HISTORIA DEL ARTE IISEGUNDO PARCIAL:
ANALISIS DE LOS PERIODOS ROMANICOS, GOTICO, RENACENTISTA, BARROCO, MANIERISMO Y ARQUITECTURA MEDIEVAL
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INDICE
-Periodo Románico Origen de la denominación del período y ubicación espacio temporal del mismo Rasgos generales del período artístico. Análisis de un ejemplo representativo de arquitectura Análisis de un ejemplo representativo de escultura Análisis de un ejemplo representativo de pintura Herencia de este período de la Historia del Arte en la cultura actual
-Periodo Gótico Origen de la denominación del período y ubicación espacio temporal del mismo Rasgos generales del período artístico. Análisis de un ejemplo representativo de arquitectura Análisis de un ejemplo representativo de escultura Análisis de un ejemplo representativo de pintura Herencia de este período de la Historia del Arte en la cultura actual
-Periodo Renacentista Origen de la denominación del período y ubicación espacio temporal del mismo Rasgos generales del período artístico. Análisis de un ejemplo representativo de arquitectura Análisis de un ejemplo representativo de escultura Análisis de un ejemplo representativo de pintura Herencia de este período de la Historia del Arte en la cultura actual
-Periodo Manierista Origen de la denominación del período y ubicación espacio temporal del mismo Rasgos generales del período artístico. Análisis de un ejemplo representativo de arquitectura Análisis de un ejemplo representativo de escultura Análisis de un ejemplo representativo de pintura Herencia de este período de la Historia del Arte en la cultura actual
-Periodo Barroco (inconcluso) Origen de la denominación del período y ubicación espacio temporal del mismo
-Bibliografía
Periodo Románico
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Origen de la denominación del período y ubicación espacio temporal del mismo
El arte románico es aquel que se difundió y reino por la Europa Occidental y en el Oriente
latino desde el siglo X al siglo XIII. Este se encuentra ligado al arte carolingio y a una
serie de cambios políticos y religiosos. Dice L.Bréhier (1947) en Historia General del Arte
“El nombre que ha recibido parece establecer, con relación al arte antiguo...Esta
asimilación es ficticia” (p. 73). Agrega además “El arte del antiguo Oriente y el de los
Bárbaros tienen más parte en la génesis del arte románico que la que corresponde al arte
clásico” (p. 73).
Como legado de la época carolingia se presenta como un arte cosmopolita y se manifiesta
en todas las regiones presentando rasgos comunes, el cual a medida que se desarrollaba
adquiría un carácter cada vez más particularista y regionalista.
Este regionalismo nace del derrumbamiento del poder político de la época final del
imperio carolingio, lo que conllevo a una desaparición, momentánea, de las corrientes
generales, y se debió explorar entonces los recursos materiales de la región y desarrollar
una nueva técnica. El mismo desconocimiento de los constructores, la perdida de las
técnicas tradicionales, los llevo a buscar su originalidad, su propia iniciativa. Las
soluciones fueron diversas, todo dependía de la región. Estos progresos técnicos no se
limitaron a la arquitectura, se extendieron también hacia las artes suntuarias.
El regionalismo con el que nació esta corriente, se atenuó con la aparición de las
corrientes generales, dado que con las grandes peregrinaciones a Santiago, Jerusalén y
Roma se pusieron en boga algunos tipos de monumentos, como las iglesias construidas a
imitación del Santo Sepulcro o las grandes basílicas del camino de Santiago.
También el nomadismo de los maestros de obra como los arquitectos, pintores y
escultores, que seguían en ocasiones las peregrinaciones y por lo cual es normal ver
obras donde se nota la influencia de maestros de escuelas diferentes.
Los grandes acontecimientos políticos y políticos tuvieron fuerte repercusión, las
conquistas de los normandos introdujeron su arte a Inglaterra; las cruzadas de España
llevaron, seguido del clero francés, a arquitectos y escultores; la Palestina, con la
fundación de estados cristianos, llevó a maestros de diferentes escuelas.
En el arte bárbaro lo esencial era el ornato, que imponía sus normas a la arquitectura, en
el románico es inverso, el objeto más pequeño está subordinado a las reglas del edificio y
los adornos esculpidos están bajo las conveniencias arquitectónicas.
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Rasgos generales del periodo artístico
El arte románico fue el primer gran estilo claramente cristiano y europeo que agrupó a las
diferentes opciones que se habían utilizado en la temprana Edad Media. Además de que
su progreso siempre estuvo ligado a los progresos de la técnica arquitectónica.
Su manifestación más importante es la iglesia, desde la gran catedral hasta la ermita
rural, pero recién cuando se volvió a encontrar el secreto el secreto de la talla y el
modelado de la piedra se pudieron creas los conjuntos grandiosos de arquitectura y de la
escultura. La historia de la arquitectura románica es la transición de las concepciones
abstractas y cosmopolitas de la época carolingia al particularismo, con una evolución lenta
que no alcanzó su cúspide hasta el perfeccionamiento de las técnicas de construcción.
Desde el siglo X hasta el XIII se dio esa transición, que se desarrolló en varias etapas y
con duración desigual. Por ejemplo a fines del siglo X aparecen tendencias regionalistas
en la España mozárabe, en Auvernia y en Turena, pero en cambio en Neustria y Austrasia
la tradición carolingia se perpetuó por más tiempo.
Elementos nuevos se introdujeron progresivamente en la arquitectura de la iglesia que
difundieron progresivamente por Occidente, sin tener todavía un carácter regional, como
lo fueron la planta de cabecera con deambulatorio y capillas radiales cabecera llamada
benedictina, con un ábside precedido de un presbiterio de varios tramos que se
comunican por arcos abiertos con las absidiolas en que terminan las naves bajas; con
nave mayor con bóveda de cañón, contrarrestada por las bóvedas de las naves laterales,
también se emplean arcos dobles que descansaban sobre los pilares para sostener la
bóveda mayor. Esto en un primer periodo de arte románico, donde las técnicas aun no
habían sido perfeccionadas.
La escultura y la pintura se subordinan a la arquitectura, no se caracterizan por el
naturalismo, más bien por la rigidez, la simetría y el simbolismo. Estas revisten la
superficie de que ofrecían los muros y las bóvedas de las iglesias. También está presente
la pintura historiada, que era original del periodo carolingio y aquí es simplemente un
desarrollo de dicha técnica. Todas las obras intentan generalmente adaptarse a la
representación de la figura humana y temas de la iconografía religiosa, pero todavía no
logra representarse formas vivas. Se busca la armonía de las formas por lo que es común
que las representaciones se presten a un esquema geométrico, pero su búsqueda por el
naturalismo los llevó a emanciparse de la ley del cuadro.
El segundo periodo, del siglo XI al XII es el periodo de las escuelas arquitectónicas, donde
las escuelas provinciales no son más que grupos unidos por un principio común.
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Análisis de un ejemplo arquitectónico
Basílica de San Isidoro, año 1063. Se construyo sobre una iglesia visigoda donde primero
se hizo el panteón real, su culminación puede datar del 1149 donde encuentra la última
consagración por parte del rey Alfonso VII a su hermana Doña Sancha, las cuales son
sobre las cuales son presentes en abovedado. Se considera a doña Urraca, hija
de Fernando I la que impulso la ampliación del panteón, aunque los datos históricos son
considerados algo confusos.
Con las buenas relaciones que mantiene con la abadía de Cluny se produce una
intensificación del románico en el Reino de Castilla y León que coincide con el comienza
de las peregrinaciones a Santiago. Fue consagrada a San Isidoro en 1063, sus reliquias
fueron traídas de Sevilla.
Adopta la forma de 3 naves que se separan por pilares cruciformes, con la bóveda central
cubierta por una bóveda de cañón, mientras que las laterales de bóvedas de arista.
También se abren 3 ábsides semicirculares, su estilo nos remite a la herencia del primer
románico. Posee además dos puertas monumentales, la del Cordero y la del Perdón, la
primera comparte el estilo de los escultóricos de Compostela, mientras presenta
analogías con la puerta de Miégeville de San Saturnino de Tolouse (1110-1115). Su
planta es de cruz latina.
Las columnas poseen capiteles historiados, elemento decorativo que representa escenas
con figuras con fines ilustrativos y moralizantes religiosos, de influencia del tronco
piramidal invertido bizantino. En el capitel del panteón hay una gran variedad iconográfica,
no muy depurada, algo tosca, pero de un gran valor expresivo.
El tímpano de la puerta del cordero presenta el sacrificio de Isaac y en la puerta del
perdón se nos presenta la muerte, resurrección y ascensión, siguiendo lo clásico de
primer momento cristiano, común dentro del estilo románico.
Otro aspecto particular es la influencia hispano-musulmana, común a las iglesias del
camino de Santiago es la decoración ajedrezada. Otro rasgo de sobrevivencia de la época
mozárabe son los arcos polilobulados de crucero.
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Análisis de un ejemplo de escultura
La fachada de las Platerías, fachada de la catedral de Santiago de Compostela, edificada
entre 1103 y 1117, autor, varios maestros.
Aunque la misma contiene relieves románicos originales, algunos derivan de un puerta
que nunca se construyo y de la fachada del paraíso, siendo algunos trasladados acá
cuando se reconstruyo la puerta norte.
Tiene la particularidad que las figuras no comportan el orden primitivo, y estas
representan escenas del nuevo testamento. El relieve de tipo religioso se distribuye en
dos tímpanos: el de la derecha muestra la doble naturaleza de Jesús, siendo arriba la
representación de la adoración de los Reyes Mago, la divinidad, y debajo de esto escenas
de la pasión, la humanidad. El tímpano de la izquierda a un Cristo tentado en el desierto,
para luego mostrar como vence al pecado, de hombre a Dios. También en este tímpano
se representa la figura de una mujer sosteniendo una calavera que según varias fuentes
sería Eva, la madre de los pecadores con la calavera en el regazo, esa calavera es el
fruto de su pecado original, el hombre se convierte en eso gracias a ella.
En los estribos que acompañan al tímpano aparecen figuras del antiguo testamento, en
especial David. Las jambas están formadas por columnas de fustes diferentes, tenemos 3
tipos: fustes lisos, entorchados y otros con figuras de santos como Moisés y San Andrés.
Compostela también recibió la influencia de las peregrinaciones del camino de Santiago
por lo que comparten la figura de Isaac, además de Ángeles con trompetas se representa
en el centro las figuras del Salvador y Santiago, además de un medallón con dios padre.
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Análisis de un ejemplo de pintura
Anunciación a los Pastores, panteón real de San Isidoro. Autor desconocido, datación
imprecisa, tuvo que ser posterior a 1063 cuando se terminó de construir el panteón y
anterior al 1149, feche de su consagración como iglesia.
La escena representa a tres pastores que cuidan a su rebaño cerdos y cabras, mientras
un ángel, de forma alargada, les avisa sobre el nacimiento de Jesús, arboles y ramas
decoran le escena situándola en el monte. Dicha representación se representa en un
plano de 360 grados, adaptándose a su ubicación, la bóveda lugar que decora del
panteón.
Hay un predominio de colores cálidos, como el ocre, marrón, rojizo. También, como
elemento característico del arte románico, es la carencia de expresividad de las figuras,
dado que se denota una falta de sorpresa ante la anunciación del ángel.
La ausencia de naturalismo de la escena también se verifica en la posición total de la
escena, lo que le da un sentido irreal, también su falta de perspectiva puede llevarnos a
esta apreciación, con árboles y ramas representadas de manera esquemática que tienen
una función puramente situacional de lo representado
En estas obras románicas estos aspectos obedecen a un sentido artístico y religioso, por
lo que arte figurativo, pictórico y escultórico debe tener una función didáctica, como
también decorativa, por lo cual la estética pasa a otro plano. Lo importante es que la
escena quede representada claramente, por eso se nota un predominio de la línea para
definir formas y figuras.
Esta escena es parte de un conjunto mayor donde se representan escenas relativas al
nacimiento, la pasión y el juicio final. Denominada San Isidoro como la Capilla Sixtina del
románico por su conservación destaca el nivel que alcanzo el arte románico.
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Herencia del periodo románico en la actualidad
La herencia actual del románico se ve solo en lo que ha sobrevivido desde dicho periodo,
en ese caso y mejor conservados, los edificios religiosos (catedrales, basílicas, iglesias,
monasterios) y en cuanto a la arquitectura civil llego un poco menos conservada, en lo
que son puentes, castillos, murallas, torres, etc).
Tal vez la no perduración en formas actuales del arte románico se debe a que se
caracterizo por un periodo donde no se había logrado un perfeccionamiento de la técnica,
por lo cual, su arquitectura de un carácter tosco fue abandonado después de encontrarse
nuevamente con las técnicas olvidadas durante dicho periodo, solo encontradas al final.
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Periodo gótico
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Origen de la denominación del período y ubicación espacio temporal del mismo
Su inicio es fruto del gran desarrollo económico, cultural y científico de Europa Occidental
entre los siglos XII y XVI, que al igual que en periodo anterior las nuevas formas nacen de
la espiritualidad religiosa. Es la evolución del arte románico y se desarrolla hasta bien
entrado el renacimiento. Surge en Francia y se desarrolla en todo Occidente y tuvo
diferentes desarrollos temporales dependiendo de la zona.
Frente a un románico que refleja una sociedad ruralizada, el gótico coincide con un gran
desarrollo urbano y lleva a su máxima expresión a las catedrales. La arquitectura
independiza a las otras artes plásticas, las cuales ya no se encuentran subordinadas a lo
arquitectónico. Sus mejores ejemplos se encuentran en Francia, Alemania, Inglaterra y
España.
Frente a las oscuras iglesias rurales del románico, el gótico llena de luz a las catedrales,
aunque existe una continuidad en el predominio de lo religioso en el arte.
El desarrollo del capitalismo conlleva a las obras del gótico representen verdaderos
desafíos económicos haciendo que la grandes obras por su largo periodo de finalización
desarrollen en las mismas una sucesión de estilos arquitectónicos. La mayoría sabía que
al iniciar sus obras, que seguramente no la verían finalizada, incluso sus hijos y nietos.
Incluso se implementan desafíos técnicos y económicos, muchas veces por rivalidad
política, que hacen al iniciar una obra no se planifique su finalización, ejemplos de esto
son las catedrales de Siena y Florencia.
El gótico se corresponde con las nuevas tendencias filosóficas y religiosas, tendiendo a
llevar a las figuras divinas se aproximen más a lo humano, llenándolos de emociones.
También comienza un avance en la perspectiva y en cuestiones como los soportes para
un mejor desarrollo del arte mobiliario. Las artes decorativas y suntuarias tuvieron un
amplio desarrollo.
Todavía no hay una consideración liberal del arte y el artista, quedando a consideración
de simples artesanos, el artista no alcanzaba aun su carácter profesional.
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Rasgos generales del periodo artístico
El auge de las ciudades, el fortalecimiento del poder real y la mejora de las técnicas de
permitieron construir catedrales que representaban el poder político de la ciudad
Sus elementos característicos en la construcción son la bóveda de crucería, el arco ojival
y los arbotantes. El peso de la bóveda que el románico se ejercía con una presión
horizontal, en el gótico se concentraba en ángulos donde confluyen las fuerzas de la
bóveda y contrarrestado por los arbotantes, medios arcos adosado al muro, que las
liberan de soportar el peso total Esto permitió elevar la altura de los muros, dando una
gran verticalidad a las catedrales góticas, a lo que también permite la abertura de grandes
ventanales decorados con vidriería y llenando de luminosidad a las construcciones. Los
primeros ejemplos clásicos de esta arquitectura son la iglesia de Saint Denis (1132) y
Notre-Dame (1163-1245). Desde aquí se extendió hacia el resto de Europa.
En los últimos siglos evoluciono hacia el estilo flamígero, que se caracterizó por la
complejidad de sus crucerías y arcos, y la riqueza decorativa de las catedrales. Hubo un
auge en lo civil, sobre todo en los palacios de gobierno. En las catedrales se mantiene la
cruz latina.
La escultura comenzó con la continuación de las tallas decorativas de las obras
arquitectónicas, cumpliendo la función moralista y evangelizadora del románico, pero de a
poco se va emancipando hacia el abandono del relieve por bulto redondo. Existe una
influencia romana y griega en su estilo. La escultura francesa influenció más a la escultura
española y alemana, siendo las escultura inglesa más limitada a monumentos funerarios y
decoraciones no figurativas, esto seguramente producto a la iconoclastia cisterciense.
La pintura nace posterior a la arquitectura y la escultura, no encontrándose claramente un
punto de transición entre románico y gótico, pero tienen una clara diferencia viéndose en
el gótico un estilo sombrío, oscuro y emotivo que el periodo anterior. Se considera que
este quiebre podría verse en Francia alrededor del 1200, en Alemania en el 1220 y
aproximadamente al 1300 en Italia.
El gótico aumenta el realismo y naturalismo, buscando una aproximación de la naturaleza
que será el ideal renacentista. La pintura durante el gótico desarrollo cuatro técnicas:
Frescos
Vidrierías
Pintura sobre tabla
Miniaturas
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Análisis8 de un ejemplo arquitectónico
Nôtre-Dame (1163-1245), su autor es desconocido, se sabe que Juan de Chelles hizo la
fachada del crucero meridional, pero esto fue casi medio siglo después de la
consagración del altar mayor.
La catedral está formada por dos torres de 69 metros de altura que le da un carácter
espigado monumental. Esta catedral se encuentra en Île de la Cité, núcleo geográfico
desde donde floreció posteriormente París. Más allá que las torres se terminaron hacia la
mitad del siglo XIII, algunas secciones siguieron avanzando hasta bien entrado el siglo
XIV.
Esta catedral posee plana de cruz latina, con un cuerpo de cinco naves con dos capillas
laterales, donde la capilla mayor está rodeada por una girola o deambulatorio de doble
nave, entendiéndose a la girola como el espacio que rodea al altar mayor.
Presenta las características de otros templos góticos temprano, con sus 3 pisos
característicos: primer nivel con arcos formeros apuntados sobre columnas, segundo nivel
con una tribuna comunicada con la nave central, y un tercer nivel de ventanales. Se
denota una configuración simétrica en las torres dando una fachada armónica.
El rosetón y las anchas ventanas ojivales y la galería de columnas otorgan a la fachada,
además del tratamiento decorativo, transparencia y ligereza en sus parte altas. Al
adentrarse su interior presenta naves divididas por filas de columnas con fustes
cilíndricos, con soporte monótonos, terminando en sus capiteles con ornamentación
vegetal de flora de la región de París.
El ornamento esculpido, debido a su relieve, dota a las torres de un bonito juego de
sombras y luces.
La calidad escultórica es extraordinaria debido a que aquí se encontraba la corte, el
centro del reino y fueron capaces de traer a los mejores maestros en todos los ramos.
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Análisis8 de un ejemplo escultórico
La fachada oeste de Nôtre-Dame tiene tres puertas: Puerta de Santa Ana al sur, Puerta
del Juicio Final en la parte central y Puerta de la Virgen al norte. Aquí nos centraremos en
la puerta del juicio final o central.
Data de principios del siglo XIII, aunque hay que tener cuidado en su observación ya que
posee restauraciones del siglo XIX. Cuenta con tres registros:
En el superior aparece Cristo-Hombre, con ángeles, uno a cada lado, portando los
elementos de la pasión, intercedidos por San Juan y María. El Cristo humanizado es típico
de gótico, dotándolo, más bien reforzando su naturaleza humana.
El friso inferior es una reparación hecho en el siglo XIX, de Viollet Le Duc, pero que busca
reproducir los restos que sobrevivieron a la revolución. Representa la resurrección de los
fallecidos para que sean juzgados por Cristo, donde los muertos salen de los sepulcros,
mientras ángeles tocan trompeteas anunciando el juicio final.
En el registro central se presenta a los bienaventurados, mirando a Cristo mientras el
arcángel San Miguel pesa las almas y los demonios que tratan de inclinar la balanza a su
favor. Los condenados aparecen encadenados y empujados por otros demonios al
abismo.
El gran espacio permite una gran ilustración de la escena con una gran cantidad de
figuras. La temática del juicio final se continúa en las arquivoltas, mostrando los extremos
del mundo, condenados a la derecha, bienaventurados a la izquierda. Con un gran
espacio para la representación, se ofrece una vasta lista de personajes tales como
ángeles, patriarcas, demonios, etc.
La parte de los bienaventurados se muestra ordenada y con poca expresividad, mientras
que los condenados mostraban una gran expresividad, desorden y agitación fruto del
sufrimiento. En el zócalo de las jambas fue elegido para colocar los vicios, virtudes y
signos zodiacales, poseedoras de una gran belleza y técnica.
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Análisis8 de un ejemplo de pintura
Políptico de Gante o La Adoración del Cordero Místico, datado del 1432, es un óleo sobre
tabla hecho por Jan Van Eyck y Hubert Van Eyck, por encargo de Joos Vyd, consta de
doce tablas al óleo. Abierto mide 340x440cm, siendo así uno de los de mayor dimensión
del norte de Europa en el siglo XV.
El tema central es bíblico, versa sobre la redención del hombre por el sacrificio de Jesús.
Ofrecía una lectura cristiana desde la anunciación (en su exterior) hasta la adoración (en
su interior). Normalmente se mostraba cerrado, pero en las festividades se abría. La
apertura del mismo dejaba ver un colorido magnífico, de colores vivos, de las
representaciones de su interior. Más allá del simbolismo cristiano, estos oleos presentan
un simbolismo esotérico escondido, junto a una serie de referencia cultas a la pintura
italiana. Su simbolismo fue reelaborado a través del pintor renacentista Masaccio que le
confirió simbolismo más allá de los elementos visibles. El político es considerado un hito
en la historia del arte debido a que marca la transición de la pintura gótica a la del
Renacimiento.
En la parte posterior se presentan colores más sobrios con respecto a la vista interior. En
esta parte exterior observamos en la parte superior 4 figuras que predicen la llegada de
Cristo, dos de ellas pertenecen a la tradición pagana y dos a las bíblicas Las dos sibilas
representan profetisas de la mitología griega, y luego tenemos a Zacarías y Miqueas.
, las cuales a través de su mirada o su posicionamiento dirigen la composición hacia el
centro donde se encuentran el arcángel Miguel y la virgen María, la anunciación.
Debajo los donantes Joos Vijdt y Lysbette Borluut con sus santos protectores al centro,
Juan Bautista y san Juan Evangelista.
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Herencia del periodo gótico en la actualidad
El arte gótico en la actualidad es protagonista de múltiples elogios y estudios por parte de
investigadores, historiadores e ingenieros, debido a que como en diversas obras del
periodo, para llegar a realizar una obra se tardó mucho, hasta casi 200 años en algunos
casos, para terminar la construcción. La visión de los artistas y arquitectos de la época,
hay que tener presente, era a futuro. La realización de las megas construcciones tenían
como fin su disfrute para futuras generaciones.
En la actualidad existen enigmas sobre la elaboración de algunos edificios, puesto que ni
siquiera en el siglo XIX se ha llegado a resolver como se edificaron ciertas
construcciones, ni arquitectos, ni ingenieros lo han llegado a revelar.
En el siglo XIX el entusiasmo romántico por lo medieval llevó a la restauración de edificios
góticos, por lo que se llego incluso a establecer un estilo neogótico, a imitación del original
y marcando una diferencia desde aquí con lo romántico.
Hoy en día se presentan algunos edificios, religiosos de estilo neogótico, en nuestro país,
un ejemplo de eso es la Iglesia de las Carmelitas.
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Periodo renacentista
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Origen de la denominación del período y ubicación espacio temporal del mismo
Este periodo comprende los siglos XV y XVI, se caracteriza por ser un momento de
ruptura de la historia de la arquitectura y el arte, sobre todo un quiebre con el gótico. Se
divide a la historia de la arquitectura en dos grandes periodos:
Siglo XV o Renacimiento Temprano o Quattrocento
Siglo XVI o Cinquecento, dividido a su vez en la fase final o de madurez, y la fase llamada
manierismo o bajo renacimiento o renacimiento tardío.
Giorgio Vasari formuló la idea del nuevo nacimiento del arte antiguo que suponía una
conciencia histórica individual, de hecho el renacimiento marca la ruptura de la tradición
artística de la edad media, a la que calificó al estilo medieval como un estilo de bárbaros.
En renacimiento supone una nueva forma de entender el arte, las artes liberales ahora
están bajo protección de los príncipes y burguesía, naciendo así los mecenas como las
familias Medici, Rucelli, Tornabuoni o Pazzi.
El periodo del Quattrocento comprende el desarrollo temprano que se desarrolla en Italia.
Luego el periodo del Cinquecento o alto renacimiento se centra en el primera cuarto del
siglo XVI. Mientras que en Italia se estaba desarrollando el Renacimiento, en el resto de
Europa se mantiene el gótico en sus formas tardías, situación que se va a mantener,
salvo casos concretos, hasta el siglo XVI.
En Italia el enfrentamiento y convivencia con la antigüedad clásica, la considerará como
un legado nacional, cosa que proporcionó una amplia base para una evolución estilística,
siendo aquí el precedente de todas las naciones. Fuera de Italia la antigüedad clásica
supondrá un caudal académico asimilable, y el desarrollo del Renacimiento dependerá
constantemente de los impulsos marcados por Italia. Artistas importados desde Italia o
formados allí hicieron el papel de transmisores del arte renacentista.
Un caso puntual es Inglaterra donde las formas del Renacimiento tardarían mucho más
tiempo en imponerse que en España o Francia, recién a finales del siglo XVI y comienzos
del XVII la arquitectura isabelina significo una apertura hacia la arquitectura italiana,
aunque también recibió influencias de la arquitectura inglesa.
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Rasgos generales del periodo artístico
La Arquitectura del Renacimiento estuvo relacionada con una visión del mundo sostenida
en dos pilares esenciales: el clasicismo y el humanismo. Igualmente aunque el
Renacimiento representa una ruptura rotunda con el medievo, las ideas no surgieron las
ideas no nacieron totalmente desprendida de este, buscaron sí desprenderse del acervo
gótico. Podemos destacar cuatro rasgos generales del periodo arquitectónico:
Búsqueda del ideal clásico con clasicismo, los hombres miraban al mundo greco-
romano como modelo para su sociedad, donde los conceptos de belleza fueron
objeto de concreción siguiendo los fundamentos clásicos.
Visión profana sobre los temas religiosos, desde la visión del cristianismo, que
tuvo gran influencia, dado que al surgir en Italia, la iglesia católica fue decisiva
para su arte, donde los valores fueron considerados paganos.
Influencia de la naturaleza debido a que esta era vista como la creación suprema
de la obra de Dios y lo más próximo a la creación y por ende la perfección. Por eso
se pasa a la inspiración en la naturaleza.
Antropocentrismo y humanismo, se vuelve su mirada al ser humano, se deja atrás
el teocentrismo medieval, en vez de ser creado a imagen de Dios, es tomado
como medida y referencia del Universo.
Otra realidad del renacimiento es la espacialidad con la incorporación de la
perspectiva, noción de diseño como forma de conocimiento. El dominio del lenguaje
clásico llega a los edificios haciendo posible el estudio del espacio perspectivo.
El arte renacentista va unido al ideal y la concepción realista de la ciencia. La
matemática se va convertir en la principal ayuda del arte que se preocupa en
fundamentar racionalmente el ideal de belleza.
El artista presupone una formación científica que le hace liberarse de las actitudes
medievales y elevarlo a rangos sociales superiores.
Los elementos constructivos son el arco de punto y columnas sustentadas por cúpula,
bóveda de cañón y cubiertas planas con casetones. Los elementos decorativos son la
pilastra, frontones, pórticos, decoración heráldica, voluta, guirnaldas y medallones,
entre otras.
Desde un principio tuvo carácter profano y surgió en una ciudad en donde el Gótico
apenas había llegado, Florencia. La forma tradicional en templos es la planta central,
de origen romano.
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Análisis8 de un ejemplo arquitectónico
Basílica de San Lorenzo, construida entre 1418 – 1470 por Filippo Brunelleschi a encargo
de Cosme Medici. La dirección de su construcción estuvo a cargo de Michelozzo y
Manetti, y en su interior destacan la Sacritía Vieja y Nueva diseñandas la vieja por el
propia Brunelleschi, y la nueva por Miguel Ángel.
En un principio la construcción había sido decidida por ocho familias florentinas con la
idea que la iglesia contuviera una capilla para cada una de ellas, pero finalmente solo
Cosme Medici pudo hacer frente a esos gastos y fue el único que inicio la construcción.
Se intentaba crear una obra comparable con a las de la antigüedad al recuperar modelos
de las basílicas cristianas. Opta por la planta de cruz, capillas adosadas a los lados, tres
naves longitudinales, techumbre adintelada y arcos de medio punto romanos, además de
capiteles compuestos. La fachada se encuentra inconclusa.
Está inspirada de la basílica de Santa Cruz, gótica, dividida en 3 naves con capillas
laterales, en el centro del crucero tenemos una cúpula, con planta de cruz latina. La
cúpula dispuesta, es una cúpula de linterna. El especio quedó matemática y
geométricamente modulado por el círculo inscrito en un cuadrado, que actúa como
medida de las proporciones con referencia a la figura humana.
Los elementos dispuestos buscan la armonía y la belleza siguiendo lineamientos de las
primeras basílicas cristianas, además posee capiteles corintios de frondosa decoración
sustentados sobre columnas monolíticas. Además se jugó con alternancias de colores
tratando de lograr el bicromatismo propio de la arquitectura tradicional florentina.
La luz proviene de las ventanas y el techo tiene casetones copiados del Panteón de
Agripa. La graduación luminosa acentúa la perspectiva.
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Análisis8 de un ejemplo escultórico
Piedad del Vaticano, Ciudad del Vaticano, en mármol, creado entre 1498-1499 por Miguel
Ángel, ubicada en la Basílica de San Pedro. Sus dimensiones son 174 por 195cm.
Esta obra puede ser vista desde todos los ángulos, pero el punto de vista preferente es el
frontal.
Representa a la Virgen María, joven, bella y piadosa, cuyas vestiduras se expanden con
numerosos pliegues, sosteniendo a Cristo muerto, quien intencionalmente representa
mayor edad que la madre. La juventud es un idealismo propio renacentista, que se extrae
de la escultura clásica. Vasari dijo que es una obra que ningún artífice podrá añadir en
dibujo, ni en gracia, ni en fortaleza, ni en el cincelado del mármol.
La obra fue encargada por el cardenal de san Dionisio Bilhéres de Lagraulas. El escultor
no opta por representar el tema de la Virgen con Cristo muerto sin recurrir al dramatismo
extremo con el que se había tratado el tema gótico final, sino que se intenta mostrar la
aceptación de su destino. Además en la belleza de María lo que se quiere representar es
su belleza de espíritu.
Tan sólo las llagas de las manos y pies y herida del costado nos recuerdan la pasión. El
rostro de María no tiene expresión de llanto o dolor exacerbado, sino un dolor comedido,
dado que ella conoce el destino al que estaba asignado.
El pulido es tal que el reflejo que toman los pliegues crean un juego de luces y sombras
de gran belleza plástica.
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Análisis8 de un ejemplo de pintura
La escuela de Atenas de Rafael Sanzio, hecha en boceto entre 1509 – 1510, y pintada
entre 1510 -1512, es una pintura en fresco sobre muro y está ubicada en el Vaticano. Sus
medidas son 500x770cm.
Contiene alrededor de 50 figuras que se encuentran en la escuela de Atenas, es típico
renacentista, cosa que denotan los arcos representados en las figura. Los actores más
importantes de la composición son Platón y Aristóteles. Representa la valorización de la
cultura clásica a través de la narración de una cesión entre filósofos, científicos y
matemáticos más importantes de la época.
Este cuadro consta con imágenes figurativas ya que se reconocen cosas de la realidad,
tiene cierta simetría y una estructura estática. El espacio es bidimensional pero sugiere lo
tridimensional debido a la perspectiva, una perspectiva cónica.
Sus formas no son geométricas, son orgánicas ya que se asocian con lo vivo. En cuanto a
los colores es una obra policromática, tendiente a colores locales.
Los filósofos: la identidad de algunos filósofos dentro de la pintura, como Platón y
Aristóteles, está clara, pero algunos estudiosos no coinciden con las de otros. Igualmente
existe una clasificación de los integrantes que es discutible.
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Herencia del periodo RENACENTISTA en la actualidad
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Manierismo
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Origen de la denominación del período y ubicación espacio temporal del mismo
Manierismo es la denominación historiográfica del periodo y estilo artístico que se sitúa en
el cinquecento italiano, décadas centrales y finales del siglo XVI, como última parte del
renacimiento, un bajo renacimiento. Se definió, aunque su clasificación es problemática,
como la imitación de la maniera de los grandes maestros. Por ejemplo Tintoretto
pretendía dibujar como Miguel Ángel y colorear como Tiziano.
El origen del término “manierista” proviene de la palabra italiana maniera que significa
“personalidad artística” o “estilo” en lo más amplio de la palabra. Vasari teoriza sobre el
concepto, diciendo que representa la maniera, el elemento individual del arte. Representa
las fases temporales y estilísticas, la maniera griega, la maniera romana.
También se hace referencia que representa “alla maniera di”, a la manera de, es decir
siguiendo una línea de Da Vinci, Rafael o Miguel, pero a su vez manteniendo una clara
personalidad artística.
En el siglo XVII los clasicistas académicos usaron el término manierista de manera
peyorativa, se entendía como una fría técnica imitativa de los grandes maestros,
simplemente un ejercicio rebuscado.
A resultas de este desarrollo se dio una vuelta más a un estilo que se estaba agotando
dentro de los rígidos esquemas del canon. Así, en círculos independientes, como las
cortes privadas de ciertos príncipes y algunos núcleos de intelectuales, se patrocinó un
arte exagerado, críptico a veces, sólo apto para iniciados y paladares exquisitos.
Se lo ha intentado periodizar, aunque no hay un consenso para determinar en cuantas
partes o si tiene periodos, y cuáles son las duraciones. Se establecen por consenso tres
periodos:
Manierismo inicial o fase anticlásica, del 1515-1530 o 1550, con un contraste con
el clasicismo del Alto Renacimiento; o Manierismo tardío gótico, fuera de Italia,
donde se desarrollaron estilos híbridos locales.
Alto Manierismo en las décadas centrales del siglo XVI, ya consolidado como
estilo dominante, pero no único, en toda Europa. Acentuó el virtuosismo y el
intelectualismo.
Manierismo final en Italia desde 1580-90 y sobre el resto de Europa ya muy
avanzado el siglo XVII. Finalmente se termina confundiendo con el barroco y
desaparece.
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Rasgos generales del periodo artístico
Al Manierismo se lo entendió al principio como una imitación de la manera (maniera) de
los grandes maestros, luego se la entendió como una reacción hacia el ideal clasicista
contra el ideal de belleza y complicación laberíntica. Se exagera los movimientos, las
texturas, alteración del orden de los elementos del orden arquitectónico que representa
ese exceso que luego caracterizó al barroco y la violación de la figura como era entendida
en el renacimiento.
El Manierismo fue generalmente minusvalorado por la crítica y la historiografía del arte
como un estilo extravagante, decadente y degenerativo, cuya elegancia no fue
revalorizada hasta el siglo XX.
El arte italiano considera que el inicio del manierismo parte de un hecho violento e
histórico, el saqueo de Roma en 1527, que puso fin a la centralidad que tuvo la ciudad
papal, dispersando a los artistas y cambiando concepciones por las influencias.
La época coincide con la extensión de la influencia del Renacimiento italiano por toda
Europa occidental, de modo que el Renacimiento español o el Renacimiento nórdico se
solapan temporalmente con el Manierismo español y el Manierismo nórdico. Como
reacción al Manierismo, surgió en Italia la Contramaniera a mediados del siglo XVI.
En cuanto a lo arquitectónico todavía se mantienen las convenciones alto-renacentistas
de representaciones urbanas. La arquitectura manierista es aquella fase de
la arquitectura europea que se desarrolló entre 1530 y 1610, es decir, entre el final de
la arquitectura renacentista y el comienzo de la barroca.
Rechazaba el equilibrio y la armonía de la arquitectura clásica, concentrándose más bien
en el contraste de normas. La carga pierde su peso mientras que el sostén no sostiene
nada, el punto de fuga no se concluye en un punto focal, como en la arquitectura barroca,
sino que terminan en nada, las estructuras verticales se tornan excesivas y le dan al
conjunto un equilibrio oscilante.
En lo decorativo aparece el fenómeno de lo grotesco, un tema pictórico de tiempos del
imperio romano, redescubierto a fines del siglo XVI. Estas pinturas irracionales y
fantásticas están de moda durante el manierismo, por ejemplo las decoraciones del
Palacio de Te.
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Análisis de un ejemplo escultórico
La Iglesia del Gesù o Iglesia del Santo Nombre de Jesús, situada en la plaza de Gesù en
Roma, es la iglesia madre de la Compañía de Jesús, un orden religioso de la iglesia
Católica. Su fachada es concebida con un precursor del barroco.
Fue concebida por primera vez en 1551 por San Ignacio de Loyola, el fundador de la
compañía de Jesús, y activo durante la Reforma Protestante y posterior Contrareforma, el
Gesù fue también el hogar del General Superior de la Compañía de Jesús hasta la
supresión del orden en 1773.
Aunque Miguel Ángel se ofreció a diseñar la iglesia gratis. Finalmente los principales
arquitectos Jacobo Vignola y Giacomo della Porta. La construcción comenzó en 1568 y
fue construida de acuerdo con las nuevas exigencias formuladas durante el Concilio de
Trento. No hay nártex, el visitante es proyectado inmediatamente en el cuerpo de la
iglesia, una simple nave central sin naves laterales, de manera que la congregación esté
junta y concentrada en el altar mayor. En lugar de naves laterales hay una serie de
capillas interconectadas detrás de entradas en forma de arco, cuya entrada está
controlada por balaustradas decorativas con rejas.
La cúpula descansa sobre prominentes pilares del crucero, además por todos lados
revestimientos de mármol policromado incrustados son puestos de relieve gracias a los
dorados. Las bóvedas de cañón pintadas al fresco enriquecen la techumbre y retóricas
esculturas de mármol y estuco blanco. El ejemplo de Gesú no eliminó completamente la
tradicional iglesia basilical con naves laterales, pero después de que se asentara su
ejemplo, los experimentos con el plano de las iglesias barrocas, ovales o de cruz griega,
quedaron en gran medida limitadas a iglesias menores y capillas.
El rasgo más llamativo de la decoración interior es el fresco del techo: el Grandioso
Triunfo del Nombre de Jesús de Giovanni Battista Gaulli. Gaulli también pintó al fresco la
cúpula.
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Análisis de un ejemplo escultórico
Perseo de Cellini, Florencia, 1545-1554, por Benvenuto Cellini. Escultura realizada
en bronce, de 320cm, considerada una de las obras cumbre de la
escultura manierista1 italiana y una de las estatuas más famosas de la Piazza della
Signoria en Florencia, Italia. Esta estatua representa el triunfo de los Médicis sobre la
República de Florencia.:
Perseo se encuentra de pie y desnudo. La figura se encuentra sobre un alto pedestal y
soporta en su mano la cabeza de Medusa. Rompe un poco el equilibrio por la línea abierta
(brazo separado). Se separa ligeramente del clasicismo por la modificación de los
cánones. No busca un ideal sino una pose humana que ofrezca una posición dinámica.
Representa el momento exacto de la decapitación de la Medusa, cuyo cuerpo pisotea.
Presenta dinamismo reflejado en el ligero contraposto de la pierna
El momento es intenso, pues Perseo mantiene la cabeza sangrante del monstruo con su
brazo izquierdo, el héroe todavía contiene la espada sangrante en su mano, además que
de la cabeza brota sangre a chorros, mientras las serpientes se retuercen.
La figura de Perseo se levanta sobre un pedestal, con gran variedad de adornos:
imágenes de máscaras, guirnaldas y cariátides manifiestan el trabajo de orfebrería del
artista. Sobresalen las cuatro estatuillas de bronce. El pedestal de Perseo reúne una serie
de elementos romanos y renacentistas propios de este escultor manierista.
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Análisis de un ejemplo de pinturas
Pontormo, Descendimiento de Cristo, 1528; Santa Felicità, Florencia.
Es el cuadro más conocido del artista italiano Pontormo. Se trata de un óleo que se
encuentra en la capilla Capponi de la Iglesia de Santa Felicita de Florencia, Italia. Tiene
unas dimensiones de 3,13 metros de alto por 1,92 m de ancho. Tardó tres años en acabar
este óvalo, desde 1525 hasta 1528.
Es una de las creaciones del manierismo que marca las pautas para el futuro. La pintura
plasma un momento que, tradicionalmente, se ha considerado que es el de la deposición
de la cruz, aunque no hay ningún signo externo que lo evidencia: no hay referencias
al Gólgota, ni aparece la cruz. No puede ser un entierro de Cristo tampoco, pues falta el
sepulcro. Ni una Piedad, ya que no se observa una relación inmediata entre la Virgen y
Cristo.
El Descendimiento de Cristo es una de las obras más innovadoras del Cinquecento,
introduciendo Pontormo diferentes elementos típicamente manieristas. La simetría de las
obras Quattrocentistas se rompe para dejar paso a una composición ambigua, en la que
desaparecen las referencias arquitectónicas y la perspectiva tradicional para ubicar a los
personajes en un primer plano. La figura de Cristo preside el conjunto, en una postura
retorcida que tiene su continuidad en los jóvenes que portan el pesado cuerpo.
En un segundo plano se sitúan las sagradas mujeres, disponiéndose en un esquema
piramidal que se cierra con la mujer de la línea central. El empleo de una luz fría
transforma los colores que se convierten en irreales.
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Herencia del periodo manierista en la actualidad
A inicios de siglo XX, a la luz de las nacientes culturas surrealistas y expresionistas, la
crítica revaloró la cultura manierista. El manierismo se consolido con un carácter artístico
independiente e identidad propia, es decir pasó de una valoración peyorativa del témino a
una acepción que la define con valores propios.
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BARROCO
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Origen de la denominación del período y ubicación espacio temporal del mismo
Tradicionalmente se denomina "Barroco" al período de transcurre desde el siglo XVII al
XVIII. La especial actitud estilista que caracteriza al arte barroco alcanzó su momento de
madures en Italia hacia 1630 y se desarrolló en los cuarenta años siguientes. A partir de
ese momento se difundió por todas las naciones de Europa.
El arte barroco jugó un papel importante en los conflictos religiosos de este periodo.
Frente a la tendencia protestante a construir los edificios para el culto de una manera
sobria y sin decoración, la iglesia católica usó para sus fines litúrgicos la grandiosidad y la
complejidad barrocas. El papado reaccionó contra la división que provocó la reforma
iniciada por Lutero generando el movimiento que se conoció como la Contrarreforma.
La arquitectura, la escultura y la pintura fueron utilizadas para el prestigio de
la autoridad papal e ilustrar las verdades de la fe. En este sentido se puede afirmar que el
barroco es la expresión estética de la Contrarreforma.
Los orígenes de la palabra barroco no están claros. Podría derivar del
portugués barocco o del castellano barrueco, término que designa a un tipo de perlas de
forma irregular. La palabra es un epíteto acuñado con posterioridad y con connotaciones
negativas, que no define el estilo al que hace referencia. De cualquier modo, a finales del
siglo XVIII el término barroco pasó a formar parte del vocabulario de la crítica de arte
como una etiqueta para definir el estilo artístico del siglo XVII.
El arte barroco engloba numerosas particularidades regionales. Podría parecer confuso,
por ejemplo, clasificar como barrocos a dos artistas tan diferentes como Rembrandt y
Gian Lorenzo Bernini; no obstante, y pese a las diferencias, su obra tiene indudables
elementos en común propios del barroco, como la preocupación por el potencial
dramático de la luz.
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Bibliografía
Historia general del arte, tomo 2, 3 y 4, Contenau, Georges,
Historia general del arte, tomo 2 y 3 Huisman, Georges,
webgrafía
www.artehistoria.com
http://arte.laguia2000.com/
https://es.wikipedia.org
www.arteguias.com
blogarteehistoria.blogspot.com
http://www.historiadelarte.us/
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