Lápices de coloresLos métodos de pintura en seco, como con lápices de colores, permiten a un artista poder crear dibujos muy realistas. Por supuesto, esto requiere práctica considerable y un buen ojo para el detalle. Todos los artistas utilizan algunos principios básicos que se sabe que funcionan. La proporción, la composición y la profundidad son todos los elementos principales de cualquier dibujo o pintura. Un sombreado con color es tan importante y proporciona un ingrediente de suma importancia necesaria para crear un verdadero realismo en un dibujo. Los lápices de colores pueden llevar un dibujo a lápiz de grafito a un nivel completamente nuevo. Los crayones son lápices de colores, que no deben confundirse con las barras gruesas de cera de colores.

Son colores que se encuentran en el mercado en forma de lápiz de madera o plástico, además de minas para portaminas. Existen diferentes grados de dureza, que dependen de la marca que se elija. En ocasiones, la dureza del pigmento no es intencional por parte del fabricante, así que si se sabe aprovechar este detalle, se incrementan las opciones para aplicarse en una composición. Dependiendo del grado de dureza del lápiz, hay dos opciones para su uso:

Los lápices de consistencia dura se usan para marcar detalles. Al ser duros, la punta se afila con más finura, la punta se mantiene por más tiempo y permite trabajar con más detalles (en los lápices de grafito para dibujo, está la serie “H”).

Los lápices de consistencia suave son muy útiles para sombreado. Este tipo de lápices necesitan ser afilados con frecuencia, ya que al ser demasiado suave el pigmento, la punta se desgasta rápido; son ideales para dar efecto de sombras, incluso para matizarlos con otros colores (en los lápices de grafito para dibujo, está la serie “B”).

HistoriaEl utensilio de escritura se ha adaptado con los años desde sus inicios como rocas minerales hasta palos recubiertos con madera. Aunque el primer antepasado de los lápices como los conocemos ahora debutó en la década de 1400, no fue hasta el siglo XX que los lápices de colores hicieron su propia presentación en sustitución del núcleo de grafito del lápiz regular con una combinación de pigmentos y aglutinantes.

Como están hechosLa combinación de pigmentos y aglutinantes también incluye generalmente extensores y agua. Esta masa de ingredientes es forzada a través de una prensa de extrusión de tubos pequeños, creando la forma de la mina de un lápiz que después se seca en un horno. El exterior del lápiz de color se compone de dos listones ranurados, que se pegan para ajustarse alrededor del centro de color. El exterior de madera del lápiz está pintado de acuerdo con el color de su núcleo.

Usos y estilosLos lápices de colores en general, vienen en dos estilos redondos o hexagonales. Muchas marcas ofrecen lápices de colores comprados individualmente o en grupos de paquetes desde ocho hasta 120 lápices. La calidad y el precio a menudo dependen del propósito, desde proyectos escolares hasta bosquejos artísticos

TécnicaDe forma general, el proceso de aplicación del lápiz de color es el siguiente:

Se aplica el color más claro con mucha suavidad en círculos pequeños, sin hacer presión sobre el papel, incluso en las zonas que serán oscuras. Un consejo es “achatar” la punta del color antes de empezar a iluminar, así no dejará líneas muy finas ni marcadas y el trazo será de forma más uniforme en el área que se trabaje.

No se debe saturar el color desde el inicio, se debe recordar que no es fácil borrar y se dificulta corregir errores.

La aplicación suave del color se repite “capa por capa” hasta alcanzar los tonos deseados, incluso los tonos más oscuros e intensos.

Para obtener buenos resultados es muy importante la paciencia, ya que en ocasiones se necesitan más de diez capas para llegar al tono adecuado para el proyecto.

Es muy útil para los proyectos cuando se experimenta al superponer capas de colores diferentes: al ser capa por capa, los matices se van dando muy sutiles y resultan muy agradables a la vista, sobre todo al dar volumen, así que no hay porque tener temor al experimentar matizando con colores muy contrastantes para crear aplicaciones propias al proyecto, enriqueciendo los resultados.

Un consejo muy práctico para unificar el color del papel y eliminar los fondos sin color que se mencionaron anteriormente, es recurrir a “fondear” el papel con colores a la acuarela. Se recomienda hacerlo en papeles que tienen fibras de algodón, para comprobar que el papel reciba sin problemas la humedad de la acuarela. Se aplica una capa muy ligera de color de acuarela, un color lo más parecido al color de madera a utilizar. La acuarela unifica el tono del papel, y el efecto que dará elimina el color blanco del papel. Otro consejo es tener un lápiz de color bien afilado e iluminar todas las rugosidades que pueda tener el papel llegando hasta el fondo del mismo. Se debe recordar que la decisión del diseñador y su habilidad para trabajar la técnica, hace variar los resultados.

Ventajas Los lápices de color son apropiados para el dibujo, el sombreado, y el ashurado (rayado).

Es posible emplear la misma secuencia de ejecución que con el lápiz de grafito. Algunas marcas de colores de madera ofrecen proporcionar un efecto de acuarela si se mezclan

con agua. Al contrario del lápiz de grafito, los lápices de madera son colores que no se borran con

facilidad. Mientras más “áspero” sea el papel que se elija, el resultado al aplicar la técnica será más

“tosco”: se podrán observar en el fondo de la hoja espacios muy pequeños a los cuales no llega por completo el color y, en general, esto le restará nitidez al dibujo final, aunque como efecto, puede resultar favorable.

HiperrealismoConocido también como realismo fotográfico o realismo radical, el hiperrealismo es la escuela pictórica de tendencia realista más absoluta de la historia. Pretende ofrecer una versión minuciosa y detallada de las imágenes.

Surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. A veces se confunde con el fotorrealismo que es menos radical.

El término hiperrealismo es también aplicable a la escultura y la historieta.

El arte pop sigue siendo el precursor inmediato del hiperrealismo, pues toma la iconografía de lo cotidiano, se mantiene fiel a la distancia de su enfoque y produce las mismas imágenes neutras y estáticas

HistoriaEn la década de los 1920, los pintores del precisionismo ya trabajaron con la ayuda de fotografías fielmente reproducidas (como en el caso de Charles Sheeler, pintor y fotógrafo a la vez).

En esa época la abstracción era la tendencia dominante y el realismo estaba mal visto; se consideraba un arte que copiaba de fotografías o de la realidad y sin ningún interés. Sin embargo, artistas como Chuck Close, Jhon Anibal Herrera Cueva o Richard Estes, desarrollaron técnicas totalmente nuevas de representación de la realidad, consiguiendo resultados a veces asombrosos.

Chuck Close utiliza la fotografía como medio para hacer sus retratos, que se apartan totalmente del retrato tradicional y se acercan más hacia el cartelístico y sugestivo principio cinematográfico del primer plano en superpantalla.

En este tipo de pinturas no hay huellas de pinceladas y el artista parece estar ausente; los cuadros se cubren con una fina capa de pintura, aplicada con pistola y pincel, siendo raspada si es necesario, con una cuchilla para que no quede ningún relieve, ninguna materia

Uno de sus máximos exponentes fue Richard Estes, conocido por sus cuadros de escaparates y escenas urbanas, utiliza varias diapositivas del mismo objeto, de modo que en sus cuadros se ve no sólo el escaparate sino también lo que hay dentro de la tienda y lo que se refleja en el cristal. Sus lugares públicos están desiertos, en un modo de abstraer la funcionalidad de lo representado que es típica del fotorrealismo.

Otros como, Don Eddy pinta coches y David Parrish motos. El francés Jean Olivier Hucleux pinta cementerios de personas y cementerios de coches, en un realismo que es una repetición de la realidad. Ed Ruscha, a caballo entre el arte pop y el fotorrealismo, pinta gasolineras, cuadros de palabras y hace libros de fotografías.

En el mercado del arte actual, las figuras más consolidadas por su trayectoria son, sin duda, el chileno Claudio Bravo, quien mediante sus bodegones, dibujos y, especialmente, su serie de pinturas de telas,

paquetes y papeles, ha logrado reinventar el hiperrealismo, dándole una condición casi metafísica; como también el pintor argentino - internacionalmente reconocido - Enrique Sobisch, radicado y fallecido en Madrid, cuyas obras, de gran perfección artística, compiten con la instantánea fotografía.

DefiniciónEl termino fotorealismo fue acuñada por Louis K. Meisel en 1969 y apareció impresa por primera vez en 1970 en un catálogo del Museo Whitney para el exposición titulada "Veintidós realistas". También a veces etiquetados como Super -realismo, el Nuevo Realismo, Realismo Focus Sharp, o hiperrealismo.

Louis K. Meisel, dos años más tarde, desarrolló una definición de cinco puntos a solicitud de Stuart M. Speiser, que había encargado una gran colección de obras de los Fotorealistas, que más tarde se convirtieron en un espectáculo itinerante conocido como 'Foto Realismo-1973:. The Stuart M. Speiser Collection ', que fue donada al Smithsonian en 1978 y se muestra en varios de sus museos, así como la podemos ver a travez de internet.

La definición del autor es la siguiente:

1. utiliza la cámara y la fotografía para obtener información.

2. utiliza un medio mecánico o semi-mecánico para transferir la información a la lona.

3. Debe tener la capacidad técnica para hacer que la obra terminada parezca fotográfica.

El conocido Art Dealer belga Isy Brachot acuñó el nombre de Hyperréalisme palabra francesa que significa Hiperrealismo, nombre que llevara el título de una gran exposición y el catálogo en su galería en Bruselas en 1973. A partir de ese instante la palabra Hiperrealismo ha sido utilizada por los artistas europeos y comerciantes los cuales tuviesen gran influencia de los fotorealistas.

EstilosLa pintura hiperrealista no puede existir sin la fotografía. El movimiento debe ser congelado en el tiempo y deberá ser exactamente representado por el artista. Los artistas recogen sus imágenes e información con la cámara y la fotografía. Una vez que la fotografía está desarrollada el artista sistemáticamente transfiere la imagen de la diapositiva fotográfica en el lienzo. Normalmente esto se hace ya sea mediante la proyección de la diapositiva sobre el lienzo o utilizando las técnicas tradicionales de la cuadrícula. Las imágenes resultantes son a menudo copias directas de la fotografía original, pero suelen ser más grande que el original de la fotografía o diapositiva. Esto se traduce en que el este estilo debe ser extremadamente ajustado y preciso, a menudo con un énfasis en las imágenes que requiere un alto nivel de destreza técnica y virtuosismo para simular los reflejos en superficies brillantes y el rigor geométrico de los ambientes externos como las calles de una ciudad, el trabajo debe ser arduo y preciso.

El Hiperrealismo requiere un alto nivel de destreza técnica y virtuosismo para simular una falsa realidad. El Hiperrealismo como tal, incorpora y aprovecha a menudo las limitaciones fotográficas, como la profundidad de campo, la perspectiva y el rango de enfoque. Exagerando estos elementos la obra gana un carácter más real, se crea la ilusión de realidad, Las anomalías encontradas en las

imágenes digitales, como fractalización, también son explotados para enfatizar sus orígenes digitales por algunos pintores hiperrealistas, como Chuck Close, Peterson Denis, Bert Monroy y Robert Bechtle.

Temas Los temas del hiperrealismo van desde los retratos, el arte figurativo, bodegones, paisajes, paisajes urbanos y escenas narrativas. El estilo hiperrealista más reciente es mucho más literal que el Fotorealismo en el detalle exacto pictórico, con énfasis en los temas sociales, culturales o políticos. Esto también está en marcado contraste con el fotorealismo más nuevo concurrente con su evitación continua de anomalías fotográficas. Pintores hiperrealistas a la vez simulan y mejoran las imágenes fotográficas, correcciones precisas para producir ilusiones visuales ópticamente convincentes de la realidad, a menudo en un contexto social o cultural.

Otras técnicas pictóricas

EsculturaLa escultura, que no puede controlar de esta manera nuestra propia forma de mirar, es naturalmente forzada a buscar otros medios para logra este efecto. Davies, por ejemplo, por medio de su uso de "artefactos" de varios tipos, parece intentar externalizar la reserva sicológica internar de los personajes que describe. Duane Hanson usa trucos que derivan del teatro. Sus figuras, como ciertos actores, tienen expresiones y poses que señalan con precisión la esencia del carácter. Un movimiento fluido a sido detenido en su punto de más expresivo. Incluso Jhon de Andrea, a primera vista el más suave y menos comprometido de los escultores hiperrealistas, tiene formas de obtener una reacción particularmente planeada hacia lo que nos pone por delante. Podemos entender mejor el carácter de un desnudo de De Andrea comparándolo con un desnudo similar de Reg Butler. Hay un cierto número de reminiscencias. Butler, a pesar de que la figura está hecha de bronce, la pinta de color carne y le pone cabello "verdadero "y ojos verdaderos. Somos agudamente conscientes, por lo menos, de que esto es una visión personal de la sexualidad femenina, expresada por medio de ajustes deliberados de lo que se ve objetivamente. De Andrea, por otro lado, aun cuando aparentemente conforme con la reproducción literal, a elegido y hecho posar a una modelo para proyectar su personalidad, e incluso su clase social. La muchacha tiene la confianza de alguien que nunca a pasado hambre. Cuando más mira uno el arte hiperrealista, más se impresiona por el elemento de comentario social que emerge de su aparente neutralidad.

Este es un arte que, en un sentido, parece apelar a respuestas enteramente triviales a la sensación placentera de ver algo imitado exactamente, sin importar lo que es esa cosa; pero que a un nivel más profundo habla a su público porque expresa, sin retórica, la nulidad y desesperación que se encuentra en grandes áreas de la sociedad urbana. A pesar de que vemos esto especialmente claro en la escultura de Duane Hanson, quien tan a menudo parece concentrarse en la fealdad de sus conciudadanos norteamericanos, lo podemos detectar, también, en las aparentemente frescas e inocentes colaboradores de De Andrea, cuya despreocupación infantil y complacencia están notablemente retratadas, a pesar de la belleza física que describe el escultor. En más de un sentido, el hiperrealismo es el arte representativo de las democracias occidentales en la última parte del siglo XX.

Esculturas realistas como las de Ron Mueck son en escala mucho más grandes que la vida y terminado en detalle increíblemente convincente a través del uso meticuloso de resinas de poliéster y moldes múltiples.

Arte DigitalLas imágenes en el arte digital pueden ser generadas directamente por ordenador (como las imágenes de arte fractal y el arte algorítmico) o bien tomadas de otras fuentes, como una fotografía escaneada o una imagen dibujada con un software de gráficos vectoriales usando un ratón o tableta gráfica.8 Aunque técnicamente el término arte digital puede ser aplicado al arte hecho mediante el uso de otros medios o procesos y posteriormente escaneado, suele reservarse para el arte que no ha sido simplemente modificado por un proceso de computación (como un programa de ordenador, microcontrolador o cualquier sistema electrónico capaz de interpretar una imagen digitalizada); los datos de texto, las grabaciones originales de audio y video digitalizados no suelen considerarse arte digital en sí mismos, aunque pueden ser parte de un proyecto más grande de arte digital.9 Se habla de pintura digital cuando la obra se crea imitando las formas, técnicas y estilos de la pintura tradicional, pero utilizando el software de una plataforma informática.10 La imagen obtenida puede ser vista desde la pantalla de cualquier ordenador, o bien impresa en distintos soportes, como papeles o lienzo.

La creación artística por medios informáticos desencadena toda una serie de nuevas cuestiones, entre ellos la relación del cuerpo (específicamente los sentidos) del artista, y su medio de creación. Ejemplo de lo anterior es la consideración del papel jugado por el sentido del tacto, durante el proceso de creación artística digital. Aquellas expresiones plásticas en las que se sustituyen el tradicional lienzo por el monitor, y los pinceles por el ratón implican una relación distinta entre artista, medios, técnica y obra.

El arte digital es una disciplina de las artes plásticas que comprende obras en las que se usan elementos digitales, tanto en el proceso de producción como en su exhibición. Los soportes de este tipo de estilo son digitales, por ejemplo, el ordenador, que efectúa cálculos para crear por ejemplo una imagen o un sonido combinando los parámetros programados con un componente de aleatoriedad. Las técnicas utilizadas para el arte digital son muy diversas, una de ellas es el modelado 3D.

Imágenes digitales como las de Bert Monroy parecen ser pinturas reales tomadas de fotografías, sin embargo, están completamente creadas en los ordenadores.

http://es.wikipedia.org/wiki/Hiperrealismo

http://www.ehowenespanol.com/sombrear-lapices-colores-como_220209/

http://www.aliatuniversidades.com.mx/bibliotecasdigitales/pdf/disenio_y_edicion_digital/Expresion_grafica/Expresion_grafica-Parte2.pdf

http://theartfuladdiction.blogspot.com/p/artwork-in-pencil.html

http://www.justart-e.com/pinturas.html

http://ppdroppo.blogspot.es/1259679000/hiperrealismo/

Anexos