TEMA 4: LA REALIZACIÓN

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TEMA 4: LA REALIZACIÓN DE AUDIOVISUALES

Una vez que tenemos todo lo necesario (el guión, los escenarios, los actores) podremosempezar la grabación o realización (vídeo) o el rodaje (cine). Pero antes veamos con queequipos cuenta el director para llevar a cabo su proyecto:

1.- LOS EQUIPOS DE TRABAJOLos audiovisuales son ante todo una labor de equipo en los que intervienen numerososprofesionales agrupados por especialidades y de cuya labor depende la calidad final del lapelícula. La responsabilidad final de la obra depende del director que coordina losdiferentes equipos que a su vez están dirigidos por un director especializado.Dependiendo de la envergadura del proyecto trabajarán más o menos personas, pero losequipos suelen ser siempre los mismos:

EL EQUIPO DE PRODUCCIÓN

Integrado por varias personas, se dedican fundamentalmente a la organización ymantenimiento, no entrando propiamente en la realización, destacan:

El productor: se encarga de encontrar recursos financieros y de administrar eldinero recaudado entre los socios.

El productor ejecutivo: elabora el plan de trabajo, se encarga de las necesidadesmateriales, compra o alquiler de material, contratos, alojamientos, comidas,transportes, etc.

El jefe de producción: en el rodaje vigila el cumplimiento de las previsiones encuanto a tiempo y dinero, cualquier retraso cuesta en el cine mucho dinero.

En algunos casos un determinado productor puede dejar su huella en la películacasi tanto como el director, al no escatimar en gastos que repercuten en la calidadde la obra.

EL EQUIPO DE DIRECCIÓN

Tiene que coordinar a los demás equipos y resolver todas las dudas que les puedanplantear:

El director es el responsable máximo de la película que lleva su firma, es quienmejor la conoce ya que suele haber escrito el guión técnico. Es el que mejor sabehacia donde va la película y por lo tanto tiene que dirigir a los demás equipos.

El ayudante de dirección: se encarga de auxiliar al director en sus múltiplesfunciones, en el caso de que haya una segunda unidad* puede ser el que lacoordine.

Script o secretaria de dirección: es responsable de anotar las tomas para evitarlos fallos de continuidad. También toma nota de los tiempos y de anotar lassecuencias que deben pasar al montaje. Debe ser una persona muy observadora.

IMAGEN Y SONIDO IES GARCÍA MORATO

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EL EQUIPO DE FOTOGRAFÍA

Trata de conseguir la mejor imagen de cada plano, se compone, entre otros de: El director de fotografía se encarga de buscar la mejor iluminación de cada

plano, selecciona la cámara, los objetivos, el diafragma , etc. El operador de cámara o cameraman, es el que maneja la cámara efectuando las

tomas de cada plano, tiene un ayudante de cámara para manejar el equipo Un foquista que mide la distancia a la que está la cámara y modifica el foco. El maquinista, es el encargado de los movimientos de cámara, de instalar los

rieles para los travellings, de mover la grúa etc. Los eléctricos son los técnicos que colocan y manejan los focos o reflectores (no

confundir con electricistas, que también hay)

EL EQUIPO DE SONIDO

Trata de conseguir el mejor sonido posible para la película, consta de: El ingeniero de sonido: es el que se encarga de dirigirlo, se encarga de contralar

la toma de sonido cuando se realiza en directo (elección y colocación de losmicrófonos) o se encarga de tomar las referencias precisas cuando la película sedobla en el estudio.

El jirafista maneja la jirafa* o micrófono que en los diálogos se coloca sobre losactores.

EL EQUIPO DE AMBIENTACIÓN

La ambientación es fundamental para hacer creíble una película, en ello trabajan: El director artístico dirige todo lo que tenga que ver con la ambientación: diseña

los decorados, controla el vestuario, etc. Bajo su dirección trabajan los carpinteros,albañiles, pintores, etc.

El atrezzista se encarga de buscar todos aquellos objetos necesarios paraambientar la acción y caracterizar a los personajes, el atrezzo*.

El jefe de vestuario diseña el vestuario de los actores y dirige a los figurinistas,modistas etc. Parte del vestuario es de alquiler.

El estilista se encarga del maquillaje y peluquería que tiene que caracterizar a lospersonajes de acuerdo al guión.

EL EQUIPO DE INTERPRETACIÓN

La parte más delicada de una película tiene que ver con la actuación de los actores, si noresultan convincentes toda la historia se vendrá abajo.

El director de la película suele ser el que dirige la actuación de los diferentes


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actores. En ocasiones puede contar con un ayudante que dirige a los secundarios,extras, etc.

Los actores, dependiendo de la relevancia de sus personajes pueden serprotagonistas o secundarios.

Los especialistas, doblan a los actores en acciones especialmente peligrosas yaque una lesión en un protagonista podría costar mucho dinero a una productora.

Los extras son contratados eventualmente para dar ambiente a la acción. Notienen diálogos y no aparecen normalmente en los títulos de crédito.

En función de la complejidad y el coste de la producción este equipo se puede ampliarenormemente, no hay más que ver cuanto duran n pantalla los títulos de crédito de lasgrandes producciones norteamericanas. Aunque hagamos un vídeo con pocos mediostendremos que organizarnos en estos equipos para cubrir todos los aspectos de larealización.

Podemos ver un interesante ejemplo de cómo se hace una película en el film de FrancoisTruffaut “La noche americana”

2.- LA GRABACIÓN DE AUDIOVISUALES

Una vez que tenemos formados los equipos y preparados todos los recursos materialesnecesarios se procede a la grabación en vídeo (rodaje en cine). Como ya hemos visto elrodaje sigue el guión técnico que ya está preparado. Normalmente la grabación seorganiza en secuencias y con frecuencia las secuencias que se graban en los mismosescenarios se grabarán a la vez aunque estén separadas en el guión.

El rodaje en cine es muy laborioso y caro ya que como mínimo un rodaje suele durar unas7 semanas. El director debe coordinar los distintos equipos de trabajo y suele trabajar enla dirección de los actores. El rodaje de una secuencia puede conllevar el trabajo de variashoras.

Para evitar que los planos se pierdan (ya que se graban muchos) todos quedannumerados gracias a la claqueta (actualmente son electrónicas) donde aparece elnúmero de secuencia, el plano y la toma. Cada vez que se repite una toma la numeraciónavanza: plano 14 toma 1, plano 14 toma 2, etc. La numeración es apuntada por la script enun registro que debe coincidir siempre con la claqueta.

Tras una jornada de trabajo se prepara el rodaje del día siguiente y se repasan las tomasgrabadas por si hay que repetir alguna. Cuando una acción se desarrolla en un mismoespacio y tiempo hay dos formas de organizar la grabación que dependenfundamentalmente del “estilo” del director:


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A.- GRABACIÓN CONTINUA DE LA ACCIÓNToda la secuencia se graba sin cortes, se registra en tiempo real. Es decir estamosgrabando entonces un plano-secuencia (toda una secuencia en un solo plano). Parapoder grabar toda la secuencia la cámara deberá moverse para acomodarse almovimiento de los personajes (si es que lo hay). Normalmente se graba en un planoamplio que no permite ver demasiado detalles. Algunos directores la utilizan confrecuencia (Woody Allen) ya que si la actuación de los actores es correcta acorta mucho eltiempo de la grabación. Sin embargo el más mínimo fallo implica la repetición de toda lasecuencia.

Cuando hablamos de video aficionados esta forma de grabar es habitual cuando nopodemos cortar (un discurso de agradecimiento). En este caso para que la imagen no seatan aburrida habrá que mover el zoom para ir cambiando el tamaño de plano.

B.- GRABACIÓN DESCOMPUESTA EN PLANOSSe sigue lo previsto en el guión técnico y la acción se va grabando desde diferentespuntos de vista lo que dota a la película de mayor ritmo y se pueden alternar planos fijos(de diferentes tamaños) con planos en movimiento. A la hora de grabar hay que seguir elguión técnico previsto que debe seguir las reglas de planificación:

Ley de la claridad Ley del salto proporcional Ley de los 30º y Ley del eje

Hay que recordar que si no se siguen estas reglas en la edición los planos no se puedenunir sin crear discordancias visuales.

El mayor problema a la hora de grabar cada plano por separado es la continuidad*, esdecir que no haya una diferencia visual apreciable entre un plano y el siguiente (loveremos más adelante). Cuando la continuidad se rompe al espectador se le hace visiblela ficción que es el cine y pierde su “magia”. Para salvar este problema muchos directoressuelen grabar algún detalle de la acción o del escenario para colocarlo entre los planos enconflicto, (las flores de la boda, las alianzas en una bandeja...) esto es lo que se llama unplano recurso*

Para solucionar el problema de la continuidad muchos directores prefieren grabar tambiénun “plano master”* en el que se graba toda la secuencia, en este sentido es similar alplano secuencia, sin embargo tras el plano master se suelen grabar también insertos* dedetalles y cutaway* de los que no se veía en el plano master.

En los programas en directo de TV se trabaja sistemáticamente con varias cámaras quellevan su señal a un control de realización, allí el realizador va eligiendo qué cámara es laque se va a emitir mediante una mesa de control. Las series de TV también trabajan conmulticámara* ya que necesitan grabar muy deprisa (un capítulo se suele grabar en 4-5


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días)

En cuanto al sonido, hasta los años 89 era frecuente la intervención de actores de variospaíses sin que todos supieran hablar inglés. En este caso no se grababa el sonido directosi no que era un sonido de referencia (el actor podía decir cosas distintas del guión, porejemplo números) que luego se “doblaba”.

Actualmente prácticamente todas las películas se graban con sonido directo, lo que obligaa los actores a tener la mejor dicción posible y a saber idiomas.

3.- LA CONTINUIDAD

Como ya hemos visto la continuidad es el parecido visual entre los planos consecutivos,en inglés se denomina “raccord”*, cuando la continuidad desaparece el espectador sehace consciente de la falsedad de lo que está viendo, entonces hablamos de un “fallo deraccord”*.

La continuidad es más fácil de mantener en planos que se graban consecutivamente ymucho más difícil si los planos se graban en diferentes momentos. Ya hemos visto que elresponsable de su mantenimiento es el “script”* o secretario de dirección que debeapuntar los detalles necesarios (también se pueden hacer fotos para su comprobaciónposterior). Vamos a ver diferentes tipos de continuidad:

Continuidad narrativa: la historia tiene que ir siguiendo un hilo conductor, lo queno quiere decir que el guionista lo cuente todo, evidentemente hay que saltarsepartes de la historia que no interesan demasiado (elipsis), sin embargo debe haberuna continuidad que permita al espectador seguir la historia sin perderse.

Continuidad espacial: La mayor parte de las secuencias comienzan con un planode localización que nos sirve para situar a los personajes, en los planos siguienteslos actores deberán mantener estas posiciones a nos ser que les veamosdesplazarse. Por ejemplo: si Ana está al lado del frigorífico en el plano siguiente nopuede estar a un metro de distancia.

Continuidad de movimiento: si en un plano el actor entra por la izquierda y saledel plano por la derecha, en el plano siguiente deberá seguir entrando por laizquierda. Si queremos cambiar de dirección en la imagen deberemos grabar unplano neutro (sin dirección) de frente o de espaldas. Si un actor comienza en unplano un movimiento en el plano siguiente lo debe terminar (acción-reacción) o elespectador quedará expectante sobre lo que va a hacer.

Continuidad en la iluminación: es uno de los aspectos de continuidad másdifíciles de mantener. Si se graba al aire libre es fácil que entre plano y plano unanube tape el sol, un plano sería muy luminoso y otro no, imposible ponerlosseguidos. Evidentemente si grabamos un plano en la sombra y otro al sol el choque


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luminoso se hace demasiado visible. Para evitar estos problemas es frecuente queveamos grabar al aire libre y aún así con iluminación artificial que es más fácil decontrolar. Si grabamos en interiores hay que comprobar que siempre tengamos lasmismas luces encendidas entre un plano y el siguiente.

Continuidad de las miradas: si un personaje en un plano está mirando hacia laizquierda en los demás planos deberá mirar en la misma dirección a no ser quealgo le llame la atención y le haga girar la cabeza en pantalla.

Continuidad en el aspecto de los personajes: el vestuario y peluquería es fácilque nos juegue una mala pasada. Un sombrero que se olvida, un nudo de corbataque se afloja entre un plano y otro, una gabardina mojada que un segundo despuésestá seca (“Wall Street”). La peluquería también causa problemas: un rizo quedesaparece entre plano y plano, un mechó que se pone detrás de la oreja, unflequillo que se cae. Internet está lleno de ejemplos incluso en grandessuperproducciones.

Continuidad en el atrezzo: el atrezzo ya hemos dicho que son los objetos querodean a los personajes y que pueden servir para caracterizarlos. Como parecenalgo accesorio a veces aparecen o desaparecen del plano o alguien los ha movidode sitio en un descuido. Un bollo no puede aparecer mordisqueado o enteroalternativamente delante de Meg Ryan sin que el público se de cuenta (“CuandoHarry encontró a Sally).

El eje de acción y su mantenimiento. El eje cinematográfico es la línea imaginariaque une a los personajes de una misma acción. Una vez delimitado el eje en unasecuencia el director debe adoptarlo como norma. Las cámaras deben situarsesiempre en un lado del eje y dos planos consecutivos no pueden grabarse desdediferentes lados del eje. Si nos “saltamos el eje” la secuencia puede dejar de tenersentido. Por ejemplo. Una novia se dirige hacia el altar de derecha a izquierda, sigrabamos desde el lado contrario irá de izquierda a derecha y parecerá que se haarrepentido y se va de la iglesia. En las retrasmisiones deportivas siempre semantiene el eje (por ejemplo el fútbol) y si se graba desde el lado contrario lo suelenadvertir en la pantalla. (ver tema 2: planificación de la escena)

4.- EL PRINCIPIO DEL TRIÁNGULOEn las escenas dialogadas, el peso de la acción recae sobre dos actores. Hablamos de"principio del triángulo" porque es el que se forma entre los dos personajes y la cámara. Ala hora de grabar una conversación tenemos que pensar previamente cómo los vamos acolocar y dónde se va a situar la cámara. Entre dos personas que se miran mientrashablan se crea un "eje de la acción" que hay que recordar que no nos podemos saltar.


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Como se ve podemos colocar las cámaras (a,b,c,d,e) en diferentes posiciones y a amboslados del eje, pero antes de comenzar a grabar deberemos determinar qué lado nosinteresa más y ceñirnos a él durante la grabación de la secuencia. Algo que convienerecordar es que no siempre tenemos que grabar al que habla, podemos grabar planosdel que escucha para ver la reacción, algo que a veces es mucho más interesante.También podemos alternar diferentes posiciones de las que vamos a ver ahora:

Ángulos opuestos externosLa cámara se sitúa "fuera" de la conversación de forma que vemos parte de la espalda deun personaje y la cara del contrario. Estas posiciones se van alternando durante laconversación: los planos pares detrás de un actor, los impares detrás de otro.


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Ángulos opuestos internosLa cámara se sitúa "dentro" de la conversación. Si la colocamos adecuadamente sobre untrípode, solamente tendremos que girarlo en cada plano. Los planos pares los hacemoshacia un lado, los impares hacia el contrario. En este caso lo que vemos en cada plano essolamente el rostro (en 3/4) de uno de los personajes.

(Fernández Díez, F.; Martínez Abadía, J. (1999) Manual básico de lenguaje y narrativa audiovisual. Barcelona:Paidós. pp. 133-135)

Posiciones paralelasLas cámaras se sitúan en paralelo con el personaje y lo cubren individualmente y de perfil.hay que tener cuidado con esta posición ya que la información que proporciona un rostrode perfil es bastante pequeña.


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Planos subjetivosLa cámara se sitúa sobre el eje. En este caso la cámara sustituye la mirada de unpersonaje, por lo tanto vemos lo que uno de los personajes mira. En el caso de que ambospersonajes estén enfrentados la visión que tendremos será completamente frontal del otroactor. Aunque es mas "real" si se emplea siempre con el mismo personaje puede llegar acansar.

Posiciones en ángulo rectoSin embargo en la realidad no siempre nossituamos enfrente de nuestro interlocutor. Podemosestar sentados en una mesa o en un sofá enescuadra. Lo más fácil entonces será colocar lacámara en el otro lado de la mesa o del sofá ygirarla como nos convenga. Podemos alternar susposiciones

Usando un eje visual:Si hacemos avanzar la cámara sobre un eje visual ya utilizado con el zoom podemosgrabar un plano más corto que el anterior del mismo actor. Al cerrar el plano el efecto queproducirá sobre el espectador será más intenso. También se puede alejar para producirdistanciamiento.


Cámarasubjetiva

A'A

B

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5.- PROBLEMAS COMPLEJOS DE CRUCE DE EJES

Nos podemos encontrar en situaciones en las quecontinuamente tenemos que ir cambiando el eje.Imaginemos una partida de cartas: podemos situar el ejeen los actores principales, pero a medida que los demásjugadores echan cartas sobre la mesa la acción se vadesplazando. En este caso conviene hacer planos recurso(planos detalle de las cartas en el tapete por ejemplo)para poder ir cambiando el eje.

En cualquier caso de vez en cuando hay que grabar unplano de localización (PGC) para que el espectador sevuelva a situar en el espacio.

6.- PROCEDIMIENTOS:

A.-GRABAR CON CÁMARA EN MANOLa principal ventaja de las videocámaras es que por lo general son bastante ligeras yfáciles de manejar. El botón Rec-Pause está colocado para ser accionado con el pulgarderecho y el índice y el corazón se usan para accionar el zoom. La mano izquierda quedalibre para estabilizar la cámara. En el caso de mirar por el ocular es mejor mantener el otroojo abierto para evitar sorpresas (sobre todo si nos movemos)

Nos da gran libertad de movimientos y de elección de la mejor angulación posible. Loprincipal es evitar movimientos bruscos. Para minimizar las vibraciones es mejor no usar elteleobjetivo. Al ir caminando debemos amortiguar los pasos. También debemosaprovechar sillas o puertas para apoyarnos y conseguir estabilidad.

B.- GRABAR CON ESTABILIZADOREl steadycam permite una gran movilidad hasta enlas peores situaciones para grabar (subir escaleras,persecuciones, etc)

En el video de aficionado podemos utilizar unmétodo más sencillo que se trata de un estabilizadorque va sujeto a la espalda muy similar a la steadypero más ligero.


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C.- GRABAR CON TRÍPODEPara conseguir el máximo de estabilidad podemos usar monopodios o trípodes.

El trípode consta de varias partes: Zapata de montaje rápido Mecanismo de liberación rápida Cabezal del trípode Palanca de barrido Manivela o rosca de la columna Columna central Tirantes Palomillas o clips de sujeción

Las patas deben extenderse sobre unasuperficie lisa y nivelada (una mesa) ysujetarse adecuadamente con los clips. Laaltura final puede regularse con la columnacentral. La cabeza del trípode permite girar lacámara en todas direcciones con ayuda de la

palanca de barrido.

VENTAJAS: Planos estables en cualquier situación incluso en "Tele" Movimientos de cámara suaves Mantiene el nivel en los movimientos de cámara Facilita el seguimiento de movimientos complejos Imprescindible al hacer animación*, en efectos de lapso de tiempo* y al usar el

macro*

INCONVENIENTES; Aumenta el peso y el volumen del equipo así que puede darnos pereza para

movernos de un sitio a otro. Obliga a plantearse más la planificación. No se puede improvisar.

PRECAUCIONES: Colocar adecuadamente las patas antes de empezar a grabar para no tropezar con

ellas. Comprobar el nivel de burbuja (si lo tiene) No apretar demasiado las roscas ni dejarlas demasiado flojas (podría caer la

cámara)


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