Jessica Correia AguilarÁngela Ramírez Peláez

Gema Fernández González

Mª José Carrasco ConejoMiriam González

Moreno

1º Educación Primaria. Grupo T1/P1

2009/2010

Venus de Willendorf, Austria, período paleolítico: Después de Afrodita, que pasó a ser Venus para los Romanos.

La Venus de Laussel: relieve de cuerpo entero, realizado en piedra caliza y con restos de color, de casi medio metro de altura, que representa a una mujer que sostiene en su mano derecha un cuerno de bisonte con incisiones, mientras que con la izquierda insinúa un espontáneo gesto de pudor.

Este es un dibujo de 1489 de Leonardo da Vinci titulado Studies of embrvos que se encuentra en el Museo de la Ciencia de Florencia. Da Vinci hizo muchos dibujos con valor científico, la formación inicial de Leonardo sobre anatomía humana comenzó mientras aprendía con Andrea del Verrocchio, quien insistía en que todos sus alumnos tuvieran conocimientos de anatomía. Leonardo sentía una verdadera intriga sobre los procesos reproductivos humanos y realizó abundantes estudios anatómicos y disecciones de los órganos sexuales femeninos así como de fetos y embriones en el útero. Muchos de ellos poseen errores médicos que han sido puesto de relieve actualmente, aunque resulta evidente que sus dibujos son tomados directamente del natural. Para ello, Leonardo hubo de realizar disecciones de cadáveres que en la época constituía uno de los más graves delitos. Leonardo fue acusado en varias ocasiones de practicar la magia negra y la hechicería, posiblemente por sus estudios de anatomía. propio.

Cuadro Jessica Correia

Debemos pensar en la importancia de este dibujo en su época, la necesidad de poder ver las cosas para creerlas, aunque para ello hallar que abrir un cadáver. Este dibujo representa el embarazo desde el punto de vista del feto excluyendo al cuerpo femenino. Según Kaplan (1994) en la actualidad existe también esta tendencia de considerar al feto no como parte del cuerpo de la madre, ni como un objeto, sino como un sujeto con cuerpo

Hoy en día es un gran avance poder mirar en tiempo real dentro del cuerpo de la madre como transcurre la vida del feto. El cuerpo de la mujer se ha vuelto transparente, la tecnología nos permite ver lo que antes solo gracias a dibujos como el de Da Vinci, se situaba en el mundo de lo imaginario y de lo simbólico. Este dibujo nos muestra como desde muy temprano en la historia ya existía un interés por saber como se produce una nueva vida.  

En la actualidad hay distintas imágenes de fetos, quizás algunas de las más interesantes son las que establecen la relación entre el feto y la idea de un paraíso de seguridad, este es un recurso muy utilizado en la publicidad. La madre cumple la función de mantener al niño en este “paraíso”, para ello tiene que cuidar su cuerpo y no realizar ciertas conductas como el consumo de drogas, alcohol, …la prevención de estas conductas no esta relacionado con el bienestar de la mujer, sino con la necesidad de mantener su cuerpo como ese lugar seguro para el feto. A relación con este tema, publicaba El País (9/12/1998), que en 1997 un tribunal canadiense estableció que cualquier niño tiene la capacidad legal de presentar una demanda contra su madre si existe negligencia en el cuidado del feto durante el embarazo. Un año después, el Tribunal Supremo de Canadá admitió a tramite la demanda interpuesta por un niño (a través de su tutor legal) a su madre por el daño que le provocó un accidente de coche que ella conducía cuando él era un feto. Esto es un extremo, pero ¿donde está el limite? La mujer tiene que ser consciente de las restricciones que conlleva el embarazo.

Esta pintura es de aborigen australiana realizada sobre la corteza de un árbol, se titula La Madre Tierra da luz a niños espíritus, esta imagen representa la fertilidad, en ella aparece dos cuerpo dando a luz a muchos niños. Lo que llama la atención de esta representación es lo explicito y la postura de las mujeres y sobre todo la cantidad de niños que salen de dos mujeres.

Esta obra fue pintada por Rafael Sanzio de Urbino y pertenece al Renacimiento (s. XV y XVI), concretamente de 1505-1506 y se titula La embarazada.Se trata de un óleo sobre tabla de 66,8 x 52,7 cm que se encuentra en la galería Palatina, Palazzo Pitti. (Florencia, Italia).

En esta obra podemos observar como en otras similares de este catalogo, la maternidad, el ser madre de una manera especial puesto que nada mas tenemos que ver la cara de la protagonista de la obra, no parece esperar con alegría el niño que lleva dentro. Quizás para entender su situación debiéramos ponernos en su situación y es que en el siglo XV y XVI a las mujeres no se les preguntaba si querían o no tener un hijo, sus matrimonios normalmente eran concertados, los avances médicos eran casi nulos por lo que se paría con dolor y muchas veces las madres morían en los partos.

Esta obra titulada Virgen con niño, pertenece al siglo XVI (1570) época que corresponde con el Renacimiento, al movimiento Manierista. Su autor es Luis de Morales. Y se trata de un óleo sobre tabla de 84 x 64 cm que se encuentra Museo del Prado (Madrid, España).

Virgen con Niño es del año 1440-45, temple sobre tabla, pintado por Fra Filippo Lippi.Está en la Galería Nacional de Arte, Washington DC.

Este cuadro pertenece a Leonardo da Vinci. Esta Virgen con el Niño y flores, conocida como Madona Benois, es un cuadro del pintor renacentista italiano Leonardo da Vinci. Está realizado al óleo sobre tabla transportado a tela. Mide 48 cm. de alto y 31 cm. de ancho. Pertenece al periodo 1478-82. Se conserva en el Museo del Hermitage de Sa Petersburgo en Rusia.

Saliendo del baño (1915) pertenece al Impresionismo. Esta obra fue pintado en Valencia por Joaquín Sorolla durante el mes de junio, el lienzo aporta una luz característica de la mañana, más fría y azulada. El tema recogido es muy frecuente entre los lienzos de playa, de los que el pintor hace numeroso versiones porque tuvieron muy buena acogida por el público y la crítica.

Valencia, dos niños en una playaValencia, dos niños en una playa; fue pintado por Joaquín Sorolla y Bastida en el siglo XIX el año 1904 y pertenece al Impresionismo. Está pintado a óleo y sus dimensiones son 75.5 x 105.5 cm. Pertenece a la Colección W. P. Wilstach. Está expuesto en el Museo de Arte de Filadelfia en Pensilvania.

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oCuadro Gema Fernández

Joaquín Sorolla y Bastida nació en Valencia el 27 de febrero de 1863. Fue un pintor y artista gráfico español impresionista con más de 2.200 obras catalogadas. Murió en Cercedilla el 10 de agosto de 1923 a los 60 años de edad,

Comenzó a pintar al aire libre, dominando la luz y combinándola con escenas cotidianas y paisajísticas de la vida mediterránea. En obras como La vuelta de la pesca, La playa de Valencia o Triste herencia, describió el sentimiento que producía la visión del mar Mediterráneo, comunicando el esplendor de una mañana de playa con un colorido vibrante y un estilo suelto y vigoroso.Tuvo cuatro etapas: etapa de formación, etapa de consolidación, etapa de culminación y etapa final. El cuadro Dos niños en la playa pertenece a la etapa de consolidación.

En Dos niñas en una playa se muestra la inocencia de los niños, ya que una aparece desnuda y no le importa cómo se verá que

ella esté sin ropa. En cambio si ella fuese mayor, se vería de otra forma. El desnudo en los niños se ve como algo bonito,

inocente, no se ve como algo erótico o pornográfico, esto ahora no estaría tan bien visto, ya que existen muchos casos de

pedofilia. Por otra parte expresa la libertad que tienen los niños y la alegría que vive en ellos.

En el cuadro se ve como la niña mayor le presta atención a la pequeña mostrándole cariño y protección.

Valoración personal

Después de haber trabajado los 40 principales y trabajar con muchos autores, buscar sobre ellos y demás, he llegado a la conclusión que Sorolla es el pintor que más me gusta, ya que domina muy bien la luz y el color. Y centrándome en el cuadro, lo escogí porque me pareció que muestra la libertad, alegría e inocencia que debe haber y hay en los niños. Los niños no deben vivir con miedo, sino todo lo contrario vivir el presente, ya que no tienen pasado y el futuro ya vendrá, eso es lo que deberíamos hacer muchos de nosotros, yo de mayor quiero volver a ser niña, porque querer ser niño/a es querer vivir y creo que eso es lo que quiere todo el mundo.

The family (1892) es una obra de Mary Cassatt perteneciente al siglo XIX al Impresionismo. Es un óleo sobre lienzo y se encuentra en The Chrysler Museum, Norfolk (Virginia, EEUU).

On the Water se trata de un óleo sobre lienzo que pertenece a una Colección Privada de Washington (EEUU). Su autora es Mary Cassatt y data del siglo XIX (Impresionismo).

Esta obra de llama Louise amamantando a su hijo (1899), de Mary Cassatt. Se trata de pastel sobre papel marrón.

Esta obra de Mary Cassatt pertenece al impresionismo, siglo XIX, llamada Mother Berthe Holding Her Baby, 1900. Mary Cassatt a la edad de quince años inició sus estudios de pintura en la Academia de Bellas Artes de Pennsylvania (1861-1865). En 1866 decidió estudiar a los maestros del arte por sí misma y se trasladó a París en compañía de su madre y algunos amigos de la familia. Dado que no era posible para las mujeres matricularse en la Escuela de Bellas Artes, siguió estudios privados con diversos artistas, y realizó mucha práctica como copista en el Museo del Louvre. El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa —principalmente en Francia— caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la impresión visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba.

Cuadro de Mª José Carrasco

Este cuadro lo hemos elegido para nuestra exposición porque demuestra que siempre a lo largo de la historia los niños aparecen retratados con las madres y no con los padres. La función de la mujer en la antigüedad era ser procreadora con una vida dedicada a sus hijos y al trabajo en casa, por tanto, la maternidad era solo de las mujeres. Las mujeres tenían que decidir si ser madre o no, ya que si quisiera ser madre pues tendría que dejar el trabajo y cuidar del niño. Hoy en día en los países desarrollados no ocurre esto, ya que hay instituciones, guarderías, familiares, etc. que cuiden de ellos mientras los padres están trabajando. La maternidad conlleva una responsabilidad que debe ser pensada antes de llegar a la situación de decidir ser madre. La madre, no solo renuncia a factores personales para dedicarse a favor del crecimiento de sus hijos, sino que también entrega lo mejor de ella, para que el niño tenga una buena educación.En este cuadro podemos ver como la madre está tan unida al niño, y como muestra su protección ante él abrazándolo con todo el cariño de una madre.

Esta imagen construye la realidad, porque todo lo que nos rodea está construido por imágenes. Esa imagen demuestra la ternura de la madre sobre el niño. Podemos observar en la obra que el niño muestra la inocencia, ya que sale completamente desnudo con una cara de dulzura. Con esta obra de Cassatt podemos observar la dulzura de ser madre, la importancia de tener un hijo con una responsabilidad a la que se debe hacer cargo.Me ha parecido muy importante haber elegido este cuadro porque el ser madre es algo muy importante, y en la que se debe tomar una decisión muy segura de serlo o no.

Nude Baby Reaching for an Apple (1893) pertenece al Impresionismo. Su autora es Mary Cassatt.

Esta obra de Goya ha sido elegida para que observemos como la figura del padre quedaba estereotipada a realeza, a poder, al mando puesto que en otras representaciones de la época no aparecía. Aun así podemos apreciar como los niños y niñas se encuentran envolviendo a la reina y no a Carlos IV.

Esta obra de Francisco de Goya pertenece al Neoclasicismo/Romanticismo (s. XIX y XX), concretamente de 1800-1801 y se titula La familia de Carlos IV . Se trata de un óleo sobre lienzo de 280 x 336 cm que se encuentra en el Museo del Prado en Madrid (España).

Madre e hijo (1990), de Fernando Botero es una de sus obras mas exquisitas en este ámbito. Fue subastado por la casa Christie's en Nueva York (EEUU).

El matrimonio Arnolfini es un óleo sobre tabla de 81,8 x 59,7 cm del siglo XV que correspondiente al arte Gótico Flamenco de la época. Su autor es Jan van Eyck. Y en la actualidad se encuentra en The National Gallery de Londres (Inglaterra).

Cuadro de Ángela Ramírez

A continuación vamos a analizar uno de los cuadros más emblemáticos y discutidos de la historia de la pintura, El matrimonio Arnolfini. El famoso cuadro nos presenta a la pareja Arnolfini en el momento de contraer matrimonio. Ambos personajes, retratados en primer plano, se sitúan en una estancia con suelo de madera, e iluminada por una ventana que se abre a la izquierda. A los pies de la pareja aparece un perro y, en un segundo plano pueden observarse la esquina de una alfombra y el dosel de una cama. En el centro de la composición figura una lámpara que cuelga del techo y, en la pared del fondo, un espejo en el que se refleja todo el contenido de la habitación. A su izquierda cuelgan unos rosarios y, sobre el marco, encontramos una inscripción en latín, en caracteres góticos, con el siguiente texto: "Johanes de Eyck fuit hic, 1434" (Jan van Eyck estuvo aquí, 1434).

Giovanni Arnolfini aparece retratado en actitud seria, ricamente ataviado en color oscuro, con capa y amplio sombrero. Su mano derecha, levantada, parece jurar o bendecir, mientras la izquierda sostiene la de su esposa Giovanna, también ricamente vestida en color verde vivo, con velo blanco. Su abultado vientre, sobre el que apoya su otra mano, parece manifestar con claridad que se encuentra embarazada.El cuadro de los Arnolfini ha originado una gran controversia entre los historiadores del arte, por la gran cantidad de elementos simbólicos que incluye y la dificultad de interpretación de algunos de ellos, hasta el punto de que los especialistas debaten si la obra contiene realmente la escena de la celebración de un matrimonio, siendo como una especie de acta del mismo, o una ceremonia de exorcismo de una pareja que trata de alejar de sí el mal de no haber tenido descendencia. Entre los elementos simbólicos, destacan los siguientes:Algunos de los objetos que figuran el cuadro, así como la propia ambientación de la escena, aluden a la riqueza del mercader Arnolfini: la ropa, el mobiliario, la alfombra, la decoración de la estancia o la presencia de naranjas junto a la ventana lo que, dada su procedencia del sur de Europa, puede considerarse un verdadero lujo en la Flandes del siglo XV.

Los dos pares de zuecos (los de ella, junto a la cama; los de él, en primer plano, a la izquierda) relacionan a los esposos con el hogar y el hecho de que los supongamos descalzos alude a una idea de fertilidad.

El perro es una alusión evidente a la idea de fidelidad dentro del matrimonio.

Los colores predominantes son también claramente simbólicos: mientras el verde alude a la fertilidad, el rojo lo hace a la pasión.

La lámpara, en la cual sólo encontramos una vela encendida (cuya luz pasaría desapercibida en pleno día), es una clara referencia a Jesucristo y, al mismo tiempo, viene a representar también la llama del amor, que puede consumirse.El espejo, de forma circular, y en cuyo marco se nos muestran diez de las catorce estaciones del Víacrucis, muestra la escena de la habitación desde una perspectiva inversa, pudiéndose apreciar la parte trasera de la pareja, así como la presencia de otras dos personas, las cuales podrían asistir como testigos a una ceremonia. Tanto la borla que cuelga de la cama como el abultado vientre de Giovanna son claras alusiones a la fertilidad. Precisamente, sobre la borla, en el cabecero de la cama, aparece una figura femenina que podría ser Santa Margarita o Santa Marta

Después de sacar este análisis del cuadro seguí indagando en él y encontré especialistas del arte que decían que en el cuadro del matrimonio Arnolfini la mujer no está embarazada, sino que esta sujetando el vestido, por lo siguiente: este autor vivió en un mundo urbano y de comerciantes. Logro un realismo desconocido hasta entonces sustituyendo el huevo por el óleo y así podría conseguir el efecto deseado de darles a las prendas, además del color, el tipo de material con el que la ropa estaba confeccionada. Hoy el tipo de ropa que llevamos todos (o algunos) como el astrahan o las chaquetas de cuero están rebajadas para quitarles. Por ello el bulto se nota en este cuadro delante del vientre de Giovanna Cenami. En esta época es cuando la lana y las pieles estaban en plena expansión de venta y al ser burgueses (el matrimonio Arnolfini) pretendían mostrar su riqueza por la ropa que llevaban. (El visón de Giovanni Arnolfini y el vestido de piel de ella) Por lo tanto esto también les servía de propaganda de la moda y el tipo de trajes que se llevaba.

Este retrato pertenece a Pablo Ruiz Picasso fue un pintor y escultor español, y creador del movimiento cubista. El retrato es titulado Madres e hijos con flores, fue elaborado en 1901 en Oleo sobre cartón. Sus dimensiones son 54 x 65 cm. Está en una colección particular en Francia ( París ). Picasso fue considerado uno de los mayores artistas del siglo. Pintó más de dos mil obras actualmente presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el grabado, la ilustración de libros, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales. Este retrato pertenece al siglo XIX al Postimpresionismo.

Cuadro de Miriam González

Este término engloba en realidad diversos estilos personales planteándolos como una extensión del impresionismo y a la vez como un rechazo a las limitaciones de éste. Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura.Este cuadro ha sido elegido para nuestra exposición porque vimos en el un claro ejemplo del tema que estábamos tratando ya que se plasmaba la maternidad.En el retrato podemos observar que la señora con el bebe esta rodeada de flores con colores vivos, unas de las técnicas que utilizaban con el postimpresionismo. También vemos que el bebe es exageradamente grande con unas proporciones que no corresponden con la realidad. El rostro de la madre no es definido, importante característica ya que Pablo Picasso dedicó muchas obras a madres con sus hijos. No veo ternura ni crueldad lo imprevisible de este artista hace que sea un retrato muy particular.

He elegido este cuadro porque este artista me transmite distintas formas de ver lo que me rodea, tanto por medio de una madre con su hijo como con caballos; colección preciosa que tiene ahora en Málaga. No conocía particular esta obra, pero en mi viaje a New York en el museo del Moma vi obras de este artista y parece que se me han abierto los ojos hacia el arte.

Valoración personal

Esta obra de Claude Oscar Monet pertenece al Impresionismo (s. XIX), concretamente es de 1875 y se titula Madame Monet and Child. Se trata de un óleo sobre lienzo que se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Boston (Massachusetts, USA).Esta obra de arte la hemos escogido para diferenciar el icono de la mujer como madre y esposa en el siglo XIX y el la actualidad. En el podemos observar como la mujer realiza tareas de “ama de casa” o por su aspecto podríamos decir que se trata de “señorita” realizando labores de costura y cuidando a su hijo , algo muy diferente de cómo algunos/as conciben la maternidad o simplemente el ser mujer.

Este cuadro es del pintor Fernando Botero. Se llama Familia Colombiana (1999y pertenece al siglo XX, vanguardias históricas/pinturas Naif. Se trata de un óleo sobre tela de 195 x 168 cm de la colección del artista.

Esta escultura es obra del escultor danés Jens Galschiot. Esta obra titulada En el nombre de Dios representa una adolescente embarazada crucificada y fue colocada justo en frente de la Catedral de Copenhague.Su objetivo no es otro que llamar la atención sobre los "fundamentalistas bíblicos que promulgan que Dios sólo permite la castidad y el sexo sin protección".