Hacer un cortometraje
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Universidad Nacional de La Plata Colegio Nacional Rafael Hernández
Seminario VIII: Cine y Sociedad: lenguaje e historias
Hacer un cortometraje
Ver las imágenes en nuestra mente, imaginar los diálogos en nuestros personajes, discutir los
escenarios con nuestros compañeros de equipo, probar las luces, dibujar los planos, ensayar
las escenas, editar las secuencias en la computadora, y una inmensa cantidad de cosas más
suceden a la hora de realizar un cortometraje. Sin embargo, todo esto es posible hacerlo en
unos pocos días, o en unas pocas horas. En esta guía pensaremos algunos de esos pasos que
nos ayudarán a organizar este trabajo de realización.
1. Tengo la Idea
Antes que todo, algo ocurre en mi imaginación. Algo allí pide ser contado. También puede ser
que algo ocurra en nuestra realidad circundante, y que también nosotros sintamos que pide
ser contado. Tomamos esta idea, y decidimos hacer una película.
En nuestro caso, esta idea partirá de algunos de los videominutos del trabajo práctico Toma
Lumiere.
2. El Guión
Ahora decidimos con quienes vamos a trabajar: armamos nuestro equipo.
El siguiente paso, y el primero para dar forma de película a nuestra idea, será delinear el
relato, y armar el guión. Para esto, debemos tener en cuenta algunos elementos formales y
narrativos.
A continuación, algunas explicaciones al respecto:
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Relato, desarrollo de la idea narrativa
Debemos elegir qué vamos a contar, pues mas allá de nuestras ideas, de todo lo que nos
imaginemos, jamás podremos incluir todo eso dentro de nuestro guión y proponerlo dentro
de una sola mirada, una sola narración.
Aquí debemos comprender la diferencia entre Historia y Relato: historia es la totalidad, relato
es el recorte de nuestra narración.
Ej.: En El señor de los anillos, la historia es toda la Historia de la Tierra Media, y el relato es lo
que se cuenta en la película (la travesía de Frodo y la Comunidad del Anillo).
Desarrollo de los principales elementos del Guión
Este texto puede en algunos casos resultar un lenguaje muy específico, por eso los invitamos a
que lo lean y en caso de no comprender, nos consulten cuando quieran.
a) El Conflicto dramático
El conflicto es la esencia del drama. Debemos recordar al protagonista, cómo este lleva
consigo un conflicto interno que es necesario que sea activado por una fuerza o suceso
externo que permita el desarrollo del conflicto dramático, y el inicio de la historia.
Al comenzar una historia, nuestro protagonista se encuentra en un estado de reposo. Todo
parece estar bien para él, o bien se encuentra en una situación a la que está acostumbrado.
Pero algo sucede. Ese algo genera que nuestro protagonista tome determinadas decisiones
que lo conducirán a enfrentarse con su antagonista, y a tomar todas las decisiones que lo
lleven a finalmente resolver esa situación.
El conflicto dramático se expresa en términos de “enfrentamiento”. Tenemos a nuestro
protagonista y a quien se le opone, el antagonista. Ambos quieren lo mismo, o bien el
antagonista quiere que el protagonista no obtenga lo que desea.
A esto lo llamaremos unidad de opuestos.
Personaje A quiere X VS. Personaje B quiere X = CONFLICTO DRAMÁTICO
Ejemplo: dos personas llegan a un puesto de flores a comprar un ramo, pero solo queda uno.
Por diferentes motivos, ambos personajes quieren ESE ramo y no otro, porque si no, uno de
ellos puede decir “Bueno, voy a otro lado” y no habría conflicto. El conflicto surge de la
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necesidad de ESE objeto en particular. Ambos van a hacer lo posible por conseguir ese ramo
de flores. Esa necesidad tiene que estar dramáticamente justificada.
Ese conflicto está relacionado con la necesidad dramática del protagonista. El antagonista se
opone a esa necesidad.
Es importante que protagonista y antagonista se encuentren en equilibrio de fuerzas. Es el
antagonista y su “poder” lo que va a definir la fuerza del conflicto. Si tengo un antagonista
débil, el conflicto no va a ser lo suficientemente interesante como para atrapar al espectador,
y la historia será aburrida. (Ej.: si mi protagonista es Superman, su opositor debe tener
kriptonita).
Es relativamente fácil definir al protagonista de una historia. Es el que la lleva adelante, al que
seguimos. No es tan sencillo definir al antagonista. Los tres ejemplos más básicos de
antagonistas son:
1. Antagonista humano: uno o muchos personajes que se oponen a los intereses del
protagonista.
2. Antagonista no humano: fenómenos naturales o fuerzas cósmicas.
3. Protagonista – antagonista: pueden ser la misma persona. Sucede mucho en las películas
con trama psicológica. (doble personalidad, esquizofrenia, etc.)
Es usual que una historia tenga dos o los tres tipos. Lo que debemos pensar a la hora de
definir cuál es realmente el antagonista, es qué fue lo que inició el conflicto, cual es la fuerza
sin la cual nada de lo que sucede hubiera sucedido.
b) Conflicto dramático VS. Situación conflictiva.
Puede ocurrir que tengamos una situación de conflicto, pero no un conflicto dramático en sí.
Ejemplo: un hombre es ladrón de bancos, y obliga a su esposa a guardar sus botines, a riesgo
de que la descubran y la inculpen. Tenemos ahí una situación conflictiva. La misma se tornará
conflicto si la esposa decide no seguir guardando el botín de su marido y entregarlo a la
policía, por ejemplo. Hasta que una fuerza no se oponga a los deseos del protagonista, no
tendremos el Punto de ataque que dará inicio a nuestra historia.
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Punto de ataque: es el primer obstáculo que encuentra nuestro protagonista, el momento en
que se ve obligado a salir de su estado de reposo y comenzar a accionar.
Ejemplos:
Al finalizar la clase intentamos salir del aula, pero la puerta está cerrada. Debemos resolver
cómo salir, hay un grupo que quiere romper la puerta y otro que prefiere esperar que vengan a
buscarnos, y algunos que intentan abrir la puerta sin romperla. Ahí vemos como, además del
conflicto principal (la puerta no abre), tendremos pequeños conflictos entre los integrantes de
los grupos, y peleas por lograr la mayoría en uno y tomar la decisión.
Toda historia se maneja con puntos de giro. El punto de ataque es el primero de ellos. Los
puntos de giro son los que hacen que el conflicto aumente, aumentando el riesgo, o se dirija en
una dirección impensada. En un largometraje tenemos varios puntos de giro. Sirven para
mantener el interés del espectador. En los cortos, tenemos a lo sumo un punto de giro antes
del punto de giro final. Al punto de giro final lo llamaremos climax.
Es el momento de enfrentamiento más alto, en el cual ambas fuerzas están frente a frente y el
conflicto se resuelve.
Ya tenemos los elementos que nos permiten armar la estructura dramática, que es el
esqueleto del guión. Hasta el punto de ataque tendremos la INTRODUCCIÓN, que nos permite
establecer la situación del protagonista antes de que comience la historia y preparar la
aparición del conflicto.
El punto de ataque es el ingreso al DESARROLLO, probablemente la parte más difícil de un
guión, ya que es donde tendremos que sostener el conflicto el tiempo que dure la historia.
Durante este tendremos uno o más puntos de giro, hasta el clímax.
El climax y la resolución del conflicto nos conducen al DESENLACE. Las películas pueden
tener un desenlace muy breve, ya no es necesario contar nada, y solo nos resta a palabra “fin”.
También puede ocurrir que tengamos un epílogo, una o dos escenas más que nos cuenten cual
fue el destino de nuestros personajes más allá de la resolución del conflicto.
Además, es el final el lugar en donde, como autores, podemos terminar de dejar en claro
nuestro punto de vista, agudizando las ideas que se fueron trabajando a lo largo de toda la
película: Si nuestra historia trata sobre un hombre que roba a los ricos para dar a los pobres, en
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el final ¿Se llevara una parte de lo tomado y se hará a la buena vida? ¿O se ira al lado de los
necesitados como hasta ese momento?
Puede ser un momento de reflexión propuesto por el autor.
c) Dosificar la información
Una película avanza cuando hay conflicto. Los personajes puestos en conflicto son los que
hacen avanzar la trama en su oposición de intereses. Pero ese conflicto no resuelve de un
momento para otro, sino que atraviesa diferentes etapas, circunstancias y estadíos: la película.
Entonces, es necesario que el conflicto avance pero se sostenga, para que el espectador sienta
que hay una parte de información que ya tiene, pero que hay otra que necesita saber. Para
sostener la trama de una película, y la atención del espectador en consecuencia, es importante
que en el trabajo de armado de la estructura del guión se trabaje fuertemente la dosificación
de la información. Para trabajar esta cuestión es importante hacer el ejercicio de
preguntarnos en qué momento decir qué cosa y con qué sentido. Dosificar la información sirve
para construir lo que se denomina la progresión dramática del conflicto, que es como decir la
manera en que avanza nuestra película.
Como espectadores, muchas veces vemos películas y tenemos la sensación de que “no avanza”.
Esta sensación se resuelve con la introducción de un nuevo elemento, un nuevo dato, una
nueva acción. Esto es lo que debemos organizar en el armado del guión, la forma en que
vamos a dar la información, para que nuestra película no sea lenta, o aburrida. Y para no
poner todo lo importante al principio, o al final.
La película tiene que ser interesante desde el principio hasta el final, y para eso, es importante
dosificar la información. Es la principal herramienta que tenemos para lograr relatos
audiovisuales atractivos.
Preguntas importantes
¿Cuál es la motivación que nos llevó a hacer esta película?
¿Cuál es la temática de nuestra película?
¿Qué nos motivó a elegir esa temática?
¿Quién es el/los protagonista/s de nuestra película?
¿Cuál es el conflicto que llevará adelante la historia?
¿En que período temporal se desarrollará?
¿Qué objetivo perseguimos al contar esta historia?
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¿Hacia quienes está dirigida nuestra película?
¿Cómo organiza la información que quiero contar?
Con todos estos elementos podemos poner ya nuestro relato en papel: allí nacerá el guión.
El guión, tiene algunas particularidades:
- debe escribirse siempre en tercera persona presente,
- habrá que tratar de escribir acciones, y no metáforas, simbolismos, ya que estos no son
fácilmente puestos en imágenes; o es al menos mejor definirlos a la hora de filmar y no en el
guión (ej.: poner "juan se despierta. Sus pelos están graciosamente parados, y las ojeras le llegan
hasta las mejillas. No para de bostezar, y lo hace con algún grito de vez en cuando", y no "juan al
despertarse parece un zoológico"),
- Hay que detallar la edad y apariencia de los personajes,
- los diálogos van centrados,
- etcétera.
Veamos un fragmento de un guión, para comprender su forma y tipo de escritura:
Esc. 1. Int. Comedor. Tarde.
ÚRSULA (65, de aspecto amable y con un delantal blanco inmaculado) limpia con un pequeño
trapo debajo de una rinconera. Está tirada en el piso, y su mano se estira hasta llegar al zócalo.
Off: ruido de un motor de auto.
Úrsula se asoma por una ventana de vidrios repartidos, ve un auto estacionarse en el largo camino
que conduce a las rejas de entrada y a un hombre que desciende de él. Mira unos instantes
extrañada. Esboza una amplia sonrisa y sale apresurada del comedor.
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Esc. 2. Ext. Casa. Tarde.
FACUNDO (35) camina por el sendero de tierra hacia Úrsula, que lo espera parada en la puerta de
la enorme casa de estilo colonial.
Cuando se acerca a Ursula, Facundo la abraza calurosamente. Luego de un momento de duda,
Úrsula responde al abrazo.
ÚRSULA
(sonrojada)
Señor Facundo, ¡qué sorpresa!
FACUNDO
Úrsula, no me digas “señor”… (mirando a Ursula con afecto)
¿Cómo estás?
ÚRSULA
Bien, contenta de verlo… pero vamos adentro.
Ambos se dirigen hacia el interior de la casa. La puerta se cierra detrás de ellos.
Para comenzar a escribir el guión, hay un ejercicio previo muy interesante y a la vez efectivo
para ver rápidamente todo nuestro relato sobre una hoja, sin la necesidad de esperar a tener
escrita toda la obra: la escaleta.
La Escaleta es una especie de guión en donde solo escribimos la escenas asignándoles un título
que define su acción, y un número. De esa manera tendremos en pocas líneas nuestra historia
y, antes de pasar a desarrollar el guión, podremos ver si está funcionando.
Veamos un ejemplo respecto del fragmento anterior de guión:
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Escena 1. Interior. Comedor. Tarde: Ursula está sola limpiando. Suena una bocina. Ella se asoma a
ver, y al descubrir quién es, se alegra.
Escena 2. Exterior. Casa. Tarde: Ursula y Facundo se saludan y dan un abrazo. Ambos ingresan a la
casa.
Con todo lo descripto anteriormente, estamos listos para comenzar a preparar la filmación de
la película.
Si bien esto, así como el resto de la guía, está pensado para trabajos de ficción, bien puede ser
usado para documentales, animaciones, y demás formatos.
Pensemos que todos estos elementos están planteados en términos teóricos, y que nos sirven
justamente para ordenar la información. Luego, en la isla de edición, esos elementos pueden
cambiar y verse afectados por cada proceso creativo particular.
3. La Puesta en Escena. Los Actores
Tenemos los actores. Ahora nos pondremos con ellos a ensayar las escenas.
Para esto, lo mejor es juntarse en cualquier casa, disponer de cualquier espacio en donde haya
cierta tranquilidad, y realizar cada escena con guión en mano.
Allí, al ver a los actores en acción, veremos si nuestros diálogos y acciones están bien, o si
debemos corregir algunas líneas.
Nunca es lo mismo el lenguaje escrito que el corporal, con lo cual es factible que debamos
cambiar algunas cosas.
La Puesta en escena es la disposición de los personajes en el espacio.
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4. Los Escenarios y La Puesta de Cámara
Una vez definida y trabajada la puesta en escena, ya podremos imaginar en que lugares
pondremos la cámara para ver las acciones realizadas por los personajes. Para hacer esto con
mayor precisión, debemos buscar y elegir las locaciones, es decir los lugares donde
filmaremos finalmente nuestra película. Elegidos esto lugares, sabremos, por ejemplo, que
espacio tenemos para ubicar la cámara, y, de esta manera, si es posible esa imagen que
habíamos pensado mientras trabajábamos en la puesta en escena.
Para terminar con la Puesta de Cámara, armaremos el Storyboard: un especie de guión, pero
con dibujos o fotos.
Aquí, dibujaremos o fotografiaremos plano por plano nuestra película, y lo ordenaremos todo
en algunas hojas, y de esa manera podremos ver todo de un vistazo, y trabajar con más
seguridad respecto de lo que imaginamos.
5. La Luz, los Colores, el Vestuario, el Maquillaje
Todos estos elementos debemos definirlos antes de filmar:
- como se va a ver nuestro film: oscuro, claro, contrastado, muy luminoso, con muchas
sombras, etc.
- ¿será verde el tono de la película? ¿O todo naranja? En relación a eso, definiremos la gama de
colores de nuestros escenarios, objetos, personajes, etc.
- ¿Cómo vestiremos y maquillaremos a los personajes para que estén estéticamente
relacionados con nuestro relato?
Es importante decir aquí que estos elementos definen la estética de nuestro film, y que es ella
muy importante, ya que cuenta sin palabras, y mediante la percepción de quién mira, el
mensaje o sensación que intentamos construir con la película.
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6. El Rodaje
Nos dividimos tareas, ponemos horarios, conseguimos los equipos, compramos algo de
comida y... ¡A filmar!
Es importante decir que la división previa de roles puede ayudar a organizar el trabajo, mas
allá de que todos sean los que decidan las cosas realmente importantes: un director de
filmación, un productor, un iluminador, un camarógrafo, un productor. Y este último rol es
realmente importante, ya que es el que deberá seguir de cerca las cuestiones que harán
posible la filmación del film: conseguir escenarios, asegurar los equipos de filmación, la
comida, etc.
También podemos armar un plan de rodaje. El plan de rodaje busca optimizar cada jornada de
trabajo con la cámara. Se trata de una planificación de lo que va a registrarse cada día. Para
esto es necesario que exista un equipo de producción que organice y paute cada jornada de
grabación coordinando previamente horarios, resolviendo dónde se hará la grabación.. Una
buena producción garantiza que la jornada de grabación se desarrolle con fluidez.
A continuación, una serie de conceptos y ejemplos sobre la producción y filmación de un
película.
GENERACIÓN DE IMÁGENES Y CÓDIGO AUDIOVISUAL
En el lenguaje audiovisual la imagen sirve para contar. Junto con el sonido, las imágenes son el
elemento principal con el que podemos mostrar la vida de un personaje, presentar un
acontecimiento, o narrar una historia. Por esto, en las producciones audiovisuales, el valor
que tienen las imágenes es semejante al de las palabras en la literatura o la prensa.
Cuando decidimos contar una historia, siempre hacemos una selección de los puntos que nos
parecen más importantes. Esta selección implica recortar la información, hacer un encuadre
en el que priorizamos unos datos sobre otros. Las imágenes son portadoras de esa
información.
Esa información que presentamos a través de imágenes puede tener distintos sentidos,
objetivos, o buscar efectos diferenciados. Por esto, decimos que las imágenes cumplen dentro
del relato audiovisual distintas funciones. Cada una de las funciones de estas imágenes está
determinada por el código audiovisual.
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Por código audiovisual entendemos aquellas reglas formales a partir de las cuales se organiza
el relato audiovisual.
El conocimiento del código audiovisual adquiere una importancia fundamental en las distintas
etapas de la realización de un proyecto: preproducción, rodaje y postproducción.
LOS PLANOS Y EL ENCUADRE
El tamaño de plano
La obra audiovisual tiene su unidad mínima expresiva en el plano. Cualquier narración y/o
exposición audiovisual se basa en la sucesión y concatenación de planos. Cada tipo de plano se
diferencia de los demás por aquello que encuadra. Cada tipo de encuadre determina el centro
de atención y posee unas determinadas capacidades para la sugerencia emocional.
¿Qué es un plano? Es un recorte del espacio que registramos durante un tiempo determinado.
El tamaño de plano es la cantidad de información que decidimos mostrar de ese espacio. Los
diferentes tipos de planos que se emplean en el relato audiovisual dependen de la distancia
existente entre la cámara y el sujeto fotografiado.
En una primera clasificación, encontramos cuatro tamaños de plano que cumplen con una
función diferente: planos generales (PG), planos medios (PM), primeros planos (PP) y plano
detalle (PD).
Los planos generales son más bien descriptivos. Sirven para mostrar un paisaje, un ambiente,
o para ubicar un personaje en su contexto. Son planos que nos muestran la totalidad del
espacio que se quiere registrar. Al presentarnos a los individuos como un elemento más del
escenario pueden servir para expresar valores como la soledad, la impotencia, le
desorientación. Podemos pensar, por ejemplo, en los planos generales que aparecen en Sor
Alice mostrando la campiña francesa. También existen planos generales interiores, como
pueden aquellos planos que muestran el pasillo de una escuela, un aula o una habitación.
Los planos medios son planos de narración. Sirven para llevar adelante el relato, generalmente
son planos que cuentan acciones de personajes o movimientos internos dentro del plano. Un
plano medio encuadra al personaje por encima de las rodillas. Nos lo muestra cercano pero
nos da más pista sobre su persona (como viste) y le resta, en ocasiones, protagonismo.
También permite la inclusión de más elementos en el cuadro (una segunda persona por
ejemplo). Es un plano ideal para mostrar conversaciones.
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Los primeros planos enmarcan el rostro del personaje y parte de los hombros. Son planos que
sirven para mostrar las emociones o estado anímico del personaje y sus reacciones ante lo que
está sucediendo. Su uso nos acerca a la comprensión de la psicología del personaje y nos lo
hace más próximo. Su abuso puede hacer más lento el relato ya que generalmente es un plano
estático.
El plano detalle tiene un uso mucho más expresivo. Es un plano muy cercano en el cual la
cámara nos muestra un objeto, un detalle del mismo o un detalle de una persona o animal.
Sirve para recalcar la presencia de una cosa (generalmente de reducido tamaño) de forma que
no pase desapercibida por el espectador pues su importancia para la trama que se está
contando es capital.
TIPO DE PLANO, DURACIÓN y RITMO
El tipo de plano determina, por lo general, su duración, ya que es necesario dejarle al
espectador tiempo material para percibir el contenido del plano. Un plano general, por
ejemplo, debe durar más tiempo que un plano detalle. Los planos medios duran lo que dura la
acción que intentan contar.
La duración de los distintos planos y la combinación entre unos y otros va construyendo,
junto con otros elementos como la banda sonora, el ritmo de una obra audiovisual. Aunque
esto se define en el momento de la edición, es importante que lo tengamos en cuenta al
momento del registro. En la edición final veremos cual funciona mejor, o si es posible la
alternancia de distintos tamaños de plano para contar un mismo hecho.
A diferencia del encuadre y el tamaño de un plano que deben definirse en el momento del
registro, y en algunos casos anteriormente, la duración de los planos es algo de se delimita en
el momento de la edición, en la etapa de postproducción. Es preferible hacer tomas largas,
aunque nos parezca innecesario en el momento, para luego achicar. Si nos falta de tiempo de
una imagen es muy difícil volver a realizarla, en cambio si nos sobra podemos recortarlo sin
problemas.
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7. EL Sonido
Otro elemento muy importante a tener en cuenta, y no olvidar nunca, es el sonido.
Es un elemento narrativo tan importante como la imagen. Un sonido puede contarnos
aquellos que la imagen no puede, o no quiere, mostrarnos.
Por eso, también hay que tener mucho cuidado a la hora de la filmación, y revisar si el audio se
está grabando como corresponde.
Recordemos, además, que en el momento de la edición podemos grabar nuevas voces, y
también sonidos, y agregarlos sobre lo filmado.
8. El Montaje y la Edición
Este es el momento en que nos sentamos frente a la computadora y cortamos nuestros planos
y los unimos como habíamos pensado en ese guión y en el storyboard. Aquí podremos
también agregar infinitos efectos a la imagen, armar los títulos, poner la música.
En la etapa de montaje es en donde finalmente se define la estructura narrativa y el tiempo de
la película.
Al igual que en el momento de ensayar con los actores, aquí pueden cambiar muchas cosas:
escenas de lugar, escenas que no estarán, personajes que no estarán, etc.
Una vez editado el cortometraje, este está listo para ser mostrado.
¡Éxito a los Realizadores!