Bajo los auspicios de

paTRociNadoR

colaBoRa

Media paRTNeR

oRgaNizaN

temporada 2017

temporada 2017

Bajo los auspicios de

paTRociNadoR

oRgaNizaN

colaBoRa

Media paRTNeR

Suono Italiano Madrid alcanza este año su tercera edición, confir-mando el antiguo y profundo compromiso de nuestro Instituto con la promoción de la música italiana en España.

Este año el ciclo se compone de seis magníficos conciertos que se irán desarrollando a lo largo de todo el 2017, a partir del 9 de febrero hasta el 15 de noviembre.

Italia, por cierto, es un lugar privilegiado en el mundo del jazz. Nombres como Paolo Fresu, Stefano Bollani o Danilo Rea son ar-tistas reconocidos a nivel mundial y que hemos tenido el honor de recibir en estos últimos años en nuestra sede. El Instituto quiere ir renovando y ampliando el programa de Suono, por lo que este año hemos introducido dos conciertos de jazz con jóvenes intérpretes. Las actuaciones correrán a cargo de un artista de reconocido talen-to como Alessandro Lanzoni, y del grupo Pescara Jazz Ensemble, máximo representante del renombrado Pescara Jazz Festival.

En el ámbito de la música clásica, presentaremos a artistas conso-lidados que nos seducirán con programas sofisticados, en los que también se interpretarán piezas de autoras contemporáneas como Silvia Colasanti, que ya hemos presentado al público español en una edición anterior de este ciclo.

Suono Italiano Madrid no sería posible sin su patrocinador UFG (Unión Fenosa Gas), que comparte con nosotros la pasión por la mú-sica y su lenguaje universal. Renovamos también la proficua cola-boración institucional con el CIDIM (Comitato Nazionale Italiano Musica), un año más. Y en fin, agradecemos de corazón el constante apoyo del siempre fiel y apasionado público de nuestro Instituto, con-fiando en que nos seguirá también durante esta nueva temporada.

Laura Pugno Directora del Instituto Italiano de Cultura

Instituto Italiano de Cultura de Madrid

StaffLaura Pugno Lillo Teodoro GuarneriMario VecchioneBeatriz CastellaryFrancesca CatalanoCarlo PatrignaniAlessandra PiconeCarolina CastellaryCarla MorpurgoSusanna PezzeiJorge AstudilloSabrina ChiriattiAlessandra Grassi

Una nueva edición del proyecto Suono Italiano que proponemos en Madrid gracias a la favorable disposición de la Directora del Instituto Italiano de Cultura, Laura Pugno, que ha querido con-formar, en el ámbito de su proyecto cultural, también este ciclo de conciertos, muy seguido y amado por el público de la capital española.

La propuesta de 2017 se enriquece respecto a la de los años ante-riores por la presencia, junto a los conciertos clásicos, de dos pro-puestas de Jazz, que permiten diversificar, también en el género, un programa siempre de calidad y que tiene como protagonistas músicos italianos de absoluto valor, cuya participación en la rese-ña contribuirá a hacer cada vez más interesante la ya siempre rica oferta musical del territorio.

Un profundo agradecimiento deseo expresar al Istituto Italiano di Cultura di Madrid, a la Direzione Generale dello Spettacolo dal Vivo del Ministero per i Beni, le Attività Culturali e il Turismo y a los responsables de Unión Fenosa Gas, cuyo apoyo concreto ha hecho posible la realización de esta temporada que, estoy seguro, será apreciada por todos los que tendrán el privilegio de participar en ella.

Como siempre, aprovecho esta ocasión para desearos un buon ascolto.

El Presidente Dott. Lucio Fumo

Quartetto NoûsTiziaNo BavieRa violín alBeRTo FRaNchiN violín saRa daMBRuoso viola ToMMaso TesiNi violonchelo

9 de FeBReRo de 2017 instituto italiano de cultura 20.00 h

Duo Paola BIoNDI & DeBora BruNIaltI Dúo pianístico (piano a cuatro manos)

paola BioNdi piano deBoRa BRuNaldi piano

16 de MaRzo de 2017 instituto italiano de cultura 20.00 h

alexaNDer GaDJIeVpiano

6 de aBRil 2017 instituto italiano de cultura 20.00 h

PesCara JaZZ eNseMBleMax ioNaTa saxo claudio FilippiNi piano giaNcaRlo alFaNi guitarra eléctrica MauRizio Rolli bajo eléctrico Nicola aNgelucci batería

25 de Mayo de 2017 instituto italiano de cultura 20.00 h

alessaNDro laNZoNIpiano

5 de ocTuBRe de 2017 instituto italiano de cultura 20.00 h

DÚo luIGI attaDeMo & sIMoNe GraMaGlIa

luigi aTTadeMo guitarra siMoNe gRaMaglia viola

15 de NovieMBRe de 2017 instituto italiano de cultura 20.00 h

10 28

16 34

2238

10 11

Programa

Silvia Colasanti (1975)“Di tumulti e d’ombre – Studio per Faust” para cuarteto de cuerda

Leos Janácek (1854-1928)Quartetto n. 2 “Lettere intime”AndanteAdagioModeratoAllegro

Dmitrij Shostakovic (1906-1975)Quartetto n. 9 en Mi bemol mayor Op. 117Moderato con motoAdagioAllegrettoAdagioAllegreto

Premio “Piero Farulli” a la mejor formación de cámara emergente en el XXXIV Premio Franco AbbiatiPremio internazionale “Arthur Rubinstein - Una Vita nella Musica”, concedido por el Teatro La Fenice de Venecia

Noûs (nùs) es un antiguo término griego cuyo significado es mente, por lo tanto racionalidad, pero también inspiración y capacidad creativa.

El Quartetto Noûs, formado por cuatro jóvenes músicos italianos, nació en 2011 en el seno del Conservatorio de la Suiza Italiana de Lugano. Asiste, en la Accademia “Walter Stauffer” de Cremona, al curso del Quartetto di Cremo-na y, en la Musik Akademie de Basilea, a la clase de Reiner Schmidt (Hagen Quartett). Asiste a cursos de perfeccionamiento en la Musikhochschule de Lübeck con Heime Müller (Artemis Quartett) y en la Escuela Reina Sofía de Madrid con Günter Pichler (Quartetto Berg). Ganador del primer premio en el Concorso Internazionale “Luigi Nono” de Venaria Reale (2011) y del “Concorso Internazionale Anemos” de Roma, en 2014 se le otorga la mención de honor en el “Sony Classical Talent Scout” de Madesimo.

En 2015 obtiene el Premio “Piero Farulli”, concedido a la mejor formación de cámara emergente del año, en el ámbito del XXXIV Premio “Franco Ab-biati”, el reconocimiento más prestigioso de la crítica musical de Italia. En el 2015 recibe además del Teatro La Fenice de Venecia el Premio “Arthur Rubinstein - Una Vita nella Musica” por haberse revelado en el curso de pocos años, como una de las formaciones más prometedoras de la música de cámara italiana y haber demostrado, en su aún breve carrera, saber afrontar la gran lite-ratura para cuarteto de manera madura, buscando una interpretación razonada y no efímera de las obras de arte del repertorio clásico-romántico y del siglo XX, prosiguiendo al mismo tiempo con una investigación seria y no episódica inclu-so en los lenguajes de la música de hoy.

Se presenta en importantes realidades musicales italianas, como la Unione Musicale de Turín, la Società del Quartetto de Milán, Bologna Festival, la So-cietà Veneziana di Concerti, la Società del Quartetto de Bérgamo, I Concerti del Quirinale en Roma, la Gog de Génova, la Acm Chamber Music de Tries-te, los Amici della Musica de Palermo, la Associazione Musicale Lucchese, las Settimane Musicali di Stresa, el Stradivari Festival de Cremona. En el ex-tranjero ha sido invitado en Alemania, Suiza e Inglaterra; tras ser seleccionado entre 74 grupos procedentes de todo el mundo, ha participado en la edición del año 2013 del “Monteleón Chamber Music Festival” de León en España. En 2013 ha sido cuarteto residente en el “Festival Ticino Musica” de Lugano. En 2016, invitado por la Korea Foundation, ha dado un concierto en Seúl en la IBK Chamber Hall del Seoul Arts Center.

Quartetto Noûs

Quartetto NoûsTiziaNo BavieRa violín alBeRTo FRaNchiN violín saRa daMBRuoso viola ToMMaso TesiNi violonchelo

9 de FeBReRo de 2017 20.00 h instituto italiano de cultura

12 13

El mito dE Faust ha tEnido un EnormE éxito En la litEratura y En El artE. El elenco de dramas, poesías, novelas, obras líricas, incluso de ballets, que lo tienen como protagonista es larguísimo. No es solo el pacto con el

diablo lo que siempre ha fascinado, sino más bien las infinitas posibilidades que se abren cuando se va más allá de los límites intelectuales y físicos del hom-bre. Di tumulti e d’ombre - Studio per Faust de Silvia Colasanti, está inspirado en el poema de Fernando Pessoa, en el que el héroe ha abandonado el ideal goethiano del Conocimiento y del Progreso para cantar la inutilidad de la vida y el terror de la muerte. En particular en el Tercer Acto de Pessoa la Inteligencia lucha para adaptarse a la Vida, representada por el amor, que se encarna en la figura femenina de Maria. ¿Qué haces? Trato de saber amar. Ha nacido muerto aquello que quise ser. Aquí la derrota de la inteligencia es flagrante. El acto se cierra con el Monologo della Notte, en el que la incapacidad de adaptación a la vida es más amarga que el fracaso de comprenderla y dirigirla. Los tumulti y las ombre de Silvia Colasanti parecen inspirarse en esta lucha eterna entre la om-nipotente fuerza del intelecto y los instintos primordiales de muerte y destruc-ción. En el Quartetto, encargado por la Accademia Nazionale de Santa Cecilia y cuyo estreno absoluto ha tenido lugar en el Parco della Musica de Roma el 28 de enero de 2011, la lucha se pone de manifiesto con impulsos lacerantes y amenazantes a los que sin embargo se ha dado extremo rigor formal. Ya en el íncipit imitativo de la partitura, interrumpido por incisivos acordes en sforzato, la compositora sugiere la idea del caos que nace de un aparente orden. A la bús-queda interior del alma sigue una sección inmóvil y estática hecha de breves células melódicas, en las que se tiene la impresión de un héroe a la búsqueda de una vía de escape. En la sección sucesiva, prisionero de su espíritu, Faust canta una melodía cargada de Sehnsucht (anhelo): la música encarna algo que permanece inalcanzable. Sigue una parte más percusiva que transborda en volutas y entrelazamientos para llegar a una suspensión embebida de ombre y tumulti y de pánico y terror. La música de Silvia Colasanti asume así una función catártica y purificadora. La parte conclusiva del cuarteto vive aún contradiccio-nes, ya que ve alternarse motivos líricos que anhelan la paz y breves incisos volantes que la niegan. El agitato final evoca el “misterio que envuelve tanto la Vida como la Inteligencia”, un misterio que según Pessoa “llega tan cerca de los ojos de mi alma que me diluyo en tinieblas y envuelto en tinieblas oscuramente me aterrorizo”.

Leos Janàček decide contar en el Secondo Quartetto su gran amor por Kami-la Stösslovà, treinta y ocho años más joven que él, y transformar en música su correspondencia amorosa. He empezado un Cuarteto, lo llamaré “Lettere d’amore”. Puedo por fin escribir música sobre ellas [...] Contendrá nuestra vida. El Cuarteto, que en principio debía llamarse Lettere d’amore, luego Ricordi di Pisek, es decir, la ciudad natal de Kamila, en la versión definitiva se titula Lettere intime. Los sentimientos y las emociones suscitadas por el amor por Kamila, han llevado a Janàček a crear un discurso musical caracterizado por conti-nuos contrastes y asociaciones de imágenes sonoras en rápido movimiento, casi queriendo representar la volubilidad de los estados amorosos. En la versión

Quartetto NoûS9 dE FEBRERo dE 2017. INSTITuTo ITALIANo dE CuLTuRA

14 15

Quartetto NoûS9 dE FEBRERo dE 2017. INSTITuTo ITALIANo dE CuLTuRA

original el cuarteto preveía simbólicamente una “viola d’amour” para la parte de la viola, como está indicado en la portada de la partitura autógrafa. Pero también abandona esta idea. Compuesto entre el 29 de enero y el 19 de febrero de 1928, es una de las últimas composiciones de Janàček, que ni siquiera tuvo tiempo de escuchar: solo seis meses después, el 12 de agosto, muere de ma-nera inesperada por un ataque de bronco-pulmonía, en una clínica de ostrava a la edad de setenta y cuatro años. de cuánto se extrae de las cartas, cada uno de los cuatro movimientos es una “ocasión sentimental” inspirada por las dife-rentes emociones e imágenes surgidas por el recuerdo de la amada. En el An-dante inicial, que evoca las impresiones del primer encuentro con la muchacha, la pasión irrumpe de manera incontrolable: sonoridades agudas, inesperadas y punzantes, arcos “sul ponticello”, contrastan con el agotamiento de melan-cólicos solos, reproduciendo el ímpetu del amor, pero también la tristeza de la distancia y del abandono. El contraste se advierte de forma particularmente fuerte gracias al inicial tema armonioso, que se contrapone a la breve melodía sin acompañamiento entonada por la viola. El segundo movimiento cuenta los acontecimientos de una estancia estival en Luhakovice en Moravia. Janàček escribía a Kamila la noche del 8 de febrero: Hoy he escrito en música mi más dulce nostalgia. Lucho con ella. Pero ella vence. Tú traes al mundo un hijo. ¿Qué destino tendría este hijo? ¿Y cuál tú misma? La música suena tal y como tú eres, sonriente y en llanto. Inicia con un aterciopelado tema que en la parte central deja su lugar a una escritura inesperadamente violenta y virtuosa, en tempo quinario, basada en escalas hexatonales. Sin embargo el conflicto dura un batir de alas: retorna el tema inicial seguido por una reminiscencia de los motivos del primer Andante. El tercer movimiento es la imagen de la amiga: la alegría que se funde con la ilusión, parecida a tu imagen. El 18 de febrero Janàček lo bauti-zaba casi con orgullo escribiendo: Hoy me he sentido como si la tierra temblara. Será el mejor. Si me saliera así de bien también el último. Expresará el temor por ti. dominado por un tema con sello schubertiano, continuamente repetido me-diante procedimientos de aumentación y disminución, se caracteriza también por la presencia de elementos danzantes y connotaciones populares. El Allegro final, una especie de rondó, tiene la función de resumir la sucesión tanto desde un punto de vista temático como dramático: se abre con un tema danzante, de carácter bárbaro, al que se contrapone un motivo de cuatro notas trinadas que recorre todo el movimiento. Se abren desgarros sonoros suspendidos y llenos de ansia que revelan el frenesí del hombre enamorado. Sobre ello escribirá: En éste último no resuena el temor por la bella mujer, sino una gran nostalgia y al mismo tiempo su satisfacción. A través de este final toma forma la timidez del músico que queda asolado ante la grandeza del amor.

También el Quartetto per archi n. 9 in mi bemolle maggiore, op. 117 es una página que contiene el alma de otro compositor, dmitri Shostakovich, el cual en una entrevista al Times de julio de 1972, afirmaba: Los cuartetos contienen mis testimonios más íntimos. Por otra parte, también para Luciano Berio, otro exponente de nuestra contemporaneidad, el cuarteto de cuerda es la formación en la que el navío de la música lanza el escandallo en el mar más profundo. de-

dicado a su mujer Irina Antonovna, el Quartetto n. 9 se expande sin solución de continuidad, casi como si quisiera expresar un flujo continuo de la conciencia. El primer movimiento, Moderato con moto, está marcado por la melodía dulce y sensual del primer violín, que contrasta con el tema de ritmo muy escandido confiado al violonchelo. El pasaje de una sección a otra, de un tema al sucesivo nunca es brusco y el discurso musical de este primer tiempo, como el de todo el Quartetto, es fluido y discurre en un juego ininterrumpido de emociones. El Adagio resuena con sensibilidad tardo-romántica gracias al tema triste y me-lancólico de la viola que cita la nana del Wozzeck, al cual responde un motivo expresivo en estilo recitativo del violín, más luminoso y optimista. El Scherzo cae sobre el oyente de improviso con una serie de pasajes brillantes, ligeros y vivaces. En el Notturno, en el que Shostakovich retoma el tema del precedente Adagio, se pueden percibir tres elementos expresivos: el canto elegíaco que parece una oración, los dolientes recitativos del violín y de la viola que cuentan el tormento del alma y los acordes “pizzicati”, separados por pausas que con-fieren misterio. El Allegro final, el movimiento más complejo del cuarteto, pone de manifiesto la vena irónica del compositor, gracias a episodios contrastantes y diferentes tipos de escritura. Tras una última pausa meditativa, en la que apa-rece fácilmente identificable el “motto iniziale”, el Quartetto se cierra de manera brillante, con una vivaz propulsión rítmica.

Chiara MaCrì

16 17

Paola y Debora estudian en Génova, en la Escuela de Lidia Arcuri con quien empiezan a tocar en dúo desde los primeros años de Conservatorio. En su formación son decisivos los estudios y encuentros con Alfons Kontarsky en el Mozarteum de Salzsburgo, Dario de Rosa y Maureen Jones en la Scuola di Musica de Fiesole y Katia Labeque en la Accademia Chigiana de Siena. Han realizado tourneés en todo el mundo, tocando en los Festivales y Asocia-ciones Nacionales e Internacionales más importantes. Es de señalar su debut en el Conservatorio de Sydney y seguidamente en la histórica Sala Rachma-ninoff del Conservatorio Tchaikovsky de Moscú.

Su repertorio va de la música clásica y romántica a la del siglo XX y de los compositores contemporáneos. Han tenido el privilegio de colaborar con H. Dufourt que les ha dedicado a ellas “Soleil de proie”, interpretada en estreno absoluto en la Palazzina Liberty de Milán para Musica e Realtà. Azio Corghi ha compuesto para ellas “It’s bis” interpretada en directo en Euroradio desde la Cappella Paolina de Roma, para los Concerti del Quirinale. También con Azio Corghi, y junto al actor Bustric (Sergio Bini) y al ensemble de percusión Naqqara de Maurizio Ben Omar, realizan el espectáculo “Un petit train de plaisir” debutando en la Accademia Chigiana de Siena. Con esta producción llevan a cabo una tournée organizada por el Cidim en Sudamérica y en Alba-nia, e inauguran además el Festival Spontini Pergolesi. Crean varios espectá-culos musicales interactuando con teatro, danza y poesía. Nacen así “Nuvolo e Musica”, en cartel en la temporada del Parco della Musica de Roma; “Va-rietè degli animali” para la Gog de Génova y “L’origine du monde” sobre las poesías de Alda Merini, para el Festival del Mediterraneo.

El encuentro con Giorgio Gaslini las conduce a la creación de “Peintres au cafè-sonnant”, que interpretan junto a Maurizio Ben Omar (en la percusión) en la Casa del Jazz en Roma y en el espacio “Thetis”, en la 52ª Esposizione Inter-nazionale d’Arte en Venecia, dentro de la exposición dedicada a Joseph Beuys.

Participan en el Festival Mito en Milán con “Ritual”, también con Gior-gio Gaslini y, al mismo tiempo, graban un vídeo bajo la dirección de Fran-cesco Leprino.

Han grabado para la Rai participando en el festival “Cervia in Festival” y en retransmisiones en directo (Radio 3 suite, Concerti del Quirinale). Y más recientemente han grabado el Concierto para dos pianos y orquesta de F. Pou-lenc con la Orquesta de la Radio Suiza Italiana, dirigida por Tito Ceccherini, y publicada por la revista musical Amadeus, y “Soleil de proie” de Hugues Dufourt con la revista musical Suono Sonda. Han grabado obras de Kurtag, Ligeti y Berio obteniendo el reconocimiento de las revistas musicales más prestigiosas (Diapason, Le Monde de la Musique).

Duo Paola BIoNDI & DeBora BruNIaltI

Programa

György Kurtág (1926)De JátékokFiori noi siamo CinguettandoBarcollandoCanone con nebbiaMelodia con svolte

Maurice Ravel (1875-1937)Rapsodie espagnole

Constant Lambert (1905-1951)Trois pièces nègres, pour les touches blanches

Manuel de Falla (1876-1946)De La vida breveDanza española n. 1

Aurelio Canonici (1965)De Between Earth and HeavenPaesaggio minimaleMedieval loopMy windRiseGirasoleMigrationVolo di farfalleYou are both flyingFiestaDriving back home

Duo Paola BIoNDI & DeBora BruNIaltI Dúo pianístico (piano a cuatro manos)

paola BioNdi pianodeBoRa BRuNaldi piano

16 de MaRzo de 2017 20.00 h instituto italiano de cultura

18 19

Duo Paola BIoNDI & DeBora BruNIaltI16 dE MARzo dE 2017. INSTITuTo ITALIANo dE CuLTuRA

Játékok dE GyörGy KurtáG no Es, como crEEn alGunos, un método para Estudiar piano concebido para jóvenes alumnos, sino una obra, según palabras del compositor, sugerida por el niño que se olvida de sí mismo mientras

toca; ese niño para el que el instrumento es aún un juego. Los Játékok tienen su origen en 1973 y constituyen un verdadero y preciso work in progress aún hoy susceptible a cambios. Actualmente la colección contiene algunos cente-nares de piezas para piano a cuatro manos y solista. Se trata de hecho de una obra que toma los movimientos de la observación de las experiencias infantiles alrededor de la música y que trata de exorcizar tales experiencias a través de la recuperación de la memoria de los traumas de quien se acerca a la música aún a una edad temprana. La memorización de las escalas, el conteo de los ritmos, el acercamiento retardado con el sonido se superan por el uso casi liberatorio del teclado, por ejemplo a través de la utilización de los cluster con el fin de involucrar inmediatamente la experiencia sonora. Para Kurtág, comprender la música significa aprehender su sentido global, casi elaborando una representa-ción mental capaz de gobernar las habilidades cognitivas y motoras puestas en acción en los procesos de compresión, aprovechamiento y ejecución de la mú-sica. Crea así un mosaico musical constituido por decenas de teselas hetero-géneas acostadas una a la otra casi sin solución de continuidad. Naturalmente para el concierto, el dúo propone una elección de la colección completa de los “juegos”, que provee una muestra única y preciosa del arte de György Kurtág.

El núcleo generador de la Rapsodie espagnole de Maurice Ravel es una Ha-banera para dos pianos compuesta en 1885, que nunca fue publicada como pieza sola. En octubre de 1907, Ravel añadió otras tres piezas y cuatro meses después realiza la versión orquestal con la que hoy la pieza es conocida por el gran público. En el intervalo de tiempo transcurrido entre la composición de la Habanera y la versión completa en cuatro movimientos de la Rapsodia, Claude debussy publica la Suite para piano, Estampes (1903), en que apare-ce, en la pieza Soirée dans Grenade, un tema español en el que se nota una fuerte influencia de la pieza de Ravel. Parece, de hecho, que debussy hubiera pedido prestado a su colega copia de la partitura. Precisamente es el piano el instrumento sobre el que tomaban cuerpo las ideas de Ravel. Todas las com-posiciones para gran orquesta, con excepción del Boléro, conocen su primera versión en el teclado. El Prelude à la nuit, lleva la indicación très modéré. La pieza entera es, en efecto, tranquila y la sonoridad no supera nunca el mezzo forte. Como ocurre en los cuartetos para cuerda, Ravel presenta los temas en apertura del movimiento. En particular emerge la repetición del diseño casi minimalista formado por cuatro - fa, mi, re, do diesis. Analizando el repertorio de Ravel se puede comprender cómo la repetición, la iteración de un motivo no representaba para él solo color o pasión, más bien asumía la función de rito propiciatorio tribal. La suspensión del tiempo efectuada por la repetición ingresa con Ravel en la música moderna y se plantea como antídoto a lo percusivo y alienante del ritmo Novecentesco. El significado de Malagueña, el más breve de los componentes de la Rapsodia, marcado con assez vif, se refiere a una danza típica española: el flamenco proveniente de Málaga. Pero

20 21

Duo Paola BIoNDI & DeBora BruNIaltI

con el flamenco de Málaga, Ravel tiene en común solo el tiempo 3/4, ya que según Noël Goodwin ésta es más una evocación romántica del lugar y de la atmósfera de la ciudad andaluza que estilización verdadera de la danza. En Malagueña, como una obsesión, vuelven las cuatro notas de la idea genera-dora del primer movimiento, que llevan a la conclusión de la pieza. Sobre la Habanera, llena de extrañeza y de misterio gracias a las insistentes pausas y suspensiones, Ravel escribe muy claro el año, 1895, queriendo mandar un mensaje a debussy, que en su Soirée dans Grenade se había inspirado en ella. El tiempo de 2/4 oscila entre la tonalidad de Fa diésis mayor y menor y lleva la indicación assez lent et d’un rythme las, que traducido resulta ser cansado. Goodwin considera que en ella suena el carácter y el espíritu de los españoles. Feria final, en 6/8 y en do mayor, es assez animé. Es la pieza más larga de las cuatro y la única en la que Ravel consiente al espíritu, hasta ahora reprimido, estallar con energía. La atmósfera carnavalesca y ruidosa tiene matices de nostalgia, pero la alegría triunfa exuberante y la obra se concluye con un estallido orquestal.

Hijo de un pintor australiano de origen ruso, Constant Lambert se forma en el Royal College of Music. Niño prodigio, escribe sus primeras obras para or-questa a la edad de 13 años y a los 20 recibe el encargo de Sergei diaghilev, el famoso empresario de los Ballets Russes, de escribir un ballet, Romeo e Giulietta. En el curso de la actividad compositiva ha demostrado gran interés por la música afro-americana, como resulta de su pieza sinfónica más célebre The Rio Grande. También las Trois pièces nègres pour les touches blanches denotan esta influencia, sobre todo por el vivaz uso rítmico lleno de síncopas. Encargo de la International Society for Contemporary Music y dedicadas a Edward Clark, las Trois pièces se ejecutan el 17 mayo de 1949 por el dúo for-

mado por Mary y Geraldine Peppin. Escritas en la tonadidad de do mayor para evitar cualquier tecla negra, como sugiere el título, éstos se abren con un vivaz Aubade, que lleva la indicación vif et nerveux, inspirado en la antigua canción de los trovadores en la que dos amantes dialogan al alba y mientras uno dice que el sol está llegando y hay que separarse, el otro insiste en quedarse. La estructura prevé un estribillo en el que la guardia advierte a los amantes la proximidad del día. La segunda pieza, Siesta (calme) tiene un desarrollo más relajado y la melodía recuerda al tema principal de El amor brujo de Falla. El contraste es fuerte con el Nocturne (nochalant, langoureux) con el que conclu-ye, con ritmo sincopado que recuerda a la rumba, popular danza jamaicana.

La vida breve, obra en dos actos de Manuel de Falla sobre el libreto de Carlos Fernández Shaw, representada en Niza por primera vez en 1913, narra la his-toria de una bella y joven gitana, Salud, que está enamorada del joven Paco. Salud no sabe nada del hecho de que Paco está ya comprometido. Cuando descubre la verdad, decide sabotear la boda del amado y se le enfrenta delan-te de la esposa incrédula y de los invitados a la boda: él niega conocerla pro-duciéndole a ella un gran dolor. Entonces la joven cae muerta a sus pies como último gesto de amor. de esta obra breve, de máximo una hora de duración, a menudo se interpretan solo algunas danzas y el interludio. La más célebre es la primera, la Danza española en cuyo estribillo se reconoce el leit motiv de La vita è bella, banda sonora de la película de Roberto Benigni, premiada con el oscar a la música.

El director de orquesta y compositor Aurelio Canonici, uno de los músicos con-temporáneos más activos, ha presentado recientemente el Cd Between Earth and Heaven. El mismo Canonici, en las notas de introducción del Cd, explica los contenidos de las piezas que el más excitante dúo de piano del momento, Paola Biondi y debora Brunialti, interpretará como cierre del concierto. Cada pieza de este trabajo discográfico refleja cada una de las veces un aspecto singular de mi formación, de mis intereses, de mi actividad, formando refrac-ciones de un caleidoscopio heterogéneo y colorido. Una parte consiste en mi quehacer musical ligado a la dirección: música sinfónica, lírica, sacra, contem-poránea, bandas sonoras, “contaminaciones” con jazz y rock. Todo este mun-do sonoro es cotidianamente vivido, filtrado y absorbido, y confluye, claramen-te, en mi personal lenguaje compositivo. Algunas piezas reflejan los aspectos más cultos y el amor que profeso por grandes figuras del pasado, aspectos que descubro a posteriori, volviéndolos a escuchar. El titulo del CD refleja el juicio y la emoción suscitados por mi música en el público y en los músicos que las han interpretado: según sus descripciones, se trata de una música, de un lado muy espiritual (pero no por ello enrarecida) y, por otro, rica también de una “terrestre” carnalidad y sensualidad (y también en este caso, sin llegar hasta el extremo en la dimensión terrenal). Una música que se encuentra de manera ideal a mitad de camino entre la Tierra y… el Espíritu.

Chiara MaCrì

16 dE MARzo dE 2017. INSTITuTo ITALIANo dE CuLTuRA

22 23

1° Premio “Hamamatsu International Piano Competition”

Alexander Gadjiev nació en 1994 en Gorizia en una familia de músicos. Inició los estudios de piano a los 5 años de edad con su madre, la profesora Ingrid Silic. Siguió los estudios a continuación con su padre, Sia-vush Gadjiev, notable docente ruso, finalizándolos con la máxima puntua-ción, cum laude y mención especial en el Conservatorio Bruno Maderna de Cesena.

Alexander, se ha afirmado en numerosos concursos juveniles, en junio de 2012 ha ganado la IX edición del “Premio delle Arti”, en noviembre de 2014 la XXX edición del prestigioso “Premio Venezia” y en diciembre de 2015 el Primer Premio y el Premio del Público de la Novena edición del prestigioso “Hamamatsu International Piano Competition” en Japón, uno de los concur-sos mundiales más importantes. El jurado, presidido por Akiko Ebi, estaba compuesto por grandes personalidades del panorama musical como Martha Argerich, Sergey Babayan, Pavel Nersessyan, Andrej Jasinskij y muchas otras. Invitado en las principales sociedades concertísticas italianas, ha iniciado una vivaz actividad internacional también como solista con la orquesta. En este ámbito, es de destacar el concierto ejecutado en abril de 2015 con la Orchestra del Teatro la Fenice, bajo la dirección del Maestro Yuri Temirkanov, en el que interpretó el Concierto n. 1 de Shostakovich

En el otoño de 2015 ha dado recitales solistas en importantes temporadas concertísticas como el festival “MiTo” en Turín, el “Festival Pianistico” del Ridotto del Teatro Verdi de Trieste y “Pordenone legge” en el Teatro Comu-nale de Pordenone. En noviembre de 2015 ha debutado en un recital solista en la Sala Grande de la Filarmonía de Ljubljana.

alexaNDer GaDJIeVPrograma

Robert Schumann (1886-1963)Kreisleriana. Ocho fantasías para piano, op. 16Ausserst bewegt (re menor)Sehr innig (Si bemol mayor)Sehr aufgeregt (sol menor)Sehr langsam (Si bemol mayor)Sehr lebhaft (sol menor)Sehr langsam (Si bemol mayor)Sehr rasch (do menor)Schnell und spielend (sol menor)

Franz Liszt (1811-1886)Sonetti del Petrarca 47, 104, 123

Franz Liszt (1811-1886)Sonata quasi una fantasia “Dante”

alexaNdeR gadjiev piano

6 de aBRil 2017 20.00 h instituto italiano de cultura

24 25

alexaNDer GaDJIeV6 dE ABRIL dE 2017. INSTITuTo ITALIANo dE CuLTuRA

En kreisleriana robErt schumann ponE todo dE sí mismo, tanto como para Escribir en las páginas de Neue Zeitschrìft für Musik: De todas las composiciones de los años entorno a 1838, Kreisleriana es para mí la más querida. El

título solo lo pueden entender los alemanes. Kreisler es un personaje creado por E.T.A. Hoffmann, es un maestro de capilla extraño, exaltado, espiritual. Muchas cosas de él os gustarán... Schumann está fascinado por este personaje ator-mentado y fantástico, genial y demoníaco, con el que encuentra una sintonía absoluta, hasta tal punto que la Kreisleriana puede ser entendida como su au-toretrato musical. Incluso escribe en algunas cartas a Clara Wieck: Desde que has recibido mi última carta, he terminado una serie de piezas nuevas: yo las llamo ‘Kreisleriana’. Tú y el pensamiento sobre ti las domináis completamente, y yo quiero dedicártelas, a ti y a nadie más… Mi música me parece ahora tan maravillosamente realizada, tan sencilla y proveniente del corazón… He pasado tres maravillosas jornadas de primavera esperando tu mensaje. Luego he es-crito Kreisleriana en cuatro días: mundos totalmente nuevos se abren ante mí. No obstante sus intenciones, al final el ciclo fue publicado con la dedicatoria “al amigo F. Chopin” y el subtítulo Phantasien. Schumann se identifica, pues, con el protagonista del Gatto Murr de Hoffmann, Kreisler, artista en lucha con la realidad y con el ánimo lacerado por conflictos interiores. Hoffmann indaga-ba así sobre la condición de músico romántico, profesional libre en constante lucha por la supervivencia. Schumann ve en Kreisler la lucha librada con Wieck que se oponía al matrimonio con la joven Clara. una lucha que llevó a Schu-mann a demostrar ante un tribunal que podía hacerse cargo de la manutención de una familia y de mantener a su amada. El ciclo se compone de ocho piezas, poniendo de manifiesto la doble alma de Schumann: inquieta y exaltada, de una parte, calmada y soñadora, de la otra. Los números pares responden a la primera tendencia, mientras los impares son la expresión de la segunda. Incluso las tonalidades utilizadas parecen satisfacer una estética de lo doble: en menor las piezas pares, en mayor las otras. La primera pieza, Agitatissimo, tiene forma bitemática tripartita: la parte A es un vórtice angustioso compuesto de sufrimientos interiores y la B se abre a un canto que querría ser de conforto, pero que se injerta sobre figuraciones siempre agitadas y borrosas, tanto como para recapitular en el vórtice inicial. El segundo, Assai intimo e non troppo velo-ce, se articula en la sucessión de A-B-A-C-A. La sección A se basa en una me-lodía de gran amplitud típicamente schumanniana, una “música sencilla que proviene directamente del corazón”; los intermedios B y C encarnan el tormento de Schumann. El tercero, Molto agitato, también en forma A-B-A, empieza de modo agitado y frenético, respaldado por los staccati en el registro bajo, pero se calma en una delicada figuración en la parte central. El cuarto, Molto adagio, es el canto de Eusebius, el otro personaje que encarna el lado melancólico y dulce del alma de Schumann: una frase de gran amplitud constelada de una vena de tristeza que, sin embargo se diluye en la sección central, para volver a aparecer en la conclusión. El quinto, Molto vivace, parece encarnar la locura del compositor: la forma A-B-A-C-d-C-B-A es imprevisible y cambiante, así como el ritmo en continuo cambio. El sexto, Molto adagio, A-B-A-C-A, se abre con una de las melodías más cálidas e intensas que haya escrito nunca Schumann,

26 27

alexaNDer GaDJIeV

que recuerda lo dramático de las baladas populares y los temas de Eusebio ya utilizados en el Carnaval op. 9. El séptimo, Molto presto, interrumpe la calma y lanza al oyente de nuevo al tumulto de las pasiones, con rápidas figuraciones ascendentes y descendentes. En la última pieza, Vivace e giocoso, la escritura pianística es muy interesante: en un pianissimo extremo se superponen soni-dos mantenidos en el registro grave y staccatissimi en el registro medio. El ritmo obsesivo imita casi una cabalgada nocturna en busca de visiones misteriosas y oscuras.

Tres recopilaciones de Franz Liszt tienen el título de Années de pèlerinage. La primera, referida a Suiza, es de inspiración paisajista, la segunda y la tercera, referidas a Italia, son de inspiración pictórico-literaria y también simbolista. Se puede decir que en los Anni di pellegrinaggio, Liszt escriba una especie de dia-rio de viaje, en el que el extremado dominio del lenguaje instrumental se conju-ga con una aguda capacidad de penetración en la cultura y en las característi-cas de las fuentes que lo inspiran. desde la primavera del año 1837 a octubre de 1839 Liszt permanece en Italia, visita muchos museos y conoce su cultura: aprende a amar a dante y Petrarca, que lee en compañía de su compañera de entonces, Marie d’Agoult, profunda conocedora del italiano. El compositor húngaro consigue hacernos apreciar aún más la poesía de las obras maestras de dante y de Petrarca, transcribiéndolas a la música con gran sensibilidad. Escribe en música tres Sonetti del Petrarca, primero en una versión para canto y piano, luego en las más conocidas transcripciones para piano solo. Es nota-ble aquí la unión de la música a los valores emocionales del texto literario. El Sonetto 47, “Benedetto sia ‘l giorno”, representa perfectamente la exaltación y el impulso del enamoramiento a través de una melodía muy expresiva y sen-sual, llena de tensión y claroscuros que preanuncian el Tannhäuser compuesto algunos años más tarde por Wagner. El segundo Sonetto, “Pace non trovo”, es invadido en cambio por los contrastes y saltos emotivos, causados por un amor no correspondido y trasladados en música con un empleo valiente y moderno de la armonía. Es un recitativo patético que luego adquiere una intensidad y un impulso cantabile tal que hace emerger en toda su controversia el alma pianís-tica lisztiana. Absolutamente contrastante es el tercer Sonetto, “Io vidi in terra”, de atmósfera enrarecida y paradisíaca surgida de una visión idealizada y plató-nica del sentimiento amoroso. La sublimación de la pasión está representada por una cuidadísima búsqueda tímbrica: el piano es fuente de sonoridades im-palpables y celestiales que anticipan las conquistas del impresionismo francés.

En cuanto a dante, las reacciones derivadas de la lectura directa del texto se amplifican en el ánimo del compositor con las sugestiones de otro célebre artista, Víctor Hugo. También él escribió una poesía sobre el poema de dante y le dio precisamente el título, Après una lecture de Dante (de la recopilación Le voix interieurs, 1837) que Liszt ha retomado con evidente explícita referencia. de la Comedia dantesca, como es sabido, era el Infierno, con su vivo efecto dramático, el más idóneo para provocar más profundamente la sensibilidad ro-mántica. Y es, de hecho, el dolor del Infierno, hasta el rayo de serenidad final, lo que pinta Víctor Hugo en su poesía. Liszt consigue representar el clima oscuro y devastado del Infierno, los lamentos de los condenados, la mirada de pavor y

6 dE ABRIL dE 2017. INSTITuTo ITALIANo dE CuLTuRA

consternación de dante Hay que decir, sin embargo, que no se trata de música programática, y que Liszt no ha declarado ninguna referencia explícita a per-sonajes o episodios de la Divina Commedia. Sin embargo, en la sección central de la pieza, parece claramente reconocible el episodio de Paolo y Francesca, y la mirada de dios es igualmente perceptible en la parte conclusiva, en la cual el tema coral, ya escuchado en precedencia, vuelve con una luz impetuosa, casi a subrayar la omnipotencia de dios y su definitivo triunfo sobre el Mal.

En su conjunto es una pieza muy estructurada, organizada sobre tres temas profundamente diferentes por su carácter, que reflejan la dialéctica romántica basada en el contraste. La primera versión, del año 1837, se titulaba Paralipo-meni alla Divina Commedia-Fantasia sinfonica, es decir “apéndice que contiene cosas sin completar”. desde el punto de vista constructivo, el timbre de “vien-to” inicial sirve de motivo conector entre los varios episodios. En esta obra se yergue prepotente otra gran figura de artista. Se trata de Ludwig van Beethoven, el poderoso dramaturgo y constructor de música. Su presencia se revela por el subtítulo Fantasia-quasi Sonata (que recuerda la beethoveniana obra conocida como Al chiaro di luna) y de las asonancias de los timbres iniciales de la pieza lisztiana con el majestuoso íncipit de la Sonata 111 del compositor alemán..

Chiara MaCrì

2928

jazz

Tras el éxito obtenido en Estados Unidos, los cinco extraordinarios músicos proponen al público un repertorio rico y emocionante, compuesto por temas de Alfredo Impullitti, Maurizio Rolli y también de standard con arreglos de esta sorprendente formación.

Max Ionata está considerado como uno de los saxofonistas más más interesantes del panorama jazzístico italiano. Tras trasladarse a Roma, empezó su carrera profesional haciendo acopio de éxitos y elogios por parte de la crítica y del público. Ha tocado en algunos de los clubs de jazz y festiva-les más importantes del mundo y ha colaborado con grandes músicos, entre otros: Robin Eubanks, Reuben Rogers, Clarence Penn, Lenny White, Ste-ve Grossman, Mike Stern, Bob Mintzer, Bob Franceschini, Hiram Bullock, Joel Frahm, Miles Griffith, Anthony Pinciotti, Roberto Gatto, Dado Moroni, Gegè Telesforo, Giovanni Tommaso, Flavio Boltro, Furio Di Castri, Fabrizio Bosso, Lorenzo Tucci, Rosario Bonaccorso, Mario Biondi, Renzo Arbore y muchos otros.

Lleva a cabo una intensa actividad de conciertos y discográfica en Italia y en el extranjero, en especial en Japón, donde goza de una notable fama artística.Además de dirigir diferentes proyectos en primera persona, colabora de ma-nera estable con algunos de los mejores músicos de la escena internacional. Ha obtenido, entre los reconocimientos internacionales: el premio “Massimo Urbani” en la sección de viento y primer premio del Concurso Nacional de Jazz “Baronissi” en el año 2000, premio del público del concurso internacio-nal “Tramplin Jazz D’Avignon” en Francia, en 2002. La importante revista japonesa “Jazzlife”, además de haberle dedicado un importante espacio en el número especial “Jazz horn 2010” con una entrevista, lo ha señalado como “uno de esos saxofonistas que han abierto una nueva frontera en el jazz”.

Claudio Filippini, se diplomó muy joven en el Conservatorio “G. B. Pergolesi” de Fermo. Durante su trayectoria de estudios tuvo la opor-tunidad de encontrarse con músicos como Kenny Barron, George Cables, Jimmy Owens, Joey Calderazzo, Enrico Pieranunzi, Franco D’Andrea, Otma-ro Ruiz, Stefano Bollani, Stefano Battaglia. Con 17 años obtuvo su primera beca para el Columbia College Of Music de Chicago y a continuación le concedieron la beca de estudio de los Seminari Senesi di Musica Jazz en el año 2000 y del Workshop We Love Jazz con Kenny Barron en el 2001; siguió el 1° premio del Concorso Europeo para piano solo Yamaha Music Foundation Of Europe 2002 y el Premio Massimo Urbani 2003 (Jurado y Público). En los últimos años ha actuado en nume-rosos festivales en todo el mundo, entre los cuales se cuentan Umbria Jazz (Perugia), Sweet Rhythm (Nueva York), Jazz Showcase (Chicago), Blue Note Jazz Club (Nagoya y Tokyo) Ronnie Scott’s (Londres) Pearl’s (San Francisco)

PesCara JaZZ eNseMBle

PesCara jazz eNsemBleMax ioNaTa saxo claudio FilippiNi piano giaNcaRlo alFaNi guitarra eléctrica MauRizio Rolli bajo eléctrico Nicola aNgelucci batería

25 de Mayo de 2017 20.00 h instituto italiano de cultura

30 31

Istanbul Jazz Center. En 2007 entró a formar parte del cuarteto de Maria Pia De Vito y del quinteto Apogeo de Giovanni Tommaso. En 2010 estuvo con Mario Biondi en la tournée «Spazio Tempo», tournée que incluía a las prin-cipales ciudades italianas y extranjeras. En 2011 publicó, para el prestigioso sello Cam Jazz, el CD “The Enchanted Garden”, grabado en trío con Luca Bulgarelli y Marcello Di Leonardo. Enrico Pierannunzi, en la presentación del disco ha escrito refiriéndose a Filippini: ”Claudio’s improvisations reveal to us a language of beauty, generating music of such density and intensity... Bravo!” El mismo año, con Fabrizio Bosso, grabó el CD “Enchantment”, ho-menaje a Nino Rota, en los Air Studios de Londres con la London Symphony Orchestra. También para Cam Jazz, en 2012 publicó junto a Fulvio Sigurtà el álbum “Through the Jorney”, grabado en Alemania en los maravillosos Bauer Studios de Ludwigsburg. En abril de 2012 Claudio volvió a Chicago para una serie de conciertos junto a Max Ionata, Maurizio Rolli y Nicola Angelucci y en mayo viajó a Japón junto a Fabrizio Bosso para una mini tournée del pro-yecto “Enchantment”.Actualmente actúa junto a Giovanni Tommaso, Maria Pia De Vito, Battista Lena, Roberto Gatto, Enzo Pietropaoli, Francesco Bearzatti, Bebo Ferra, Fa-brizio Bosso, Daniele Scannapieco, Lorenzo Tucci, Giovanni Amato, Max Ionata, Gaetano Partipilo, Nicola Conte, Dario Deidda, Nick “The Nightfly”, Stefano Di Battista, Dario Rosciglione, Fabio Zeppetella, Alfredo Paixao e Israel Varela.

Giancarlo Alfani, empezó a estudiar guitarra con 23 años y, en su itinerario de estudio asistió a numerosos seminarios impartidos, entre otros, por Scott Henderson, Gary Willis, Mike Stern, James Findlay, Barret Taglia-rino, Tony De Caprio, J. Stowell. Ha sido profesor de guitarra moderna en la escuela de música “V. Menna” de Pescara, en la “Accademia Musicale Ates-sana (AMA)” y en la ”Accademia musicale Pescarese (AMP)”. En 1999 obtu-vo una beca de estudio del Columbia College de Chicago y en tal ocasión tuvo la oportunidad de estudiar, entre otros, con Bill Russo, Scott Hall, Frank Dawson, Ted Hodgart. En Agosto de 2000 fue uno de los 10 seleccionados entre los participantes en el concurso nacional de guitarristas de jazz “Eddie Lang” de Monteroduni, clasificándose 4° y en Junio de 2002 le concedieron el segundo premio del concurso nacional “Baronissi Jazz”. Giancarlo Alfa-ni ha tocado en numerosos festivales nacionales e internacionales: Pescara jazz 1999, 2001, Atessa Jazz 2001, Città Ducale in Jazz 2002, S. Anna Arresi 2002, Una striscia di terra feconda (Roma) 2003, Festival Villa Arconati (Mi) “Noi Bassisti in Villa” 2004 y 2005, BeatOnto Jazz 2005, Spoltore Ensemble 2006, Ripatransone 2007, Castelbasso 2008. Actualmente colabora con la Big Band de Maurizio Rolli con la que acaba de grabar el CD “Rolli’s tones”, para el sello Wide Sound. Gracias a esta colaboración ha tenido el honor de tocar con monstruos sagrados del jazz mundial como Peter Erskine, Hi-ram Bullock, Bob Mintzer, Bob Franceschini, Michael Manring, Gianluigi

PeSCara JaZZ eNSeMBle25 dE MAYo dE 2017. INSTITuTo ITALIANo dE CuLTuRA

Trovesi, Fabrizio Bosso, Massimo Manzi. Ha militado además en diferentes formaciones en las que se han alternado músicos de grandísimo valor: Jim Gailloreto, Israel Varela, Maurizio Rolli, Diana Torto, Angelo Canelli, Max Ionata, Claudio Filippini, por citar algunos.

Maurizio Rolli es, además de bajo eléctrico y contrabajista, arreglista, compositor y profesor y ha colaborado y colabora, en directo y en estudio en sus diferentes roles con: Vince Mendoza, Chaka Khan, Metropole Orches-tra, Omar Hakim, Rachel Z, Jim Hall, Mike Stern, Peter Erskine, Bob Mint-zer, Dave Liebman, Alex Acuña, Hiram Bullock, Michael Manring, Otmaro Ruiz, y muchos otros. Desde septiembre de 2000 está al frente de la Rolli’s tones Big band para la que compone y arregla el repertorio y se encarga del grupo y de la gestión de los conciertos. Con esta formación ha grabado un tri-buto a la música de Jaco Pastorius (con la participación de Michael Manring y Mike Stern) titulado “Moodswings” y otro, “Rolli’s tones”, con invitados del calibre de Peter Erskine, Mike Stern, Hiram Bullock entre otros, gracias al cual ha iniciado la colaboración con célebres orquestas de fama internacional, como la Metropole Orchestra (dirigida por Vince Mendoza), la Chicago Jazz University Big band (dirigida durante años por Bill Russo) y la orquesta de cámara «I Pomeriggi Musicali» con la dirección artística del gran compositor Ivan Fedele. Ha participado en los festivales internacionales de Bratislava Jazz Days, Jaco Pastorius Bithday Bash (Fort Lauderdale - invitado por la familia Pastorius), Bass day UK (Manchester), Grenoble, Timisoara, Jazz expo de Ca-gliari, Villacelimontana, S. Anna Arresi (2002), «Una striscia di terra feconda» (Roma), Pescara Jazz (2009), solo por citar algunos. Es, además, endorser de “Markbass”, “Furlanetto”, “Galli strings” y “Mayones”, que ha producido el bajo fretless “Maurizio Rolli Signature”.

Nicola Angelucci. “El mejor bateria con el que he tocado en Europa” (Benny Golson). Nacido en 1979, empezó muy joven (en Abruzzo, su tierra natal) el estudio de la batería con el percusionista Alberto Biondi. Se traslada a Roma en el año 2000 y en la capital perfecciona sus estudios de jazz con Lorenzo Tucci y con el pianista Luca Mannutza. Músico con una experiencia ya indiscutible, sideman de muchos de los líderes de jazz más interesantes, como Benny Golson (con el que colabora desde 2004 junto al trío del pianista Antonio Ciacca), Steve Grossman, Sonny Fortune, Wess An-derson, Jeremy Pelt, Joel Frahm, Andy Gravish, Jim Rotondi, Alex Sipiagin, Sam Yahel, Aaron Goldberg, Larry Granadier, Peter Bernstein, Dave Kikoski, John Hicks, George Garzone, Joey De Francesco. Nicola ha sido miembro del trío de Enrico Pieranunzi; del “live tour” 2008 de Mario Biondi y actual-mente forma parte de diferentes proyectos, como por ejemplo la banda de Ro-sario Bonaccorso, Max Ionata, Luca Mannutza, Giovanni Mazzarino, Paolo

32 33

cinco Extraordinarios músicos, compositorEs dE talEnto, quE dEsdE 1999 llevan adelante el proyecto, unido a uno de los Festivales más longevos de toda Europa, el Pescara Jazz.

Como homenaje al Festival, el quinteto propone composiciones originales que funden el be bop de ultramar con el alma mediterránea de su territorio común, una música de “confín” que utiliza la modernidad de los sonidos eléctricos para extender la gama dinámica y las voces en el interior de cada pieza.

Cada composición es un viaje hacia metas siempre diferentes gracias a la inte-racción de los 5 artistas, que desde hace ya más de 20 años siguen experimen-tando y divirtiéndose juntos.

PeSCara JaZZ eNSeMBle25 dE MAYo dE 2017. INSTITuTo ITALIANo dE CuLTuRA

Recchia, con los que ha grabado varios discos. Otras grabaciones/colaboracio-nes han sido con Francesco Cafiso, Bob Mintzer, Mike Stern, Fabrizio Bosso, Dado Moroni, Gabriele Mirabassi, Maurizio Rolli, Maurizio Giammarco, Javier Girotto, Stefania Tallini. Ha obtenido numerosos premios y becas, en-tre éstas una beca de estudio en el prestigioso Columbia College de Chicago en el 2000, ganó el concurso “Baronissi Jazz” en el 2000 y 2004, el “Gran Prix du Public” en el “Tramplin Jazz d’Avignon” en 2002 y el “26th Hoeilaart Jazz Contest” en Bélgica en 2004. Docente de los seminarios de “Orsara Jazz” (FG) 2005-2006, director artístico de “Altino Jazz” (CH) y endorser de las baquetas Agner. A pesar de su juventud tiene en su haber alrededor de 30 discos como sideman. Su primer trabajo como líder ha sido publicado en 2010, por la Via Veneto Jazz, y tiene por título “The First One”, con Sam Ya-hel al órgano y piano, Jeremy Pelt a la trompeta, Kengo Nakamura, Johannes Weidenmueller y Francesco Puglisi al bajo, Roberto Tarenzi al piano y Paolo Recchia al saxo. En 2012 se ha publicado su segundo trabajo como líder, “Beyond the drums”, con el cuarteto, ya compenetrado y consolidado, con el que Nicola trabaja desde hace casi 3 años (Recchia, Tarenzi, Puglisi ) con un invitado de excepción: el guitarrista neoyorquino Peter Bernstein.

35

jazz

La concesión del “Top Jazz 2013” al mejor nuevo talento del año, concedido por los periodistas italianos más cualificados, para la revista Musi-ca Jazz, coloca a Alessandro Lanzoni entre los artistas de mayor personalidad del jazz italiano, provisto también de un curriculum con el que, pudiendo ya enorgullecerse de experiencias de absoluto prestigio, desde hace años lo ha impuesto a la atención del mundo musical.

Alessandro se ha afianzado muy pronto también en calidad de líder y pue-de ya enorgullecerse de una significativa experiencia internacional en Europa, América Latina, Israel y Estados Unidos, donde ha recibido reseñas elogiosas e insólitas para un músico extranjero: Ira Gitler, después de escucharlo en Piano Solo en el edificio de la ONU, en su columna sobre Jazzimprov. NY ha podido afirmar, con sus setenta años de pura historia del jazz: “No debería ser juzgado como un joven músico. Es ya excepcional, y amenaza con serlo aún más”.

Los nuevos Albums “Dark Flavour” (en trío) y “Seldom” (en trío con Ralph Alessi a la trompeta) recientemente publicados por Cam Jazz, han sido acogi-dos por la crítica como evidencia de un crecimiento artístico, que deja ya del todo fuera de lugar la etiqueta de enfant prodige que ha marcado los comien-zos de una carrera iniciada con tan solo 14 años, con la ratificación del Premio Massimo Urbani (2006) y seguida con el Primer Premio del “Luca Flores” de Florencia (2008), hasta la concesión del premio “Best Young Soloist” en el prestigioso concurso “Martial Solal” de París (2010)

En 2014 ha sido el ganador de la XIII edición del Premio “Memorial Tullio Besa”, reconocimiento asignado anualmente al joven músico italiano que más se ha distinguido por capacidad y talento, atribuido por segunda vez a un jazzista, tras la victoria en 2006 de Francesco Cafiso.

En 2015 le ha sido otorgado el “Premio Renato Sellani”, con motivo de la Primera Edición de este reconocimiento. Su formación de músico es fruto de un recorrido intenso, desarrollado en dos direcciones: por un lado los estudios “clásicos”, culminados con el Diploma de Piano conseguido en el 2012 con las máximas calificaciones, cum laude y Mención de Honor, en el Conservatorio Cherubini de Florencia, bajo la guía de Giovanna Prestia; por otro lado desa-rrolla y profundiza el lenguaje jazzístico: con las primeras clases con L. Pieri y M. Grossi; la asistencia a los cursos de verano de Siena Jazz y de la Berklee de Boston, como becario de los Clinics de Umbria Jazz; el Curso Bienal InJam, en el ámbito de Siena Jazz, gracias al cual ha podido disfrutar de las enseñanzas de Maestros de la talla de Danilo Pérez, Kenny Werner, Aaron Goldberg, Steve Kuhn, John Taylor, Franco D’Andrea, Stefano Battaglia, Danilo Rea.

Como prueba de su versatilidad poco común como músico, son sus estudios de violonchelo y composición: en febrero de 2015 ha obtenido la Licenciatura Especializada en Composición y Arreglos de Jazz en el Conservatorio de Flo-rencia con las más altas calificaciones y cum laude.

Ha participado desde joven en los Festivales italianos más importantes, y su ac-tividad lo ha llevado a tocar junto a prestigiosos músicos como Enrico Rava, Kurt Rosenwinkel, Lee Konitz, Aldo Romano, Roberto Gatto, Ralph Alessi, Jeff Ba-llard, Larry Granadier, Ambrose Akinmusire, Aaron Goldberg, Miguel Zenon, Michael Blake, Barbara Casini, Ares Tavolazzi, Nico Gori, Walter Paoli, Lello

alessaNDro laNZoNI

5 de ocTuBRe de 2017 20.00 h instituto italiano de cultura

alessaNdRo laNzoNi piano

34

36 37

Pareti, Cocco Cantini, Maria Pia De Vito, Fabrizio Bosso, Fabrizio Sferra, Gian-ni Basso, Renato Sellani, Tiziana Ghiglioni, Nick Myers y muchos otros. En el extranjero ha actuado en Alemania, Austria (Porgy and Bess Jazz Club-Wien), Israel (Haifa y Festival Internacional de Eilat), China, Colombia, Panamá Jazz Festival, Estados Unidos (Morgan Library Auditorio y Teatro Roulette, Nueva York), Francia (París-Sunset Sunside, Savoie Jazz Festival, Les Mans) y España.

Han sido numerosas también las ejecuciones como solista de la Rapsodia in Blue de Gershwin, con orquestas como la Oriental Symphony Orchestra de Shanghai dirigida por Xu Zhong, la Filarmonía de Oviedo dirigida por Marzio Conti, la Camerata Strumentale de Prato dirigida por Christopher Franklin.

Colabora de manera estable con Roberto Gatto, con el que le ha grabado en trío el álbum Replay para el sello “Auditorium parco della Musica” y, en octeto, el álbum “Pure Imagination” (Albore), y con Aldo Romano que lo ha querido consigo en el grupo “New Blood” junto a Michel Benita y Baptiste Herbin para realizar el CD “Connection” (Dreyfuss), y para una larga serie de conciertos en los Festivales franceses más importantes.

En el cuarteto con Nico Gori, del que es co-líder desde hace muchos años, también toca habitualmente el violonchelo.

Su actividad es seguida con atención por los medios de comunicación como su participación en programas radiofónicos Rai (“La stanza della musica”, “Piazza Verdi”, “Doctor Djembé”, “Radio3 Suite”, “Rai Tunes”). Muchos pe-riódicos, como Il Corriere della Sera, La Repubblica, Il Tirreno, Il Resto del Carlino, La Nazione, L’Unità) le han dedicado numerosos artículos, y las revistas especializadas más importantes, como Jazzit, Música Jazz, Jazz Ma-gazine, el estadounidense Jazz Times, el francés Jazz Hot y la alemana Neuen Musik Zeitung, le han reseñado sus trabajos discográficos. El mensual «Jazz Magazine» le ha reservado la portada y una larga entrevista.

aleSSaNDro laNZoNI5 dE oCTuBRE dE 2017. INSTITuTo ITALIANo dE CuLTuRA

através dE los últimos Espléndidos trabajos discoGráficos, “darK flavour” y “Seldom”, publicados por el sello CamJazz en 2013 y en 2014 respec-tivamente, Alessandro Lanzoni ha puesto a punto definitivamente una

fisionomía de artista, que pone su propio talento al servicio de una incesante investigación musical, que surge de innatas necesidades comunicativas en-cauzadas por recorridos narrativos, al mismo tiempo fantasiosos y coherentes, donde forma e invención encuentran fuertes equilibrios. un artista animado por este espíritu de búsqueda, no puede más que encontrar en el Piano Solo su terreno privilegiado, en el cual expresar la propia creatividad en el modo más auténtico y personal.

Nace así el último álbum, publicado también por CamJazz, cuyo título “diver-sions”, sintetiza la capacidad de Alessandro de crear, a través de la improvisa-ción libre, panoramas sonoros siempre diferentes, lugares en los que el oyente es guiado con mano segura por quien sabe recorrer incluso los senderos más accidentados, dominando los lenguajes musicales más dispares.

El concierto está dedicado en parte a la libre improvisación, construcción mo-mentánea y espontánea de episodios musicales de gran coherencia narrativa, en los que Alessandro expresa también toda su sensibilidad tímbrica, sirvién-dose de las infinitas posibilidades sonoras que le ofrece el piano.

Avanzando su performance, el pianista se aleja de esta dimensión totalmente libre y ofrece un espacio a piezas ya existentes, recorriendo sus composiciones precedentes o reinterpretando standard de la tradición. 

En su eclecticismo estilístico, Alessandro Lanzoni es perfecto representante de una estética contemporánea, que induce al artista a tener que hacerse intér-prete de la gran pluralidad de exigencias que el mundo actual nos ofrece. Pero todo acontece sobre la base de un terreno muy sólido, que hunde sus raíces en la formación clásica, en la lógica de esquemas formales magistralmente asi-milados y en la auténtica naturaleza “jazzistica” del joven pianista, naturaleza que ha llevado al célebre crítico escocés Brian Morton a afirmar, bromeando sobre la curiosa semejanza del nombre con el autor de “I promessi sposi”, que “la música de Lanzoni no se ha enjuagado en la aguas del Arno, sino que se ha sumergido en las aguas del Mississippi”.

38 39

El Dúo Attademo Gramaglia se forma en 2012 con la idea de los dos artistas de unir las sonoridades únicas y fascinantes de viola y guitarra en una formación que las pueda exaltar, además de las peculiaridades tímbricas, el aspecto camerístico, gracias a una fusión y a un equilibrio naturales. Esto permite explorar un repertorio muy vasto, de Bach a los contemporáneos, y apreciar los aspectos musicales y estructurales más profundos, gracias pre-cisamente a la espontaneidad con que los dos instrumentos logran dialogar entre ellos.

Luigi Attademo inicia su itinerario artístico graduándose tercero en el “Concours international d’exécution musicale” de Ginebra en 1995. Nacido en la escuela del guitarrista-compositor Angelo Gilardino, cuenta entre sus maestros con Giovanni Guanti, Julius Kalmar, Alessandro Solbiati y Emilia Fadini. Se ha licenciado en Filosofía con una tesis sobre interpre-tación musical.

Ha grabado más de diez CD, entre los cuales monografías dedicadas a J. S. Bach, a las Sonatas de Domenico Scarlatti, a las obras inéditas halladas en el archivo A. Segovia y a los Quintetos de Luigi Boccherini.

Dedica gran parte de su actividad a la música de cámara y a proyectos mo-nográficos, entre ellos la reciente grabación integral de las Suites para laúd de Bach, publicado en 2011 por Brilliant Classics y un proyecto sobre Paganini y la música contemporánea.

Entre sus recientes proyectos, la publicación de la antología y del CD con la música contemporánea para guitarra dedicada a Paganini (Ed. Sinfonica) y la integral de las obras de Niccolò Paganini para guitarra sola, interpretadas por primera vez integralmente con una guitarra de la época (Ed. Brilliant, 2013).

En el 2014 la revista Amadeus le ha dedicado el número de mayo con la publicación de un CD monográfico sobre Fernando Sor. En 2015 ha vuelto a presentar en Italia la laboriosa obra de Hans Werner Henze, El Cimarrón.

Es docente actualmente en la Istituto Superiore di Studi Musicali “Gaeta-no Donizetti” de Bérgamo y colabora habitualmente con HEM de Ginebra y Lausana.

Simone Gramaglia es viola del Quartetto di Cremona, ensemble con el que desde hace quince años toca en todo el mundo. Como solista ha ac-tuado con numerosas orquestas ejecutando la Sonata per la Gran Viola de N. Paganini y está considerado como uno de los violas de referencia de su gene-ración. Desde 2012 toca en dúo con el guitarrista Luigi Attademo.

Entre las colaboraciones artísticas más bellas aquéllas con Andrea Lucche-sini, Lawrence Dutton y Jamie Walton. Sus maestros han sido Mikhail Kugel,

Programa

Johann Sebastian Bach (1685-1750) Sonata BWV 1020 (del original para clave y flauta, transcripción Hoppstock)Allegro moderatoAdagioAllegro

Mauro Montalbetti (1969)Löschen(nueva composición escrita para el Duo Attademo-Gramaglia)

Niccolò Paganini (1782- 1840) Sonata MS26 n. 3 op. 2 (del original para violin y guitarra, transcripción Kugel)Adagio MaestosoAndantino galantemente

Sonata Concertata MS2 (del original para violín y guitarra, transcripción Gramaglia) Allegro spiritoso Adagio assai espressivo Rondeau

Franz Schubert (1797-1828) Sonata l’Arpeggione D821 (del orginal para Arpeggione y Fortepiano, transcripción Attademo) Allegro moderato AdagioAllegretto

luigi aTTadeMo guitarra siMoNe gRaMaglia viola

15 de NovieMBRe de 2017 20.00 h instituto italiano de cultura

DÚo luIGI attaDeMo & sIMoNe GraMaGlIa

40 41

Bruno Giuranna y Yuri Bashmet. Ha sido para él de gran inspiración la con-frontación con su mentor y amigo Hatto Beyerle.

Docente de Cuarteto de cuerda en la Accademia Stauffer de Cremona y del curso de viola y cuarteto de Master4Strings, imparte masterclass en toda Europa.

Escribe la sección “L’Angolo del Quartetto” en el Arcos Magazine y estudia Filosofía en la Universidad de Génova.

DÚo luIGI attaDeMo & SIMoNe GraMaGlIa15 dE NoVIEMBRE dE 2017. INSTITuTo ITALIANo dE CuLTuRA

la sonata en sol menor bWv 1020 Es una dE las obras más controvErtidas de Johann Sebastian Bach. Resultaría haber sido compuesta para violín basándose en un manuscrito, pero revela inequívocamente su sello flau-

tístico. Algunos musicólogos la señalan como obra juvenil de Bach, escrita du-rante la estancia en Kothen, pero otros sostienen que el posible autor pudiera ser Carl Philipp Emanuel. Si bien la cuestión queda abierta, la Sonata suena como una elegante pieza en estilo barroco tardío. La versión de Hoppstock para viola y guitarra mantiene la tesitura del instrumento solista así como la parte del cémbalo “obbligato”, es decir, no solamente de acompañamiento, sino con partes concertantes en diálogo con el solista. La estructura refleja el esquema de la Sonata italiana del tempo, con la alternancia entre allegro-adagio-allegro. El primer movimiento, basado en una simple melodía fresca y fluida, no pre-senta ninguna indicación de tiempo, pero responde a la estructura estándar del Allegro barroco: la totalidad del estribillo de apertura, con su vivaz figuración arpegiada, está interpretada en la composición original al clavicémbalo (en la transcripción, a la guitarra) asumiendo el rol de solista; la entrada del violín (en la transcripción, la viola) confiere mayor cantabilidad a la música, pero muy pronto se insinúa el enérgico estribillo inicial. El segundo movimiento, Adagio, está dominado por la dulce melodía del violín que se funde tras haber mante-nido notas largas. El tercero es un Allegro caracterizado por un motivo de notas repetidas que confiere a la pieza una efervescencia y una vivacidad típicas de las obras compuestas durante la estancia en Köthen.

Löschen de Mauro Montalbetti será interpretado por el duo en estreno absoluto. El título, que traducido corresponde al verbo “borrar”, depende de la técnica utilizada para la composición de la pieza, que se inspira en la poética de Emilio Isgrò, escritor siciliano considerado el heredero contemporáneo de Pirandello. El borrar es un instrumento que sirve para erradicar la comunicación: por un lado es una crítica al lenguaje e individualización de sus límites, por otro hace tabla rasa para recomenzar. Es una operación de sustracción que sin embargo confiere una rica articulación de significados irónicos, irreverentes y provoca-dores. Muchas obras de Mauro Montalbetti, compositor nacido en Brescia en 1969, alumno de Antonio Giacometti y Franco donatoni, han sido premiadas en concursos internacionales. El encuentro con el duo Attademo-Gramaglia ha sucedido precisamente gracias al interés común por el artista Emilio Isgrò. Esta comunidad ha inspirado la creación de Löschen.

Publicadas en 1820, pero en realidad compuestas diez o quince años antes, las Sei Sonate op. 2 de Nicolò Paganini para violín y guitarra constituyen uno de cinco únicos volúmenes de música editados durante la vida del compositor. Aún ocupando la guitarra un lugar de relieve en su producción musical, todavía resulta un misterio cómo y dónde Paganini haya aprendido los rudimentos del instrumento. En efecto él no hace nunca ninguna mención sobre su aprendizaje guitarrístico. Sabemos en cambio que de su padre aprende primero la mandolina y luego el violín, como afirma él mismo en la Notice Autobiographique publicada en 1830 en París. Sabemos que con apenas trece años interpreta en público su

42 43

primera composición, destinada a la formación violín-guitarra, el Carmagnuola con variazioni. En el curso de la vida dedica diferentes composiciones a esta formación. Este repertorio quizás estaba destinado a ejecuciones privadas, como nos recuerda el testimonio sobre Paganini de Hector Berlioz en Les soirées de l’orchestre: Otras veces, cuando el violín lo cansaba demasiado, cogía de su bolsa una colección de duetos para violín y guitarra compuestos por él mismo y, en compañía de un digno violinista alemán, M. Sina, que ejercía aún su profesión en París, él tocaba la parte de la guitarra, obteniendo de este instrumento efec-tos extraordinarios. Paganini utiliza la palabra ‘sonata’ no en sentido tradicional (vienés) entendiendo una forma en tres o cuatro movimientos, con el primero en forma-sonata. Las Sonatas MS26 de la op. 2 están, de hecho, constituidas por solo dos movimientos y cada uno tiene una duración comprendida entre tres y seis minutos. Cada una de las seis sonatas MS26 empieza con un movimiento lento y luego sigue uno más rápido, habitualmente influenciado por la música de baile. La Sonata n. 3 de la op. 2 se articula, por tanto, en dos movimientos: el primero es un prestissimo que se entreabre hacia el segundo, un Larghetto can-tabile conmovedor y voluptuoso, que recuerda a trazos, a una romanza de ópera.

En tres movimientos es la Sonata Concertata MS2 en La mayor, presentada aquí en la transcripción del Maestro Gramaglia. Es la primera composición de Paga-nini acorde a los cánones de la Sonata Ottocentesca. El virtuoso hace uso, para algunos de sus conciertos, de una viola particular (llamada por él ‘controviola’), que de hecho era una viola de mayores dimensiones, con una quinta cuerda añadida. A través de la ejecución de esta sonata, el duo Gramaglia-Attademo viene al encuentro de la exigencia que el mismo Paganini mostró en su época, cuando experimentó instrumentos de mayores dimensiones para obtener un so-nido más cantábile y más profundo respecto al que consiente el violín.

También la Sonata de Schubert  d821 nace para un instrumento experimental, el Arpeggione, un híbrido inventado por Johann Georg Staufer, constructor vienés de guitarras, como síntesis entre un instrumento de arco y una gui-tarra. En nuestros días tal instrumento viene interpretado por la viola o por el violonchelo. Parece que la Sonata D 821 fue encargada a Schubert por Vinzenz Schuster, promotor del arpeggione, el instrumento apenas construido por el lutier vienés. Interpretada en noviembre de 1824 por Schuster, que-dó manuscrita; publicada en 1871, cuando ya el arpeggione había desapa-recido, el editor Gotthard tuvo que proveer a transcribir la parte para violín y para violonchelo. A partir del análisis de la partitura se comprende cómo quiso Schubert aprovechar las posibilidades que ofrecía la extensa gama del instrumento: la afinación del Arpeggione consentía al intérprete una mayor extensión sin cambio de posición y la presencia de seis cuerdas facilitaba los pasajes virtuosos arpegiados. En el primer movimiento, la figuración que aparece en el compás 177, en el que una serie de cuatro octavas es cruzada en poco más de dos medidas, demuestra la flexibilidad del instrumento. En efecto, la Sonata manifiesta al mismo tiempo el lirismo melódico de los Lieder y el drama típico de la búsqueda interior de Schubert. Se advierte una ligereza en la construcción formal, tanto que la arquitectura presenta tres en vez de los cuatro canónicos movimientos (el segundo y el tercero concatenados el uno al otro sin solución de continuidad). Sustancialmente Schubert evita también las experimentaciones formales, presentes en cambio en otras composiciones de la misma época, como los Quartetti D 802, La morte e la fanciulla D 810 así como el Ottetto D 803. La Sonata se abre con el Allegro moderato, en for-ma de sonata. El primer tema, en la menor, de carácter lírico y melancólico, inicialmente expresado al piano (en nuestra versión a la guitarra) a modo de introducción; cuando pasa al violonchelo (es decir, a la viola), el tema se am-plía progresivamente hacia el registro agudo hasta que, tras un crescendo, se apaga sobre un largo la agudo, en pianissimo. Extraño y virtuoso, el segundo tema de violonchelo se lanza hasta un Mi bemol sobreagudo, y oscila entre menor y mayor, con la típica escritura schubertiana. Mientras el desarrollo se basa en la elaboración de los dos temas, la reanudación recalca la Exposición. durante la triste coda vuelven incisos del primer tema en volumen cada vez más decreciente, que se apagan en un largo La sobreagudo del violonchelo, antes de los dos bruscos acordes de cierre en fortissimo. El Adagio tiene el sello del liederismo schubertiano: tras tres compases de introducción, el vio-lonchelo (aquí viola) despliega su canto. El movimiento juega en el claroscuro proporcionado por el alternarse de las tonalidades mayor y menor. En la parte conclusiva suenan largas notas mantenidas por el violonchelo (viola) sobre el simple acompañamiento del piano (guitarra). El Allegretto final, en forma de rondó, presenta un tema de carácter húngaro que se articula en tres seccio-nes. La versión propuesta, realizada por el Maestro Attademo, permite a la guitarra realizar a la perfección la estructura del acompañamiento de piano, consiguiendo plenamente los matices schubertianos.

Chiara MaCrì

DÚo luIGI attaDeMo & SIMoNe GraMaGlIa

Instituto Italiano de Cultura de Madrid

DirectoraLAuRA PuGNo

agregado culturalLILLo GuARNERI

Coordinadora de artes escénicas y MúsicaBEATRIz CASTELLARY

Publicación

textosLaura Pugno Lucio Fumo Chiara Macrì

traduccionesBeatriz Castellary

DiseñoAntonio Pita

ImpresiónGráficas Aries