LA PINTURA VENECIANA.

Ya desde una época muy temprana Venecia empezó a desarrollar un estilo completamente personal, diferente a la del resto de focos y escuelas regionales i ta l ianas , desde e l Quat t rocento advertimos una clara tendencia a dar una mayor relevancia al color y al tratamiento de la luz. Venecia a lo largo del siglo XVI se convierte en un de los principales centro económicos mundial, la poderosísima flota del Dux comerciaba por todo el Mediterráneo y a los canales llegaban productos de todo el mundo. Además frente al resto de ciudades italianas que o bien cayeron bajo la influencia de potencias extranjeras como España o Francia, o bien se fueron debilitando por las continuas divisiones internas, Venecia no sólo se mantuvo independiente, sino que también se convirtió en una de las principales potencias marítimas , como demuestra el hecho de que se aliara con España y el Papado para eliminar a los turcos en la batalla de Lepanto. Culturalmente Venecia fue en ese momento uno de los centros más importantes de Europa, ya que allí estaban los principales impresores, como Aldo Manucio, a quienes acudían escritores de todo el continente para que les editaras sus obras, lo cual generó un movimiento intelectual en Venecia semejante al que había habido en Florencia en el siglo anterior y mucho más libre de la tutela papal.

La enorme prosperidad económica de la serenísima república hizo que gran parte de ese dinero se pudiera emplear en costosas obras de arte, especialmente pinturas para adornar los palacios de la nobleza y de la burguesía, o las iglesias. Esta escuela veneciana se caracteriza sobre todo por un uso magistral de la luz y del color, en los cuadros no es el dibujo preciso el que crea la composición, sino que son las propias manchas de color, que además se combinan con una iluminación de suaves matices dorados, que llegará a fascinar a los impresionistas en el siglo XIX. Los colores son brillantes, abundando los rojos, azules... En el ambiente lujoso de Venecia la pintura se ve influida por ese gusto por lo exótico y las escenas tienden a desarrollarse en ambientes lejanos, lujosos que hablan de la cantidad de personajes procedentes de tierras lejanas que llegaban a Venecia. Es un arte sensual, en el que son muy frecuentes los desnudos femeninos, camuflados en fábulas mitológicas, en los que las venus, ninfas... tienen delicados tonos sonrosados y nacarados y aparecen indolentemente reclinadas en lechos suntuosos. Los pintores gustan de detenerse en los detalles anecdóticos de los objetos, en los brillos de la luz sobre los metales, en las calidades de las diferentes telas, en recrear unos paisajes fantasiosos, con una luz muy contrastada, casi tormentosa. Técnicamente se perfecciona la técnica del óleo, que posibilita ese tipo de luz y de colorido que hemos descrito anteriormente, sustituyéndose paulatinamente el soporte en tabla por el lienzo, mucho más manejable y fácil de preparar. Se profundiza en la perspectiva aérea, aunque no se abandona del todo la perspectiva lineal, incluso algunos

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de los pintores de la escuela le dan un nuevo empuje realizando enormes escenografías de aire teatral.

Como autores más destacados de esta escuela podemos citar a Giorgione (1477-1510), tuvo ya un éxito muy considerable en vida, se formó en el taller de Bellini, de quien tomó la claridad en los colores y la introducción de nuevas tonalidades, a lo que unió el estilo clasicista de Leonardo y Rafael. Aun mantiene muchas de los aspectos propios del clasicismo romano, pero en su obra se dan importantes novedades, como la utilización de una luz cristalina, radiante, que parece

salir de las propias figuras y que en algunas ocasiones crea fuertes contrastes como si se tratase de la luz propia de una tormenta. Su técnica es mucho más suelta, más espontánea, superando el excesivo preciosismo anterior . Su obra más conocida es La Tempestad, una obra de la que se sabe más bien poco, permaneciendo el tema sin aclarar completamente, en un principio se pensaba que se trataba del descanso en el huida a Egipto, pero el tratamiento de la mujer como del hombre no parecen apoyar esa interpretación; más bien parece tratarse de un tema tomado de la mitología, o simplemente una alegoría de la Arcadía, una pastoral.... Pero lo realmente importante del cuadro es el cambio que hay respecto al paisaje y la luz, hasta ahora el paisaje era simplemente un elemento secundario que ayudaba a aumentar la idea de

realidad, en cambio aquí es ya el protagonista absoluto, encargo de crear una atmósfera opresiva, tempestuosa. El juego de luces y de sombras, el tratamiento del color, la precisión del sfumato heredado de Leonardo. Otros cuadros de Giorgione son el Concierto campestre, en donde de nuevo nos encontramos con ese tratamiento sugerente del paisaje y con una concepción completamente sensual del desnudo femenino, que servia en el siglo XIX a Manet de inspiración para su Desayuno sobre la hierba. Para algunos historiadores este cuadros sería completado por sus discípulo Tiziano; la sensualidad y el sentido musical se dan cita aquí; la magia del color crea unas combinaciones enormemente armoniosas y poéticas; representa un momento en el que la escena se ha detenido, con múltiples alusiones al mundo pastoral e idílico tan importante en el renacimiento. Este tema del desnudo femenino será desarrollado aun más en Venus dormida.

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Tiziano (1487-1576) fue discípulo de Giorgione y alguna de sus primeras obras son tan semejantes a las de sus maestro que han causado problema de atribución. Tiziano tuvo una vida muy dilatada y practicante siempre se mantuvo productivo, por lo que su estilo evoluciona enormemente, siendo sus obras más tardías propias más del manierismo o de un barroco

t e m p r a n o . Fue un gran retratista y se convirtió en el pintor favorito de Carlos V, que le encargó numerosísimas obras, como el retrato ecuestre de Carlos V en Mülberg, los distintos retratos de Carlos V e Isabel de Portugal o los de Felipe II. El retrato de Carlos V en Mühlberg conmemora la victoria del emperador sobre los protestantes, pero se aparta del modelo tradicional en el que el vencedor aparece retratado rodeado de los derrotados y de los símbolos de su poder, aquí es Carlos V es representado como el modelo de caballero cristiano, ya que además esta había sido

una de las obsesiones del emperador; el paisaje destaca por su tratamiento magistral con unas luces que pueden recordar a los incendios de la batalla o las luces del atardecer sobre el imperio a pesar de su victoria. En estos retratos es el creador del llamado retrato de aparato, en el que el retratado aparece representado rodeado de todos aquellos objetos que simbolizan todo su poder y sus máxima dignidad, y que tenían una claro intencionalidad de representación política de la monarquía autoritaria.

Ta m b i é n c u l t i v o l o s t e m a s mitológicos, especialmente los desnudos femeninos, como en Danae y la lluvia de oro, esta fue una pintura que permaneció durante mucho tiempo oculta en el gabinete privado del rey, ya que se consideraba como un tema demasiado libertino para la moral católica de la España de los Austria, contrasta la delicadeza y belleza con la que trata el cuerpo de Dánae con el de la criada que con una actitud avara intenta recoger la mayor cantidad posible del oro en el que se ha convertido Zeus. Este tema de la mujer desnuda vuelve a ser tratado en la Venus de Urbino, aunque aquí con una mayor carga sensual, ya que la mirada de la diosa se dirige sugerentemente al espectador, las tonalidades doradas, los cortinajes y las texturas aterciopeladas de los paños aumentan la carga erótica del cuadro. Las últimas obras de Tiziano delatan la evolución que sufre su estilo los colores se vuelven más grisáceos, las

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tonalidades se hacen más frías y al mismo tiempo las composiciones se complican, y los temas religiosos son cada vez más numerosos, como podemos percibir en la Piedad de

la Academia de Venecia. Veronés (1528-1588) es el pintor de las grandes arquitecturas inspiradas en los edificios del manierismo, ambientes llenos de exotismo, el colorido de los ricos ropajes y la joyas de los personajes, crean unos cuadros que transmiten la sensación de un mundo lleno de sensaciones placenteras y alegres. Técnicamente son las arquitecturas las que crean la profundidad y el efecto de tercera dimensión. Entre sus obras podemos destacar las Bodas de Caná, en donde simplemente utiliza el relato evangélico para poder

construir una grandiosa composición llena de personajes y elementos lujosos, en toda la composición en principio caótica el espacio central lo ocupa la figura de Cristo, con una actitud distante y alejado del ambiente que le rodea.

El pintor que cierra el círculo de la p i n t u r a v e n e c i a n a r e n a c e n t i s t a e s Tintoretto (1518-1594) p o s i b l e m e n t e f u e discípulo de Tiziano, mucho más manierista en las posiciones y los

escorzos de los personajes, pero también en la composición y la utilización de unas tonalidades más frías, anunciando su proximidad al Barroco, una de sus obras más interesantes es El lavatorio de los pies, toda la escena se desarrolla en un marco arquitectónico grandioso, coloca las figuras agrupadas en distintas escenas para aumentar la profundidad del cuadro, utilizando otros recursos como la mesa colocada en escorzo.

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