VI A N I V E R S A R I O

MEMORIA DE ACTIVIDADES ENERO 2014 – DICIEMBRE 2015

Director: Alfonso González-Calero 1

PRESENTACION

Algo más que una sensación de satisfacción, y algo más que una obligación impuesta es la elaboración de la edición de este resumen de las exposiciones acaecidas en nuestro espacio, costumbre que se remonta a los inicios de la andadura expositiva desde el año 1992, cuando ya empezamos con esta labor.

Desde luego, es significativo y hasta incitante ver y comparar aquellas primeras “Memorias” con las ultimas pues se nota claramente que ha habido cambios profundos en la praxis de los artistas, cambios de tendencias, diferentes maneras de presentación de las obras y también una modificación sustancial en los objetivos estéticos, y todo hace pensar después de esa observación, que los modelos artísticos han llevado, tras un afán manierista donde se cuidaba la técnica, pero se experimentaba con los procedimientos tradicionales, y donde los contenidos permanecían, a un diametral concepto donde la mayoría de la producción artística procura más innovación argumental, quizá incidiendo en la vivencia subjetivizada no abandonando la post-modernidad, pero apoyada esta vez en los nuevos materiales, sean estos tecnológicos o industriales.

En este sentido aquí y ahora se recogen las veintiuna exhibiciones que hemos desarrollado desde enero de 2014 a diciembre de 2015, dos años de trabajo, y queda en este documento la posibilidad de hacer otras posibles comparaciones o divagaciones que traigan más consideraciones del estado actual de, al menos, los artistas con los que tenemos relación y conocimiento profundo.

Un saludo.

Alfonso González-Calero. Director de Investigaciónyarte /Art Room_espacio experimental.

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Índice de artistas y exposiciones

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1. V Edición de video "en el cuarto simpático" 2. Tomio Yamada 3. Berta Ares 4. Federico Eguia 5. Eduardo Pagan 6. Sabela Baña 7. Pierre Tchetverikoff 8. Clara Isabel Arribas Cerezo 9. Carlos Urbina 10. Endika Basaguren 11. Mitsouko Mori 12. Chelín Romero 13. VI EDICIÓN DE VÍDEO EN EL CUARTO 14. Colectiva “Nuevas Propuestas” 15. Nacho Ramírez 16. Fran Coronado 17. Sergio Ramírez 18. Edrix Cruzado 19. Michiko Totoki 20. Grupo NON STOP 21. Omar Jerez 22. Zuli Olcese 23. Paz Vicente 24. Julio Curieses 25. Paz Vicente 26. Julio Curieses 27. Feria PLEASE ART en Salamanca

V EDICIÓN VIDEO EN EL CUARTO

Presentación, jueves 2 de enero de 2014 a las 19'00h.

Sección de Video-arte de la VII Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Arévalo

La V edición de Video en El Cuarto Simpático está dedicado en exclusiva a la selección de vídeos mostrados en la IX Feria de Arte Contemporáneo de Arévalo (celebrada en 2013), organizada por la Cámara de Comercio de dicha localidad, comisariada por Clara I. Arribas y Juan Gil Segovia.

Dentro de las obras recopiladas se dan varias temáticas y diferentes formas de enfrentarse al acto de creación de imágenes en movimiento, si bien, predomina el vídeo como documento de acciones efímeras.

Artistas seleccionados:

Azahara Cerezo / Carlos Espinosa / Lola LópezCózar/ Martín Bartolomé

Mauricio Sanhueza / Óscar Parasiego / Óscar Salamanca / Verónica Vicente/

Gabriel PérezJuana/ Sergio María Guerrero

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del 3 al 14 de enero de 2014

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TOMIO YAMADA

El Arte, la Cultura, es un elemento compensatorio, de re-equilibrio, por eso todos los regímenes han intentado el desarrollado del suyo como manzana de Atalanta. Pero, la capacidad del arte va más allá, pues se desliga con suma facilidad de imposiciones, para ofrecer sus propias versiones de cada momento, nunca exentas de testimonio, contradicción y disidencia. Así en épocas de dispersión, ligereza y exuberancia, ha venido, entre otras, a llamar la atención, desde la ironía, sobre lo ridículo de la pretensión, véase, el rococó, la movida madrileña, etc. En terrenos de miseria, desconsuelo y abusos, vino, no a consolar, sino a poner de manifiesto, no eximido de cierto humor, sobre la dignidad de la condición humana, véase el barroco, el neo-realismo italiano, o el momento circundante.

“La ventanilla” de Tomio Yamada, es tan actual como universal, cada cual en su cubículo o en su pantalla, desde Zorrilla hasta Silicon Valley, cada uno administrando su caudal, bien como restricción o como entrega.

“La ventanilla” es un re-equilibrio en la contradicción de querer mostrarse sin dejarse ver protegido tras la ventanilla, con la gracia interpretativa que el autor Tomio Yamada ha sabido dar a cada pieza de esta serie.

Tomio Yamada, expone recurrentemente tanto en España como en Japón, con extenso currÍculum, su obra se pudo ver en el Tokyo Metropolitan Art Museum, en la Bienal de Marbella, o recientemente en la Galería Kinokuniya y la Galería Q en Tokyo.

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La ventilla

del 16 de enero al 4 de febrero de 2014

“Salta! (B)”. Técnica mixta. 54x34x5 cm 7

BERTA ARES

El exceso de seguridad es tan terrorífico como la intemperie, pues priva de un confort mínimo donde se desarrolle la existencia con cierta libertad y amplitud de miras. El equilibrio entre las inquietudes y las contradicciones es la búsqueda honesta por donde mostrar tanto las posibles soluciones como las expresiones de los procesos que lleven a ellas. Y ese el camino por el que nos tiene acostumbrados la artista Berta Ares a través de sus reflexiones y trabajos.

Berta Ares viene reflejando, por lo tanto, un constante movimiento interpretativo donde reconduce sus más profundas turbaciones, siempre dotadas de una sensibilidad proclive a las relaciones que se dan entre el ser humano y su entorno. En su anterior serie con recorridos que acercasen a la intimidad aceptada, y en ésta última empeñada en buscar diálogos entre la naturaleza y la cultura, teniendo a ambas por benefactoras del crecimiento tanto individual como colectivo.

Si la cultura tiñe al ser para combatir la barbarie, es por otra parte la naturaleza la que nos marca la referencia de nuestro origen y salvación como especie depredadora. El verbo conjugado producto de implicancias entre el uso devastador de los recursos y el interés de conservación del medio ambiente, es el término por donde llama la atención esta última exposición de Berta Ares.

Berta Ares, tiene un currÍculum dilatado, en nuestro espacio ya ha estado en otras ocasiones, la última en 2012, además, cerca de 50 exposiciones, entre ellas las Muestras de Unión Fenosa, su presencia en ARCO, Ayuntamiento de Santiago, Cádiz, A Coruña, Girona, etc..., su trabajo se encuentra, así mismo en una veintena de instituciones, como en el MACUF, en la Fundación Torrente Ballester o el Museo de Arte Constructivista de Marbella, entre otros.

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del 6 de febrero al 4 de marzo de 2014

”Nido”. Ténica mixta, ramas y pigmentos naturales. Medida variable.

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FEDERICO EGUIA

Quiero la luna

Aún recordamos aquellos botiquines de urgencia que Federico Eguía preparó en su última exposición en este espacio, cajitas metálicas que contenían grafismos y palabras, y que venían a paliar la convaleciente reserva de utopía cada vez más escasa en el plasma.

Fue reconfortante, pero ahora nos propone más, así es que alcancemos el ensueño de los amantes, el estado febril y vagabundeante de los que desean siempre más, y que desechan la posibilidad de la renuncia, pues se aferran al segundo que viven con pasión. Federico Eguía “Quiere la Luna”, y yo también.

Esta serie de pequeñas obras conjugan técnicas e intenciones, así por un lado recurre a su ya periódica tendencia neofigurativa, para con ello, representar escaleras al cielo, que se acompañan de punto de encuentro llenos de color. Por otra parte conceptualiza una idea sin pretender la mimesis, que quedaría ridícula e imposible, tan alejado del verdadero espíritu del arte que se adentra en el absurdo inteligente.

Pero Federico Eguía también incorpora, como en otras ocasiones, restos o partes de escritos o poemas, de forma que la expresión cifrada sirva de soporte para “sus escaleras”.

Bella propuesta; sutil, ambiciosa, contundente y embrujadora.

El autor, fue 1º Premio de la 5º Bienal “Rafael Alberola”. 2º Premio en la Triennale de Ferrara. Seleccionado en una treintena de Certámenes, como; 31º edición del “Rafael Zabaleta”, en el ciudad de Alcalá, en Lleida, en el Eugenio Hermoso, en Huelva, en Alicante, en Barcelona, etc...

Su obra se ha expuesto en galerías, como:, El Cuarto Simpático, o Mirella Power. Y se ha visto en Ferias, como: Estampa en Madrid, Arcale en Salamanca, Sthml en Estocolmo, y en Oasis en Osaka.

Estuvo en la Muestra “Maneras de hacer mundo” en la Rábida (Huelva) en 2002, en la de Arte español contemporáneo en el Tokyo Metropolitan Museum en 1998 y en el Vizcaya Museum de Florida, recientemente.

Su obra también está en el parque escultórico de Ademúz y en el del “Valle de los Sueños” en Puebla de la Sierra (Madrid).

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Del 6 al 25 de marzo de 2014

“Labios”. Técnica mixta. 25 x 34 cm

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EDUARDO PAGAN

Mirror of Soul

La cara, los ojos se consideran el “espejo del alma”. El triángulo formado por los ojos, la nariz y la boca configura toda la gama de expresiones que nosotros reconocemos y asociamos a determinados estados de ánimo y manifestaciones de nuestro mundo interior. Pero, ¿es fiable esta deducción?

Cirugía estética con estiramientos y retoques, maquillaje con cremas y pinturas, pestañas postizas, sesiones de peluquería ... Todo ello viene a construir una imagen que no es la original. Bajo este esfuerzo subyace la falta de conformidad con lo existente y la identificación con una imagen distinta que se quiere adoptar muchas veces bajo la influencia de los cánones cambiantes de la moda. La nueva máscara sirve también de protección contra el acceso directo a ese “espejo del alma” que solo se reserva para la intimidad con los más cercanos.

La diversidad dominante en la compleja red de relaciones que se establecen en las sociedades multiculturales influye en la definición de la identidad. El conjunto de normas, símbolos, rituales y estéticas que definen nuestra pertenencia a un grupo puede ser integrador y a la vez excluyente. A la rigidez de los modelos institucionalizados de la sociedad se antepone la fluidez, diversidad y fantasía de sus ciudadanos.

Esta serie de retratos colectivos e individuales quiere ayudar a fijar nuestra mirada en ese “espejo del alma”. Podremos captar algún rasgo propio en la imagen del otro, ver cómo somos y reflexionar sobre cómo debemos evolucionar. Conociéndonos mejor podremos dar pasos hacia una nueva actitud más tolerante con nosotros mismos y con los demás, con la diversidad de identidades que nos plantean las sociedades contemporáneas.

Su trayectoria artística empieza en 1972, año en el que participó en una exposición colectiva en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Se pueden destacar entre otras muestras su participación en la exposición de “Arte Español Contemporáneo” en el Metropolitan Museum de Tokio en 1998 y su participación en la Feria Internacional Artexpo en Nueva York, en 2001.

Está representado desde 1993 por la galería CATARSIS de Madrid donde ha expuesto su obra en repetidas ocasiones participando en exposiciones colectivas (1993, 1995, 1998) y realizando exposiciones individuales en 1993, 1999 y 2009.

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del 27 de marzo al 28 de abril de 2014

“Serie Soul“. (41). Óleo sobre lienzo. 20 x 20 cms.

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SABELA BAÑA

Hoy, como siempre, necesitamos de los artistas, pues ellos son los que procuran miradas diferentes y tangenciales de los obvio, que por tal, viene a ser soporífero, desgarrador y destructor de voluntades y en el mejor de los casos cómodo y complaciente.

Lo realmente sorprendente es que desde no pocos foros se cuestione su utilidad, en la frágil virtud de desestimar lo que no es comprensible a primera vista.

Son muchos los lenguajes de las rosas, como lo son los que llegan al que escucha con atención. El trasportarlos a libros, films o cuadros, entre otros soportes, viene a ser un pequeño milagro que no terminamos de creer o acostumbrarnos a que se produzca en muy distintas direcciones, de ahí gran parte del rechazo que causan.

Sabela Baña viene de sintetizar con geometría el laberíntico mundo de los jardines repletos de capullos de las más diversas especies y pigmentaciones, y como Cezanne en los bodegones o Sotomesa en sus ventanas, ella ha conseguido unas imágenes únicas, puras, sorprendentes, que poseen una belleza propia que añade sensaciones a todo lo que pudiera sugerir el tema elegido.

La combinación entre formas, planos y colores alberga una placentera mirada al espectador, al que sólo le resta ensimismarse como lo haría delante de la naturaleza.

Sabela Baña es Licenciada en Bellas Artes, y ha realizado más de un centenar de exposiciones individuales, así mismo ha estado presente su trabajo en muchas Ferias internacionales, que entre otras estarían la de Innsbruck (Austria), Artexpo en Nueva York, en Ginza Towa (Japón), Artexpo Las Vegas, Art Fair Sanghai, Art Dublin, Art Edinburgh, Estampa (España), OASIS en Osaka, etc.

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El lenguaje de las rosas

del 8 de mayo al 4 de junio de 2014

“Rosagrafía Tríptico”. Óleo s/lienzo. 50 x 50 cms. (3)

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PIERRE TCHETVERIKOFF

No todo van a ser malas costumbres; abandonos, soberbias y supremacías, a las que nos viene acostumbrando una sociedad disruptiva que en sus normativas ya incumple las propias leyes naturales.

Así los artistas, como Pierre Tchetverikoff, vienen a refrescarnos que el placer estético de la contemplación es también enriquecimiento, en el más amplio sentido de la palabra, pues a la atractiva apariencia visual le complementa el ideal expresivo que nos pone en contacto con el mejor grado de nuestras cualidades.

La sobriedad de la geometría, nos posiciona frente al lugar que podríamos habitar, con la dimensión barroca de un fuerte contraste entre el posible indefinido espacio y el objeto que se nos muestra. Y por otra parte, y en dirección contraria, la propia luz que desprenden las piedras, el objeto, en sus efusivos colores, añaden la significación emocional que nos transporta una apasionada sensación vital.

No todo van a ser malas costumbres.

Pierre Tchetverikoff ha expuesto en numerosas ocasiones en Francia, España, Inglaterra, Bélgica, Estados Unidos o Japón. Destacamos: “Maneras de hacer mundo” en Marugame. Oasis 04 y 05 en Osaka. En la Feria de Estampa en 2007 y 2008. Arte Abstracto en el Museo de la Rioja en 2008. “Arte Sumergido” en Oviedo 2008. Urban Gallery, Paris 2010. “Homenatge a Tapies” Campins en 2010. Y exposiciones individuales en: Artidude, Paris 2000. Cal Talavero, Lleida 2001, Catarsis, Madrid 2002 y 2004. Pyramide, Berlin 2003. Ho, Berlin 2003. Toranto, Barcelona 2006. Queens, Sitges 2006. Carme Espinet, Barcelona 2009. El Cuarto Simpático, Madrid, 2010 y 2012

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Espigones

del 6 de junio al 1 de julio de 2014

“Sin título”. Fotografía 41 x 60 cm.

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CLARA ISABEL ARRIBAS CEREZO

El arte seduce por su capacidad ilusoria, quizá porque se necesite habitar otros mundos posibles, y no sólo por evasión, sino también, al otro extremo, por refutar la realidad que cada individuo vive.

Por lo tanto, dentro de la cantidad ingente de mentiras visuales, que como dice Juan Gil Segovia, existen en el ámbito actual, llenas de artificialidad, al menos nos queda el capricho de dejarnos fascinar por aquellas imágenes que hubieren conseguido seducirnos.

En la tradición, se viene aceptando que un cuadro es realista cuando se acerca a la mimesis de su modelo, y abstracto cuando explora las formas no convencionales, pero ¿qué ocurriría si la forma del modelo ya en si fuera abstracta y su mimesis realismo de una abstracción?

Esto es lo que ha venido a realizar la autora Clara Arribas Cerezo, pues partiendo de la imagen digital, puramente ficticia y abstracta, la ha transportado al objeto físico del cuadro.

En estas maneras de empleo de la imagen, además se permite, la autora, configurar la obra con cierto aspecto cinético, recreando formas y colores que pudieran estar dentro o fuera, dependiendo del ánimo del observador, e igualmente ofrece espacios que bien pudieran estar vacios o llenos. Los resultados son ciertamente seductores.

Clara Arribas Cerezo es Licenciada en Bellas Artes y Máster en Estudios Avanzados en Historia del Arte, por la Universidad de Salamanca. Su última individual fue “Reflexiones, refracciones y otras distorsiones” en la Sala de exposiciones de Caja España en Zamora. Ha participado en diferentes muestras de Video-arte, como NiO3 en Colombia, y ha co-comisariado el Festival de Video de Arte de ART ROOM y la Feria de Arte Contemporáneo de Arévalo.

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Espacios geométricos

del 3 al 24 de junio 2014

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“Espacio geométrico” Óleo sobre lienzo. 100 x 100 cms.

CARLOS URBINA

Brocal de Sucesos

Cuando era joven, pensaba que la pintura era el método idóneo para ver las cosas de forma distinta y expresar mis ideas con un lenguaje al que podía acceder sin demasiadas complicaciones, ni económicas, ni sociales.

El tiempo te enseña que no es una cuestión de presentar tu obra, sino de comprender el mundo que te rodea antes de mostrar una visión personal; que no es una cuestión de habilidad, sino de paciencia para saber crear nuevos imaginarios que repiensen también la realidad conocida y la otra, desconocida.

Sin embargo, es también descorazonador el comprobar la ineficacia de tu trabajo en el pensamiento colectivo, salvo a largo plazo. Me refiero al trabajo del artista que tiene que luchar contra falsas narrativas históricas asentadas en nuestro ideario social.

Por otra parte, en estos últimos años, mi afición a profundizar en lecturas sobre física cuántica, me ha aportado una gran cantidad de conocimientos que producen sueños monstruosos, y que han desestabilizado lo que yo llamaba “mi realidad”.

Todo es una ilusión y nuestro cerebro, consciente de los peligros de locura para nuestro organismo, nos protege impidiendo la visión de la verdadera realidad y colapsando nuestra observación, como si se tratase de una serie de fotogramas en continuo movimiento.

Dicho de otro modo, la observación determina el estado final de las cosas que percibimos.

Tanto en la cosmología, como en el mundo diminuto de las partículas, todo son preguntas que llevan a más preguntas, pero que me producen grandes ensoñaciones para pintar, porque todo lo que se puede pensar es “pintable”.

Los temas que presento en esta exposición, ya adelantados en “Kermés del Neutrino”, nos permiten apreciar la información elucubrada de aquellos que, traspasando lo denominado por E. Hockins “Horizonte de sucesos”, nos relatan qué sucedería si mirásemos dentro de esos pozos que llamamos agujeros negros, en los que la fuerza de gravedad es tan enorme que estiraría nuestro cuerpo en forma de espagueti, hacia su interior, simplemente por asomarnos, y nos haría bailar en esa sopa donde están todas las cosas perdidas por nosotros, junto a todas las informaciones que desearíamos tener y todo aquello que, dentro de una gran densidad de objetos, aún no soy capaz de reconocer.

Muchos más temas. Todo se puede pensar: el determinismo, “el gato de Schrödinger”, la densidad, las simetrías del neutrino, etc.

La segunda serie, Retratos celulares, representa fundamentalmente cabezas de seres conocidos. Vistas, posiblemente desde un interior, con su masa de fluidos, materias celulares en efervescencias, nada tienen que ver con lo estático de la belleza de una bonita nariz, o de unos bellos pómulos.

Por último, presento una muestra de la serie Narrativas del desafortunado “RO” y de sus tribulaciones. Son retazos de recuerdos no vividos por mí, pero que llegan a mi memoria. Podrían ser sueños en recuerdos de universos paralelos.

El carácter primigenio de la duda de ser el auténtico o el reflejo copia de áquel, o de su destino ya escrito, siempre caracterizado por la necesidad de portar un cucharón. Tal vez aprendido de su primer viaje con Gilgamesh y de la necesidad del ser humano de alimentarse.

Por otra parte, “RO” sabe que todo destino está formulado de antemano, tal vez por eso no mira a los lados cuando cruza una calle, o quizás sea porque…

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del 11 al 30 de septiembre de 2014

“Sin Título”. Técnica mixta. Varias medidas. 21

ENDIKA BASAGUREN

Endika Basaguren me quiere vender su muela del juico, puede parecer una guarrería, pero a cambio me ofrece firmar un papel donde ponga que: "yo, Endika Basaguren en plena disposición de mis facultades físicas y mentales, vendo mi juicio y criterio al poseedor del presente documento, el cual será el único responsable de mis futuras acciones”.

Parece que el mercadeo ha llegado lejos, quien se lo habría dicho, dijéramos hace unas décadas, porque aunque siempre tuvo mucha mano y poder; ya nos acordamos del Becerro de Oro, o del hachazo colonizador, o del reparto de los recursos naturales, pero ahora está en una plenitud desbordante, porque como se ve ha acaparado todo.

El Mercado reivindica su derecho a que sólo se pueda subsistir en aras de un bien mayor de acumulación en alguna parte del planeta, desde luego es para preguntarse dónde guardarán los beneficios. Aquí no, pues “se alquila”.

También lo harán “los tres cerditos” en breve, si es que les da tiempo.

El testimonio que despliega Endika es necesario, es humano, sin comparaciones con la divinidad, nos enseña que todo ya está en venta. Sólo nos queda elegir que “variedad transaccional” es la que podemos realizar.

También estaremos juntos hasta que “el mercado nos separe”.

Endika Basaguren es Licenciado en Bellas Artes, y ha estado siempre ligado a movimientos sociales y ONG’s. Aquí en este espacio ya se mostraron sus trabajos en varias ocasiones, y siempre con propuestas de alto contenido reivindicativo e incomodo hasta para nosotros. Esa incomodidad es necesaria.

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Variables Transaccionales

Del 3 al 22 de octubre de 2014

“Monedas de cambio”. Dibujo s/papel. 100 x 70 cm. 23

MITSOUKO MORI

Hace tiempo que veníamos persiguiendo la posibilidad de poder montar una exposición con los trabajos de la artista MITSOUKO MORI, pues aunque ya la conocíamos desde hace tiempo, por su presencia internacional, como una representante genuina del arte Madi con incorporación de elementos electrónicos en sus composiciones, hasta ahora no se había presentado la ocasión de traer sus creaciones a Madrid.

Residente en Francia, de ahí la conversión de su nombre japonés a la gramática francesa, esta artista ya estuvo presente en 1997 en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, a propósito de una exposición que recogía el arte Madí del momento. Igualmente, sus trabajos han estado por medio mundo, baste mencionar, por ejemplo, su participación e exhibición en el Museo de Arte de Núremberg, Montbéliard, o recientemente en el de Chigasaki.

Su obras despliegan una búsqueda de orden y calma, como corresponde en muchas ocasiones a los resultados que emplean las herramientas de la geometría, no obstante en Mitsouko Mori, esa misma geometría se impone más allá del soporte base, creando formas que se perfilan mucho más orgánicas y humanizadas. Por ejemplo en su serie de “espirales”, donde interviene con neones, o en sus cuadros titulados “Granada” donde se mixturan formas y colores con sutiles tonos terciarios.

Sólo queda invitar, desde aquí, a todos los amantes del arte para que disfruten y compartan esta muestra con nosotros.

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del 24 de octubre al 21 de noviembre de 2014

“Cercle et pentagone de neon“. Técnica mixta plexiglás y luz de neón. 70 x 70 cm. 25

CHELÍN ROMERO

Interiores

¿Cuántas veces tenemos que ir con el cántaro a la fuente hasta que se rompa? Bueno quizá nos sobreviva. Y esa apuesta feroz en pulso con la probabilidad es en la que está empeñada Chelín Romero.

Todavía recuerdo el desgarro que se produjo a sí misma cuando en la última ocasión despedazó literalmente las obras que había realizado en 200 x 200 cms, hasta convertirlas en girones largos y estrechos. Y esto que puede parecer anecdótico y ocurrente, se torna mucho más profundo si se considera su evolución creativa.

Chelín es una voluntad pura en liberación permanente, por eso, e independientemente, que ella lo consiga, nos induce a procurar la nuestra. Sus trabajos siempre son expresivos, llamativos, laberínticos, pero también ceñidos a la disciplina del grafismo, a la búsqueda de la composición equilibrada y el color atinado.

En esta muestra de ahora nos enseña su serie titulada “Interiores”, donde encontraremos ropas, figuras, bichos, y sobre todo el espejo donde se refleja la artista que no es otro que el fondo del cántaro cargado de agua.

Se licenció en Bellas Artes y participó ya en happening en los años 80, luego su vida cambió, pero no cambió su capacidad para ponerse delante de las telas y los grafismos. Su obra estuvo recientemente en la Feria de Osaka y en la II Bienal Art Maison en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, y tiene una trayectoria llena de exposiciones, con nosotros es la tercera vez que llena nuestro espacio.

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del 28 de noviembre al 22 de diciembre de 2014

“Bichos”. Técnica mixta sobre papel. 29 x 20 cm. 27

Colectiva “NUEVAS PROPUESTAS”

Fran Coronado

Maria Alonso Páez

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Edriz Cruzado

Jane Whelan

Sergio Ramírez

del 30 de diciembre al 13 de enero de 2015

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VI EDICIÓN DE VÍDEO EN EL

CUARTO

en colaboración con

X Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Arévalo.

Comisarios:

Clara I. Arribas y Juan Gil Segovia.

La VI edición de Video en el espacio ART ROOM está dedicado en exclusiva a la selección de vídeos mostrados en la X Feria de Arte Contemporáneo de Arévalo (celebrada en 2014), organizada por la Cámara de Comercio de dicha localidad. Dentro de las obras recopiladas se dan varias temáticas y diferentes formas de enfrentarse al acto de creación de imágenes en movimiento, si bien, predomina el vídeo como documento de acciones efímeras.

Artistas seleccionados:

ANTONIO ALVARADO, AUSÍN SAINZ, DAVID CATÁ, ELVIRA PALAZUELOS Y EMILIO LIZCANO,

GUILLERMO MENÉNDEZ DE LLANO, MAURICIO SANHUEZA, NOEMI SJÖBER, PILAR ÁLVAREZ.

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del 8 al 13 de enero de 2015

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NACHO RAMÍREZ

Nacho Ramírez presenta su última serie "Desde el silencio" como si tuviera la necesidad de gritar, como si el

mutis le insuflara las cuerdas vocales hasta la hinchazón dejando una pronunciación cautiva. Las imágenes que nos presenta están a medio camino entre el recogimiento trascendente y el derrame de toda energía, eso sí recurriendo hábilmente al proceso estético de la fragmentación y multivisión del objeto.

Ya en la estética de las vanguardias se intuyó el problema de trasladar volúmenes de cosas a la superficie del cuadro, ya que en su distorsión algunas partes del plano tenían un efecto creador orientando todo el peso de la imagen hacia el punto central, mientras que otras partes se perdían en la periferia creando una disfunción entre la unidad y los diferentes elementos compositivos.

En este sentido la obra de Nacho Ramírez, quizá consciente o de forma fortuita, o más bien guiado por el instinto de creador y conocedor de las teorías estéticas, se ha acercado a la deseada unidad visual, justamente insistiendo en la distensión de las imágenes, en la inserción de secuencialidad que superpone los elementos en movimiento, pero recurriendo a una configuración de fuertes contrastes de claroscuro, evitando en gran medida el negativo efecto disgregador de los contenidos en perímetro.

Nacho Ramírez ha presentado su obra en multitud de galerías y espacios de arte, en Madrid ha expuesto en varias ocasiones en galería Catarsis y en Art Room. En Inglaterra, su obra ha estado presente en la Londonbiennale. En Berlín participó en la exposición 4 european 1 dog, en la galería Sleeping Dog Gallery. Ha realizado varias exposiciones en la sala Dahe de las Palmas de Gran Canaria. En Oviedo en el Festival de Arte Sumergido en 2008, en Bélgica por Jan Hoet para la trienal Tempus Arti 2009. Participa en los encuentros internacionales de performances en el Centro de Arte Moderno de Madrid. Entre sus performances más aplaudidas destacamos: Close to you, Choco-addiction y Yo es otro. En 2012 fue seleccionado por Wolfgang Gramm para participar en NordArt 2012.

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Desde el silencio

del 15 de enero al 10 de febrero de 2015

“Shenyou” Impresión digital en papel Hahnemühle . 30 x 50 cms. 34

Parece una realidad que nos pasamos el día buscando la utilidad de lo que nos rodea, o del “resultadismo” como indica el escritor Xavier Guix, aunque por el contrario el verdadero conocimiento sólo pudiera llegar de la observación de nuestros propios absurdos, entendidos en sus más amplios campos de apertura a la experimentación.

Fran Coronado transforma objetos, especialmente muebles, en otras cosas, que quizá pierdan su utilidad inicial pero se convierten en escenarios donde se representan condiciones del pensamiento. En este sentido, en los resultados de sus obras supuran tanto el aire metafísico del encuentro trascendente y elevado, como la rebeldía situacionista de la transformación de lo cotidiano y utilitarista para producir nuevos significados de efecto crítico. Y en principio, aunque ambas consecuencias, metafísica e indisciplina, parecieran estar en contraposición, quedan unidas como ya lo advirtieron los surrealistas de las Vanguardias, baste nombrar a Magritte o al miembro del grupo CoBrA, Constant Nieuwenhuys, con el que la obra de Fran Coronado tiene especial conexión, pues si el primero tomaba la arquitectura para llegar a las estructuras imposibles de la “Nueva Babilonia”, el segundo, Fran Coronado lo hace con el mobiliario en “Mírame cuando te quiero”, su última serie que presentamos en esta sala.

Fran Coronado con su escrupulosa técnica ha expuesto en diversos Centros Culturales como el de la ciudad de Alcorcón o Móstoles, en el Centro de las Artes de Alcorcón, en la galería Orfila y ahora en ART ROOM.

FRAN CORONADO

Mírame cuando te quiero

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Del 12 de febrero al 10 de marzo de 2015

“Flor y Desierto”. Técnica mixta y objetos recreados .108 x 58 x 123 cms. 36

SERGIO RAMÍREZ

Quizá aún haya hoy individuos que por decisión propia no hayan estado delante del mar, subido a una montaña o visto un cuadro; como en todo, algo se pierden y algo ganan. Ganan en comodidad y si se apura en tranquilidad, pero pierden en sensaciones y experiencias.

En la aventura sin finalidad que conlleva el acercamiento estético subyace el más amplio espejo donde contemplar la diversidad de nuestra efímera existencia, y en un rocambolesco desafío la propia obra de arte se yuxtapone por su propia condición de idea proyectada a la ausencia infinita aunque sólo sea provisionalmente.

De esa transitoriedad se alimentan las imágenes que se proponen en esta exposición del autor SERGIO RAMÍREZ, pues como se puede observar, el vestigio se proyecta hacia el futuro en una misteriosa relación entre lo que encarnamos y lo que nos precede.

Como el mismo dice: “en mis motivos se refleja, en muchas ocasiones, la intervención humana, pero en la que ésta nunca está presente….no busco ni actitud ni argumento, prefiero, por el contrario, potenciar el acabado técnico y la inquietud en el observador”.

SERGIO RAMÍREZ ha participado en diversas exposiciones colectivas en lugares como; la galería Montalban (Madrid), galería Kinokuniya (Tokyo), o la galería Jorge Ontiveros (Madrid). Y desarrollado exposiciones individuales en la galería Montalbán, galería Orfila, Plastiké Art Gallery, y ahora en nuestro espacio Art Room.

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del de abril al 5 de mayo de 2015

38 “OBRA_88 (Díptico)”. Técnica mixta sobre tabla. 145 x 80 cms.

EDRIX CRUZADO

¿En qué batalla sucumbió la esfinge a la que le resolvieron el enigma? En la última, claro está.

Que no se hable de miedo al mostrar o contar, porque es la predisposición de encarar la forma y el tiempo en el que vivimos, y una de las maneras de sortear las trampas que los dioses nos ponen al paso.

En el “impulso del plano” su autora, Edrix Cruzado, tanto muestra como narra, pero pone a prueba el ingenio, pues en la bidimensionalidad pulida utilizada en sus creaciones nos procura unas vibrantes imágenes saturadas de color que fuerzan a la pregunta de su origen o significado; producto, en parte, producido por la sencillez e inmediatez de su resolución y potencia de visual.

Después, miras el título, y dices: ¡Ah claro!, cómo no he sido capaz de descubrir el enigma, ahora ya tan obviamente expresado.

Que esta serie pueda parecer minimalista, o expresionista, o barroca es accesorio, pues de todas las fuentes bebe para desarrollarse desde la originalidad de haber creado algo nuevo que no existía anteriormente y que nos plantea cuestiones imperiosas de respuesta.

La artista puertorriqueña Edrix Cruzado ha mostrado su obra internacionalmente, destacando para esta ocasión su presencia en el Colegio de Arquitectos de Zaragoza, en la Fundación Maturén de Tarazona, en el Museo de las Américas de Puerto Rico, o en Ateliers de Belleville en Francia.

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Impulso del plano

del 7 de mayo al 2 de junio de 2015

“Expansión Oculta”. Impresión de pigmento sobre lienzo, barniz. 24 x 19cm. 40

MICHIKO TOTOKI

PROCICIO 01 "The Time & The Space"

¿Dónde confluye lo ideal con lo real?

A lo largo de la trayectoria profesional de Michiko Totoki, siempre fluyó la idea de buscar que el objeto artístico resultante mantuviera un nexo con los materiales que habían sido utilizados, aunque estos ya no fueran reconocibles explícitamente. Así cuando usó cerámica en sus instalaciones previas a las imágenes fotográficas obtenidas, fijó su atención en la micro-particulación del material. O cuando compuso a través de la danza Butou caracterizando el material corpóreo como deseo del objeto.

Durante esta nueva serie que comienza bajo el nombre de procicios (palabra concebida como proyecto y ejercicio), su desafío estará en la conclusión del contra-objeto como resultado de las posibilidades que los propios materiales incluidos en la instalación previa vayan soltando en la forma de un sendero entre la consciencia del sujeto y el mundo, tanto ideal como real, que contengan.

“The time & the space” es el desafío de este nuevo proyecto que presenta en nuestra sala, de manera que en los días previos a la inauguración es donde culminará el proceso que conforme las imágenes que se presenten; por lo tanto durante 7 días el desarrollo de los materiales instalados, que previamente se han ido creando, será el soporte que propicie las imágenes fotográficas que veremos en el momento inaugural.

Michiko Totoki, es Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Mushashino y Doctora por la Universidad Complutense de Madrid. Ha expuesto en el Museo Municipal de Tokyo, en el Palacio del Senado de Japón y en diversas ocasiones en Ferias como; Estampa y EntreFotos en Madrid, en la Arte Contemporáneo de Arévalo y en Decor-Acción en Madrid. Recientemente ha participado en el Symposium de Freiraum Art en Austria y el Bipolar City en Madrid. En el 2012 participó becada en “Field Experiments” en la ciudad de Gols (Austria). Con el colectivo Dos Rombos ha realizado acciones o instalaciones en diversos espacios públic

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del 9 mayo al 3 de junio

“The Time & The Space 01”. Impresión fotográfica sobre dibond. 26 x 40 cm. 42

Hacía ya mucho tiempo que no veíamos las novedades que producían los componentes del Grupo Non Stop, artistas japoneses comprometidos con la experimentación, y con los que tenemos trato fluido desde el año 2000.

En esta ocasión son 4 autores los que nos han enviado su último trabajo; Okamoto Motoko, Tanacue, Ooya Shingo y Nishio Shihoko, siendo seguro que sus obras atraerán expectación e interés en este final de temporada.

ANTÍPODA es la contraposición, que se opone a la vez que complementa, y esa es la riqueza de la que podemos beneficiarnos en la contemplación de esta muestra escogida de nuestros amigos del Grupo Non Stop, que incluirá tanto imágenes fotográficas como una instalación compuesta de materias naturales.

Además para este montaje se va a incorporar una pieza inédita del fondo de galería de la artista Yayoi Kusama, que sin duda puede completar la visión y conocimiento que tenemos del arte japonés contemporáneo, pues sirve de arranque conceptual para observar la evolución del llamado “superflat” o del refinado aparato estético nipón, que conjuga, en diversas proporciones, sutileza con humor e incongruencia.

Grupo NON STOP

Antípodas

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del 2 al 26 de julio de 2015

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MOTOKO OKAMOTO

TANACUE

SHIHOKO NISHIO

SHINGO OOYA

Artista invitada: YAYOI KUSAMA

45 NISHIO SHIHOKO

OOYA

YAYOI KUSAMA

TANACUE

OMAR JEREZ "99.782 horas"

"Mi ex novia me salvó la vida el 10 de marzo". Esto, a priori, puede parecer confuso, pero no lo es. Del 11 de marzo que todos recordamos yo recuerdo el 10 de marzo. Ese despertador que no sonó… La sustitución que hiciste y acabó con tu vida… La última cena...

Desde la primera explosión a las 7:36 del 11 de Marzo del 2004 hasta las 20:30 del 29 de Julio del 2015 fecha de la inauguración habrán pasado 99.782 horas.

El macroatentado del 11M no se puede articular bajo ningún baremo numérico.

Recuerdo el 10 de marzo con la misma precisión con la que sigo teniendo presente el 10 de septiembre de 2001, día anterior a la caída de las Torres Gemelas. Ciudadanos anónimos se convirtieron en actores principales de papeles que no habían elegido. Un casting forzoso se llevó por delante 193 vidas en Madrid y marcó con secuelas perpetuas a más de 1858 personas. El 10 de marzo fue un día de lo más rutinario. Nada que destacar, ni un ápice de emoción.

Vivo en Vallecas, podía coger un tren a las siete, a las siete y veinte, o no cogerlo... Cogerlo para ir a ver a mi ex pareja, estudiante de Humanidades en la Carlos III de Madrid; para colarme en su clase, sentarme con ella y tomar apuntes como uno más. O no cogerlo. Ese 10 de marzo su voz sobreprotectora me dijo que al día siguiente fuera más tarde, que descansara y que nos veríamos sobre las doce... Esa voz me alejó del tren.

Tenemos tendencia a poner como sujeto de debate el 11 de marzo, pero ese día , todos sabemos lo que pasó. Las víctimas, mejor que nadie. Ese 10 de marzo es la fecha señalada, esas vidas que no intuían ni lo más mínimo qué iba a pasar en unas horas en aquellos trenes. Un giro de más de 180 grados difícil de olvidar. Centrarme en el 10M es la mejor manera de dar voz a esos muertos y a más de 1858 heridos, personas que tenían vidas como la de cualquier ciudadano.

Quiero imaginarme a cada uno de ellos en esa cena con sus madres, en ese padre que recogía en el colegio a sus dos hijas pequeñas y las llevaba a casa… Mirar a través del 11 de marzo a esas personas es no respetar su memoria, es recordarles por cómo les asesinaron y no por cómo vivieron. Ellos son memoria y biografía hasta el 10 de marzo y es ahí donde quiero centrar el eje y motivo de este trabajo.

Un intento de racionalizar queda inhabilitado al recorrer con imágenes y protagonistas reales el trayecto que iniciaron desde su lugar de residencia, hasta la llegada de esos fatídicos trenes.

Supervivientes y fallecidos se entremezclan en un relato sin elección.

Omar Jerez

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del 29, 30 Y 31 de julio de 2015

“99.782 horas ”. Instalación. 40 x 34 cm. 47

ZULI OLCESE

Energía

¿Será posible, simultáneamente, celebrar y a la vez, reflexionar sobre la existencia? Ciertamente no estamos acostumbrados a ello, y nos perturba nuestra limitada predisposición a ambas condiciones en la misma acción. Sería como estar en misa y repicando, como bien dice el refrán cervantino, o aquel de nadar y guardar la ropa.

El júbilo desinhibe y exonera la extroversión, algo le impide pararse y frenar para dirigirse a otras verdades, por el contrario indagar conjura la constricción y se vuelca en la introspección imposibilitándole el alboroto.

Aunque el arte todo lo puede, pues de forma figurada, pero real, en su presencia se configura tanto lo dado como lo posible, existiendo la posibilidad de conjugar antagónicos. En este punto es donde las formas abstractas pero de apariencia orgánica, la llamada “energía”, los planos y texturas coloreadas que ha desarrollado la autora Zuli Olcese en su retiro patagónico, me han puesto en solfa al profesar la exaltación junto a la meditación, cierto, a través de la contemplación, pero validando que en un mismo sentir caben ambas propuestas en principio incapaces de acompañarse.

ZULI OLCESE es una artista de ideas, de técnica precisa, paciente y a la vez no convencional, que ha venido desarrollando su carrera con más devoción y dedicación que con marketing efectista y snob, eso sí, reconocida internacionalmente por el colectivo artístico en diversos Premios y Bienales.

ZULI OLCESE nació en Buenos Aires y estudió en la Escuela Nacional de Cerámica Fernando Arranz y en la Academia Raffaello de Urbino (Italia). Ha realizado numerosas exposiciones en América, Europa y Asia, participando en encuentros internacionales en Argentina, Uruguay, Puerto Rico, España, Portugal, Francia, Hungría, Bulgaria, Polonia, Rumania, Macedonia, Suecia, Finlandia, Japón, etc... Entre otros reconocimientos, fue Segundo Premio en la Trienal de Praga en 2.004. Su obra en España se ha visto en la Feria de Estampa, en la galería Catarsis, y ahora en Art Room en una segunda ocasión.

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del 17 de septiembre al 6 de octubre de 2015

“Energía VI”. Fotolitografía. 56.5 x 76 cms. 49

PAZ VICENTE

Palabras Enterradas

A veces carecemos de ojos adecuados para ver lo más obvio, sencillamente porque no es

de nuestro agrado, tendemos un muro donde no existen ladrillos ni siquiera papel con que construirlo, es un cortinaje ficticio pero eficiente pues es recreación del miedo.

Las “palabras enterradas” están en todos, y siempre queda espacio para una más.

Al menos tendremos el consuelo de que de vez en cuando se agiten aquellas para poder realizar cierta catarsis necesaria, para si no ver, sentir que existen. Es así como veo la actuación que propone Paz Vicente, agitadora de submundos densamente habitados.

No sabemos quién vendrá, quien lo verá, quien lo entenderá, pero el que se acerque sentirá que mereció la pena cavar un poco con pala entre las imágenes que nos muestra en esta serie Paz Vicente.

Paz Vicente es Licenciada en Bellas Artes y Master en Museología, Arte y Crítica Contemporáneas. Ha expuesto recientemente en; “Ontmoentingen” en el Museum Galerie Rosmolen-Universitat en Zeddam, Holanda y en la Driekoningenkapel en Doetinchem, Holanda (Países Bajos)(2011) y en la Calcografía Nacional en el Certamen de Arte Grafico jóvenes creadores (2015). Y ha intervenido entre otros en; Outono Fotográfico 08, 09, 10, 11 y 14; en las ediciones VIII y VI de la Biennal, Mostra Internacional de Fotografía de Olot. (Gerona), en las ediciones VII, VIII y IX de FOTONOVIEMBRE, y su obra forma parte, entre otros, de los Fondos de la Facultad de Bellas Artes de la UCM , Biblioteca Nacional, Red Museística de Lugo y el Museum Galerie Rosmolen-Universart de Zeddam (Holland).

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del 8 de octubre al 6 de noviembre de 2015.

“La Sangre Se hace Miel 4”. Fotolitografía, gofrado y xilografía sobre papel Zerkall Artrag 300 gr. 28,5 x 40 cm 51

JULIO CURIESES

Campos de Luz

La luz entendida como conocimiento siempre es demasiado elevada para que sea alcanzada por el sabio y a la vez demasiado humilde para que sea comprendida por el sandio, siendo que en su totalidad queda siempre alejada para cualquiera, y como predisponía Protágoras esto era debido a la oscuridad del asunto y la brevedad de la vida humana.

No pretende Julio Curieses que comprendamos la totalidad, sólo que nos fijemos en esos “Campos de Luz” que se entremezclan con la propia artificialidad en la que se ha convertido buena parte de nuestra existencia.

Esta, su última serie, entronca con el impedimento de ver más allá de la sombra como proponía en la “Caverna”, para mostrar materialmente alguna de las consecuencias del acercamiento al objeto, todo hay que decirlo, con un sofisticado aparato estético, donde queda al descubierto la belleza de lo simple y sintético.

JULIO CURIESES, es ingeniero de telecomunicaciones, ha participado en numerosas muestras a lo largo de su carrera, siendo de destacar la VIII Feria de Arte Contemporáneo de Arévalo, el I Festival de Arte Sumergido en Oviedo, o el Cosl-Art en Coslada. Igualmente en los dos últimos años ha estado presente su trabajo en la Feria de Oasis-Sendai y Oasis-Osaka en Japón, en la Miami River Art Fair y en la Bienal Art Maison del Círculo de Bellas Artes de Madrid.

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del 6 de noviembre al 3 diciembre de 2015

“Campos de Luz I”. Polietileno s/ madera, circuito electrónico y led´s. 30 x 60 x 15 cm

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FERIA DE ARTE CONTEMPORÁNEO

PLEASE ART EN SALAMANCA

Lola Díaz

Julio Curieses

Paz Vicente

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11, 12 y 13 de diciembre.

Habitación 112 del Hotel Catalonia

del 30 de diciembre de 2015 al 12 de enero de 2016

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C/ Santa María, 15. 28014 Madrid. Tel: 913693580 / Fax: 915419162 info@investigacionyarte.com www.investigacionyarte.com

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