. Es la posición de las diagonales, de las armas caídas en

el suelo las que crean cierta sensación espacial que en cuanto vamos subiendo desaparece

cuando vemos esta historia, esta biografía del personaje. En este gravado tenemos en una

especie de calabaza el titulo de la serie. Aparece el nombre del personaje y su biografía así

como los sellos del censor, el nombre del artista, su sello y el sello del editor.

Destacan los ojos que no son rasgados sino que son grandes. Influencias del teatro de

marionetas en estas imágenes ya que los muñecos esos tienen los ojos saltones ya que lo

necesitan para el movimiento. Se habla de la influencia del teatro de marionetas en estas

representaciones. El pelo erizado es un código de violencia, rabia, furia…



Destaca la forma de las nubes que no es algo habitual sino que es un tipo de nube que utiliza

piranesi y que llega a Japón gracias a los grabados que van llevando los holandeses por lo que

es de las influencias que llegan. El asume estas formas de las nubes del gravado de piranesi.

Representa la explosión del agua cuando la ola parece que te va a atrapar, son como esos

dedos del actor de teatro. La ola es una estilización, no es natural, ha estilizado las formas y lasha convertido en esa especie de garras. Las salpicaduras sino solo están en los azules sino

también están en el aire y se ponen en el aire del monte fuji. Sombras que son creadas en la

ola por dos superposiciones de colores (blanco y azul) la gradación esta al fondo. A pesar de

ser una ola enorme no parece un drama, un naufragio a pesar de que hay tensión, y esto entra

dentro del pensamiento del mundo oriental. Idea del bambú que por su flexibilidad vuelve a

recuperar cuando cesa el viento su posición erguida. Si como la barca nos dejamos llevar no

acabamos sumergidos bajo las toneladas de agua. Este tema de la ola fue la portada de la

sinfonía del mar de Debussy.

[IMG] Hokusai, Fuji con tiempo despejado

Esta dentro de la misma serie que la anterior. Líneas ascendentes en la parte alta y pinitos que

cubren la parte baja en el monte fuji.

Son 36 vista de monte fuji por lo que es el mismo tema en momentos diferentes del día y en

diversas perspectivas. En este tema se ve como el fuji lo rodea el cambio, momentos.

Otro de los artistas más conocidos en occidente es [IMG] Utagawa Hiroshige. Destacan las 53

paradas del Tokaido.

El Tokaido era una ruta que comunicaba Tokio con la ciudad imperial Kioto. Estas 53 eran lasparadas que había que hacer en esa ruta.

El tema del paisaje empieza a tener protagonismo por el interés por el viaje, serie de

peregrinaciones que permiten viajar y ante la imposibilidad de poder realizar el viaje físico al

menos se pueden conocer otras zonas del país a través del grabado. En la serie de las 53

paradas de Tokaido él aprovecha para reflejar en ellas las cuatro estaciones del año y la vida

cotidiana de los japoneses.

[IMG] HIroshige, 100 vistas de Edo

Es uno de los grandes maestros de la xilografía de paisajes aunque también pinta mujeres,

actores de kabuki…. Aparecen 100 vistas de la capital es la serie.

Monet hace construir un estanque y un puente de manera circular gracias a una estampa de

este Hiroshige. (Es decir, esta imagen de Horoshige es un estanque con un puente por encima).

Vemos como si hubiéramos fotografiado y si el árbol se queda fuera, pues se queda y si el

puente no sale concreto no pasa nada porque es como una fotografía, es un modo de

encuadrar se aprecia muy bien como una novedad. Encuadres que aparecen una determinadas

ramas que le dan profundidad y juego a la composición.



[IMG] Handsome Men of our day. 1859 Token-gonse, Dsnshichi-kurobe, Yakko-no-Koman.

Esta obra es de Toyokuni.

[IMG] Toyohara Kunichika. Nakamura Kanazo.

[IMG] Tsukioka Yoshitoshi

Se le destaca siempre por su violencia y su sanguinolencia. Por destacar temas de estas

características. Buscando como sorprender al espectador se hacen series incluso de asesinos.

Cuando el realiza obras dentro del género de mujeres hermosas nos damos cuenta que se ha

producido una modernización ya que las mujeres aparecen vestidas a lo occidental pero los

recursos de grabado y xilografía siguen siendo los mismos.

Artistas como Kobayashio Kiyochika son como reporteros de guerra. Su obra evoca los

momentos en que la influencia occidental estaba trasformando el ambiente de las ciudades yen los últimos años de su producción se centra en la producción para los periodos y trípticos

en los que nos habla de la guerra chino-japonesa-.

[IMG] Nuestras tropas luchando en la ciudad fuerte de Niuzhuang 1895 Kobayashi Kiyochika.

Hay un intento de crear una sensación atmosférica.

[IMG] Guntei Sadahide. Foreign Mercantile Firm in Yokohama, 1861

Dentro del grabado se da una variedad de aquellos que se centran en recoger lo que es la

ciudad de Yokohama-e. Recogen como los occidentales.

Se intenta jugar con la luz y la sombra de una manera nada real.

[IMG] Hashiguchi Goyô, Muejr peinándose el cabello, 1928

Rostros bastante esquemáticos pero ya se ha roto la dureza de las formas lo que se ve en el

cabello como está suelo, como cae. Este artista ha asimilado lo que el mundo occidental ha

podido aportar pero se mantiene fiel a este género de mujeres hermosas. Temas más acordes

con la vida moderna con un estilo más fresco.

[IMG] Itô. Maiko, 1932

Maiko es el aprendiz de geisha.

[IMG] Itô Shinsui, Mujer lavándose el cabello. [IMP]

Está en sintonía con el resto de xilografías y técnica pero ya hay un estudio anatómico que en

momentos anteriores está totalmente ausente.



Onchi Koshiro (1891-1955)

Aproximación de los japoneses a todos los estilos a la vez europeos.

Cuando se produce la introducción del arte occidental masivo en el grabado va a haber artistas

que están introduciendo algunos elementos de carácter occidental pero se mantienen en su

línea, siguen pintando mujeres hermosas, dominio de la línea, tintas planas, carácter

figurativo… pero habrá otros que utilizando la técnica de la xilografía se acercan a las

vanguardias de occidente.

Va a haber una corriente más japonesa y una corriente más occidental en Japón.

Lo que se está haciendo en pintura, las vanguardias, va a pasar en esta etapa por la xilografía.

Movimiento Mingei anonimato, artesanía, en el caso del gravado lo que se ve es que se rompe

el esquema tradicional de colaboración entre el que hace el diseño, el que lo grava, talla la

plancha y el que lo estampa. Como influencia de lo occidental cobra importancia la obra

personal y se quiere que el dibujo, la talla y la expresión sea hecho por el propio artista.

Munakata Shiko es un ejemplo.

-

Encontramos con este la expresividad de lo tosco.

- Este trata temas japoneses pero se produce una sintonía con los posicionamientos del

arte occidental.



La xilografía tuvo un papel esencial en la evolución artística y estilística pero también en la

alfabetización del país. En el siglo XVIII ya el 40% de la población esta alfabetizada lo que se

debe a la xilografía.

El alcance de las publicaciones hizo que durante el periodo edo las editoriales llegaran a

superar las 1500. Ayuda a la difusión de ideas.

Las ilustraciones tenían un carácter formativo pero también una intención de amenizar la

lectura, es el caso de las guías de viaje, los mapas, las ilustraciones de los lugares…

Con esta difusión es frecuente ver en las xilografías y gravados jóvenes leyendo, ya que es un

tema atrayente.

Estas xilografías en hojas sueltas eran baratas, podían ser el recuerdo de un viaje, para

conmemorar una fecha, para felicitar el año, un recordatorio de un fallecimiento o de un actor

de teatro…

Este origen del grabado a color está en los encargos de la gente culta porque ellos encargaron

a los mejores artistas del momento unas felicitaciones de mayor calidad, y es cuando

comienzan estas impresiones de distintos colores. Estas impresiones de mayor calidad en

cuanto al papel o al color que se suele utilizar se conocen como subimono (¿? Buscar bien

esto) y suelen tener un formato mas cuadrado. El gravado asume el papel de los medios de

comunicación de masas ya que informan de las vidas en la capital, dicen cómo vestir, hay

anuncios de casas de kimonos, hablan de los modales, de los famosos personajes… tienen un

carácter informativo.

En el caso de las representaciones de actores el aspecto publicitario de la persona es relevanteporque se trata de actores que tienen mucha popularidad incluso había clubs de fans o

asociaciones que son los que encargan estos retratos. Hay incluso en muchos de estos

gravados un plus en el sentido que retan las imposiciones de la moral oficial y con frecuencia

los actores entran ahí con su rebeldía que suele encontrar la aceptación del público.

Las cortesanas, las personas de teatro llegaron a convertirse en dioses del mundo del placer y

aquellos que no podían soñar con alcanzarlos, la posesión de la imagen los acercaba a ese

mundo, los hacía participes.

Arte de Asia 2

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