En general se llama orquesta sinfónica a una orquesta de gran tamaño, con presencia de todas las familias de instrumentos.

Para hablar de una orquesta sinfónica hay que esperar a la aparición de la sinfonía y del sinfonismo. Por ello, sólo con el desarrollo de las obras orquestales con forma sonata podemos pensar en un conjunto estándar en número y composición de instrumentos, pensado expresamente para el nuevo concepto de espectáculo musical ligado al crecimiento de la burguesía desde finales del siglo XVIII.

En la escuela de Mannheim encontramos el modelo de orquesta moderna, en el conjunto fundado por Johann Stamitz que consiguió enorme fama en toda Europa. Se caracterizaba por ser un grupo medianamente numeroso, con un buen equilibrio entre las familias instrumentales, y sobre todo por la uniformidad en la interpretación, detalles del fraseo (los famosos crescendo y diminuendo de Mannheim) y alto grado de exactitud en la dirección. Estas primeras orquestas constan de cuerda (violines primeros y segundos, violas, violonchelos y contrabajos), dos oboes y dos trompas. Poco a poco se añaden flautas, fagotes y clarinetes (especialmente por Mozart). A finales del siglo XVIII ya están también las trompetas y los timbales, siendo unos cincuenta músicos.A este tipo de orquesta, que será el protagonista de la música de la época de Mozart, Haydn y el joven Beethoven, se le llama por esto también “orquesta clásica”. La única diferencia con una “sinfónica” estará en el tamaño.Beethoven acrecienta el tamaño de la orquesta, aumentando el número de los instrumentos (en especial los vientos)e introduciendo algunos nuevos como el trombón, bombo, triángulo y platillos.

Dos ciudades fueron los principales centros de producción musical, catalizadores y forjadores de la sonoridad del nuevo concepto sinfónico de la orquesta: Mannheim y Viena. En estas ciudades, más que en cualquier otro sitio, se fraguó la realidad de la forma sinfónica. Mannheim disponía de unos excelentes medios materiales para experimentar una orquesta disciplinada y estable cuya calidad pudo apreciar Mozart. La orquesta fue conocida por los detalles de fraseo, la utilización de unos recursos, como los llamados cresciendo y diminuendo Mannheim —que, en realidad, no fueron invención de los miembros de este grupo—, la alta exactitud en la dirección y la precisión interpretativa. Uno de sus principales directores fue Johann Stamitz (1717-57), también fructífero compositor que introdujo notables cambios tanto en el arte de la instrumentación como en los motivos musicales básicos del material sinfónico. En Viena destacó una serie de compositores a los que, por lo general, no se ha tenido demasiado en cuenta, como Matthias Georg Monn (1717-50), considerado el más importante por sus aportes al concepto estructural de la sinfonía. Pero fue con Haydn y Mozart con quienes esta forma alcanzó su verdadero desarrollo.

Casi siempre tiene 100, para no ser tan inexacta, pero puede variar dependiendo de la clase de concierto, puesto que en uno para violín habrá menos que en uno clásico de Mozart, o en uno de instrumentos variados será mayor que en que es solo para cuerda.

CUERDA FROTADA

La familia de la cuerda frotada comprende: Violín,Viola,Violoncello y Contrabajo.

Violín: Es el más pequeño y agudo de la familia de cuerda frotada.El sonido es producido en todos ellos por el frotamiento de las cerdas de un elemento llamado arco contra las cuerdas del instrumento,transmitiendo la vibración por medio del puente,a la caja de resonancia.Su sonido es brillante y su técnica permite grandes agilidades.Tiene cuatro cuerdas afinadas por 5ª justas a partir del sol-2.Se escribe en clave de sol y el sonido más agudo escrito es el Do-7.

Viola: Es un poco más grande que el violín y su sonido es más opaco.También se afina por 5ªs a partir del Do-1.Se escribe en clave de Do en 3ª.

Violoncello: Es bastante más grande que la viola y se toca apoyado en el suelo.Se afina por 5ªs justas a partir del Do-(-1).Su sonido es cálido y casi humano.Se escribe en divesas claves: Sol,Do en 4ª y Fa en 4ª.

Contrabajo: Es el más grande y grave de los instrumentos de cuerda frotada;Llega a medir 1.80. Su sonido es poderoso y grotesco.Se afina por 4ªs justas a partir del Mi-(-1),aunque suena una octava mas grave de lo escrito.Se escribe en clave de Fa en 4ª.Existen contrabajos de 5 cuerdas que permiten tocar el Re y Do-(-1).

CUERDA PLECTRADA

Guitarra: Es el instrumento rey de la cuerda plectrada.Se usa para misiones de acompañamiento y es muy raro encontrarlo formando parte de la orquesta sinfónica.Tiene seis cuerdas afinadas por cuartas justas a partir del Mi-2,aunque su sonido es una octava mas grave de lo escrito.Se escribe en una o dos pautas.La guitarra es el bajo del “Cuarteto de Pulso y Púa” junto con la mandolina,la bandurria y el laud.

Arpa: El arpa moderna tiene 46 cuerdas que producen la escala de do bemol mayor,y un mecanismo de 7 pedales con tres posiciones cada uno,que le permiten modificar la afinación uno o dos semitonos cromáticos superiores por pedal consiguiendo todas las escalas diatónicas mayores y menores.Se escribe en doble pauta utilizando las claves de Sol y Fa en 4ª.

CUERDA PERCUTIDA

Piano: Consta de 85 u 88 teclas que suenan del La-(-3) al Do-7,mediante un sistema de macillos que atacan las cuerdas.El teclado posee teclas blancas y negras con lo que se obtienen los 87 semitonos correspondientes al “Sistema Temperado”.Ha sido siempre el instrumento rey de todos dadas sus posibilidades polifónicas.Posee también 2,3 o 4 pedales que le permiten conseguir sonoridades específicas.Los hay de pared (verticales) y de cola,midiéndose éstos en cuartos dependiendo de su longitud.Las cuerdas que pueden ser sencillas,dobles o triples,van montadas sobre un bastidor de acero macizo que aguanta una tensión de 15.000 Kgr.Posee también un elemento llamado “Tabla Armónica” que es la que distribuye el sonido y le da a cada piano su timbre particular.Se escribe en 2 o 3 pautas,utilizándose las claves de Sol y Fa en 4ª.Su nombre original es “pianoforte”,dado que ,al contrario que el clave,permite dinámicas contrastadas y amplias.

Clavicémbalo: Es el instrumento predecesor del piano.También se le denomina cémbalo o clave.Se diferencia del piano en la extensión que es variable,y en que las cuerdas no son percutidas por macillos de madera forrados de fieltro,sino se percuten

con láminas de metal que acciona el teclado.Su sonido es metálico como ocurre con el Clavicordio.El clave permite ciertas sutilezas dinámicas.Se escribe en doble pauta y en la claves de Sol y Fa en 4ª.

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AERÓFONOS

Aerófonos: por soplo humano:madera:Flautín (embocadura) (suena 8ª alta)

Piccolo (embocadura) (suena 8ª alta)

Flauta (embocadura)

Oboe (lengüeta doble)

Corno Inglés (lengüeta doble) (transpositor 5ªdes)

Clarinete (lengüeta simple) (transpositor 2ªM des)

Fagot (doble lengüeta)

Contrafagot (doble lengüeta) (suena 8ª baja)

Saxofón (lengüeta simple)

Metal: Trompeta (presión labial) (transpositor varias tonalidades)

Trompa (“) (“)

Trombón (“) (“)

Tuba (“) (“)

Por acción mecánica:lengüetas:Armonio

Tubos: Órgano

AERÓFONOS POR SOPLO HUMANO DE MADERA

Flautín: Es el instrumento más agudo y de sonido más incisivo de la orquesta sinfónica.Actualmente se construye de metal.Se le denomina “ottavino” por sonar una octava alta de la flauta.Se escribe en clave de Sol y suena una 8ª superior al sonido representado.

Flauta: Es un tubo cilíndrico con orificios accionados por llaves (según el sistema modificado por Bohem para todos los instrumentos de llaves).Posee grandes posibilidades de agilidad en su mecanismo. Actualmente se construye,como en el caso del Flautín de metal.Su sonido se caracteriza por el silbido que produce el aire al chocar contra la embocadura.Se escribe en clave de Sol.

Piccolo: El piccolo es similar al flautín,aunque un poco más grave,y se sigue construyendo de madera.No posee llaves y su sonido es más dulce que el del flautín.

Oboe: Posee un sonido ligeramente nasal,dulce y patético.Es un tubo cónico con un sistema de llaves (Bohem).Es el instrumento más ágil en las notas en picado,ya que las produce muy secas.Se escribe en clave de Sol.

Corno Inglés: Es algo mayor que el oboe,siendo más potente su sonido,de diferente calidad y de posibilidades dinámicas muy amplias.Es transpositor a Fa.Se escribe en clave de Sol.

AERÓFONOS POR SOPLO HUMANO DE METAL

Trompeta: Se trata de un tubo cónico con una embocadura en forma de “copa” que termina en un pabellón.Posee un sistema de pistones y válvulas que le permiten producir la escala cromática,aunque algunas notas suenan desafinadas y hay que corregirlas con presión labial.Su sonido es épico y brillante.Los hay transpositores a muchas tonalidades,y se escribe en clave de Sol.

Trompa: La trompa es un tubo cilíndrico enrollado que finaliza en un amplio pabellón.Posee un sistema de llaves para producir las notas y la forma de producción del sonido es similar a la de la trompeta;para corregir ciertas notas desafinadas,se introduce el puño dentro del pabellón. Su sonido es más opaco que la trompeta.Las hay en muchas tonalidades,aunque la más universalizada es la trompa en Fa (suena una 4ª justa descendente).Se escribe en clave de Sol.

Trombón: Es un tubo cónico.Hay trombones de pistones(poco usados) y trombones de varas, que es el más típico.Las notas se consiguen dependiendo de la longitud variable de la vara. Una característica del trombón,es que produce una serie de sonidos muy graves con la extensión aproximada de una quinta,a continuación,hay una laguna de notas que no pueden ser producidas que se denomina “Zona de Silencio”,y a continuación se puede seguir su tesitura normalmente.Su sonido es potente y amplio.Los hay en muchas tonalidades aunque se una mucho el trombón en Do y en Si bemol.Se escribe dependiendo de su tesitura en Sol,Do en 4ª,Do en 3ª ó clave de Fa en 4ª.

Tuba: La tuba es el instrumento mas grave del viento metal.Produce sonidos oscuros y grotescos y se usa para buscar efectos dramáticos.Se escribe en clave de Fa en 4ª.

Otros instrumentos: Tuba de Wagner, Cornamusa, Fliscorno, Bombardino, Sacabuche, Corneta.

AERÓFONOS POR ACCIÓN MECÁNICA

Harmónio: Es un instrumento de viento con teclado en el cual el aire es suministrado por unos fuelles que son accionados por los pies del intérprete en unos pedales.El sonido se consigue por la acción de unas lengüetas através de las cuales pasa el aire.Tiene varias válvulas para los diferentes registros,y su extensión es variable dependiendo de los modelos.Se escribe en doble pauta y en las claves extremas.

Órgano: En el órgano,el aire es producido por un motor eléctrico y antiguamente por unas personas que movían un gran fuelle mientras el intérprete tocaba.Dispone de muchas hileras de tubos que suenen al accionar determinados registros que pueden acoplarse.Tiene uno,dos o varios teclados con varios registros por teclado que pueden mixturarse.También posee un pedalier,que es una especie de teclado que se acciona con los pies.Posee muchas posibilidades polifónicas y se escribe en triple pauta: las dos de arriba para los teclados (manos) y la de abajo para el pedalier (pies).Se escribe en Sol y Fa en 4ª.

Otros: harmónica,flauta de pico,los aulos.

PERCUSIÓN

Los instrumentos de percusión se dividen en Membranófonos(membranas tensadas) e Idiófonos(materiales duros,de “Idio” “qué suena por si mismo”).La percusión se clasifica de la siguiente manera:

Membranas tensadas - sonido determinado: Timbales

Membranas tensadas - sonido indeterminado: Caja o tambor,Bombo, Pandereta,Tamboril

Materiales duros - sonido determinado: Xilófono,Metalófono,Vibráfono,Celesta,Campanas

Materiales duros - sonido indeterminado: Triángulo,Platillos,Tam-Tam,Castañuelas,Maracas,Sistro

ORQUESTA FILARMÓNICA DE VIENA: Para quién esto escribe, la mejor orquesta de todos los tiempos. Fundada en 1842 por Otto Nikolai, la agrupación vienesa ha sido dirigida por los mejores directores de cada época y, curiosamente, nunca ha tenido la figura de un director titular, aunque muchos artistas han tenido una especial vinculación con la orquesta. El proceso de selección de los profesores que la integran es complicadísimo y muy riguroso; asimismo, los instrumentos con los que se ejecutan las interpretaciones han de seguir unos patrones constructivos nada desdeñables. Nada se deja en el aire. La orquesta destaca por su mágica cuerda y por sus aterciopeladas maderas. Su sonido es limpio y cristalino, en ocasiones fácil de reconocer para aquellos que tienen ciertos conocimientos musicales. Es una agrupación inigualable para la interpretación del sinfonismo romántico y, sobre todo, del clasicismo vienés. Obviamente, ninguna otra orquesta en el mundo tiene la capacidad de esta formación para traducir la música vienesa de los Strauss. Su actuación en los tradicionales Conciertos de Año Nuevo es seguida en directo por miles de millones de personas en todo el mundo. Su reputación, a día de hoy, es decididamente incomparable. Todos los directores sueñan con poder dirigirla algún día. Eso dice mucho de sus cualidades. Como ejemplo, os pongo el enlace a un vídeo con la interpretación de la Danza Eslava nº1 de Dvorak bajo la dirección de Seiji Ozawa .

– ORQUESTA FILARMÓNICA DE BERLÍN: Fundada en Berlín en 1882 con el nombre de Frühere Bilsesche Kapelle,una formación que ha tenido la virtud de contar entre sus titulares con figuras de la talla de Hans Von Bülow, Arthur Nikisch, Wilhelm Furtwängler, Sergiu Celibidache, Herbert Von Karajan y Claudio Abbado ha de poseer “cierta” esencia. Su actual titular es el británico Simon Rattle, sobre quién recaen no pocas discrepancias en su labor aunque, generalmente, venidas desde fuera del entorno berlinés. Es una orquesta potente y de una impresionante capacidad técnica. Sus grabaciones suelen ser de obligada referencia y su sede de conciertos, la famosa Philharmonie Saal, está dotada con una de las mejores acústicas del mundo, aunque recientemente un incendio afecto gravemente a sus instalaciones. Es una orquesta que puede con todo y su repertorio es inmenso. Si Furtwängler la dotó de una personalidad propia, fue Karajan quién elevó su sonoridad hasta cotas difícilmente superables. Sus mayores virtudes son la majestuosidad de las cuerdas y el magistral empaste de los metales. Como ejemplo, os pongo un enlace a un vídeo con unos fragmentos de la Novena Sinfonía de Beethoven dirigidos por Herbert von Karajan durante un concierto celebrado en el Philharmonic Hall de Nueva York en 1977.

– REAL ORQUESTA DEL CONCERTGEBOUW DE AMSTERDAM: En la polémica lista de la revista GRAMOPHONE ha tenido el honor de ocupar un privilegiado primer puesto dentro del ranking. Fue fundada en 1888 y debe su nombre a la preciosa sala de conciertos que le sirve de sede. Su principal director, y en buena manera el artífice de su extraordinario nivel, fue el mítico Willem Mengelberg. Con veintisiete años al frente de la orquesta, Bernard Haitink no sólo conservó la precisión heredada de Mengelberg sino que incluso la pulió, aparte de extender el repertorio de la orquesta a la música del siglo XX. Su actual titular es Mariss Jansons desde 2004, tras dieciséis estupendos años de un sorprendente Riccardo Chailly. La orquesta destaca por su pulcra cuerda, sus majestuosos metales y, sobre todo, por su sección de maderas, posiblemente la mejor de todo el mundo en la actualidad. Tanto Haitink como Chailly lograron ampliar el repertorio de la orquesta y sus respectivas grabaciones del ciclo sinfónico de Mahler son de referencia. La célebre escalinata de su sala de conciertos obliga a los directores que han de dirigirla a dar un largo paseo, generalmente, entre las ovaciones de un público holandés que considera a la orquesta como uno de los mayores valores de su país. Como ejemplo, os pongo el enlace a un vídeo con la interpretación del segundo movimiento de la Sinfonía Nº1, Titán , de Mahler en versión de su actual director, Mariss Jansons, en un concierto al aire libre celebrado en la plaza del Damm de Amsterdam.

– ORQUESTA SINFÓNICA DE LONDRES: Fundada en 1904 por Hans Richter, es la primera formación británica y una de las grandes orquestas del mundo. Está bendecida: Tenían pasaje para abordar una gira por los EEUU en el Titanic y a última hora cancelaron el viaje. Ha sido cantera de los mejores instrumentistas de madera y metales, como James Galway (Flauta) o Barry Tuckwell (Trompa). La mejor virtud de la formación es su extraordinaria habilidad para cambiar el sonido según el director y la obra que están ejecutando, siendo por ello una de las agrupaciones más versátiles que hoy en día existen. También es una orquesta ideal para la música cinematográfica y sus numerosas grabaciones así lo

atestiguan. Han sido titulares de la misma maestros de la talla de Monteux, Krips, Abbado o Sir Colin Davis. Desde 2007 Valery Gergiev ocupa ese privilegiado podio. La formación se destaca también por su espíritu joven y así es muy apta para la interpretación de obras modernas e incluso contemporáneas. Como único punto negativo, es un conjunto que presenta ciertos altibajos en las giras, tal vez, por  su apretada agenda de trabajo. Como ejemplo, os pongo el enlace a un vídeo con un fragmento del Preludio a la siesta de un fauno de Debussy en versión de Gergiev, su actual titular, en concierto celebrado en el Classical Barbican, sede londinense de la orquesta, en 2007.

– ORQUESTA SAJONA DE LA STAATSKAPELLE DE DRESDE: Posiblemente, la orquesta más antigua del mundo, fundada en 1548, al parecer, por Mauricio de Sajonia. Muchos compositores han sido directores titulares o asociados a la misma, como Carl Maria Von Weber, Richard Wagner o Richard Strauss. También ha sido dirigida por las más eminentes batutas de las primeras décadas del siglo XX (Fritz Reiner, Fritz Busch, Karl Böhm, Joseph Keilberth…). Richard Strauss elegía dicha formación para el estreno de sus óperas, lo que da idea del nivel y consideración de la orquesta. Tras la Segunda Guerra Mundial, la orquesta pasó a manos de las autoridades de la antigua República Democrática Alemana y no por ello vio mermado su excelente nivel artístico. En este período fue muchas veces dirigida por Böhm y Karajan, entre otros directores invitados, y fue considerada como la mejor orquesta de la “otra” Alemania, en dura competencia con el Gewandhaus de Leipzig. Tras la caída del Muro, la orquesta ha contado con titulares de la talla de Sinopoli o Haitink, siendo Fabio Luisi su actual director titular, aunque no podemos pasar por alto el magnífico trabajo llevado a cabo por directores como Rudolf Kempe, Kurt Sanderling o Herbert Blomstedt. La orquesta destaca por su cuerda majestuosa y por unos metales potentes y perfectamente empastados. Es ideal para la música romántica y también para Bruckner y Mahler. Hoy en día es considerada como una de las tres mejores orquestas germanas. Como ejemplo, os pongo el enlace a una interpretación del arranque de Así hablaba Zaratustra de Richard Strauss dirigido por Zubin Mehta .

Richad wagner

Wilhelm Richard Wagner nació el 22 de mayo de 1813 en el número 3 de la calle Brühl, en la judería de Leipzig (Confederación del Rin, actual Alemania). Fue el noveno de los hijos de Carl Friedrich Wagner (1770-1813), un modesto funcionario de policía que murió de tifus seis meses después del nacimiento de Richard,3 y de Johanna Rosine (de soltera Pätz, 1774-1848), hija de un panadero.4 Tras el trágico fallecimiento de su padre el 23 de noviembre de 1813, su madre comenzó a vivir con el actor y dramaturgo Ludwig Geyer, que había sido amigo de su difunto marido.5 En agosto de 1814, Johanna Rosine se casó con Geyer y se trasladó con su familia a su residencia en Dresde. Durante los primeros catorce años de su vida, Wagner fue conocido como Wilhelm Richard Geyer.nota 1 Wagner, más tarde, sospechó que Geyer era en realidad su padre biológico, y además especuló equivocadamente con que podría ser judío.6

La pasión de Geyer hacia el teatro fue compartida por su hijastro, que empezó a tomar parte en las actuaciones. En su autobiografía, Wagner recordó haber desempeñado en una ocasión el papel de un ángel.7 Asimismo, el muchacho quedó fuertemente impresionado por los elementos góticos de El cazador furtivo de Carl Maria von Weber. A finales de 1820, Wagner fue inscrito en la escuela Wetzel de Possendorf, cerca de Dresde, donde recibió algunas lecciones de piano de su profesor de latín.8 No era capaz de realizar una escala correcta, pero prefería interpretar oberturas teatrales de oído. Geyer murió en 1821, cuando Richard tenía ocho años. En consecuencia, Wagner fue enviado a la Escuela de Gramática Kreuz en Dresde, cubriendo los gastos el hermano de Geyer.9 El joven Wagner alimentaba sus ambiciones como dramaturgo, constituyendo su primer esfuerzo creativo una tragedia, Leubald (listada como WWV 1), que comenzó en la escuela y que estaba fuertemente influida por Shakespeare y Goethe. Wagner, decidido a musicarla, persuadió a su familia para que le permitiese tomar lecciones de música.10

En 1827, la familia regresó a Leipzig. Wagner recibió sus primeras lecciones de armonía entre 1828 y 1831 con Christian Gottlieb Müller.11 En enero de 1828 escuchó por primera vez la Séptima sinfonía de Beethoven y, a continuación, en marzo, la Novena sinfonía interpretada por la Gewandhaus. Beethoven se convirtió en su inspiración y Wagner escribió una transcripción para piano de la Novena.12 También

estuvo muy impresionado por la representación del Réquiem de Mozart.13 De este periodo datan las primeras sonatas para piano de Wagner y sus primeros intentos con oberturas orquestales.14

En 1829 vio a la soprano dramática Wilhelmine Schröder-Devrient en escena y se convirtió en su ideal de fusión de música y drama en la ópera. En su autobiografía, Wagner escribió: «Si contemplo mi vida en retrospectiva como un todo, no puedo encontrar ningún acontecimiento que produjera una impresión tan profunda en mí». Afirmó haber visto a Schröder-Devrient en el papel de Fidelio; sin embargo, parece más probable que viera su representación como Romeo en I Capuleti e i Montecchi de Bellini.15

Minna Planer en 1835, un año antes de su matrimonio con Wagner.

Se matriculó en la Universidad de Leipzig en 1831, donde se convirtió en miembro del Studentenverbindung de Sajonia en Leipzig. También recibió lecciones de composición con el cantor de la iglesia de Santo Tomás, Christian Theodor Weinlig.16 Weinlig estaba tan impresionado con la habilidad musical de su alumno que rechazó cualquier remuneración por sus lecciones y arregló la Sonata para piano en si bemol de Wagner (lo que hizo que este se la dedicara) para que fuera publicada como el opus n.º 1 del compositor. Un año después compuso su Sinfonía en do mayor, una obra de influencia beethoveniana interpretada en Praga en 183217 y en la Gewandhaus de Leipzig en 1833.18 También comenzó a trabajar en una ópera, Die Hochzeit (La boda), pero abandonó la idea debido al desagrado de su hermana por el argumento y nunca terminó dicha obra.19

Hector berlioz

Berlioz nació en Francia en La Côte-Saint-André, entre Lyon y Grenoble. Su padre era médico (fue un aficionado a la acupuntura) y envió al joven Héctor a París a estudiar medicina. Berlioz quedó horrorizado por el proceso de disección y a pesar de la desaprobación de su padre, abandonó la carrera para estudiar música. Asistió al Conservatorio de París, donde estudió composición y ópera, quedando muy impresionado por la obra y las innovaciones de su maestro Jean-François Lesueur.

El movimiento romántico

Rápidamente se sintió identificado con el movimiento romántico francés. Entre sus amigos estaban los escritores Alejandro Dumas, Victor Hugo y Honoré de Balzac. Más tarde, Théophile Gautier escribiría:

Me parece que Héctor Berlioz, con Victor Hugo y Eugène Delacroix, forman la Santísima Trinidad del arte romántico.

Se dice que Berlioz había sido un romántico innato, que experimentaba intensas emociones desde la más tierna infancia, por ejemplo cuando leía pasajes de Virgilio, y más tarde en una serie de aventuras amorosas.

A los 23 años se enamoró de la actriz irlandesa shakesperiana Harriet Smithson.

Retrato de Berlioz por Signol, 1832

A Smithson las cartas de Berlioz le parecieron tan exageradamente apasionadas que lo rechazó por completo. Sin embargo, fue la musa inspiradora de la sinfonía que Berlioz estaba preparando en esa época.

En 1830, esta Sinfonía fantástica generada por esas emociones fue considerada «asombrosa y vívida», pero Smithson no quiso asistir al debut en París. En aquel momento la naturaleza autobiográfica de esta obra de música programática (que requería que los oyentes leyeran un folleto con su «argumento» antes del concierto) se consideró con justicia sensacional e innovadora.

En 1830 (el mismo año del debut de la sinfonía) Berlioz ganó el Premio de Roma, la beca más importante del mundo de la música.

Debido al rechazo de Smithson, Berlioz se unió sentimentalmente a Marie Moke. Pero este romance fue terminado abruptamente por la madre de Moke, quien la casó con el pianista y fabricante de pianos Camille Pleyel.

Berlioz, que en esa época ya estaba becado en Roma, planeó cabalgar hasta París, disfrazarse de sirvienta doméstica, matar a Moke, a su madre y a su novio pianista y suicidarse. Llegó a viajar un par de miles de kilómetros hasta Niza, hasta que fue persuadido de abandonar la idea.

Después de su retorno a París —luego de dos años becado estudiando ópera italiana en Roma—, se enteró de que Harriet Smithson finalmente había asistido a una presentación de la Sinfonía Fantástica. Ella rápidamente se dio cuenta de que era una clara alegoría de las apasionadas cartas que Berlioz le había escrito. Pronto se casaron, pero pocos años después, desilusionados, se separaron.

Durante su vida, Berlioz fue más famoso como director de orquesta que como compositor. Periódicamente daba ciclos de conciertos en Alemania e Inglaterra, donde dirigía óperas y música sinfónica, tanto suya como de otros compositores.

Varias veces se encontró con el compositor y virtuoso del violín Nicolo Paganini. De acuerdo con las memorias de Berlioz, Paganini le ofreció 20.000 francos después de haber visto una representación en vivo de Harold en Italia obra basada en el Childe Harold (Pequeño Aroldo) de Byron. La idea era que Berlioz le vendiera esa obra (una sinfonía concertante para viola) para que Paganini la pudiera tocar como propia.

Hector Berlioz falleció en París el 8 de marzo de 1869. Está enterrado en el cementerio de Montmartre con sus dos esposas, Harriet Smithson (+ 1854) y Marie Recio (+ 1862).

Berlioz estuvo muy influido por la literatura. En su Sinfonía fantástica, se inspiró en la obra de Thomas de Quincey, Confesiones de un inglés comedor de opio. Para La maldición de Fausto se basó en la traducción hecha por Gérard de Nerval sobre el Fausto de Goethe; Harold en Italia, está basada en Las peregrinaciones de Childe Harold, de Byron; Benvenuto Cellini, sobre la autobiografía de Cellini; Romeo y Julieta, obviamente en la obra de Shakespeare, Romeo y Julieta; su magnum opus Les Troyens se inspira en la Eneida de Virgilio; la comedia Béatrice et Bénédict sobre otra obra de Shakespeare, Mucho ruido y pocas nueces.

Aparte de sus influencias literarias, Berlioz se fijó en los himnos de su maestro Jean-François Lesueur e imitó mucho a Beethoven, en aquel tiempo desconocido en Francia. También mostró reverencia a los trabajos de Gluck, Mozart, Étienne Méhul, Carl Maria von Weber y Gaspare Spontini.

En 1844, Héctor Berlioz compuso la primera obra que se conoce para saxofón, que es el sexteto Canto Sagrado, y que fue estrenada el 3 de febrero de 1844 bajo la batuta del propio Berlioz y con Adolphe Sax en la interpretación de su saxofón.

Héctor Berlioz toma de Beethoven la teatralidad dejando de lado lo que se refiera a un modelo de desarrollo temático, algo que era fundamental para los músicos alemanes.

No hay rasgos folklóricos en Berlioz; sin embargo, su Romeo y Julieta o su Sinfonía Fantástica son imperfectamente beethovianas y muy francesas.

Aunque nacido en el Piamonte, se trasladó pronto a Torre del Greco (Nápoles), ciudad de su padre Vincenzo, tallador de camafeos. A los tres años de edad empezó a interesarse por el violín y a los ochos fue admitido en la Escuela Napolitana del Maestro Luigi D'Ambrosio. En junio de 1956 se examinó en el prestigioso Conservatorio San Pietro a Majella de Nápoles, con cinco años de antelación.

Escuchado por el mecenas conde Chigi, fue admitido ad honorem en un curso de perfeccionamiento de la Accademia Musicale Chigiana de Siena.

Salvatore accardo

Dio su primer recital profesional a los 13 años tocando los Caprichos de Niccolò Paganini. En 1956, ganó la Competencia de Génova y en 1958 logró el primer lugar del concurso de violín "Paganini". Fundó el Cuarteto Accardo en 1992 y fue uno de los fundadores de la Academia Walter Stauffer en 1986. También creó el «Settimane Musicali Internazionali» en Nápoles y el «Festival de Cuerdas de Crémona» en 1971. En 1996 refundó la «Orquesta da Camera Italiana» (OCI) cuyos integrantes son los mejores alumnos de la Academia Walter Stauffer. Es considerado uno de los mejores violinistas del mundo.

Salvatore Accardo posee varios violines, entre ellos los Stradivari Hart ex Francescatti (1727) y Uccello di Fuoco ex Saint-Exupéry (1718), y un Guarneri del Gesù del 1734.

Repertorio

Gran virtuoso del violín, es especialmente famoso por su interpretación de las obras de Paganini, de quien ha grabado sus veinticuatro Capricci y sus seis conciertos para violín y orquesta, el primero en hacerlo,(ahora existe una integral de los conciertos grabada por su alumno Massimo Quarta). Los seis conciertos para violín y orquesta de Niccolò Paganini fueron grabados en 1974, con el acompañamiento de la Orquesta Filarmónica de Londres, bajo la dirección del suizo Charles Dutoit. En cuanto a los Veinticuatro Caprichos fueron interpretados y grabados por el maestro Salvatore Accardo, sin ninguna clase de acompañamiento. Realmente Salvatore Accardo grabó casi toda la obra violinística de Niccolò Paganini, aproximadamente a los treinta y dos años de edad.

Su repertorio, sin embargo, es mucho más amplio y abarca desde obras barrocas Johann Sebastian Bach hasta contemporáneas (ha estrenado numerosas composiciones, y autores como Salvatore Sciarrino, Franco Donatoni, Astor Piazzolla o Iannis Xenakis le han dedicado obras). También ha destacado en la música de cámara o en la dirección de ópera.

Discografía

Ha grabado los 24 Caprichos de Paganini para violín solo (los volvió a grabar en 1999) y fue el primero en grabar los seis conciertos para violín de Paganini. Aportó una impresionante versión de Les folies d'Espagne para la serie de dos capítulos sobre la vida de Antonio Stradivari, escrita y dirigida en 1989 por Giacomo Battiato e interpretada por Anthony Quinn. Accardo tiene una extensa lista discográfica de casi 50 grabaciones con Philips, DG, EMI, Sony Classical, Foné, Dynamic y Warner-Fonit.