Tema 1.- Terminos Artisticos
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1 UNIDAD 1.- APROXIMACIÓN A LA HISTORIA
DEL ARTE Y A LOS LENGUAJES ARTÍSTICOS
CONTENIDOS DE LA UNIDAD
1.- El arte como expresión humana en el espacio y en el tiempo
2.- El lenguaje de las artes visuales y su terminología: descripción y
comentario
3.- Métodos para estudiar la Historia del Arte
4.- Restauración y conservación del Patrimonio
5.- Mecenas y clientes
6.- Glosario de términos
7.- Bibliografía
1.- EL ARTE COMO EXPRESIÓN HUMANA EN EL ESPACIO Y EN EL
TIEMPO
A lo largo de este curso vamos a realizar un viaje a vista de pájaro
sobre las obras más hermosas realizadas por el hombre. Esto es, sin duda, la
Historia del Arte. Podemos definirla, por tanto, como el estudio de las
obras de arte realizadas por el hombre a lo largo de la Historia. Al igual que
la Historia, la Historia del Arte tiene como principal protagonista al ser
humano y, además, también transcurre en el tiempo y en el espacio. Como
todo acontecimiento histórico, las obras de arte debemos situarlas espacio-
temporalmente, para que adquieran todo su significado. Por ejemplo, una
pirámide egipcia, debemos relacionarla con el concepto de la muerte y de
los faraones que tenían los egipcios hace más de tres mil años. Otro ejemplo
que nos puede servir es El Guernica, de Picasso. Esta obra está
profundamente ligada a los terribles acontecimientos vividos durante la
Guerra Civil en España. Por tanto, podemos decir que detrás de una obra de
arte existe un mundo espiritual, sociológico, literario, filosófico... que
debemos conocer para comprender mejor la imagen que observamos.
1
Pero, ¿para qué sirve el arte? Evidentemente, la respuesta a esta
pregunta ha variado a lo largo de la historia. Aquí tienes algunas funciones
del arte:
1. Propiciar la caza. Esta función mágica la encontramos en el arte
rupestre del Paleolítico Superior.
2. Exaltar el poder de los reyes. Esto ocurre sobre todo en las
teocracias orientales (Egipto)
3. Buscar el ideal de belleza.
4. Fabricar un catecismo clásico de unas verdades religiosas. (Edad
Media)
5. Loar a un particular (Mecenas) o a una entidad religiosa en la
política y la sociedad
6. Manifestar el sentir de los hombres ante la vida (Istmos)
2.- EL LENGUAJE DE LAS ARTES VISUALES Y SU TERMINOLOGÍA
A) DESCRIPCIÓN DE LA OBRA
Cualquier obra de arte, necesita de una técnica para poder ser “leída”.
Para poder hacerlo, primero debemos describir la obra. ¿Qué significa esto?
Pues, caracterizar la obra en función de sus aspectos técnicos y
formales, es decir, debemos analizar cuál ha sido el proceso de
construcción de la obra (técnica) y sus componentes (forma). Por ejemplo, si
queremos describir un cuadro de Velázquez, comentaríamos que son
cuadros al óleo sobre un boceto previo (técnica). Y, para realizar la
descripción formal debemos hablar del tema, la composición, el color, la luz,
la perspectiva....
A continuación, vamos a estudiar la descripción técnica y formal de las
Artes Mayores2, esto es, de Arquitectura, Escultura y Pintura.
ARQUITECTURA
2
? Artes Mayores: son aquellas disciplinas artísticas tales como la Arquitectura, Escultura y Pintura, en contraposición a las Artes Menores, que son la epigrafía, la numismática, la eboraria, la orfebrería...
Normalmente, hablamos de arquitectura al referirnos a edificios o
monumentos. Aunque la definición no es exacta, debido a la multitud de
construcciones realizadas a lo largo de la Historia del Arte, podemos decir
que como característica común a todas ellas es la de ser un espacio
delimitado por donde normalmente se puede transitar. Se considera
un Arte Mayor, porque alberga objetos de otras artes. Se trata de un arte
bastante racional y complejo.
- FINALIDAD -
Según Ruskin, estos serían las funciones fundamentales de la arquitectura
son:
1. Religiosa (templos)
2. Conmemorativa (edificios no habitables: columnas, arcos
triunfales...)
3. Civil (Obras públicas, Ocio, Administración, Industrias...)
4. Militar (Alcázar...)
5. Doméstica (Castillos, palacios...)
- ELEMENTOS -
Dentro de la descripción del edificio, debemos establecer cuáles son sus
elementos. Estos son:
1.- Elementos materiales: a la hora de describir un edificio, debemos
señalar el material principal de su construcción. Normalmente serán: piedra,
barro, hormigón, ladrillo, hierro, cristal, aluminio...
2.- Elementos estructurales: nos referimos al “esqueleto” del edificio,
es decir, al soporte y a la cubierta.
2.1) Soporte: el soporte de un edificio puede ser continuo, es decir, el
muro. En ese caso, debemos señalar de qué manera se ha colocado el
material: sillar3, mampostería4... Si estamos ante un soporte discontinuo
estaremos en presencia de la columna o el pilar, la pilastra...
Columna: su origen estaba en postes de
madera que se utilizaban para sostener el edificio.
Como el peso era bastante grande, comenzaron a
sustituirse por piedra. De ahí surgen las columnas.
Vitruvio, teórico y arquitecto romano, las comparaba
con los troncos de árbol. El fuste se asemeja al tronco,
símbolo de vida; para hacer más suave el paso de la
columna a los elementos de carga se inventó el capitel, semejante a
las hojas de un árbol; y en el suelo se dispuso la basa, que recuerda a
la base de los árboles antes de entrar en la tierra. Éstas son las tres
partes de toda columna: basa, fuste y capitel.
Pilar: es un elemento sustentante similar a las columnas,
con la diferencia de que su forma se aleja de la naturaleza. Tienen una
sección cuadrada o poligonal.
Pilastra: es un pilar adosado a un muro y consta de basa y
capitel
En el caso de columnas y pilares, habría que clasificarlas atendiendo a
sus órdenes o tipologías: dórico, jónico, corintio, estípite5... O bien, pilares
cuadrados, cruciformes...
Arcos: se trata de un elemento sustentante, de trazado curvo. Por
tanto, no sólo recibe una presión vertical sino también otra oblicua, que va
desde la dovela o piedra central del arco (clave) hasta el
soporte. El intradós corresponde a la parte interior del arco y
el extradós es la exterior. Los más habituales son:
3
? -Sillar.- Piedra labrada en forma de paralelepípedo que se usa en construcción.4
? -Mampostería.- Fábrica de piedra sin labrar o con labra tosca que se dispone de modo irregular.
5
? Estípite.- Elemento en forma de tronco de pirámide invertido que puede tener funciones de soporte
-Medio punto.- El que tiene una curva igual a ½ circunferencia del mismo
radio.
Ojival: El que consta de dos porciones de curva que forman ángulo en la
clave y cuyo intradós es cóncavo.
Conopial.- El que tiene trazado curvas desde varios
centros, dos interiores para las ramas bajas y dos
exteriores para las ramas altas
Escarzano.- Arco rebajado, en especial el que
corresponde a un ángulo de 60º
Carpanel: El de varios centros, y en especial el de tres
Lobulado.- El formado por lóbulos yuxtapuestos
Herradura.- Aquel cuya curva sobrepasa la circunferencia
en 1/3 o 1/2 radio
Fajón o Perpiaño: el que se dispone transversalmente al
eje de la nave
Formero: el paralelo al eje longitudinal de la nave y la
separa de otra
Parabólico: el generado por una parábola
Peraltado: es un arco semicircular alargado o en peralte. Arco realzado.
Toral: cada uno de los arcos que sostienen la elevación sobre el crucero
Tudor: arco de cuatro centros interiores cuyas ramas rematan en ángulo.
Propio del estilo inglés de este nombre.
2.2) Cubierta: pueden ser adinteladas o abovedadas (medio cañón,
arista, crucería...).
A)Las techumbres o construcciones adinteladas o arquitrabadas se
caracterizan porque las superficies son horizontales, por
lo que la presión es vertical. Las techumbres pueden estar
construidas en madera o piedra. Encontramos dos tipos de
techumbres:
Techumbre plana: cuando la superficie es
totalmente horizontal
Techumbre en artesa o artesonado: son techumbres en forma de
artesa invertida. Normalmente están reforzadas con vigas horizontales, por
lo que se llaman artesonados de par e hilera.
B) En los sistemas abovedados todos los elementos se disponen en curvo.
Piensa que una bóveda es la suma de multitud de arcos a lo largo de una
nave, por lo que las presiones son las mismas aunque aumentadas en
fuerza. Para contrarrestar las presiones oblicuas, en el exterior del edificio
se disponen contrafuertes, verdaderos muros exteriores al edificio.
Separando el contrafuerte de la pared y transmitiendo el empuje por medio
de un arbotante, se consigue aumentar su efecto contrarrestante. Los tipos
más habituales son:
de Arista.- la formada por la intersección, en ángulo recto, de dos
bóvedas de cañón, resultando del encuentro cuatro aristas angulares.
de Cañón.- la generada por el desplazamiento de un arco de
medio punto a lo largo de un eje longitudinal.
de Crucería.- La que refuerza sus aristas con nervios.
de Cuarto de esfera.- la que consta de 1/4 de esfera y por lo
general, cubre el espacio del ábside semicircular.
de Crucería califal.- aquella cuyos nervios al cruzarse, no pasan
por la clave.
Estrellada.- bóveda de crucería cuya plementería presenta un
entrecruzamiento de nervios baquetones
Sexpartita: la de crucería que queda dividida en seis elementos, por
llevar, además de los nervios diagonales, otro transversal, que pasa por
la clave y tiene a cada lado dos arcos
formeros.
Dentro de los sistemas abovedados nos
encontramos con las cúpulas. Éstas son
bóvedas semiesféricas que cubren espacios
cuadrados. Para pasar del espacio
cuadrangular al circular, se apoya en
trompas6 o pechinas7. Cuando se desea conseguir mayor altura en la cúpula,
se hace reposar ésta sobre un tambor, a modo de cuerpo cilíndrico u
octogonal. Cuando la iluminación no es suficiente, se abre una parte
superior llamada linterna, que es un segundo cuerpo cilíndrico o poligonal
cubierto. A través de sus vanos entra la luz. El casquete con el que a veces
remata la cúpula se llama cupulino.
3.- Elementos decorativos: podemos encontrar elementos
semiconstructivos (columnillas adosadas, arcos ciegos...) y elementos
decorativos como relieves, esmaltes...
ESCULTURA
La escultura es el arte de representar la figura en las tres dimensiones
reales de los cuerpos. El escultor tiene que calcular el efecto que producirá
su obra desde diversos puntos de vista a la vez. La escultura es, por tanto
una arte cambiante: la obra varía a medida que giramos en torno a ella. De
ahí su riqueza.
CLASIFICACIÓN
Vamos a hacer una clasificación de la escultura, atendiendo a su
forma:
de bulto redondo: es la escultura que está completamente
exenta al plano y la podemos rodear
relieve: las figuras aparecen adheridas a un plano
que le sirve de fondo. El llamado relieve pictórico se
caracteriza porque las figuras se modelan con distinto
grosor; en altorrelieve, las del primer término; en medio
6
? Trompa: Bovedilla semicónica con el vértice en el ángulo de dos muros y la parte ancha hacia fuera, en saledizo. Sirve para pasar de una superficie cuadrada a una octogonal.7
? Pechina: Cada uno de los triángulos curvilíneos sobre los que se asienta una cúpula. Sirve para pasar de una superficie cuadrada a una circular.
relieve las del término central; y en bajorrelieve las que aparecen al
fondo, muy planas o con líneas grabadas al fondo.
DESCRIPCIÓN
Para realizar una descripción técnica de una obra escultórica, debemos
tener en cuenta los siguientes parámetros:
1.- Material: existe una gran variedad de materiales. Algunos de ellos son:
Cerámica: se llama cerámica a todo lo que se
modela con una mezcla de arcilla y es sometida al fuego.
El proceso de ejecución sería el siguiente: primero
seleccionamos el barro (tierra arcillosa que suele tener
su origen en la descomposición de las rocas: silicatos de
aluminio. Óxidos de hierro, etc.); Después, pasamos al modelado del
objeto, a través de las manos o mediante un torno8; el secado (al aire),
permite deshidratar y endurecer el objeto, para que soporte la cocción;
la impermeabilización, para que la vasija pueda almacenar líquidos. Se
realiza a través de sustancias como barnices, óxidos de plomo, sílices...;
el decorado, que puede ser inciso o pintado; y, por último, la cocción,
que pueden hacerse en fuegos abiertos (culturas primitivas) o en hornos
(llega hasta los 1300-1400ºC).
Mármol: es una piedra caliza, de textura compacta y cristalina. El
mármol más apreciado en escultura es el de color blanco, debido a que
su superficie es uniforme y ligeramente transparente, por lo que su
superficie ofrece los más variados aspectos, desde el brillante y pulido,
al opaco y áspero...Son especialmente famosos el del Pentélico y el de
Carrara. En la primera fase de ejecución, elegiríamos el bloque,
realizaríamos dibujos y algún modelo en arcilla, cera... Posteriormente,
8
? Torno: está formado por un gran disco de madera que funciona como volante y que el alfarero acciona con el pie. Gira sobre un perno al que va unido un disco de menores dimensiones sobre el que se coloca la arcilla que se va a modelar. La rotación dada al disco grande transmite un movimiento giratorio al bloque de arcilla, al que el alfarero va dando forma con las manos.
tres son los procedimientos utilizados para trabajarlo: cinceles, que se
golpean con mazos para arrancar del bloque astillas más o menos
grandes; taladros para horadar la piedra; abrasivos naturales (piedra
pómez...) y limas, para pulir la superficie.
Madera: para las esculturas, suelen elegirse maderas de dureza
media, resistentes a la humedad y la carcoma; después, normalmente
se vacían, para que se absorba menos la humedad; pasamos a la talla,
arrancando trozos de material y sin posibilidad de añadirlos.
Después, se recubre la escultura con una tela sobre la que se
extiende una fina capa de yeso; por último, pasamos al
policromado de la escultura, que variará a lo largo del
tiempo y del lugar.
Marfil: es uno de los materiales orgánicos más
utilizados desde la prehistoria para la fabricación de
objetos de uso corriente, rituales y ornamentales. Por su
procedencia, se utiliza sobre todo para esculturas de pequeño tamaño.
Se talla directamente, extrayendo el material a través de cinceles.
Bronce: es una aleación de cobre y estaño o cinc. Destinado sobre
todo a la escultura urbanística. Existen dos formas de trabajarlo:
- Repujado o martilleado: El martilleado, consiste en trabajar con martillo
la cara externa de láminas de cobre o de bronce y aplicarlas después sobre
una estructura de madera. La técnica del repujado consiste en martillear
con punzones la cara interna de la lámina de metal.
-Bronce a la cera perdida: para modelar
figuras más complejas, se utiliza el siguiente
método: se elabora un molde de cera con la
figura que queramos representar; después, se
recubre de barro, yeso o cualquier sustancia
refractaria, de modo que ésta última se
adapte perfectamente al molde en cera.
Cuando se ha secado todo se practica un
agujero en la parte superior y otro en la parte
inferior, vertiéndose la colada de bronce por
ellos. Una vez enfriado el metal, se fractura el
molde y se desprende la estatua. Esta técnica se conoció en Irán desde el
cuarto milenio antes de Cristo y permitía esculpir figuras de un solo tamaño.
Para que la escultura no fuera maciza, comenzó a rellenarse el molde en
cera de alguna materia refractaria (arena...), de forma que el metal fundido
llenaba sólo el hueco que dejaba la cera al fundirse. Esto permitió un gran
ahorro de material y, por otro, realizar esculturas ligeras y de gran tamaño.
2.- Ejecución: coincide con el punto anterior. Recuerda, no obstante, que
casi todos los materiales coinciden en una serie de puntos en su proceso de
elaboración:
Realización de dibujos sobre la figura molde en arcilla o cera,
Elección del material idóneo y saca de puntos para trasladar el
molde al material elegido,
Modelado, tallado o fundición de la figura, según el material
correspondiente
Retoques finales de la escultura, a través del pulimentado del
material (mármol), policromado...
A continuación veremos algunos parámetros que pueden ser tenidos en
cuenta a la hora de realizar una descripción formal de una escultura:
1.- Temática: en primer lugar, debemos saber si la escultura representa un
tema figurativo o abstracto. Posteriormente, lo dividiremos en religioso (o
mitológico) o civil. Por último, si lo conocemos, analizaremos el tema
representado. Por ejemplo, en La fragua de Vulcano de Velázquez, diríamos
que es un cuadro mitológico en el que se representa a Apolo comunicando a
Hefesto la infidelidad de su esposa. Si el cuadro es un autorretrato de
Rembrandt, debemos analizar quién es este pintor y relacionar este cuadro
con el deseo de tener una visión introspectiva del artista. Si nos
encontramos ante una composición de Pollock, afirmaremos que se trata de
un cuadro abstracto, sin temática definida. Es sólo una lírica composición
realizada por el azar.
2.- Composición: la composición es la forma que tiene un artista de ordenar
los elementos de su obra. Este término se utiliza sobre todo para escultura y
pintura. Lo estudiaremos en pintura
3.- Calidad y textura: se refiere al acabado final que el escultor da a la
pieza Puede ser de textura rugosa, pulida... El objetivo del artista es
comunicarnos sensaciones diferentes en una escultura: lo blando acerca y lo
rugoso aleja. El mármol es el material que más se ha prestado a esto, y lo
veremos en el Renacimiento, Neoclasicismo...
4.- Volumen: la característica principal de la escultura es que ocupa un
espacio, tiene tres dimensiones y el artista puede jugar con ellas de diversas
formas. Existen diferentes tipos de volumen: volumen de planos rígidos, se
refiere a aquel en el que la escultura se forma a través de planos que se
acoplan a superficies arquitectónicas. Se dan sobre todo en el románico.
Otro tipo de volumen es el de formas de superficies curvas. Es el más
habitual en escultura y se refiere a aquél en que sus partes tienen formas
convexas. Sobre todo se refiere a las esculturas antropomórficas.
Veremos en numerosas obras cmo a los artistas les gusta jugar con el
espacio que encierra la escultura, en la que se encuentra una simbiosis de
macizos y vacíos, interaccionando así con el espectador.
5.- Movimiento: en primer lugar, debemos hablar de la ausencia de
movimiento: se trata de esculturas hieráticas, rígidas y frontales. Esto
sucedía sobre todo en Egipto, en el Románico... y se hacía con el objetivo de
ofrecer solemnidad y majestad a la figura, que normalmente eran faraones,
reyes o divinidades. También encontramos esculturas que se esculpen en
movimiento, como tensión, que se justifica en función del contenido.
También hablaremos del Rhytmo, del contrapposto cuando estudiemos la
Grecia Clásica.
PINTURA
Para describir ampliamente una pintura, debemos atender a su faceta
técnica y formal. Pasamos a estudiar la técnica:
1.- Soporte: llamamos soporte al objeto que sirve de sustentante de la obra
pictórica. Algunos son:
Muro: se llama pintura “al fresco”. El muro se raspa y se aplica
una capa de cal o estuco
Tabla: se extiende sobre ella una fina capa de cal y se tiñe
ligeramente con albayalde (carbonato de plomo).
Lienzo: se extiende sobre ella una fina capa de cal y se tiñe
ligeramente con albayalde (carbonato de plomo). Se extiende su uso durante
el Renacimiento, aunque este paso siempre es opcional, dependiendo de la
creatividad del artista.
2.- Materiales: la elección del material condiciona el cuadro, ya que cada
uno de ellos necesita una técnica diferente:
Fresco: el artista primero realiza bocetos previos en cartones;
posteriormente, agujerea los contornos principales de la
escena y sopla pintura a través de ellos, de forma que en el
muro aparecen las siluetas principales. El muro, previamente
debe estar preparado como hemos señalado anteriormente. El
artista dibuja ya las líneas principales de la composición y, por
último las pinta según sus dibujos previos.
Temple: normalmente sobre tabla, aunque también se puede
utilizar muro o lienzo. Su característica principal es que utiliza la clara de
huevo como aglutinante.
Óleo: Sobre tabla, lienzo, cartón... Como
aglutinante se usa el aceite de lino o de nueces. Se
aplican los colores y después barnices. Permite
correcciones. Comenzó a utilizarse a partir del siglo
XV en la pintura flamenca y se extendió con gran
rapidez.
Encausto: sobre tabla o muro. Los pigmentos se mezclan con
resina o cera. Se aplica con paleta y pinceles calientes.
Acuarela: sobre papel o lienzo. Es una pintura bastante ligera,
casi transparente, que se aplica mezclando el pigmento con alguna
goma (arábiga) y diluyéndolo en agua.
Pastel: sobre papel, lienzo...es una pintura que se aplica
con lápices blandos (formados por pigmento, goma, caolín y yeso).
Exige capa posterior para fijar los colores.
Aguada: es similar a la acuarela, pero que emplea
también el color blanco y sus colores son más espesos y opacos. Se diluyen
en agua o cola mezclada con miel. También se denomina pintura al gouache.
3.- Proceso de ejecución: como hemos dicho, varía según la técnica
utilizada. No obstante podemos afirmar, de forma genérica, que se siguen
estos pasos:
Boceto y estudios previos
Cuadriculado de base sobre el soporte
Dibujo y coloreado
Pasamos ahora a analizar diferentes parámetros de la descripción formal:
1.- Temática: existe una primera gran clasificación:
- Religioso: también incluimos aquí lo mitológico
- Civil: retrato, paisajes, bodegones, escenas costumbristas, escenas
heroicas, desnudos ...
2.- Composición: la distribución de los elementos en una obra pictórica ha
variado a lo largo del tiempo. Veremos algunas
de ellas:
- simétrica: es aquélla que ordena la
composición en
torno a un eje
central.
- asimétrica: es aquélla cuyo eje principal no se
sitúa en el centro del cuadro y las figuras no se
sitúan buscando el equilibrio.
- geométrica: nos referimos a aquéllas composiciones
que se ordenan según figuras geométricas: triangular,
piramidal, óvalo, cuadrado, helicoidal (como una
hélice)...
3.- Dibujo: las formas de las figuras vienen definidas
por los bordes o contornos que las limitan. El dibujo nos
habla de la personalidad del pintor, ya que las líneas transmiten efectos: las
verticales, transmiten fuerza; las horizontales, quietud y reposo; las
diagonales, movimiento e inestabilidad; las curvas, gracia.
4.- Color: es la esencia de la pintura. Podemos clasificarla de la siguiente
forma:
- colores cálidos: rojo, azul y amarillo
- colores complementarios: violeta, naranja, verde
Los colores provocan sensaciones y contribuyen a modificar la óptica del
espacio: los colores cálidos agrandan y acercan objetos; los fríos, distancian
y empequeñecen. Los colores cálidos (gama roja) provocan alegría,
intensidad... y los colores fríos (azul) sugieren distancia, reposo, quietud...
Es responsabilidad del artista saberlos mezclar y combinar con sabiduría.
5.- Luz: sabemos que un rayo de luz, al atravesar un prisma de cristal,
reproduce todos los colores del arco iris. Por tanto, luz y color están
íntimamente ligados. En pintura, la luz sirve para crear determinados
ambientes o tiene un valor simbólico.
6.- Perspectiva: la pintura es un arte bidimensional. Sin embargo, la
búsqueda de la profundidad ha sido una obsesión a lo largo de la historia de
la pintura. Veamos algunas de ellas:
Caballera: es la técnica pictórica que consiste en representar las
figuras desde lo alto, por lo que es necesario un profundo estudio
de proporciones.
Jerárquica: es aquélla en la que el tamaño de los personajes
varía en función de su importancia
Geométrica: fue una de las grandes
conquistas del Renacimiento. Como ya
señaló Brunelleschi: “Si establecemos una
pirámide visual enfocada en un punto en la
lejanía, los objetos situados al fondo
asemejan ser más pequeños y difusos que los más
cercanos”.
Aérea: el gran maestro fue Velázquez. Se basa en que aquello que
vemos en la distancia azulea y pierde precisión. Por tanto, en pintura, se
consigue reflejar el ambiente de una escena difuminando los tonos a medida
que se alejan del espectador.
Subjetiva: a partir del cubismo, se generan nuevas perspectivas
diferentes a la tradicional.
B) COMENTARIO O INTERPRETACIÓN DE LA OBRA
Ya hemos descrito la obra de arte. Sin embargo, nos falta la parte más
interesante, que es la de analizarla: qué significa, qué influencias ha
ejercido, qué importancia ha tenido para el artista... Es la parte en la que
documentamos la obra.
A continuación veremos algunos aspectos útiles a la hora de comentar
cualquier obra de arte. Ni que decir qué tiene que lo idóneo es desarrollar
todos, pero no siempre es posible, ya que no sea necesario o no tengamos
suficiente información. Allá van:
1.-LA FUNCIÓN DE LA OBRA:
Ya hemos visto las principales funciones de las obras de arte. Pero no
siempre vamos a saber el destino de la obra, aunque en ella encontraremos
algunas pistas: un cuadro barroco sobre unos monjes probablemente estará
encargado por un convento; una escultura de bronce con un personaje a
caballo, posiblemente sea urbanística; si nos encontramos ante una obra
contemporánea, posiblemente su función sea decorativa o no tener ninguna
en concreto más que servir de “catarsis” del artista.
2.- EL ARTISTA Y SU ÉPOCA
2.1.- Relación del artista y su entorno histórico-cultural
En este apartado, es necesario relacionar al artista con el momento en
que vive. Existen multitud de condicionantes sociales, políticos, filosóficos,
culturales que están influyendo en la forma de pensar del artista y esto se
refleja en su obra. Por ejemplo, no es lo mismo ser un miniaturista medieval,
que dibuja y pinta de forma anónima y sólo para crear objetos que
favorezcan la fe; a un artista contemporáneo, que pinta para reflejar sus
sentimientos más profundos. La diferencia es evidente: los condicionantes
del primero son mucho más fuertes que en el segundo.
Por tanto, conocer la mentalidad y la forma de vida del momento en que
vive el artista nos va ayudar a comprender mejor su producción artística.
2.2.- La obra y la producción del autor
Es el momento de documentar la obra, es decir, realizar un análisis
sobre:
cuándo se ejecutó: fecha.
en qué momento de la producción del artista se llevó a cabo: obra de
juventud, de madurez...
quién la encargó: mecenas
cómo se realizó: por ejemplo, una catedral, un palacio...
influencias: si se asemeja a otras obras o utiliza elementos
anteriores...
qué significado tiene: por ejemplo, escena mitológica
qué consecuencias tuvo para el artista,
cómo le influyó en su trabajo posterior...
3.- CONSECUENCIAS
Toda obra de arte ejerce una serie de influencias, tanto en su época como
posteriormente. Por ejemplo, la utilización de los órdenes clásicos (dórico,
jónico y corintio) influirán en la producción de la época romana,
Renacimiento, Barroco, Neoclasicismo... O, por ejemplo, el arte primitivo
africano influyó considerablemente en los artistas parisinos de finales del
siglo XIX... Las Meninas, de Velázquez, influyeron en diversos artistas, tales
como Goya, Picasso...
3.- MÉTODOS PARA ESTUDIAR LA HISTORIA DEL ARTE
Hemos aprendido a describir y comentar obras de arte. Éste es un
método posible, pero existe gran variedad de ellos. Ninguno de ellos sirve
por sí solo, si no que es el conjunto de ellos es el que nos dará una visión
más rica de la obra de arte. Elegiremos el que nos convenga, vaya.
1.- Metodología Biográfica: es uno de los métodos más antiguos para
estudiar el arte. Surgió con Vasari, en su libro “Vidas”. En él, se dedicó a
recopilar las biografías de sus contemporáneos (Miguel Ángel, Rafael...),
incluyendo comentarios personales sobre su forma de ser, de pintar..... Los
autores que utilizan este método, opinan que la personalidad del artista
determina sus obras de arte. Sin embargo, los artistas están influidos y
condicionados por su entorno. ¿O no?
2.- Metodología Formalista: el iniciador fue Winckelman, en el siglo XVIII.
Se le llama el “padre de la Historia del Arte” porque dedicó su vida a
estudiar cómo habían evolucionado las formas en Grecia,
independientemente de la política, sociedad.... Esta teoría es la que comenzó
a catalogar las obras de arte que eran similares en lo formal, dentro del
concepto de estilo9: Neoclásico, Rococó...
3.- Metodología Sociológica: esta teoría, aunque reconoce que la obra de
arte es fruto de un artista, piensan que a éste le determina su entorno. Por
tanto, debemos estudiar el contexto en el que vivió el artista, más que su
propia vida. Por ejemplo, los escultores medievales eran, casi en su
totalidad, anónimos. Además, normalmente trabajaban a las órdenes de la
Iglesia. Por tanto, ¿es mejor estudiar al maestro artesano o la religiosidad
medieval?. Sin embargo, no podemos negar que los artistas tienen grandes
dosis de imaginación y creatividad a la hora de idear sus obras. ¿No crees?
¿Merece la pena conocer la trayectoria de Miguel Ángel, Van Gogh o
Rembrandt? ¡Por supuesto que sí!
4.- Metodología Iconológica: es aquélla que estudia las obras de Arte
basándose en su significado, ya que, según ella, los contenidos de una obra
condicionan la forma en que se representan. Por ejemplo, si en un cuadro
aparece una figura femenina con un plato y dos ojos en la mano, y una hoja
de palma en la otra, sabremos que es Santa Lucía, ya que fue martirizada
(palma) sacándola los dos ojos
4.-RESTAURACIÓN Y CONSERVACIÓN DE LAS OBRAS DE
ARTE
Hasta el Renacimiento, las obras de arte se valoraban por su finalidad
práctica (Catedral) o por el material (Oro, plata) con el que se realizaban. A
partir del siglo XV empiezan a valorarse las obras de arte por su estética. Es
entonces, cuando, reyes, príncipes o clérigos comienzan a promover la
conservación de monumentos, pinturas....
9
? Estilo: es el conjunto de obras artísticas que poseen rasgos similares durante un cierto periodo de tiempo. Ejemplo: estilo impresionista, simbolista...
A lo largo de los siglos el concepto de conservación y restauración ha
ido cambiando. Por ejemplo, en el Romanticismo preferían disfrutar de los
edificios en ruinas, porque en ellos veían la belleza, lo efímero, la muerte...
Durante el siglo XIX, los restauradores reconstruían los edificios en su
totalidad, aunque no se conservaran los planos originales. Imaginaban cómo
debía haber sido, por ejemplo, una perfecta catedral románica, y con esta
idea ponían manos a la obra. A veces se inventaban columnas, o torres o...,
aunque nunca hubieran existido en esa catedral.
En la actualidad, se prefiere no inventar nada. Se consolida lo que ha
permanecido y, si deciden reconstruir algo, siempre lo hacen con colores o
materiales diferentes al original. El objetivo, que sepamos distinguir qué es
lo original y qué es lo restaurado. Así, podemos disfrutar de la obra de arte
sin que nos engañen. Por ejemplo, en la Catedral Nueva de Salamanca, en
una de sus portadas laterales, han esculpido un astronauta; en otra iglesia
salmantina, un tuno. Curioso, ¿Verdad?
5.- CLIENTES Y MECENAS
Incluimos este último apartado para aclarar algunos términos que son
importantes a la hora de estudiar la Historia del Arte.
En primer lugar, explicaremos brevemente el concepto de mecenas. Un
mecenas, en sentido general, es una persona poderosa que apoya espiritual
y materialmente a literatos y artistas.
La figura del mecenas como benefactor de las artes, surgió en Grecia y
fue resucitado con gran fuerza a partir del Renacimiento. Por ejemplo,
Lorenzo de Medici fue un banquero de Florencia que prestaba su palacio a
filósofos, escultores, pintores, escritores....De ahí surgió un importante
núcleo de artistas, tales como Miguel Ángel, Plotino...
Cuando la persona poderosa sólo ofrece apoyo financiero por una obra,
entonces nos encontramos con otras figuras, que pueden ser promotores,
patrocinadores...
Por tanto, SÓLO SE UTILIZA EL TÉRMINO MECENAS EN LA ÉPOCA
CLÁSICA Y EN EL RENACIMIENTO, aunque seguirán existiendo hasta la
actualidad (de forma más puntual).
El otro término importante es el de cliente.
Hasta el siglo XVII el artista es cliente del mecenas. El patrocinador
establece qué y como quiere la obra (por ejemplo, un retrato) y, el artista, ve
condicionada su creatividad.
Sólo a partir de Rembrandt (siglo XVII), cuando los artistas
comienzan generar obras de arte sin un destinatario concreto, se cambian
los papeles. Ahora el artista crea obras y sus clientes (conocidos o no)
acuden a comprar, tanto a su taller, como en galerías de arte...
6.-GLOSARIO DE TÉRMINOS DE LA UNIDAD
Acuarela: sobre papel o lienzo. Es una pintura bastante ligera, casi transparente, que se aplica mezclando el pigmento con alguna goma (arábiga) y diluyéndolo en agua.
Aguada: es similar a la acuarela, pero que emplea también el color blanco y sus colores son más espesos y opacos. Se diluyen en agua o cola mezclada con miel. También se denomina pintura al gouache
Arbotante: arco situado sobre el contrafuerte y que sirve para contrarrestar el peso de las bóvedas del interior del edificio
Artes Mayores: son aquellas disciplinas artísticas tales como la Arquitectura, Escultura y Pintura, en contraposición a las Artes Menores, que son la epigrafía, la numismática, la eboraria, la orfebrería
Arcos: se trata de un elemento sustentante, de trazado curvo. Por tanto, no sólo recibe una presión vertical sino también otra oblicua, que va desde la dovela o piedra central del arco (clave) hasta el soporte. El intradós corresponde a la parte interior del arco y el extradós es la exterior. Los más habituales son: -Medio punto.- El que tiene una curva igual a ½ circunferencia del mismo radio.Ojival: El que consta de dos porciones de curva que forman ángulo en la clave y cuyo intradós es cóncavo.Conopial.- El que tiene trazado curvas desde varios centros, dos interiores para las ramas bajas y dos exteriores para las ramas altasEscarzano.- Arco rebajado, en especial el que corresponde a un ángulo de 60ºCarpanel: El de varios centros, y en especial el de tresLobulado.- El formado por lóbulos yuxtapuestosHerradura.- Aquel cuya curva sobrepasa la circunferencia en 1/3 o 1/2 radioFajón o Perpiaño: el que se dispone transversalmente al eje de la naveFormero: el paralelo al eje longitudinal de la nave y la separa de otraParabólico: el generado por una parábolaPeraltado: es un arco semicircular alargado o en peralte. Arco realzado.Toral: cada uno de los arcos que sostienen la elevación sobre el cruceroTudor: arco de cuatro centros interiores cuyas ramas rematan en ángulo. Propio del estilo inglés de este nombre.Arcos ciegos: son los arcos dispuestos en la pared (macizos)Bóveda: es una clase de cerramiento semicircular y de piedra. Existen diferentes tipos:
de Arista.- la formada por la intersección, en ángulo recto, de dos bóvedas de cañón, resultando del encuentro cuatro aristas angulares.
de Cañón.- la generada por el desplazamiento de un arco de medio punto a lo largo de un eje longitudinal.
de Crucería.- La que refuerza sus aristas con nervios.
de Cuarto de esfera.- la que consta de 1/4 de esfera y por lo general, cubre el espacio del ábside semicircular.
de Crucería califal.- aquella cuyos nervios al cruzarse, no pasan por la clave.
Estrellada.- bóveda de crucería cuya plementería presenta un entrecruzamiento de nervios baquetones
Sexpartita: la de crucería que queda dividida en seis elementos, por llevar, además de los nervios diagonales, otro transversal, que pasa por la clave y tiene a cada lado dos arcos formeros.
Bronce: es una aleación de cobre y estaño o cinc. En escultura se utiliza a través de diferentes técnicas: repujado, martilleado o a la cera perdida.
Cerámica: se llama cerámica a todo lo que se modela con una mezcla de arcilla y es sometida al fuego.
Cliente: hasta el barroco, se refiere a los artistas; a partir de que el artista participe en el mercado del arte, el cliente es el comprador de la obra de arte
Columna: elemento sustentante circular, compuesto de basa, fuste y capitel.
Composición: la distribución de los elementos en una obra de arte
Contrafuertes muros exteriores al edificio que sirven para soportar el peso de las bóvedas
Cupulino El casquete con el que a veces remata la cúpula
Cúpulas son bóvedas semiesféricas que cubren espacios cuadrados.
Escultura de bulto redondo es la escultura que está completamente exenta al plano y la podemos rodear
Encausto: sobre tabla o muro. Los pigmentos se mezclan con resina o cera. Se aplica con paleta y pinceles calientes.
Estilo: es el conjunto de obras artísticas que poseen rasgos similares durante un cierto periodo de tiempo.
Estípite.- Elemento en forma de tronco de pirámide invertido que puede tener funciones de soporte
Fresco: técnica pictórica consistente en aplicar los pigmentos en un muro
Linterna segundo cuerpo de la cúpula, cilíndrico o poligonal cubierto. A través de sus vanos entra la luz
Mampostería.- Fábrica de piedra sin labrar o con labra tosca que se dispone de modo irregular
Marfil: es uno de los materiales orgánicos más utilizados desde la prehistoria para la fabricación de objetos de uso corriente, rituales y ornamentales
Mármol: es una piedra caliza, de textura compacta y cristalina.
Mecenas: es un protector de las artes, tanto espiritual como materialmente
Pastel: sobre papel, lienzo...es una pintura que se aplica con lápices blandos (formados por pigmento, goma, caolín y yeso). Exige capa posterior para fijar los colores.
Pechina: Cada uno de los triángulos curvilíneos sobre los que se asienta una cúpula. Sirve para pasar de una superficie cuadrada a una circular.
Perspectiva: la búsqueda de la profundidad en una superficie bidimensional. Veamos algunas de ellas: Caballera: es la técnica pictórica que consiste en representar las figuras desde lo alto, por lo que es necesario un profundo estudio de proporciones. Jerárquica: es aquélla en la que el tamaño de los personajes varía en función de su importancia Geométrica: fue una de las grandes conquistas del Renacimiento. Como ya señaló Brunelleschi: “Si establecemos una pirámide visual enfocada en un punto en la lejanía, los objetos situados al fondo asemejan ser más pequeños y difusos que los más cercanos”. Aérea: el gran maestro fue Velázquez. Se basa en que aquello que vemos en la distancia azulea y pierde precisión. Por tanto, en pintura, se consigue reflejar el ambiente de una escena difuminando los tonos a medida que se alejan del espectador. Subjetiva: a partir del cubismo, se generan nuevas perspectivas diferentes a la tradicional.
Pilar: es un elemento sustentante similar a las columnas, con la diferencia de que su forma se aleja de la naturaleza. Tienen una sección cuadrada o poligonal.Pilastra: es un pilar adosado a un muro y consta de basa y capitel
Relieve: técnica escultórica donde las figuras aparecen adheridas a un plano que le sirve de fondoSillar.- Piedra labrada en forma de paralelepípedo que se usa en construcción
Tambor: cuerpo cilíndrico u octogonal que se construye para sobreelevar las cúpulas.
Torno: máquina formada por dos discos que sirve para modelar objetos circulares en cerámicaTrompa: Bovedilla semicónica con el vértice en el ángulo de dos muros y la parte ancha hacia fuera, en saledizo. Sirve para pasar de una superficie cuadrada a una octogonal
Temple: técnica pictórica realizada normalmente sobre tabla, donde los pigmentos se mezclan con clara de huevo y aceite
7.- BIBLIOGRAFÍABORRÁS, FATÁS: “Diccionario de términos de arte y elementos de Arqueología, heráldica y numismática. Editorial Alianza. Madrid. 1995
CORRADO MALTESE: “Las técnicas artísticas”. Manuales de Arte. Editorial Cátedra.Madrid.1994CHECA: Introducción a la Historia del Arte. Manuales Arte Cátedra. Madrid. 1995VVAA: Artis Historia del Arte. 2º Bachillerato. Editorial Vicens-Vives. Barcelona 2004www.alv mendron.com