Un proyecto de cultura visual: Educación en historia del...

REDES DE INVESTIGACIÓN

EN DOCENCIA UNIVERSITARIA

Rosabel Roig-Vila (Coord.), Asunción Lledó Carreres Jordi M. Antolí Martínez,

& Neus Pellín Buades (Eds.)

VOLUMEN 2018

UNIVERSITAT D’ALACANTUNIVERSIDAD DE ALICANTE

Institut de Ciències de l’EducacióInstituto de Ciencias de la EducaciónUA ICE

Redes de Investigación en Docencia Universitaria. Volumen 2018

Rosabel Roig-Vila (CooRd.), JoRdi M. antolí MaRtínez, asunCión lledó CaRReRes & neus Pellín buades

(eds.)

2018

Redes de Investigación en Docencia Universitaria. Volumen 2018

Edició / Edición: Rosabel Roig-Vila (Coord.), Jordi M. Antolí Martínez, Asunción Lledó Carreres & Neus Pellín Buades (Eds.)

Comité editorial internacional:

Prof. Dr. Julio Cabero Almenara, Universidad de Sevilla

Prof. Dr. Antonio Cortijo Ocaña, University of California at Santa Barbara

Prof. Dr. Ricardo Da Costa, Universidade Federal Espiritu Santo, Brasil

Prof. Manuel León Urrutia, University of Southampton

Prof. Dr. Gonzalo Lorenzo Lledó, Universitat d’Alacant

Prof. Dr. Enric Mallorquí-Ruscalleda, Indiana University-Purdue University, Indianapolis

Prof. Dr. Santiago Mengual Andrés, Universitat de València

Prof. Dr. Fabrizio Manuel Sirignano, Università degli Studi Suor Orsola Benincasa di Napoli

Revisió i maquetació: ICE de la Universitat d’Alacant/ Revisión y maquetación: ICE de la Universidad de Alicante

Revisora tècnica/ Revisora técnica: Neus Pellín Buades

Primera edició: octubre 2018 / Primera edición: octubre 2018

© De l’edició/ De la edición: Rosabel Roig-Vila, Jordi M. Antolí Martínez, Asunción Lledó Carreres & Neus Pellín Buades

© Del text: les autores i autors / Del texto: las autoras y autores

© D’aquesta edició: Institut de Ciències de l’Educació (ICE) de la Universitat d’Alacant / De esta edición: Instituto de Ciencias de la Educación (ICE) de la Universidad de Alicante

[email protected]

ISBN: 978-84-697-9430-2

Qualsevol forma de reproducció, distribució, comunicació pública o transformació d’aquesta obra només pot ser re-alitzada amb l’autorització dels seus titulars, llevat de les excepcions previstes per la llei. Adreceu-vos a CEDRO (Centro Español de Derechos Reprográficos, www.cedro.org) si necessiteu fotocopiar o escanejar algun fragment d’aquesta obra. / Cualquier forma de reproducción, distribución, comunicación pública o transformación de esta obra sólo puede ser realizada con la autorización de sus titulares, salvo excepción prevista por la ley. Diríjase a CEDRO (Centro Español de Derechos Reprográficos, www.cedro.org) si necesita fotocopiar o escanear algún fragmento de esta obra.

Producció: Institut de Ciències de l’Educació (ICE) de la Universitat d’Alacant / Producción: Instituto de Ciencias de la Educación (ICE) de la Universidad de Alicante

EDITORIAL: Les opinions i continguts dels textos publicats en aquesta obra són de responsabilitat exclusiva dels autors. / Las opiniones y contenidos de los textos publicados en esta obra son de responsabilidad exclusiva de los autores.

28. Un proyecto de cultura visual: Educación en historia del arte a través del re-make

Mena García, Enrique

Universidad Católica de Murcia, [email protected]

RESUMEN

Reconstruimos con alumnos del Grado de Educación Primaria un proyecto centrado en una versión del mundo del arte como motor de aprendizaje, a través de una escena, obra o imagen afrontada con premisas de libertad en su interpretación, en cuyo proceso existen unos valores en los objetivos como son la disposición social, histórica y cultural. Un juego de atención en la cultura visual con grandes posibilidades en los recursos empleados que pueden formar parte de su representación y con un uso de la cámara fotográfica indispensable para su realización. Con ello, se despierta una percepción e in-fluencia emocional cuyo resultado proporciona datos en orientaciones estéticas y aporta valores para idear, desarrollar y generar la práctica, fomentando compañerismo y compromiso, requiriendo en los alumnos de una investigación y análisis en aquellas obras de arte seleccionadas por las que sienten predilección. Por tanto, surge una sinergia entre los alumnos que desarrollan una convivencia y un prisma diverso con el arte, que deben revisar y versionar dentro de un proyecto inclinado en pro de una calidad educativa en Educación Artística.

PALABRAS CLAVE: Arte, remake, educación, apropiacionismo

311Acciones educativas innovadoras en la Educación Superior

1. INTRODUCCIÓN

Debido a la versión o remake en las artes concretada visualmente por los alumnos, fluyen sensaciones que despiertan lo físico y psíquico en distintos grados. Una aproximación hacia cualquier tipo de manifestación en artes cuya estrategia se basa en un análisis y estudio de la obra para recrear y sumergirse en su ambiente, y posteriormente ejecutarla a través del móvil o cámara fotográfica de fácil acceso en la sociedad occidental.

Acudimos a este proyecto por la necesidad que el alumno requiere, primero por sus carencias evidentes respecto a la historia del arte comprobada en cursos anteriores, y segundo, para reforzar desde el gozo o como diría el educador George Leonard desde la educación y éxtasis, un camino de aprendizaje atractivo frente a los dos temas teóricos en la asignatura Enseñanza y Aprendizaje de la Expresión Plástica y Visual centrados propiamente en historia del arte.

Son varios autores interesados en este tiempo de lo visual como Keith Moxey (2015, p.78), que afirma que el renacimiento ha sido el dominador en la investigación de la historia del arte, reemplazado en los últimos años por el arte contemporáneo, y, que comprobamos en nuestro estudio, con la recuperación en los alumnos del pasado con cierto apropiacionismo, asumiendo la asincronía y naturaleza del desarrollo atemporal, perdurando obras de arte que el mundo hace eternas.

Apunta Mieke Bal (2009), sobre esta escenificación del aula, que “si una cultura quiere incorporar por completo cambios constructivos que permitan desarrollar su potencial de cambio, es fundamental que no elimine sus recuerdos, las huellas de su problemático pasado” (p.291), donde olvidar implica reprimir, y cuya memoria cultural se convierte en mayor entendimiento y hace reflexionar en esa teatralidad de desigualdades de poder, de sociedad política, de tradición, de historia, etc.

Por lo que, en este aspecto visual aseguramos en los objetivos que “las imágenes, al igual que los textos, requieren una labor de lectura” (Bal, 2009, p.40), y los alumnos aprenden el significado de una obra de arte y entienden mejor su ambiente, a modo de viaje cultural iniciático.

Realmente en el camino de la práctica no solo se busca el estudio de la obra con el proceso que conlleva para recrearla, entrando la investigación histórica, social y cultural, también la creatividad e imaginación necesarias, primero por el entorno en sí (ya sea ficticio o real) y, segundo, por todo lo que lo complementa, desde mobiliario, objetos diversos, vestuario, etc.

Afirma Javier Abad (2011) algo en lo que creemos firmemente y es que “existen numerosas experiencias y estudios que inciden en los beneficios que poseen las artes para la redefinición de las relaciones personales y sociales, además de mejora del estado psíquico y físico de las personas para educar, reeducar o transformar” (p.18).

312 Redes de Investigación en Docencia Universitaria. Volumen 2018. ISBN: 978-84-697-9430-2

Fig.1 Escena del film Viridiana (1977) de Buñuel recreando La Última Cena de Leonardo da Vinci. Tamasa (2018, Abril 21), Recuperada de http://www.tamasadiffusion.com/cinema/filmfiches/viridiana.html

Fig.2 Christian Tagliavini, 1503 (2010). anelyaos (2018, Abril 9), Recuperada de http://anelyaos.blogspot.com.es/2013/09/christian-tagliavini-1503.html

Fig.3 Cindy Sherman, Sin título, 216 (1989). aerztblatt.de (2018, marzo, 17), Recuperada de https://www.

aerzteblatt.de/archiv/160806/Koerperbilder-Cindy-Sherman-(-1954)-Weibliche-Rollenspiele

2. MÉTODO

2.1. Descripción

La búsqueda y conocimiento por los alumnos de una obra hace ver el poder de información y documentación de la que ellos son capaces de obtener, cuya práctica recuerda el modo de los “tableux


vivants” como ocurría a finales del siglo XIX, donde se hacían fotografiar representando una obra pictórica o simplemente como si se tratara. Con la llegada del siglo XX surgen los papiers collés de Braque y Picasso, pero, es en la figura de Marcel Duchamp con su famosa Mona Lisa titulada L.H.O.O.Q. (1919) cuando se agudiza y comienza a ser frecuente el apropiacionismo,

Los alumnos, por consiguiente, afrontan una variable en la visión de una obra original, cuya percepción interpretan y construyen estímulos, reaccionando las leyes de la Gestalt en cada uno de manera distinta, cuya evidencia visual nunca se torna igual en todos, porque está mezclada con la imaginación de los protagonistas.

Nos indica Colás Bravo y De Pablo Pons (2012) que “los métodos apoyados en tecnologías online transforman las circunstancias convencionales para la producción de conocimiento en la investigación cualitativa” (p.89), y efectivamente el uso del móvil y la plataforma de Campus Virtual de la propia Universidad posibilitan que se lleve a cabo el ejercicio propuesto y podamos realizar nuestro análisis y la evidencia de interiorizar una obra artística, cuyo impacto en el alumnado se plantea desde una visión optimista, atendiendo a las variables (optimista, pesimista y moderada) que presenta el profesor Fernández Cano (2001) en un estudio de investigación y práctica.

Existe entre los participantes de cuarto curso del Grado de Educación Primaria una forma de actuar libre en cuanto al contexto o entorno al que acudir, ya que la práctica se presenta on-line. Se crearon grupos entre compañeros en la modalidad presencial, opcional en semipresencial, con la posibilidad en ambas modalidades de involucrar a familiares o amigo.

Los resultados se plasman uniendo el arte del maquillaje, vestuario y atrezzo del que se nutrían. Existe la autonomización del pensamiento y la existencia subjetiva como afirma Lipovetsky (1998) cuando recoge ese aspecto de lo efímera que es la moda, en la cual existe la controversia pública. Moda que si es “plena vive de paradojas: su inconsciencia favorece la conciencia, sus locuras el espíritu de tolerancia, su mimetismo el individualismo, su frivolidad el respeto por los derechos del hombre” (p.20). Una moda o estética dominada por la escenificación que filtran desde la obra original y desmenuzan, como aquellos publicistas o ilustradores que beben de la historia del arte y la reconvierten con un total apropiacionismo.

Un aprendizaje del universo estético con sus propias normas desde la óptica contemporánea apreciada por los alumnos. Un juicio estético y social, a veces, crítico, que contribuye a ese estudio de la práctica. El refinamiento o vulgaridad de los personajes, los complementos usados, el color con el que posan, la vestimenta que les da nobleza o estatus, como en aquel negro de la corte del siglo XVI o la cochinilla que impregnaba de rojo purpúreo los retratos papales con un valor superior a veces a la plata, etc., en cada una de las obras son los propios alumnos los últimos en esa elección, en sintonía con sus experiencias vitales, y, en parte, influenciados del propio transcurrir del aula, despertando interés obras que descubren por clase como La joven de la Perla de Vermeer y El Hijo del Hombre de Magritte, tan populares que son transformadas publicitariamente por conocidas marcas o aparecidas en dibujos animados.


En definitiva, los alumnos asumen una obra para transformar, la cual conocerán de por vida al inmortalizar su escena fotográficamente. Con ello, se incrementan los valores, y, aún más importante, la pretensión creativa que despierta la curiosidad y la sensibilidad del grupo.

Decía Acaso y Megías (2017) que “recuperamos el placer como motor de aprendizaje” (p. 125), y con nuestro ejercicio conseguimos alejarnos de la estigmatización del riesgo y el error como podría decir Fontcuberta (2017, p.11) en esta era del Homo Photographicus. Es decir, no queremos entrar en el conformismo habitual del estudiante y la desidia de la repetición, buscamos una revolución educativa, que consista en transformar el enlatado conocimiento en el que nos vemos envueltos, construyendo unas “diferentes arquitecturas de generación de conocimiento que den forma a los procesos educativos contemporáneos” (Acaso y Megías, 2017, p.172).

2.2. Instrumentos

En la metodología empleada recogemos de Pérez Juste (2006) su visión educativa de implicación y compromiso desde la actividad de los alumnos. Un objetivo educativo que:

Debe ser logrado fundamentalmente a través de la práctica, de la experiencia: la participación implica aportar lo que uno sabe y es, asumir las propias responsabilidades, cooperar con los demás, respetar las funciones de cada uno... y eso sólo se aprende con la vivencia, con experi-encias positivas (p.34)

El instrumento es sin duda viable, y comprende la curiosidad ante la cultura visual unida a la investigación y la aportación de los complementos que su imaginación descubre de aquello elegido para efectuar desde un soporte como es la cámara del móvil ese instante decisivo e inmortalizarlo en nuestra plataforma on-line universitaria como registro virtual.

Reconocidos ejemplos los situamos en el cine de Buñuel con Viridina (1961) con la recreación de la obra de Leonardo Da Vinci: La Última Cena; con el Director Raoul Ruiz citamos Hipótesis del cuadro robado (1979), recordando a lo que hará posteriormente Akira Kurosawa en 1990 con Los Sueños, en el que en uno de sus ocho segmentos en los que subdivide su film “Cuervos”, nos sumerge en la geografía del cuadro, vagando por esos trigales de Van Gogh.

Antecedentes válidos para adentrar al alumno en fuentes y herramientas, dirigiéndolos a una actualidad vital, donde el alumnado y el arte contemporáneo se pueden sentir próximos, por lo que se recogen ideas para la práctica, al igual que el mundo publicitario que mencionamos, el cual realiza un guiño a la historia del arte.

De esta actualidad recordamos a un fotógrafo para acercarnos a cierta sensibilidad en su mundo audiovisual por la historia del arte llamado Hendrik Kerstens, el cual en 1995 comenzó a usar a su hija Paula como modelo. Ortega (2012) asegura en su Web que “no podemos ningunear la relación que existe entre la fotografía y la pintura, sabemos que muchos fotógrafos se basan en pintores como referente para sus trabajos y viceversa”, y, así, es como actúa Kerstens, que recuerda


a los maestros y paisanos holandeses del siglo XVII como Veermer o Rembrandt, semejante en sus toques de iluminación, composición y el atrezzo desde cualquier cosa reutilizable, de desecho o uso doméstico.

Estos retratos recuerdan a lo que hará Anna Fox con el nombre de Zwarte Piet, que alude al paje negro que ayuda a San Nicolás a repartir regalos en Países Bajos y Bélgica en cuya cultura está presente, alusivos a la tradición de retratos del siglo XVII, con un origen o procedencia establecido en la ocupación española. Un anacronismo sarcástico en estas fiestas, no libres de polémica por el racismo, la esclavitud y colonialismo que arrastran y que el retrato fotográfico puede denunciar, como tantos retratos o autorretratos de denuncia o de muestras del inexorable paso del tiempo a modo biográfico (Bal, 2009, p.280).

En otro sentido, desde el concepto de mímesis como afirma Keith Moixey, el retrato es interrogado por diversos artistas contemporáneos, como hizo Cindy Sherman en 1989 cuando se autofotografiaba con la apariencia de retratos famosos del renacimiento, a base de extravagantes disfraces que parodiaban el arte tradicional y clásico. Aunque, el concepto de mímesis total lo alcanza el fotógrafo Hiroshi Sugimoto en 1999 fotografiando las figuras de cera del museo de Londres Madame Tussauds, retratos de personalidades importantes basadas en el pintor Hans Holbein y su círculo en el siglo XVI (Moxey, 2015, 171-175).

Un apropiacionismo que tiene fuerza en los últimos años de la mano de varios autores, entre ellos, Greenaway con Nightwatching (2007) que recrea la Holanda del siglo XVII, y el fotógrafo y diseñador gráfico Tagliavini, quien recoge en 2010 ese refinamiento del renacimiento italiano con su proyecto titulado 1503.

Encontramos en los instrumentos o herramientas de las que se sirven los alumnos esa recreación como en Cindy Sherman con sus retratos, recordando en la Fig.3 a tantas vírgenes con el pecho fuera acompañada del niño, como en Jean Fouquet y su Virgen de Melun (1450).

Pero, Sherman no es fiel a una recreación verídica como hace el artista japonés Yasumasa Morimura (Fig.4), apropiándose de obras de arte occidentales y escenificando una reinterpretación más personal. Polémico al jugar con la parodia y el homenaje a iconos de occidente, con una existente crítica de cómo absorbe la cultura occidental su país Japón, partícipe de una especie de denuncia de la globalización e identidad sexual reflejándose en sus autorretratos que podemos ver en la Galería de Arte Luhring Augustine en Nueva York.


Fig.4 Yasumasa Morimura, Autorretrato como Marilyn Monroe (1996). Galería Fotocreativa, Yasumusa Morimura y la representación occidental (2018, Marzo 4), Recuperada de http://galeriafotocreativa.com/yasumasa_morimura_repre-

sentacion_occidental/

2.3. Procedimiento

Obviamente el anacronismo existe, porque en la puesta en escena de la práctica los alumnos buscan los complementos acordes o afines, pero, recrean objetos de otras épocas con lo que pueden tener por casa.

Nos dice Gombrich (2004) “Todos vemos el mismo mundo, pero aprendemos a ocuparnos de diferentes aspectos” (p.69), y del mismo modo sucede en los alumnos cuando afrontan las mismas obras, ya que como veremos en el siguiente apartado muchas fueron escogidas simultáneamente.

El efecto sorpresa se encontraba tanto en la posición del grupo de alumnos como del profesor. Incluso, los mismos alumnos confesaban como nueva esa exploración en una obra de arte hasta reconvertirla en remake.

Como apuntábamos al inicio, el uso de cualquier dispositivo con cámara era factible para recoger la práctica, cuyo envío final tenía que acompañarse de la original. Se cotejaron y contrastaron ambos envíos de la práctica (original y versión). La fuente de la obra original procedía a veces de páginas dispares, pero hemos mantenido en los ejemplos los mismos envíos de los alumnos para demostrar cómo llegaban a la plataforma on-line.

3. RESULTADOS

En la entrega de los mismos existen obras repetidas por los alumnos, ocupando Vermeer, Magritte y Frida Kalho respectivamente, las primeras posiciones, en cuyas estadísticas comprobamos


los valores (Ver gráficas y tabla).

La participación la componen en presencial desde la sede Murcia un total de 67 alumnos y en la de Cartagena 12 alumnos, y la modalidad semipresencial está formada por 142 alumnos, en una sumativa de 221 alumnos.

En presencial se establecieron grupos de trabajo, no así en semipresencial, cuya elección de crear grupo dependía de ellos, de ahí que se apoyaran en familiares o amigos, que también hicieron algunos de presencial.

Gráfica 1. Distribución por tipo de arte

TIPO ARTE % Nº. ENVÍOSTOTAL CARTEL 0,81 1TOTAL DISCO 1,63 2TOTAL FOTOGRAMA (cine) 17,07 21TOTAL RETRATOS (fotografía) 4,88 6TOTAL PINTURA 75,61 93TOTAL ENVIOS 100 123


Gráfica 2. Total Pintura: Distribución del género pictórico

Tabla 1. Número de envíos por autores pictóricos


Fig.5 La Belle Ferronnière (1490-2017) de Leonardo Da Vinci por María Jesús Belmonte Zaragoza. Dcha. Obra origi-

nal recuperada de Wikiwand, http://www.wikiwand.com/es/La_Belle_Ferroni%C3%A8re

Fig.6 Tinny (1995-2017) de Hendrik Kerstens por la alumna Dolores Sánchez Sánchez. Dcha. Obra original recuperada

de ArtStack, https://theartstack.com/artist/hendrik-kerstens/paula-2

Este proyecto es de alguna manera como un “proceso genético”, término literario muy usual en el complejo taller del escritor (uniendo el pre-texto, el borrador y el manuscrito definitivo), que en nuestro caso adaptamos a las artes de la fotografía y su proceso. Es consecuencia de expresar un acto humano de creación. Por tanto, existe una génesis, un proceso y un final. En ese periplo el primer paso lo ocupa la base firme de la idea, el concepto que se desea, etc., podemos llamarla fase de investigación, cuyo proceso no es menos esencial, en el que los alumnos tropiezan, indagan, alimentan, rastrean y documentan hasta alcanzar la fase de elaboración del remake, e ir firmes y


concluir con el envío de la fotografía definitiva después de pruebas o intentos, abordando la fase final.

La fotografía final apuesta por el silencio, “No hay palabra sin silencio, y, sin embargo, la ideología moderna de la comunicación no acepta el silencio” (Le Breton, 2009, p.6), y, realmente es otro factor que se busca, el cómo hablan las imágenes al contemplar su fase final, sin tener que intervenir porque ellas mismas ya tienen su aurea como diría Walter Benjamin, y despiertan serenidad, color, encuadre, luz, espacio, movimiento, dinámica, perspectiva, composición, etc.

Un silencio recogido en la obra y completado con la elección de la palabra debido al título, acompañado a veces por una descripción voluntaria de su proceso. Original y versión acaban por así decirlo como un dragón de dos cabezas, indisolubles y unidos en el discurso del proyecto.

Un ejemplo lo aportaba la alumna Escudero Sánchez (2018) con diferentes fotos a modo de making off para recrear la obra de Joaquín Sorolla, Paseo a orillas del mar (1909), indicando que:

He intentado representar la obra guardando su presencia, pero transportándola a un tiempo más actual. Para ello, aunque mantengo el color blanco, muy propio del verano y de la playa, hemos vestido con pantalones que es mi prenda preferida, lo que le quita un poco de movimiento a la fotografía. Y que he tratado de corregir con el pareo y el lazo del sombrero de mi amiga. Fi-nalmente, he distorsionado un poco la imagen para que sea más parecida a la técnica usada por Sorolla, óleo sobre lienzo (Campus Virtual).

En los datos extraídos de las gráficas aparecen los valores de las artes escogidas para la práctica, destacando entre todas ellas la pintura (75,61 %), con el cine en segundo lugar (17,07%), y un alejado tercer puesto la fotografía (4,88%). Profundizando más en esos datos en el aspecto del género pictórico, prima el retrato (84,95%), como recurso principal y cuyos alumnos al versionar la obra convertían en autorretratos. Le seguirá muy alejado el autorretrato (11,83%) y aquellos que hemos denominado figuras (3,23%), por el hecho de aparecer personas de cuerpo entero sin lograr alcanzar el retrato, que de por sí necesita de una proximidad, y por el que cobran importancia otros elementos como puede ser un paisaje como en la Fig.7 con Paseo a orillas del mar.


Fig.7. Paseo a orillas del mar (1909-2017) de Joaquín Sorolla por Ana Escudero Sánchez que tituló Paseo a orillas del Mar Menor. Dcha. Obra original recuperada de Wikipedia https://es.wikipedia.org/wiki/Paseo_a_oril-

las_del_mar

Otro dato que apunta que los jóvenes universitarios se inclinan hacia un conocimiento o debilidad estética más próxima a su tiempo es el facilitado por las fechas de las obras recogidas, obteniendo el siglo XX el porcentaje más alto, seguido de un alejado renacimiento, y muchas menos del siglo XVII, XVIII y XIX. Por consiguiente, existe un análisis con interés apreciable en el arte contemporáneo propio del siglo XX, ya sea cine o pintura de vanguardias, y con un menor interés en la cultura humanista con la llegada de la Edad Moderna y los grandes genios del renacimiento como Leonardo, El Greco, Sofonisba, Campin y Van Eyck, segundo periodo en importancia para los alumnos, demostrando lagunas en otros siglos o periodos en la historia del arte.

4. DISCUSIÓN Y CONCLUSIONES

Sorprende como Vermeer (Tabla 1), un pintor neerlandés del siglo XVII cuyos cuadros más célebres son La Lechera; Vista de Delf; El arte de la pintura y La joven de la perla, obras que a priori no están familiarizados estudiantes de Educación, indica el efecto causado durante la lección impartida cuando se recogía la mezcla de colores a través de una escena de la película del mismo nombre La joven de la perla (2003) protagonizada por una joven Scarlett Johansson.

Este indicativo es sin duda una prueba de cómo el arte cuando está bien suministrado con dosis adecuadas, el beneficio de aprendizaje y comunicativo genera una amplia visión cultural que permanece en sus vidas gracias a este tipo de prácticas que fortalecen y potencian ese lado humanista que pretendemos no abandonen y tomen conciencia del valor que supone esta educación en la sociedad.


Fig.8 Caridad y Ciencia (1897-2017) de Picasso por María Dolores Ruiz Silla. Dcha. Obra original recuperada de El

poder de la palabra, http://www.epdlp.com/cuadro.php?id=689

En estas aportaciones, piedra angular de este análisis, hemos sido parte de este nuevo conocimiento con obras tan bellas como de la artista Xi Pan o de Ferruzzi que desconocíamos, que han supuesto un crecimiento personal.

Una parte valiosa de este proyecto y que no podemos recoger aquí por su extensión es toda la justificación del por qué escogieron una u otra obra, que no todos expresan y argumentan, como el aporte en otros de los pasos o proceso hasta lograr la obra final, pero, en lo que todos coinciden es en la inmersión como apuntábamos en Los Sueños de Kurosawa.

En otro orden de cosas, respecto al arte y género, priman pintura y retrato como apuntan las estadísticas, una pintura que sigue copando la primera posición en las Bellas Artes, aun conviviendo ante todo un mundo tecnológico. Este proyecto desentraña conceptos de psicología como el Ego y el Self, definido como Sí mismo, núcleo de la personalidad de lo inconsciente y lo consciente, etc. (Tessier, 2010). Es decir, el hecho de retratarse cada alumno y hacer varios intentos e indagar en la piel de un personaje al que no conocen, estudiando poses y actitudes no deja de ser una especie de reinterpretación jugando con uno mismo que teatraliza en sus autorretratos, y llegan a lo que afirma Tessier, utilizando la fotografía investigándose a ellos mismos.

El arte más utilizado detrás de la pintura es el cine con escenas de fotogramas populares, por lo que también podemos extraer información de gustos e inclinaciones en jóvenes entre 20-25 años, que oscilan con variaciones amplias desde la ficción de La Guerra de las Galaxias hasta películas con mensajes y valores como Forrest Gump o La vida es bella, pasando por las que no son apropiadas en un público juvenil como La naranja mecánica, pero, como ya dejamos claro, existía la libertad de elección.

Con estos resultados sorprendentes y consecuentes de una práctica, se genera un impulso para avanzar en métodos grupales similares, que supongan acudir exprofeso al más próximo museo y centrarse en obras que consulten y analicen como fuente primaria.


En conclusión, acabamos conscientes de un reto en el que los alumnos han compartido vivencias con el arte y con personas que de forma directa o indirecta formaban parte del proyecto en un cúmulo de riquezas y experiencias.

Fig.9 El hijo del hombre (1964) de Magritte por Francisco Javier Santiago Martínez y Javier Lucas Morcillo. Dcha.

Obra original recuperada de Art.com, http://www.rene-magritte.com/es/el-hijo-del-hombre/

5. REFERENCIAS

Abad, J. (2011), Usos y funciones de las artes en la educación y el desarrollo humano, Jiménez, L, Aguirre, I, Pimentel L.G. (Coordinadores) Educación artística, cultura y ciudadanía, 17-24, Madrid, España: Metas Educativas 2021.

Acaso, M. y Megías, C. (2017), Art Thinking. Cómo el arte puede transformar la educación, Barce-lona, Paidós.

Celdrán, H. (2013, 09 de octubre), Yasumasa Morimura, el artista japonés que usurpa la identidad de los iconos de occidente, Diario 20 minutos, Recuperado de https://www.20minutos.es/noti-cia/1940650/0/yasumasa-morimura/disfraz-iconos-occidente/retrospectiva/

Colás Brevo, M. P. y d Pablo Pons, J. (2012), Aplicaciones de las tecnologías de la información y la comunicación en la investigación cualitativa, Revista Española de Pedagogía, Vol. 70 (251), 77-92

Fernández Cano, A. (2001) Valoración del impacto de la investigación educativa sobre la práctica docente, Revista de educación, Vol.1 (324), 155-170

Fontcuberta, J. (2017), La furia de las imágenes. Notas sobre la postfotografía, Barcelona, Galaxia Gutemberg.

Gombrich, E. H. (2014), La evidencia de las imágenes, Barcelona, Soleil.


Lipovetsky, G. (1998), El imperio de lo efímero, Barcelona, Anagrama.

Luhring Augustine, Galería de Arte, New York, Enlace Web http://www.luhringaugustine.com/art-ists/yasumasa-morimura/artworks

Moxey, K. (2015), El tiempo de lo visual. La imagen en la historia. Barcelona, San Soleil.

Ortega, L. (2012, 13 de Octubre), Hendrik kerstens, más de 15 años fotografiando a su hija al estilo de Vermeer, Xatacafoto, Recuperado de https://www.xatakafoto.com/fotografos/hendrik-ker-stens-mas-de-15-anos-fotografiando-a-su-hija-al-estilo-de-vermeer

Pérez Juste, R. (2006) La educación de calidad, una responsabilidad compartida, Revista Partici-pación educativa, Vol. 2(1), 27-34.

Tessier, H. (2010), La psicología del yo, Revista de Psicoanálisis, investigación y traducciones inéd-itas Alter, Después de Freud, Nº 6, 1-7.


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