Nombre: Daniela Iturrieta Correa. Primer Año Artes y Cultura Visual.
La ruptura de la mimesis, junto con la ruptura de los valores, es un antecedente crucial para el
arte moderno, ya que gracias a esto da cabida a nuevos movimientos en el siglo XIX. Como
en el texto de Mario de Micheli, “las vanguardias artísticas del siglo xx” (1979), destaca las
unidades en ruptura como: “...el de la unidad espiritual y cultural del siglo xx.” Siendo así
“...de tal unidad nació el arte nuevo.” Teniendo una nueva “organización en la producción
artística y en los intelectuales”.
Gracias a esta ruptura de la unidad nace lo que hoy conocemos como vanguardias, que tiene
su eje en el año 1848, según Mario de Micheli (“Las Vanguardias Artísticas del siglo xx”).
Para profundizar las neo vanguardias, que serán uno de los temas principales, debemos
primero retroceder en el tiempo y destacar a dos artistas que pusieron en crisis los cánones de
la Academia. Uno de ellos es Van Gogh, contribuye al expresionismo, y Cézanne, con el
constructivismo y contribuyendo al cubismo. Dos grades ideas que se han visto fuertemente
en la historia del arte. Por parte de Van Gogh mostrando en sus obras la carne, el sentimiento,
la pasión, el cuerpo, alejándose de lo racional, siendo solo materia, mostrándose el “yo”
cuestionando y superando al impresionismo. Y por la parte de Cézanne evitando el “yo”, con
espacio plano, con el racionalismo construyendo el dibujo con la mancha, oponiéndose a los
impresionistas, creando conceptos. Estos dos artistas serán claves para relacionar parte de las
neo vanguardias y así poder mostrar el tipo de operación visual.
También hay que destacar otros dos artistas de las vanguardias, en primer lugar esta Kazimir
Malevich de las Vanguardias Positivas (según Guillermo Machuca) estableciendo un vinculo
positivo entre arte y ciencia (la industria), rechazado por los constructivistas en Rusia,
creando además el Suprematismo, relacionándose el arte con al política. Y por otro lado
destacamos a Marcel Duchamp de las Vanguardias Negativas, que rechazan el pasado, no
proponen nada hacia el futuro, se basan en lo casual en el azar, lo irracional, anti-arte (según
Guillermo Machuca), sin estar en ninguna de los movimientos artísticos, anunciando el pop.
Estos dos artistas cambiarán el concepto de arte, de los diferentes temas a abarcar, de como
exponerlo, de no solo contemplarlo, de los diferentes materiales, y por último del cambio de
su significado.
Otro datos crucial es la aparición de la fotografía con Nadar (nombre real, Gaspard Félix
Tournachon, seudónimo Nadar) (1), que le añadió un elemento a la pintura siendo imagen,
representación, un simbolismo (que tienen la fotografía y la pintura) adelantando al
impresionismo. (2).
De aquí sale la idea de huella ya que “...por la capacidad de documentación y de registro
inmediato del dispositivo fotográfico. Este punto de partida descansa, como puede
comprenderse ya, en la mediación epistemosimbólica que supone la interposición de un
objetivo fotográfico, sustituto óptico de una cierta visión humana, entre el plano de la
representación y el referente enfocado.”(3). “El automatismo inmediato del grano de plata es
así para los fotógrafos, lo que el registro perceptivo depositado por la huella del pincel es a
los impresionistas”. (4).
La huella es lo que nos interesa ahora, pero no cualquier huella, sino la huella corporal, la
huella física, y para eso veremos a un artista que se caracteriza por usar esta técnica.
Hablamos de Yves Klein.
Yves Klein, pintor francés que aparece como hijo de Dada y padre del Body Art el 9 de
marzo de 1960 cuando ejecuta su Sinfonía monótona. Unos músicos tocaban lo que él
compuso (una nota repetida diez minutos y seguida de un silencio), mientras dos mujeres
desnudas (con el pelo recogido en un moño italiano perfecto) se embadurnan de pintura y,
ayudándose una a otra, se tumban sobre papeles blancos y dejan la huella de su cuerpo en
ellos. A esto llamamos antropometría (tratado de las proporciones y medidas del cuerpo
humano (5)). Klein comienza a trabajar con los cuerpos humanos, dejando fragmentos en las
telas al igual como lo realizaba una impronta o la fotografía. Dejando una huella de una parte
del cuerpo, viendo simplemente una metonimia (consiste en designar algo con el nombre de
otra cosa tomando el efecto por la causa o viceversa, es decir, la parte por el todo (6)). De esta
manera se puede hacer una relación entre la antropometría de Klein y la fotografía.
Ambas sacan un pedazo o fragmento de la realidad, siendo así un reconocible la imagen o el
objeto que tiene esa huella. Conectándose entre si aunque la fotografía amputa o recorta,
mediante el encuadre de la cámara, parte de la realidad. La pintura se miraría como la ventana
o el marco de la imagen.
Para Klein la imagen era el cuerpo, dejando un referente un rastro. Anticipando de algún
modo la pisada a la luna por el hombre (1960) (7). Muy parecido a los que Jackson Pollock
realizaba, cambiando el cuerpo por el Dripping (goteo, empapado (8)).
Ahora nos haremos la siguiente pregunta: ¿Cuáles son los antecesores y sucesores de la
operación visual de Klein?.
Pues para responder esta pregunta debemos ver los anteriores artistas y relacionarlos entre si
mediante las características de sus obras. Como por ejemplo, la Ilustración Nº 1 de
antropometría, que se podría relacionar con la mancha de Cézanne pero con lo corporal de las
pinturas de Van Gogh. También el vacío, por el color azul de Klein, relacionado con
Malevich (como su cuadro blanco sobre fondo blanco), que el mismo describe como la “le
vide” o en inglés “the void” (el vacío) (9). Para Malevich el cuadrado era la forma más básica,
y al querer devolver el sentimiento quita todo tipo de referente visual, es decir deja el vacío o
como el diría el desierto (10). Al igual que Duchamp, Klein cambia el significado de cuerpo,
da conceptos (nociones) y cosas (objetos), una idea de cuerpo sin que este el cuerpo en sí.
Es decir que Klein mezcla lo figurativo, lo abstracto y la huella en sus obras. Ahora para
identificar algún artista de la misma época, pues debemos fijarnos en las obras si tienen lo que
ya mencionamos antes. Por ejemplo, Warhol (con la prensa plana), se puede relacionar
rápidamente entre la impronta y las huellas de Klein. Ambas tienen un patrón para marcar, el
de Warhol seguía los textos e imágenes de libro o revistas. Mientras que el de Klein, como ya
lo mencionamos antes, los cuerpo de las mujeres. Para muchos Yves Klein anticipó el
Happening, las performace, el Land Art (arte de la tierra), el Body Art (arte del cuerpo), y
algunos elementos del arte conceptual (11).
Otra pregunta que nos podemos plantear:
¿Las obras de Klein en los tipos de manifestación artística clásica, arquitectura pintura o
escultura, a cuál de ellas pertenecería y por qué?.
Las obras de Klein serían pintura básicamente, por que si bien es cierto que utiliza las
manchas en las telas que marcaron las personas, son las mismas personas que terminan siendo
herramientas (pinceles) con los que dibuja. Aunque el no mueve a las personas en la tela, pero
sí las pinta en la piel. Siendo todo un montaje desde los músicos, hasta la sala para realizar las
obras.
Ahora no cuestionamos una sola cosa:
¿Cómo borro Klein el rastro de la mano y qué se volvió más importante para él?
La respuesta la podemos encontrar en:” Desde el principio, Klein prefirió utilizar rodillos en
lugar de pinceles para eliminar cualquier rastro de la mano del artista en la aplicación de la
pintura. El color se convierte, así, en lo más importante.” “... al no estar limitados por los
bordes de la pintura, no pretenden ser vistos como planos, sino más bien como vibrantes
campos de color que se expanden por el espacio.” (12).
¿Se puede clasificar como “obras de arte” lo que Klein realiza, por qué?.
Según Argan, “El Arte Moderno”, no serían obras de arte. Citó textualmente: “Y. Klein con
sus repetidas y espectaculares intervenciones, que, indudablemente, son “operaciones
estéticas” pero ya no “obras de arte que se puedan identificar en un objeto producido.
Indudablemente, cuando Klein llena la superficie de la tela con un sólo color, sin la más
mínima variación, se propone modificar la relación entre el perceptor y el ambiente; pero no
lo hace actuando sobre el ambiente.” “..., sino sobre el perceptor, disponiéndole para “sentir el
ambiente” de acuerdo con un color determinado; es decir, a “vivir” en azul, o en rosa, o en
oro.”
Klein, según Argan, “mantuvo relación con el italiano P. Manzoni, que llega a posiciones aún
más drásticas, vinculadas a algunos precedentes dadaístas y en especial con Duchamp.”
Duchamp utiliza, de alguna manera el mismo método de Klein, usando el color eliminando el
procedimiento técnico. Además de los “pinceles vivientes” en las Anthropométries, pintó la
lluvia de azul. Saliendo bajo la lluvia y pulverizando el pigmento en emulsión en el aire.
Klein inspiró la fundación de la Escuela de Niza, con Pierre Restany como teórico, siendo el
mismo que definió el movimiento “Nouveau Réalisme”. (13)
Como diría Benjamín Walter, la producción manual en Klein se pierde. Sería muy similar a la
fotografía. Esta se puede hacer muchas copias de ella pero jamás se sabrá cual es la original.
Si la imagen de la realidad o la que recortamos con la cámara. (La obra de arte en la época de
su reproductibilidad técnica)
Cualquiera puede hacer un estampado de un cuerpo, como lo hizo Klein, pero ¿tendrá el
mismo contexto que el de Klein?, ¿cómo sabremos la testificación histórica de la obra si no
esta hecha manualmente?.
Preguntas que no tienen respuestas.
Ya que el medio mas masivo de los últimos tiempos es el internet y la televisión. Como dice
Benjamín, las personas no les interesa quien es Picasso, pero si les interesa quien es Harrison
Ford. Los museos no se llenan de gente para ver una exposición recién, pero si en cambio los
cines con filas interminables para ver una película. Los dadaístas son como las sensaciones
de ir a ver una película, son muchas sensaciones muchas palabras buscando la inutibilidad
contemplativa del objeto. Eso sí el cine es el único medio de masa que puede contemplar y
divertirse viéndolo al mismo tiempo, que en el arte eso no ocurre. Que puede influenciarte de
tal manera que creas que lo que ver es real, es verdad, igual como pasaba en los imperios. Que
nada se cuestionaba todo lo que se decía era una verdad absoluta.
En conclusión citaré a Argan, en el Arte Moderno: “El arte llamado “conceptual”que rechaza
toda función o utilidad mundana y se repliega sobre sí misma para autodefinirse o para
agotarse descubriendo su propia estructura, es un típico indicio de cómo se ha alcanzado el
extremo de la crisis.
Por lo tanto, la gran novedad americana en la cultura artística mundial consiste en:
1) La eliminación de la categoría “arte”, dentro de la cual la arquitectura, la pintura, la
escultura y las llamadas artes menores no serían más que manifestaciones concretas.
2) La sustitución del debate sobre la función y la finalidad del arte, en un sistema
cultural, por el debate en torno al ser específico o a la pura y simple existencia de la
cosa artística.
3) La renuncia a las categorías técnicas tradicionales y el empleo de cualquier técnica
capaz de “desmitificar” el arte a fin de introducirlo en el circuito de la comunicación
de masas.”
El artista deja de autentificar una obra, perdiendo su originalidad, y a la vez su aura ( 14). Ya
que yo puedo ver esta obra y, compara con el arte grecorromano, no podría dar una fecha
exacta.
Por esa razón, Klein se interesa por teorías cosmogónicas y filosóficas del movimiento de los
“rosa-cruz” y por las filosofías orientales. Estudiando el color y el sonido. Su primera sinfonía
fue en 1949, y en esa misma onda estaba su investigación del color. Descubriendo la trilogía
de los colores: azul, rosa, oro (“Arte Moderno”, Argan).
Así podemos entender que desde la ruptura de la mimesis, el arte se fue influenciando cada
vez más, creando por diferentes conflictos de poder y culturales nuevos movimientos, que han
cambiando la definición de arte.
Desde un arte secuencial, como el pop, hasta instalaciones monumentales que salen del
espacio conocido como lo es un lienzo. Objetos que se les cambia el significado, y dejan de
ser lo que eran y pasan a ser una escultura, como es en el caso del urinario y el
empaquetamiento de Christo. Algunos artistas tratando de devolverle lo que han perdido los
objetos (ya sean industriales o comunes), como en el caso de Beuyss.
Presentándose un tipo de economía de recursos, como en el caso de Warhol (que hace una
cierta critica en contra de la industrialización, la muerte del objeto), la de Kounellis con el arte
póvera. Un arte que se opone al pop y al minimal, es un arte de desechos de carne, de
sensaciones (olores). Siendo así el arte de Klein, un arte más limpio que el de Pollock, pero
más sucio (en cuanto a cuerpo, no del artista sino de las obras) que el de Warhol, ya que no
utiliza productos de industrias, al contrario busca volver el cuerpo al cuadro. Lo carnal de lo
racional.
Volviendo a la mancha, a no pintar lo que le enseñaron culturalmente. A ver lo que uno cree
ver no lo que ve en sí. Gracias a estos moviemientos las personas dejaron de seguir cánones, o
no tan rígidamente, y comenzaron a crear. Desde Van Gogh, agregando la línea que se había
quitado con los impresionistas, y Cézanne, desconstruyendo el cuadro desde dentro utilizando
solo la mancha para dibujar (conceptos) hasta artistas de nuestros tiempos que han cambiado
nuestra forma de ver.
Bibliografía.
(1) Biografía de Gaspard Félix “Nadar”, fotógrafo del siglo XIX,
http://www.fotonostra.com/biografias/nadar.htm .
(2) Fotografía e Impresionismo: de Nadar a Manet y Toulouse-Lautrec, por Diego
Coronado e Hijón. Fragmento sacado de “La Historia del Arte es la Historia de lo
Fotografiable”, de André Malraux, 1950.
(3) Fotografía e Impresionismo: de Nadar a Manet y Toulouse-Lautrec, por Diego
Coronado e Hijón.
(4) Fotografía e Impresionismo: de Nadar a Manet y Toulouse-Lautrec, por Diego
Coronado e Hijón.
(5) Antropometría, Diccionario de la lengua española (RAE),
http://buscon.rae.es/draeI/SrvltConsulta?TIPO_BUS=3&LEMA=antropometria .
(6) Metonimia, Diccionario de la lengua española (RAE),
http://buscon.rae.es/draeI/SrvltConsulta?TIPO_BUS=3&LEMA=metonimia .
(7) El hombre en la luna, http://www.astromia.com/tierraluna/humanosluna.htm .
(8) Dripping, diccionario inglés-español,
http://www.wordreference.com/es/translation.asp?
tranword=dripping+&B10=Buscar&dict=enes .
(9) Yves Klein Libro recopilatorio Pintura y obras,
http://www.tipete.com/userpost/arte-y-cultura/yves-klein-libro-recopilatorio-
pintura-y-obras-descarga-gratis .
(10) Manifiesto de Malevich sobre el suprematismo, Las Vanguardias Artísticas del siglo
XX, Mario de Micheli.
(11) Yves Klein exposición temporal 01 de febrero 2005- 02 de mayo 2005, Museo
Guggenheim Bilbao.
http://www.guggenheim-bilbao.es/secciones/programacion_artistica/nombre_exposi
cion_version_imprimible.php?idioma=es&id_exposicion=19 .
(12) Yves Klein exposición temporal 01 de febrero 2005- 02 de mayo 2005, Museo
Guggenheim Bilbao.
http://www.guggenheim-bilbao.es/secciones/programacion_artistica/nombre_exposi
cion_version_imprimible.php?idioma=es&id_exposicion=19 .
(13) El Arte Moderno: Del Iluminismo a los movimientos contemporáneos, Argan.
(14) La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica, Walter Benjamín.
Ilustraciones:
Autorretrato de Vincent Van Gogh. Florero Azul de Paúl Cézanne.
Cuadrado blanco sobre fondo blanco de El Urinario de Marchel Duchamp.
Kazimir Málevich.
Gaspard Félix Tournachon, “Nadar”. Galaxy de Jackson Pollock.
Antropometría de Yves Klein. Knivesx de Andy Warhol.
(Ilustración n°1).
Achrome, Piero Manzoni. Reichstag de Christo.
Piano with felt and leather de Joseph Beuyss. Horses de Kournellis.
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