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I d e n t i f i c a d o r d e M a r c a
Profesora: Carolina Valencia
Asignatura: Diseño Publicitario I
Integrantes del Grupo: Nancy Andrade
Natalia Espinoza
Lucia Lang
Paola Molina
Grupo A
Jueves 20 de enero, 2010
El siguiente trabajo es una investigación realizada con el fin de comprender mejor
ciertos aspectos de la publicidad como lo son el significado de signos, símbolos, marcas y
logotipos y ejemplos de la evolución e historia de los mismos.
¿Qué son signos, símbolos, marcas y logotipos? Un símbolo es la representación perceptible de una idea, con rasgos asociados por una
convención socialmente aceptada. Es un signo sin semejanza ni contigüidad, que solamente
posee un vínculo convencional entre su significante y su denotado, además de una clase
intencional para su designado. El vínculo convencional nos permite distinguir al símbolo del
icono como del índice y el carácter de intención para distinguirlo del nombre. Los símbolos son
pictografías con significado propio. Muchos grupos tienen símbolos que los representan;
existen símbolos referentes a diversas asociaciones culturales: artísticas, religiosas, políticas,
comerciales, deportivas, etc.
Una Marca es un título que concede el derecho exclusivo a la utilización de un signo para la
identificación de un producto o un servicio en el mercado. La marca es un signo distintivo de un
producto en el mercado. Algunas personas resaltan el aspecto psicológico de la marca desde el
aspecto experimental. El aspecto experimental consiste en la suma de todos los puntos de
contacto con la marca y se conoce como la experiencia de marca. El aspecto psicológico, al que
a veces se refieren como imagen de marca, es una construcción simbólica creada dentro de las
mentes de las personas y consisten en toda la información y expectativas asociadas con el
producto o servicio. Las personas encargadas del posicionamiento de la marca buscan planear o
alinear las expectativas relacionadas con la experiencia de la marca, lo que crea la impresión
que la marca asociada a un producto o servicio tiene ciertas cualidades o características que la
hace especial o única. Una marca es por lo tanto uno de los elementos más valiosos en el tema
de publicidad, como lo demuestra lo que el dueño de la marca es capaz de ofrecer en el
mercado.
Un logotipo es un elemento gráfico que identifica a una persona, empresa, institución o
producto. Los logotipos suelen incluir símbolos —normalmente lingüísticos— claramente
asociados a quienes representan. es la representación tipográfica del nombre de la marca; una
marca en la cual la palabra funciona como imagen.
Historia sobre la evolución de los logotipos y las marcas
Si rastreamos la palabra “logo” podemos remontarnos a la Antigüedad. “Logo” proviene del
griego, y según su etimología significó en un principio “palabra” o “discurso”. Luego adquirió
el significado de marca y símbolo identificadores, además del de nombre. Un ejemplo del uso
de logos en la época clásica se presenta en las monedas utilizadas por griegos y romanos, en las
cuales éstos representaban a gobernantes o ciudades.
La creación de logos aumentó durante la Edad Media, período en el cual proliferaron aquellos
destinados al uso comercial, artístico y eclesiástico. En la Baja Edad Media mejoró el diseño de
los logos, especialmente el de aquellos empleados por los comerciantes para distinguir la
mercadería. Otros logotipos de la época fueron las filigranas en los papeles, las marcas de los
orfebres en sus obras y los signos masónicos. Una novedad fue el uso de colofones, señales del
impresor, editor, lugar y fecha de impresión incluidas al final de los libros.
Sin embargo, a pesar de estos antecedentes históricos, el logotipo tal como lo conocemos en la
actualidad surgió con la Revolución Industrial, es decir, a partir de mediados del siglo XVIII.
Ya para esta época la economía capitalista - iniciada con la Edad Moderna, desde fines del siglo
XV- se encontraba en pleno desarrollo. Con la industrialización se produjo uno de los cambios
más importantes de la historia a nivel social, económico, cultural y tecnológico.
La Edad Media y la Moderna presentan grandes diferencias. La economía medieval se
caracterizó por la producción artesanal, en la cual el artesano realizaba un producto en su
totalidad, y en la cual la firma de éste era señal de calidad, origen y confiabilidad. Los
consumidores conocían la producción de cada artesano y su firma era una garantía ante
cualquier reclamo que surgiera (además, las quejas podían hacerse personalmente ante quien
había realizado un producto). La Revolución Industrial implicó grandes cambios en la
producción, que pasó de ser artesanal a ser en serie, gracias a la nueva tecnología desarrollada,
además de especializada. El volumen de artículos producidos creció vertiginosamente, y éstos
comenzaron a comercializarse a nivel nacional e internacional.
Es en este momento en el que surgió el logo propiamente dicho, con dos objetivos. Por una
parte, se crearon para diferenciar los productos similares dentro de una misma área comercial.
Dado que durante los siglos XVIII y XIX la mayoría de las personas eran aún analfabetas, era
necesario utilizar logotipos para que éstas distinguieran los productos. Los industriales, para
evitar confusiones con la competencia, incluyeron imágenes o emblemas en los envases y
paquetes. Por otra parte, el logo funcionaría como garantía de calidad de los productos en serie,
antes ofrecida por la firma del artesano. Luego, los productores empezaron a incluir el nombre
de la empresa junto con el ícono, con una tipografía distintiva. En muchos casos los nombres de
las compañías eran los apellidos de los dueños. Con el transcurso del tiempo muchas de estas
marcas se hicieron realmente famosas.
En la sociedad de consumo actual los logos se han convertido en piezas fundamentales tanto
para las empresas como para los consumidores. La diversidad de productos y servicios en el
mercado es realmente impresionante y debido a los grandes niveles de competencia se vuelve
imprescindible para las compañías tener un logo distintivo. Sólo con un logotipo visualmente
atractivo y memorable las empresas pueden instalarse en el mercado. En cuanto a los
consumidores, los logos se convierten en señales mediante las cuales identificar los diferentes
productos que circulan todos los días.
A continuación se presentan algunos ejemplos de la evolución de los logotipos.
¿Qué es Imagen corporativa?
La imagen corporativa se refiere a cómo se percibe una compañía. Es una imagen
generalmente aceptada de lo que una compañía "significa". La creación de una imagen
corporativa es un ejercicio en la dirección de la percepción. Es creada sobre todo por los
expertos de relaciones públicas, utilizando principalmente campañas comunicacionales, redes
sociales (entre otras plataformas web) y otras formas de promoción para sugerir un cuadro
mental al público. Típicamente, una imagen corporativa se diseña para ser atractiva al público,
de modo que la compañía pueda provocar un interés entre los consumidores, cree hueco en su
mente, genere riqueza de marca y facilite así ventas del producto. La imagen de una
corporación no es creada solamente por la compañía. Otros factores que contribuyen a crear una
imagen de compañía podrían ser los medios de comunicación, periodistas, sindicatos,
organizaciones medioambientales, y otras ONGs. Las corporaciones no son la única forma de
organización que generan este tipo de imágenes. Los gobiernos, las organizaciones caritativas,
las organizaciones criminales, las organizaciones religiosas, las organizaciones políticas y las
organizaciones educativas todas tienden a tener una imagen única, una imagen que sea
parcialmente deliberada y parcialmente accidental, parcialmente auto-creada y parcialmente
exógena.
Historia y evolución de un logo reconocido y su diseñador
En la década de los 70 la ciudad de Nueva York se hallaba sumida en una de sus
mayores crisis fiscales. El crimen crecía sin ningún tipo de control y grandes negocios
comenzaban su marcha buscando nuevas localizaciones. Todo este ambiente estaba haciendo
sufrir a la imagen de Nueva York y el turismo estaba sufriendo en consecuencia.
Por ello, en el año 1977, el departamento de comercio del estado de Nueva York
contrato a la agencia Wells Rich Greene para desarrollar una campaña de marketing para el
estado de Nueva York. William S. Doyle, el jefe del departamento, también contrató a Milton
Glaser, para trabajar como diseñador en la campaña de Wells Rich Greene.
Con esta campaña se pretendía buscar que la gente viera Nueva York como algo más
que una gran urbe con todos los problemas que eso supone, siendo un lugar del que disfrutar y
en el que poder vivir. De este modo, se buscaba que la campaña turística estuviera dirigida tanto
a recuperar el turismo que se estaba perdiendo como a todos los habitantes del estado de Nueva
York.
La primera idea de Glaser fue utilizar el simple eslogan “I love New York” (Me gusta
Nueva York) en dos líneas, con una tipografía elegante que llamara la atención. Pero tras pensar
un día entero, anotó en una hoja “I Love New York” y se percató de que únicamente necesitaba
las mayúsculas para hacer llegar el mensaje.
Inspirado en el eslogan “Virginia is for Lovers” de la campaña de 1969 del estado de
Virginia, Glaser creó un logo que consistía en la letra I seguida del símbolo del corazón en rojo.
Debajo situó las letras N e Y escritas en la patriótica tipografía American Typewriter,
resultando el logo que todos conocemos.
II: I Love New York
Originalmente la campaña estaba pensada para que durase únicamente un par de meses,
pero su éxito la ha hecho perdurar con el paso de los años como una marca de identidad de la
ciudad de Nueva York. Sus camisetas blancas con el logo estampado aún siguen siendo a día de
hoy uno de los recuerdos de Nueva York más vendidos
En los últimos años, esta maca ha sido explotada por muchos otros lugares como
Londres, París, Los Ángeles, San Francisco o México DF. También la idea ha sido explotada
más allá de los corazones, siendo el ejemplo más característico el I (trébol) Boston.
Milton Glaser, Nueva York, 1929, ilustrador y diseñador muy prolífico conocido sobre
todo por sus diseños para discos y libros.
Glaser estudio en la conocida Cooper Union entre 1948 y 1951 para continuar su
formación en la Academia de Bellas Artes de Bolonia con el pintor Giorgio Moradi. Fundó con
Seymour el Push Pin Studio para, en 1974, crear su propia compañía.
Ha creado más de 300 carteles entre los que se cuenta el famoso de Bob Dylan, un símbolo de
los años sesenta. Glaser se ha dedicado al diseño editorial y a la identidad corporativa. En el
primer campo ha trabajo para publicaciones como Paris Macht, L’Express, Esquire o Village
Voice y La Vanguardia para realizar un cambio en esta publicación coincidiendo con su paso al
color.
En identidad corporativa, desde finales de los setenta se encargó de un gran proyecto
para la compañía Grand Union, una cadena de supermercados en los Estados Unidos. También
creo el logo de DC Comics. En 1981 creó el conocido símbolo para I love New York. El estilo
de Glaser se caracteriza por el eclecticismo y esta influido por numerosas fuentes si bien
siempre ha dado a la ilustración una importancia grande. Ha diseñado algunos tipos de letra, la
mayoría de carácter decorativo y escasamente legibles, como reflejo de esta orientación suya
muy alejada de la ortodoxia metodológica. Su concepción creativa se acerca más a la de un
artista tradicional que expresa en su obra una particular visión del mundo.
Aplicación del Logotipo en la Imagen Corporativa
Manual de Marca
Manual De Identidad Corporativa
El Manual de Identidad Corporativa, es la recopilación de la Imagen y la Identidad Corporativa,
el cual se encarga de facilitar a nivel global todo lo concerniente a la empresa u organización.
Partes En Las Que Se Divide Un Manual De Identidad Corporativa
• Presentación.
• Introducción.
• Reseña Histórica
• Objetivos del programa
• Vocabulario
• Signos de identidad.
• Emblema
• Símbolo
• Logotipo
• Gama cromática
• Cuatricromía
• Tramas permisibles
• Normas Básicas
• Disposición formal de los colores
• Control de un solo color
• Control del diapo
• Negro y escalas de grises
• Control de proporción
• Normas tipográficas
• Normas complementarias
• Control de sombras
• Control de rotación
• Control de deformación
• Aplicaciones
• Papelería
• Papelería administrativa
• Indumentaria
• Fachada
• Transporte
• Anexos desprendibles
• Artes finales
• Carta de colores.
Logoteca
Logotipos Tipográficos
Logos de Otras Culturas
Resumen de la Lectura de las Pags.69 – 74
Estética Tipográfica
La búsqueda de una armonía total y natural es un principio ineludible.
Hay que observar principios y legados básicos como el de la proporción
La manera óptima para resolver un problema estético es la natural, espontánea,
fresca, con una dosis de belleza eterna, inmaterial, esencial, intangible.
“Todo se transforma, todo fluye. Y al mismo tiempo, todo permanece”
Los grandes artistas, pintores y gráficos han sido fervientes observadores de la
armonía total que muestra la naturaleza.
Uno de los principios estéticos vigentes en la composición tipográfica es el resultado
de la interacción entre la forma configurada y su contra forma, elementos que poseen un
significador de igual valor.
Los signos tipográficos, letras y otros símbolos, al ser impresos en una superficie
blanca o fondo, crean un conjunto compositivo que no puede ser aislado uno del otro,
activa el contraste claro-oscuro que a su vez evoca y estimula el ritmo de lectura del
impreso.
El fondo o vacío, se convierte en esencia compositiva.
El formato del papel crea un efecto de tensión en la composición
El movimiento, el resalte, el color, el ritmo crean tensión que ofrece interés al orden
compositivo.
Legibilidad del texto
La escritura, en especial los caracteres tipográficos tienen la función primaria de
transmitir información
El aspecto semántico debe ser respetado por el diseñador, debe poseer conocimientos
lingüísticos necesarios para una buena articulación de textos.
Una mala composición es aquella donde los espacios, numero inadecuado de
palabras por renglón y variedad excesiva de caracteres, provoca imágenes confusas.
Resumen de la Lectura de las Pags. 147 - 155 Las técnicas de comunicación visual ofrecen al diseñador una variedad de medios de expresión
visual del contenido. No hay por qué concebir estas técnicas como elecciones para construir y
analizar; es posible modificar los extremos de significado con grados menores de intensidad.
Los matices compositivos de que dispone el diseñador, son posibles en parte gracias a las opciones
múltiples, pero también a que las técnicas visuales se combinan y actúan unas sobre otras en las
aplicaciones compositivas.
Técnicas Visuales Definición 1 Definición 2
Equilibrio / Inestabilidad
Equilibrio: es la mas importante de
las técnicas visuales. Es una
estrategia de diseño en la que hay un
centro de gravedad a medio camino
entre dos pesos.
Inestabilidad: ausencia de
equilibrio y da a lugar a
formulaciones visuales muy
provocadoras o incitantes.
Simetría / Asimetría
Simetría: es el equilibrio axial;
formulaciones visuales totalmente
resueltas en la que cada unidad
situada a un lado de la linea central
corresponde exactamente otra en el
otro lado. Perfectamente lógico y
sencillo de diseñar; pero puede ser
un tanto aburrido.
Asimetría: Los griegos
consideraban que la asimetría era
un mal equilibrio.
Regularidad /
Irregularidad
Regularidad: consiste en favorecer
la uniformidad de elementos, el
desarrollo de un orden basado en
algún principio o método respecto al
cual no se permiten desviaciones.
Irregularidad: realza lo
inesperado y lo insólito, sin
ajustarse a ningún plan
descifrable.
Simplicidad / Complejidad
Simplicidad: impone el carácter
directo y simple de la forma
elemental, libre de complicaciones o
elaboraciones secundarias.
Complejidad: implica una
combinación visual debido a la
presencia de numerosas unidades
y fuerzas elementales, que da
lugar a un difícil proceso de
organización del significado.
Unidad / Fragmentación
Unidad: equilibrio adecuado de
elementos diversos en una totalidad
que es perceptible visualmente; debe
ensamblarse tan perfectamente, que
se perciba y considere como un
objeto único.
Fragmentación: descomposición
de los elementos y unidades de un
diseño en piezas separadas que se
relacionan entre si, pero
conserven su carácter individual.
Economía / Profusión
Economía: presencia de unidades
mínimas. Ordenación visual frugal y
juiciosa en la utilización de
elementos.
Profusión: esta muy recargada y
tiende a la presencia de adiciones
discursivas, detalladas e
inacabables al diseño básico.
Reticencia / Exageración
Reticencia: aproximación de gran
comedimiento que persigue una
respuesta máxima del espectador
ante elementos mínimos.
Exageración: para ser
visualmente efectiva, debe
recurrir a la ampulosidad
extravagante, ensanchando su
expresión mucho mas allá de la
verdad para intensificar y
amplificar.
Predictibilidad /
Espontaneidad
Predictibilidad: orden o plan muy
convencional; hemos de prever de
antemano lo que será todo el
mensaje visual.
Espontaneidad: se caractateriza
por una falta aparente al plan.
Actividad / Pasividad
Actividad: debe reflejar movimiento
a través de la representación o la
sugestión.
Pasividad: representación
estática, que produce mediante un
equilibrio absoluto, un efecto de
reposo.
Sutileza / Audacia
Sutileza: distinción afinada,
rehuyendo toda obviedad o energía
de propósitos.
Audacia: es muy obvia. Su
propósito es conseguir una
visibilidad optima.
Neutralidad / Acento
Neutralidad: marco menos
provocador para una declaración
visual.
Acento: consiste en realzar
intensamente una sola cosa contra
un fondo uniforme.
Transparencia / Opacidad Transparencia: detalle visual a
través del cual es posible ver.
Opacidad: bloqueo y ocultación
de los elementos visuales.
Coherencia / Variación
Coherencia: técnicas de expresar la
compatibilidad visual desarrollando
una composición dominada por una
aproximación temática uniforme y
consonante.
Variación: la técnica de variación
permite la diversidad y variedad.
Realismo / Distorsión Realismo: técnica natural de la
cámara, la opción del artista.
Distorsión: fuerza el realismo y
pretende controlar sus efectos
desviandose de los contornos
regulares, y a veces, también de
la forma autentica.
Plana / Profunda
Plana: ausencia de perspectiva, luz
y sombra; para eliminar la apariencia
natural de la dimensión.
Profunda: usa la perspectiva
junto a la luz y la sombra para
sugerir la apariencia natural de la
dimensión.
Singularidad /
Yuxtaposición
Singularidad: consiste en centrar la
composición en un tema aislado e
independiente.
Yuxtaposición: expresa la
interacción de estímulos visuales
situando al menos dos claves
juntas y activando la comparación
relacional.
Secuencialidad /
Aleatoriedad
Secuencialidad: esta basado en la
respuesta compositiva a un plan de
presentación que se dispone en un
orden lógico.
Aleatoriedad: falta de plan, de
una desorganización planificada o
de una presentación accidental de
la información visual.