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HISTORIA DEL ARTE
ÁLVARO RUIZ SERRANO
PINTURA RENACENTISTA. CARACTERISTICAS
EL RENACIMIENTO
Se entiende por Renacimiento el fenómeno cultural, surgido en Italia en el siglo XV, que retoma los principios de la cultura de la antigüedad clásica, actualizándola a través del Humanismo, y que sin renunciar a la tradición cristiana sustituirá la omnipresencia de lo religioso del mundo medieval por una afirmación de los valores del mundo terrenal y del hombre. a partir de aquí, y fundamentalmente a partir del siglo XVI, dicho movimiento se extendería por toda Europa. Su final, difícil de precisar, se produciría a mediados del siglo XVI siendo sustituido por el Manierismo, y mas tarde, por el Barroco.
CARACTERISTICASCARACTERISTICAS:
El objetivo fundamental será la representación del hombre y de la naturaleza. Imitar las cosas como son, es decir, seleccionar lo más hermoso de la naturaleza y representarlo de modo científico (canon, perspectiva) para lograr alcanzar la belleza.
Aspecto importante de este realismo del renacimiento será la aplicación del descubrimiento de la perspectiva como medio de representar fielmente en dos dimensiones la tridimensionalidad de la realidad.
En lo que se refiere al uso del color y del dibujo, en el Quattrocento el dibujo es más marcado, intenso, más nítido, mas firme, mientras que en el Cinquecento pierde parte de su vigor en favor del color, que siempre busca la armonoía cromática sin fuertes contrastes.
QUATTOCENTO
En lo que se refiere al uso del color y del dibujo, en el Quattrocento el dibujo es más marcado, intenso, más nítido, mas firme, mientras que en el Cinquecento pierde parte de su vigor en favor del color, que siempre busca la armonoía cromática sin fuertes contrastes.
CINQUECENTO
Con respecto a la luz, en un primer momento, durante el Quattrocento, es conceptual, es decir, no podemos adivinar la procedencia ni el foco que la genera e ilumina todo el espacio por igual.
En cambio, en el siglo XVI, surge la idea de la luz dirigida que ilumina selectivamente apareciendo el claroscuro.
PERSPECTIVA
LINEAL
La perspectiva es la gran conquista del pintor renacentista. En un primer momento, la profundidad se consigue a través de la perspectiva lineal; luego llegará la perspectiva aérea.
PERSPECTIVA
AEREA
La perspectiva es la gran conquista del pintor renacentista. En un primer momento, la profundidad se consigue a través de la perspectiva lineal; luego llegará la perspectiva aérea.
PINTURA BARROCA. CARACTERISTICAS
EL BARROCO:
El barroco es un estilo dominante en el arte y la arquitectura occidentales aproximadamente desde el año 1600 hasta el 1750. las raíces del barroco se localizan en el arte italiano, especialmente en la Roma de finales del siglo XVI y principios XVII, si bien dicho periodo se denomina en ocasiones estilo rococó. Manifestaciones barrocas aparecen en el arte de prácticamente todos los países europeos, así como en las colonias españolas y portuguesas de América. El término barroco se aplica también a la literatura y a la música de aquel período, al igual que a otras artes.
Naturalismo: se buscan los modelos de la naturaleza, sin proceder a su idealización, con preocupación por la representación del estado psicológico, de los sentimientos e incluso lo deforme y feo. Es la forma mas sencilla de conmover e impresionar al espectador.
CARACTERISTICAS:CARACTERISTICAS:
Composición: el movimiento barroco va a romper el equilibrio y la composición dentro de un polígono de las pinturas renacentistas, sustituyéndolos por masas que siguen trayectos oblicuos. Se prefiere el desequilibrio y se consigue con diagonales o con formas partidas.
Movimiento: preocupación por plasmar el movimiento. La pintura barroca es la pintura de la vida y ésta no puede representarse bajo formas estáticas.
Luz: El barroco es por tanto también el arte de plasmar pictóricamente la luz y por esto la sombra juega un papel hasta entonces inédito, especialmente en el tenebrismo. En el Barroco la forma se subordina a la luz y así pueden desvanecerse las formas por debilidad o intensidad del centelleo luminoso.
El color: el triunfo del color sobre la línea hace que éste tenga más importancia que aquélla. Las manchas con las definidoras de las formas. Los contrastes se hacen mas fuertes y no es rara la aparición de fuertes rojos en cortinajes o telas.
ADORACION DE LOS MAGOS: SANDRO BOTTICELLIADORACION DE LOS MAGOS: SANDRO BOTTICELLI
La Adoración de los Magos (en italiano, Adorazione dei Magi) es un cuadro pintado al temple sobre tabla que mide 111 cm. de alto y 134 cm. de ancho, realizado en el año 1475 por el pintor italiano Sandro Botticelli. Se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia.
Fue un encargo para la capilla funeraria de Guasparre di Zanobi del Lama, la Capilla Lami, ubicada en la pared de la entrada de la iglesia de Santa Maria Novella. Por su comitente y el propósito original la pintura es conocida también como "altar Zanobi". Posteriormente pasó a formas parte de las colecciones mediceas.
Es una obra famosa por su altísima calidad y, además, por la identificación de los personajes representados, personalidades de los Médici:
• Cosme de Médici.• Pedro de Médici. • Juan de Médici.• El joven Lorenzo de Médici .• Juliano de Médicis. • Guasparre Del Lama.
Entre los asistentes, al extremo de la derecha se ve al propio Sandro Botticelli, vestido con un manto amarillo.
La composición de todos los personajes de los Médici en este cuadro es un anacronismo porque en el año 1475 estaban ya muertos las tres personas representadas como Magos; gobernaba Lorenzo de Médicis. El artista recibió encargos regulares de los Médicis en el decenio entre 1470 y 1481.
La representación de los Médicis en un cuadro bíblico con destino a una iglesia sería una declaración pública de adhesión y lealtad a dicha familia.
Esta Adoración de los Reyes de 1475 es ejemplo de anamorfismo, pues para verlo precisa ponerse en posición horizontal. Esta es una de sus primeras experimentaciones para distorsionar la perspectiva tal como venía siendo configurada en el Quattrocento.
En esta Adoración renueva la tradición iconográfica del tema en Florencia, formada por tres reyes que representan a los poderosos de la Tierra, asociados por costumbre con los Médicis, a los que seguiría un cortejo principesco, que recordaba a la cabalgata anual de los Magos, representación sagrada que tenía lugar por las calles florentinas.
La composición del cuadro es armoniosa, con María y el Niño en el medio, grupos equivalentes de personas a la izquierda y a la derecha, todos ellos en medio de un paisaje imaginario con la ruina de un templo antiguo.
Botticelli no reniega de esta tradición realmente, pero elimina el cortejo principesco y coloca sobre un rellano de la tierra a la Virgen con el Niño y san José, dentro de un edificio en ruinas; los espectadores se disponen a los lados formando dos alas laterales, curvándose en torno a las dos figuras de Magos en el primer plano en el centro.
El amontonamiento y la agitación de los personajes hacen del cuadro una especie de testamento espiritual, una voluntaria captación por el autor de la misma parábola de su vida y su carrera. Al fondo, el paisaje
esencial, de inspiración nórdica.
Utiliza un colorido intenso. Presta gran atención al detalle, como puede verse en las vestimentas.
EL DESCENDIMIENTO: PETER EL DESCENDIMIENTO: PETER PAUL RUBENSPAUL RUBENS
Óleo sobre tabla. 420 x 310 cm. 1612, catedral de Amberes
La Cofradía de Arcabuceros decidió encargar para su capilla en la catedral de Amberes un tríptico con el tema del Descendimiento de la Cruz en su panel central.
Nicolas Rockox será uno de los principales promotores del encargo por lo que aparece representado entre los asistentes a la Presentación en el templo.
La razón de esta temática vendría impuesta por el patrono del gremio de arcabuceros, San Cristóbal.
El Descendimiento de la Cruz está construido alrededor de la figura diagonal de Cristo, arropada con la blanca tela de lino. Cristo está muerto y la calma del cuerpo resuena a través de todo el cuadro.
El cuerpo de Cristo formando una marcada y lívida diagonal cuando desciende de la cruz en brazos de los apóstoles es, con toda claridad, el foco de la escena.
Aparte de la figura de Cristo, aparecen otra serie de personajes que lo rodean, creando como una especie de cierre al cuadro, y arropando de alguna manera a Cristo
El tratamiento de la luz es totalmente barroco; y lo más importante de todo en el terreno artístico es la utilización que hace Rubens de la pintura para intensificar la profundidad de los sentimientos.
Hay una clara contraposición entre la disposición de las figuras vivas alrededor del cadáver.
Las líneas curvas y los escorzos acentúan el movimiento y la profundidad en el cuadro
La pintura se extiende por todo el cuadro, perfilando con más fuerza la figura de Cristo, introduciendo en las pinceladas algo del movimiento descendente.
La luz y el color refuerzan la composición: la luz sigue el brazo de Cristo, la sábana y el cuerpo de la Magdalena, afianzando la diagonal; el color, intensifica el movimiento: una amplia zona al fondo oscura de colores fríos sólo parcialmente iluminados por la luz, y otra zona iluminada con contrastes cromáticos de colores cálidos.
El movimiento de los vestidos y las posturas rebuscadas, contribuyen a la teatralidad.
Este rico y suelto manejo de la pintura, llamada empasto, es característico de cierto tipo de pintura barroca. La emoción está implícita tanto en la pintura como en el tema.
COMPARACION ENTRE LAS DOS OBRASCOMPARACION ENTRE LAS DOS OBRAS
En el cuadro de Botticelli, las figuras se representan idealizadas, no existe naturalismo, sino que hay idealización.
Mientras que en el de Rubens, se representan a las figuras con realismo, tal y como serían en la realidad, mostrando sus imperfecciones, o la vejez, como se ve en alguno de los personajes.
Botticelli se caracteriza por ser un gran dibujante, y eso se aprecia en este cuadro, ya que la línea es la que domina, haciéndolo sobre el color, que es nítido, con pocas tonalidades.
Sin embargo, en este cuadro, aunque la línea sigue dominando sobre el color, la pincelada es mas suelta, y Rubens juega mucho mas con las tonalidades, para crear juegos de luces y sombras, aunque no exageradamente, como ocurrirá en otros pintores.
En este cuadro, se intenta crear una especie de perspectiva, crear espacio, al situar en la parte izquierda arquitecturas, para darnos la sensación de profundidad, de espacio.
Rubens en cambio, no utiliza ningún tipo de perspectiva, simplemente organiza los personajes todos juntos, en un mismo plano, ya que el pintor no desea crear profundidad, no es lo importante del cuadro.
Botticelli organiza muy bien la composición, de acuerdo con los canones renacentistas, situando a los personajes principales en el centro, y los demás personajes en dos grupos a los lados. La composición es sencilla, típica del renacimiento.
Por su parte Rubens, utiliza una composición mas dinámica, también típica del barroco, ya que utiliza una diagonal para situar al cuerpo principal, y otra serie de diagonales que acompañan a esta principal. Además, los escorzos de los personajes ayudan a dar dinamismo a la escena.
En este cuadro, no existe movimiento, las figuras están paradas la mayoría, aunque hay algunas que realizan algún movimiento, pero en general, lo estático predomina sobre lo dinámico.
Una característica de Rubens, es el dinamismo que aparece siempre en sus obras. En esta concretamente, esta bien marcado, los personajes se agitan, y aparecen en posturas difíciles y escorzadas, que se contraponen con el cuerpo inerte de cristo, que pese a su muerte, parece dinámico también por su postura forzada.
La luz en el renacimiento, al igual que se ve en este cuadro, es una luz diáfana, que cubre toda la escena, todo el cuadro, sin crear ningún tipo de claroscuro, no hay sombras, todo esta bien iluminado.
Sin embargo, en el barroco, y en este cuadro, existe una serie de luces y sombras creando claroscuro, dejando zonas en penumbra y otras mas iluminadas. Por ejemplo el cuerpo de cristo es el que lleva la luz, y de el sale y se reparte al resto de las figuras.
La ultima diferencia es el color. No se utilizan colores fuertes, aunque si son diversos, y el pintor no juega con las tonalidades de los colores, utiliza principalmente colores planos, lo que da sobriedad al cuadro.
Por su parte esta obra, si presenta colores mas variados, mas fuertes, fríos, ya que el momento es oscuro y triste, y se juega mas con las tonalidades de los colores, para dar volumen a las figuras, aunque es este caso, siguen existiendo colores planos.
En definitiva, ambas obras son un buen ejemplo referente a su época, porque ambos reúnen las características principales y mas representativas del periodo artístico en que fueron pintadas.
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