LUNES 30 DE AGOSTO AL 10 DE SEPTIEMBRE DE 2021. …

ARTES VISUALES 3 Nivelación de conocimientos

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1. TEMA: Presentación y organización. Asignatura: Artes visuales. Material: =Carpeta de fichas de trabajo: -Color de la carpeta:

Grupos A Verde

grupos B Azul

grupos C Rojo grupos D Morado

grupos E Amarillo

Grupos F Naranja

Grupos G Rosado

-Decorar la carpeta con imágenes alusivas a las artes. -Forrar con papel adhesivo transparente o de forro plástico, si la carpeta es de cartulina. -En la hoja 1 hacer la “Hoja de presentación” que llevará: *Nombre de la escuela completo *Turno *Ciclo escolar *Grado y grupo *Nombre del alumno (completo) *Asignatura: Artes visuales 3 *Nombre de la profesora: Decora la hoja a tu gusto

Ejemplos de decorados de carpetas

LUNES 30 DE AGOSTO AL 10 DE SEPTIEMBRE DE 2021. ENTREGAR LUNES

Qué vamos a aprender: Nos conoceremos y aprenderemos la organización de la asignatura, lineamiento de las clases, etc.

Materiales: carpeta de fichas de trabajo, fichas de trabajo, lapicero rojo y negro, lápiz, colores, plumones, borrador, sacapuntas, tijera, pegamento, regla, etc.

Te explico: Primeramente, lee todo el documento siguiente y después sigue al pie de la letra las siguientes instrucciones.

Para aprender más: Considera los siguientes ejemplos y realízalos con tus manos, sin impresiones.


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Ejemplos de hojas de presentación

Pinterest

Descarga la aplicación Pinterest:

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Manos a la obra: Realiza con la ayuda de tus padres el forrado y decorado de tu carpeta de trabajo y la hoja de presentación.

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Organización de la carpeta de trabajo: ~Utilizarla solamente para la asignatura de artes. ~Utilizar para los apuntes solamente tintas de color: rojo y azul o rojo y negro. ~Para las portadas de los trimestres podrán usar plumas de gel, colores y/o marcadores ya que lo realicen en una hoja blanca. ~No se reciben tareas de artes en libretas o carpetas de otras asignaturas. ~No se reciben apuntes, ejercicios, esquemas y otros, de hojas pegadas de otras libretas. ~Cada trimestre se realiza la portada que llevará: la fecha, el trimestre (letras artísticas), imagen (dibujo y/o recortes) y decorarla. ~ Trazar los esquemas y cuadros con regla. ~Títulos, subtítulos y conceptos con rojo. ~Entregar de manera puntual las tareas cuando así se le solicite. ~No utilizar lápiz de grafito para los apuntes, sólo cuando se le solicite.

Señor padre de familia: Estamos trabajando por nuestros alumnos, ustedes ayúdennos con sus hijos.

GRACIAS

Mis logros

1. Realizaste el forrado y decorado de tu carpeta de trabajo.

2. Hiciste tu hoja de presentación con los datos señalados.

3. Recortaste y pegaste tu cuadro de “Organización de libreta”.

4. Entregaste completa y puntualmente tus fichas de trabajo.

TEMA: Retroalimentación

Lo que aprendí: Contesta con honestidad: sí o no.

Actividad socioemocional: Siempre que realices tareas creativas como el forrado y decorado de tu carpeta de trabajo, la hoja de presentación y hasta personalizar el cuadro: Organización de la carpeta de trabajo; te sugiero que escuches la música de tu agrado y ten a la mano todo el material que vayas a utilizar.


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Artes visuales 3 Debido a la situación actual pandémica del COVID-19, y a todas las situaciones adversas que contrajo, es muy necesario y preciso hacer una retroalimentación de los temas y lecciones que se vieron en el ciclo escolar 2020-2021. A continuación el siguiente cuadro te recordará los temas y lecciones del ciclo anterior:

Tema 1: SÍMBOLOS

Lección: 1. Los símbolos en las artes visuales Conceptos importantes:

Los símbolos sirven para expresar ideas, emociones, conceptos, pensamientos o sentimientos de gran profundidad o complejidad. Los símbolos visuales son formas, figuras o colores, que representan una idea, un concepto o un sentimiento. Según el lugar o la época, los símbolos tienen su propio significado, aunque se trate de la misma figura.

Lección: 2. Signos y símbolos Conceptos importantes:

Recuerda que el análisis de una obra de arte considera dos aspectos: lo formal (visible) y el contenido (invisible). Los signos se refieren a la forma o figura de “algo”, mientras que los símbolos incluyen el significado profundo de ese “algo” y su interpretación depende mucho de la manera en que dichos símbolos se representan en una imagen y de los demás elementos que la acompañan. En ocasiones los símbolos adquieren un significado que no tenían en un principio.

Lección: 3. El sentido simbólico de una obra

Conceptos importantes:

Así como las obras de arte tienen una función, los símbolos tienen un sentido. A través de los elementos que los componen buscan expresar un concepto, una idea, una emoción o un sentimiento particular de la persona o cultura que lo creó. Gracias a esto adquieren un sentido religioso, mitológico, sagrado, funerario o ritual, entre otros. Para conocer el sentido de una obra de arte, basta con que te fijes de sus cualidades estéticas y en los signos, símbolos y otros elementos que componen una pintura, vasija, escultura, performance, instalación o artesanía. Cada obra tiene un sentido simbólico acorde con el lugar y tiempo en el que fue creada. Tenerlo en cuenta es fundamental para descifrar mejor su contenido.

Lección: 4. Alegorías y atributos


Alegoría: son imágenes de figuras de personas, animales u objetos que adquieren un significado simbólico para representar un valor o concepto abstracto, como la justicia, la muerte, la patria o la caridad, entre otros. Atributos: son las cualidades características de un objeto o animal, y se representa de manera simbólica en una obra.

Del lunes 6 al viernes 10 de septiembre de 2021.

Qué vamos a aprender: Daremos una retroalimentación de los temas y lecciones vistas en el ciclo escolar pasado.

Te explico: Lee con atención el siguiente cuadro, subraya los temas y lecciones que consideras que más te gustaron.


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La mitología grecoromana ha sido muy utilizada en las artes visuales occidentales para representar alegorías. El simbolismo es una corriente artística europea de finales del siglo XIX. Aunque sus obras más importantes representan mitos o alegorías, los artistas simbolistas no buscaban significados específicos o establecidos, sino todo lo contrario: su intención era despertar a través de éstos emociones e ideas profundas más libres y evocadoras, como ocurre con la poesía.

Lección: 5. Imágenes simbólicas en obras mexicanas


Los trabajos de artistas mexicanos que están llenos de simbolismo y maestría tanto en su forma como en su contenido, y que son parte importante de nuestro patrimonio cultural y ejemplo de la diversidad artística de México. En un objeto prehispánico que apreciamos en un museo, una pintura religiosa del arte colonial, un mural o una artesanía podremos encontrar simbolismos propios de nuestra identidad y cultura. Por ello a veces nos estremecen, nos conmueven o nos impactan, pues nos sentimos identificados porque expresan nuestra historia, creencias y cultura; o nos despiertan algo muy personal y que obedece a ciertas experiencias de nuestra propia vida.

TEMA 2: TÉCNICAS DE LAS ARTES VISUALES

Lección: 6. Las técnicas en las artes visuales


Un elemento fundamental de las artes visuales es: la técnica. La palabra técnica se deriva del griego techne, que significa arte, habilidad, ciencia o destreza. En el mundo de las artes visuales el término técnica suele utilizarse para referirse al manejo que hace el artista de los materiales y herramientas durante su proceso creativo para resolver retos y crear su obra. La técnica acuarela usa pinturas llamadas acuarelas que se fabrican a base de agua; mientras que la técnica al óleo usa pinturas llamadas óleos que están hechas a base de aceite. Hay casos en los que deciden adaptarlas o combinarlas con otras técnicas o materiales: técnicas mixtas. La primera técnica de la historia podrían ser las manos que utilizadas a manera de pincel plasmaron las paredes de las cuevas con algunos pigmentos; éste el antecedente de una de las técnicas más importante de la pintura mural: la técnica del fresco. El bodegón o naturaleza muerta, es una representación artística de objetos como frutos, flores, jarrones, canastas, libros o animales sin vida.

Lección: 7. Técnicas y posibilidades expresivas


Existen numerosas técnicas en las artes visuales; a continuación, mencionaremos las más conocidas y utilizadas. Fresco: Es una técnica con la que se pinta un muro o una pared; consiste en aplicar pigmentos terrosos mezclados con agua sobre una superficie previamente enyesada y humedecida Óleo: Técnica que utiliza pinturas llamadas óleos, elaboradas a base de aceites de linaza, nuez o amapola; se diluyen con aceites disolventes para hacerlos menos pesados; suelen usarse en soportes de tela o madera. Temple: Técnica que utiliza materiales orgánicos como aglutinante para adherir los pigmentos o colores en polvo.


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Grabado: Consiste en marcar imágenes sobre una superficie dura como metal, piedra o madera con ayuda de instrumentos puntiagudos, de manera que la imagen quede grabada en el soporte; tiene muchas variantes como: la litografía, la xilografía, el grabado a buril, la serigrafía, punta seca, aguafuerte, mediatinta y aguatinta. Acuarela: Técnica que consiste en pintar sobre una superficie, casi siempre papel, con colores a base de goma arábiga diluidos en agua; su principal cualidad es que permite dar efecto de trasparencia. Pastel: Técnica a base de colores puros en polvo mezclados con gomas y ceras y moldeados en forma de barra pequeña, dura o blanda; se aplica directamente sobre el papel y sus cualidades son el brillo de los colores y que es posible difuminarlos con el dedo. Encáustica: Técnica que consiste en mezclar pigmentos o colores con ceras calientes o resinas que se pueden diluir con esencias de aceites, como trementina, para luego aplicarlos en la superficie con un pincel o una espátula. Collage: Consiste en pegar a una superficie plana diversos materiales como papel, fotografías, periódicos, telas o cualquier otro material ligero. Estarcido o esténcil: Consiste en colocar una plantilla en una superficie y rociarla con pintura mediante un cepillo, popote, brocha, rodillo, esponja o aerógrafo; de manera que, al levantar la plantilla, la silueta quede impresa en la superficie.

Lección: 8. Otras técnicas artísticas


En las artes visuales no existe una técnica mejor que otra; sino que el artista decide cuál o cuáles le permiten expresar lo que desea de acuerdo con el lugar donde se expondrá su obra, ya que no es lo mismo una pintura colgada sobre una pared, un vitral en las vidrieras de una iglesia o un mural que se exhibe en la calle. Esculpido: Técnica de la escultura que consiste en golpear una piedra de mármol, granito, cantera, alabastro u otro material con una herramienta resistente. Si el golpe se da con un cincel, se le llama cincelado; en cambio cuando las figuras se trazan en una lámina de metal, recibe el nombre de repujado. Modelado: En esta técnica de escultura las figuras se crean usando principalmente las manos, por lo que los materiales suelen ser suaves como barro, arcilla, yeso o plastilina, y también se utilizan algunas herramientas. Vaciado: Consiste en hacer un molde hueco con la forma de la escultura, rellenarlo con metal fundido y quitar el molde para sacar la obra; un tipo de vaciado es la cera perdida. Tallado: Es la técnica con la que se talla un material resistente pero manejable; por ejemplo, la madera de nogal, cedro, roble o caoba, hasta tener la escultura deseada. Mosaico: Consiste en unir pequeños pedazos de piedra, esmaltes o cristales, adheridos con yeso u otro aglomerado a una pared o superficie plana, para crear imágenes o diseños. Vitral:


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Consiste en la unión de vidrios coloreados con tintas especiales, que se forma a manera de rompecabezas y los vidrios se unen con tiras de plomo. Tejido: Es la unión y entrelazados de hilos de lana, seda o algodón, fibras naturales o materiales sintéticos. La tinta china: Se elaboraba con un pigmento del humo del carbón vegetal. Cuando se diluyen en agua para crear matices o trasparencias, entonces se le conoce como: aguada.

Lección: 9. Técnicas y materiales mexicanos


Pocos países poseen tantos recursos naturales que se pueden aplicar al arte como México, los cuales incluyen arcilla, barros, fibras, pigmentos, huesos, conchas, ceras, metales y piedras preciosas. Esta gran variedad de recursos ha sido aprovechada por artistas mexicanos de diversos lugares y épocas para experimentar y desarrollar técnicas muy particulares con los materiales que tienen a su alcance. Así han creado obras que son parte de nuestro patrimonio cultural. Algunas son: El papel amate La arcilla y el barro El vidrio soplado El tejido El bordado La punta de plata, etc.

Lección: 10. La tecnología: una nueva técnica Conceptos importantes:

Lo digital, la nanotecnología, el internet, la impresión en 3D y demás desarrollos tecnológicos tienen un espacio en el arte para propiciar la creación de obras que reflejan el tiempo en el que vivimos. Esto plantea nuevos retos de expresión artística invención, creatividad, innovación e imaginación. Por ello el movimiento, el ritmo, el sonido y la luz se convierten en protagonistas de este tipo de obras que se observan mejor en vivo o en video. Una especie de nuevo happening son los llamados flashmobs (multitud relámpago), donde estos convocan a las personas en redes sociales u otra plataforma digital para que acudan a un lugar determinado con el fin de realizar un acto espontáneo en forma artística sobre un tema político, social, publicitario, propagandístico o de simple entretenimiento. Por otra parte, el internet ha contribuido en muchos aspectos a la difusión de obras de arte, ya que hoy sólo necesitan crear una página electrónica y tener redes sociales para llegar a muchos espectadores. Theo Jansen es una artista que emplea su conocimiento científico para crear esculturas móviles accionadas por el viento, con las que expresa su interés por la evolución y su preocupación por la crisis ambiental.

Tema 3: EL PAISAJE

Lección: 1. El paisaje en las artes visuales


El paisaje es un género muy importante de las artes visuales, que representa la naturaleza en su aspecto más grandioso, el océano o el bosque; los fenómenos atmosféricos, como las tormentas, las nubes o el arco iris, o escenas que muestran cómo el ser humano ha modificado el entorno natural que le rodea. La pintura de paisaje o paisajismo surge como género pictórico en siglo xxv, cuando la


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presentación de la naturaleza cobra importancia. El paisaje es representativo de movimientos artísticos como el romanticismo, el impresionismo y el puntillismo. También hay grandes obras de paisajismo mexicano.

Lección: 2. Paisajismo mexicano


En México, la representación del paisaje cobró importancia a partir de la segunda mitad del siglo XIX. Uno de sus discípulos fue José María Velasco (1840-1912), cuyas obras muestran su estrecha relación con la naturaleza mexicana y el amor que sintió por ésta. Sus grabados sobre botánica, geología y zoología también evidencian su curiosidad científica por estos temas. Las técnicas clásicas, su talento y pasión lo llevaron a crear obras extraordinarias de estilo realista. En el caso de Gerardo Murillo mejor conocido como Dr. Atl y Joaquín Clausell quienes experimentaron con nuevas formas de expresión, por lo que en sus obras se observa mayor libertad creativa y figuras con más soltura. Alfredo Ramos vivió en Francia, por lo que estuvo en contacto con la pintura que buscaba representar los diferentes efectos ocasionados por la luz natural. Él y la artista Rosario Cabrera, quien dio clases y dirigió dos de estas escuelas, fueron defensores de las EPAL que proponían un arte más libre y menos académico. Después surgieron otros paisajistas mexicanos importantes como Raymundo Martínez, Nicolás Moreno y Luis Nishizawa, quien experimento con muchas técnicas. El paisajismo México es un importante documento visual artístico que da testimonio de cómo eran diferentes espacios en otras épocas.

Lección: 3. Elementos compositivos del paisaje Conceptos importantes:

Los paisajes se representan de manera realista, estilizada o abstracta; podemos reconocer lo anterior cuando vemos en una obra si las figuras y la composición corresponden o no a la realidad. Uno de los elementos primordiales en las artes visuales y en el paisaje es el color, ya que es esencial para crear diferentes cualidades visuales como transparencias, reflejos, matices, contrastes y brillos. Los matices son las gradaciones de un color y los contrastes son dos colores opuestos. La saturación se refiere a qué tan brillantes son los colores cuando son puros o casi no están mezclados con otros. Otro elemento compositivo de las artes visuales es la forma, que puede ser regular, irregular, simple, compleja, geométrica u orgánica. La simetría es un elemento importante al organizar el espacio de una obra, pues con ella se logra equilibrio en la composición. El acento visual se refiere a un punto específico hacia donde se atrae la mirada del espectador. En una obra puede haber uno o varios acentos visuales. Por último, en la pintura de paisaje son esenciales las texturas, pues dan fuerza expresiva a la obra.

Lección: 4. Ideas y sentimientos a través del paisaje


En esta lección apreciamos el paisaje desde el contenido, lo que expresa y los sentimientos o emociones que provoca; obras cuyo protagonista es el paisaje; pero que están cargadas de pasión y sentimiento para expresar las ideas y emociones del artista. El romanticismo, es una corriente artística en la que la emoción cobra gran importancia, que se desarrolló en el siglo XIX, sobre todo en la pintura, la música y la literatura. El poder expresivo de muchos elementos compositivos es impresionante, ya que en ocasiones un trazo, una pincelada, una textura o un color despiertan más emociones y sentimientos que una representación detallada o muy realista.


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Otros artistas mexicanos abordaron el paisaje empleando representaciones simbólicas, estilizadas o abstractas.

TEMA 4: LOS MUROS EN LAS ARTES VISUALES

Lección: 5. Origen de la pintura mural


El mural es una obra de grandes dimensiones; es parte vital de las artes visuales no sólo porque es la manifestación artística más antigua del ser humano, sino porque, al estar pintada sobre un muro, la gente tiene mayores posibilidades de verla que si estuviera en el interior de un museo. Esta obra monumental es el reflejo del mundo exterior e interior del artista y puede realizarse con varias técnicas, como fresco, temple o mosaico, entre otras. Las primeras pinturas murales se realizaron en las cuevas primitivas con pigmentos naturales; estas obras de arte rupestre se conservan en distintas partes del mundo. Pintura mural en México Las obras murales más antiguas conocidas hasta ahora en México son las pinturas rupestres de Baja California Sur, que se realizaron hace unos 7 500 años. De la época prehispánica destacan los murales de Bonampak, en Chiapas; los murales de Teotihuacán, en el Estado de México. El mural de Los bebedores, en Cholula, Puebla, y los murales de Cacaxtla, en Tlaxcala. En estos últimos destaca el Mural de la batalla, que es el mejor conservado. Durante la época de la Colonia, uno de los métodos al que recurrieron los frailes para enseñar el cristianismo a los indígenas fue la pintura mural religiosa, como la que se aprecia en templos y conventos del país.

Lección: 6. Muralismo mexicano Conceptos importantes:

Luego de estar mucho tiempo en desuso, la pintura mural cobró gran fuerza en México a partir de la década de 1920. Sin embargo, a diferencia de lo que se hacía en otros tiempos, las escenas representadas no fueron religiosas ni decorativas, sino de fuerte contenido social, y se expusieron sobre los muros de espacios públicos para que muchas personas pudieran verlas. Gracias a esta particularidad y al trabajo de grandes artistas, el muralismo mexicano se convirtió en un movimiento importante para el arte universal y en patrimonio artístico de nuestro país. El impulsor del muralismo fue José Vasconcelos, primer secretario de Educación Pública luego de la Revolución Mexicana. Entre estos artistas se encontraban José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros y Diego Rivera, considerados los tres grandes muralistas mexicanos.

Lección: 7. Murales y espacios públicos Conceptos importantes:

Uno de los aspectos importantes del muralismo mexicano es que, desde sus inicios, los muros de edificios públicos se eligieron como espacio estratégico para elaborar estas obras de gran tamaño. Al ubicarlas en sitios como escuelas, teatros, estadios deportivos y dependencias de gobierno, se hizo posible que personas con distinta educación y condición económica tuvieran contacto con los murales y captaran sus mensajes, que expresaban la visión del artista acerca de la sociedad mexicana de ese momento. Los murales mexicanos son un patrimonio artístico que podemos admirar en numerosos recintos de nuestro país e incluso en otras naciones, en especial en Estados Unidos.

Lección: 8. Técnicas y materiales del muralismo


En el muralismo es muy importante que el artista considere aspectos como la ubicación, la iluminación, la circulación del aire, la forma, la textura y el tamaño de la superficie donde elaborará la obra antes de escoger la técnica y los materiales. Por ejemplo, si el muro es exterior, debe elegir pinturas como los esmaltes, que son resistentes a la luz


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del sol, la lluvia y el viento. Las técnicas más usadas en la pintura mural son el fresco, el temple y la encáustica. Otra técnica es el mosaico, mediante la cual se cubre el muro con cemento antes de hacer incrustaciones de mosaicos, vidrios o piedras naturales, que son muy resistentes a la intemperie. La selección de las técnicas y los materiales también influye el formato del mural; es decir, la forma que tiene la superficie, la pared o el edificio donde se elaborará. Antes de realizar cualquier obra es fundamental hacer bocetos. En el caso del mural se hacen a escala; es decir, en una relación proporcionada del tamaño que las figuras tendrán al pasarlas al muro. Otra manera es hacer el boceto en una hoja transparente; en un acetato, calculando la proporción de las figuras; luego se proyecta el boceto en el muro y se calca. El inconveniente de esta técnica es que, si la imagen se proyecta en un espacio abierto o con mucha luz, podría verse distorsionado. Una opción más es el estarcido, mediante el cual el boceto final reticulado se transfiere a plantillas de papel de tamaño real. Las plantillas de pegan al muro y se hacen pequeñas perforaciones a lo largo de los contornos de las figuras. Para terminar, se aplica polvo de carboncillo en las perforaciones de manera que al quitar la platilla queden marcados los pequeños puntitos en la superficie del muro y sea posible trazar las figuras.

Lección: 9. Arte callejero


Aunque es difícil precisar cuáles son los orígenes del arte urbano o callejero, se considera que surgió en la segunda mitad del siglo xx como medio de expresión de los artistas jóvenes que buscaban denunciar y protestar contra los problemas sociales. Una de sus expresiones es el grafiti, que proviene de la palabra italiana graffito, que quiere decir "garabato”. En el arte se refiere a obras pintadas sobre los muros o el mobiliario urbano para tener un contacto más directo con los espectadores y que sean vistas por el mayor número posible de personas. Una de las características del grafiti es que las obras se elaboran sin pedir el permiso del propietario del muro, por lo que a veces se considera un acto de vandalismo. No cualquier garabato es arte por el simple hecho de estar en un muro; sin embargo, una obra de arte urbano puede ser visualmente poderosa cuando el artista crea su propio estilo y sus imágenes expresan una intención y un sentido. Arte callejero mexicano El grupo SUMA fue pionero en el arte callejero de nuestro país en la década de 1970. Ahora, varios mexicanos destacan en el arte urbano internacional, como Saner y Carlos Alanis, quien tiene doble personalidad artística: Sego y Ovbal. Otros artistas son Seher One, Smithe y Paula Victoria. Algunas obras de arte callejero también buscan prevenir problemas sociales y contribuir a resolverlo.

Lección: 10. Generación de la ruptura


Surgió un grupo de jóvenes artistas que buscó proponer algo nuevo. Tenían en común su postura en contra del muralismo mexicano y de la pintura revolucionaria, nacionalista y política, a la cual consideraban desgastada, y buscaban crear una nueva estética por medio de un arte más abierto, apolítico, íntimo, renovador y sin ideologías nacionalistas. Así nace la Generación de la Ruptura, nombre que le dio la crítica de arte Teresa del Conde. Más que proponer una ruptura con lo anterior, los artistas buscaban una evolución del arte mexicano hacia la universalidad, la individualidad y lo interdisciplinario.


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Los integrantes de la Generación de la Ruptura fueron en su mayoría jóvenes que se sentían influenciados por las vanguardias europeas. Muchos de ellos se relacionaron con artistas extranjeros que llegaron a vivir en México, como Leonera Carrington, Mathias Goeritz, Remedios Varo y Carlos Mérida. Algunos de sus principales representantes buscaban un arte más original, que propusiera nuevas formas de expresión y respondiera a los aspectos cambiantes de su tiempo. Ellos fueron José Luis Cuevas, Lilia Carrillo, Vicente Rojo, Manuel Felguérez, Vlady, Juan Soriano, Fernando García Ponce y Beatriz Zamora.

Tema 5: EL LENGUAJE DE LA ABSTRACCIÓN EN LAS ARTES VISUALES

Lección: 1. Abstracción en el arte Conceptos importantes:

El arte abstracto también se llama arte no figurativo y arte no objetivo, debido a que la representación de los objetos no es figurativa o real y depende de un proceso intelectual del artista. En consecuencia, el espectador no reconoce a primera vista lo que se representa en una obra, sino que debe interpretar y recrear lo que el artista desea expresar en su trabajo. Desde principios del siglo xx la abstracción cobró fuerza en las artes visuales y en otras disciplinas artísticas. Su antecedente es el cubismo, una corriente artística en la que se "fragmentaron" las figuras para pintarlas de manera poco realista, aunque todavía reconocible. En cambio, los artistas del abstraccionismo buscan representar la realidad mediante formas, líneas y colores, prescindiendo de la apariencia real de los objetos. Esta propuesta resultó muy novedosa luego de que durante siglos los artistas habían intentado plasmar la realidad de manera fiel; sin embargo, fue poco aceptada por el público, al que le resultaba difícil entender y apreciar el nuevo arte.

Lección: 2. El lenguaje de la abstracción


En el arte abstracto, los elementos esenciales son la línea, la forma y el color. Con estos recursos, los artistas buscan expresar lo que está oculto detrás de la apariencia de las cosas. Un ejemplo son las esculturas, los murales y las construcciones abstractas del arte prehispánico, que suelen tener un significado mágico y religioso. Paul Klee, un importante artista del abstraccionismo, analizó y revaloró el punto, la línea, la superficie, el color y el espacio por sus posibilidades expresivas para crear un lenguaje propio de la abstracción. Klee experimentó con esos elementos para proponer nuevas formas de representar la realidad y jugar con las formas. Para los artistas del abstraccionismo la libertad al crear es fundamental. La abstracción se divide en geométrica y orgánica. Abstracción geométrica: sus elementos compositivos son líneas rectas y rígidas, y figuras geométricas, como cuadrados, triángulos y círculos dispuestos con un rigor casi matemático. Un ejemplo es la obra de Piet Mondrian, quien utiliza líneas verticales y horizontales de diferentes grosores para formar figuras geométricas regulares, y recurre a colores primarios -amarillo, rojo y azul- y neutros-blanco y negro. Abstracción orgánica: se basa en formas parecidas a las de la naturaleza. Se emplean líneas ondulantes, trazos libres y sueltos que suavizan las figuras geométricas y dan movimiento y musicalidad a las imágenes. Un ejemplo son las obras de Wassily Kandinsky.

Lección: 3. La abstracción en el arte mexicano


El primer contacto del público mexicano con el arte abstracto no fue fácil. La crítica mexicana no entendió este tipo de arte y calificó el estilo abstracto como "una broma de mal gusto" que nada decía ni despertaba. Un artista que contribuyó mucho a su desarrollo fue el guatemalteco nacionalizado


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mexicano Carlos Mérida , su obra Abstracción integrada, ubicada en Ciudad Universitaria, es uno de los pocos murales abstractos que hay en nuestro país. A partir de la segunda mitad del siglo xx, algunos artistas de la Generación de la Ruptura, como Manuel Felguérez y Lilia Carrillo, impulsaron la abstracción y ésta empezó a adquirir fuerza y a exhibirse en las galerías. Otros artistas que emplearon el arte abstracto geométrico u orgánico son Ángela Gurría, Gunther Gerzso, Mathias Goeritz, Hellen Escobedo, Juan Soriano, Sebastián, Germán Cueto y Leonardo Nierman.

Lección: 4. Abstracción lírica o espontánea Conceptos importantes:

La abstracción lírica o espontánea es otra vertiente del arte abstracto. En ésta, el artista realiza acciones espontáneas, libres y muy expresivas durante el proceso creativo, de manera que sus obras expresen el sentimiento o la emoción que experimenta mientras crea la obra. Este estilo de abstracción surge a mediados del siglo xx, después de la Segunda Guerra Mundial. Una característica de la abstracción lírica es que los primeros artistas exploraron las virtudes y posibilidades expresivas de los materiales que usaban en sus obras. Por ejemplo, aplicaron pinturas en pasta o liquida directamente del envase o el bote para crear nuevas texturas, y experimentaron con una gran variedad de materiales hasta crear novedosas técnicas artísticas. Otra característica de la abstracción lírica es que el artista no tiene ideas preconcebidas al crear la obra. Durante el proceso creativo hace una especie de extensión de su persona al lienzo; es decir, plasma de manera automática e improvisada a la superficie del cuadro el sentimiento que experimenta. Por ello, el proceso creativo puede resultar más importante que la obra misma.

Lección: 5. Informalismo y expresionismo abstracto


Los principales estilos del abstraccionismo lírico son: tachismo, action painting, art brut, pintura matérica, espacialismo y pintura de campos de color. Todos se basan en los principios de libertad creativa, espontaneidad e improvisación, aunque recurren a diferentes técnicas y materiales.

Valoración diagnóstica de artes visuales Realiza el siguiente ejercicio subrayando con tinta roja la respuesta correcta.

1) Son temas de las Artes visuales del programa del ciclo anterior, excepto: a) ARTE CALLEJERO b) EL LENGUAJE DE LA ABSTRACCIÓN EN LAS ARTES VISUALES c) LOS MUROS EN LAS ARTES VISUALES d) SÍMBOLOS

2) Son lecciones de la Artes visuales del programa de ciclo anterior, excepto: a) EL SENTIDO SIMBÓLICO DE UNA OBRA b) EL LENGUAJE DE LA ABSTRACCIÓN c) ORIGEN DE LA PINTURA MURAL d) EL PAISAJE

3) En ocasiones adquieren un significado que no tenían en un principio: a) LOS PAISAJES b) LOS MURALES c) LAS TECNICAS ARTÍSTICAS d) LOS SÍMBOLOS

Manos a la obra: Realiza la siguiente valoración diagnóstica de las artes, de acuerdo a la

lectura anterior.


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4) Es una técnica artística, excepto: a) EL FRESCO b) EL TEJIDO c) EL PAISAJE d) LA ACUARELA

5) Son considerados los 3 más grande muralistas mexicanos, excepto: a) JOSÉ CLEMENTE OROZCO b) DAVID ALFARO SIQUEIROS c) DIEGO RIVERA d) JOSÉ VASCONCELOS

6) Menciona uno de los principales estilos del abstraccionismo lírico: _____________________ 7) Menciona un elemento compositivo del paisaje: _____________________________________ 8) Menciona una lección del tema Signos y símbolos: ___________________________________ 9) Generación de la ruptura pertenece al tema: ________________________________________ 10) Son las cualidades características de un objeto o animal, y se representa de manera

simbólica en una obra: ___________________________________________________________

Ejemplos de portadas

Mis logros

5. Realizaste la lectura, subrayado y marcado de la retroalimentación

6. Resolviste la Valoración diagnostica de artes

7. Creaste tu obra artística de la portada del 1er trimestre

Lo que aprendí: Contesta con honradez: si o no.

Actividad socioemocional: Realiza en una hoja blanca la portada del primer trimestre, con letras artísticas o de caligrafía, (ve ejemplos en Pinterest). Recuerda escuchar música de tu agrado al

realizar esta actividad.

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