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AÑO 8 NÚMERO 55 EDICIÓN DIGITAL ENERO 2014

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El Dookie fue clave para traer de vuelta al punk y rescatarlo de su encasillamiento ideológico. Todo un éxito comercial y musical. Dookie no tiene rastro alguno del compromiso político de The Clash, ni la rebeldía contracultural, autodestructiva y anarquista de los Sex Pistols, pero heredó el espíritu pop de los Ramones, es decir, pura crispación párvula manifestada a través de canciones pegadizas cubiertas con epilépticos power chords. Al instante conectó con millones de jovencitos nihilistas, preocupados más por lo que pasaban en la TV, el despertar sexual, las chicas, los problemas existenciales o perdiendo el tiempo en tonterías.

En menos de cuarenta minutos los Green Day develaron nuestras vivencias o la falta de ellas. No eran los depresivos y furiosos jóvenes grunge (Pearl Jam

en la cima de la cima), ni los tíos nostálgicos involucrados en el revisionismo del fin de siglo (comenzando con el tributo a Bob Dylan, The Beatles con sus Anthology, la revalorización de Neil Young, etc.). Estos chibolos californianos solo querían hacernos pasar un buen rato y cantar junto a nosotros. Te hablaban de la chica que nos hacía sufrir (“Pulling Teeth”), del aburrimiento que ni la masturbación quitaba (“Longview”), la antipatía por los chicos cool (“Chump”), el estancamiento personal (“Burnout”), la rebeldía hacia los padres (“Welcome to Paradise”) o las confusiones mentales (“Basket Case”). Pero no todo era pubertad, las dos canciones más melódicas del álbum muestran cierto atisbo de madurez: “She” y su retrato existencialista en tercera persona, y la súper conocida “When I Come Around” con su

intento de reflexión y profundidad.

Han pasado veinte años desde aquella bomba arrojada por un perrito piloto sobre una caótica ciudad. Mil novecientos noventa y cuatro. Para muchos, épocas roqueras, onanistas, adolescencia, acné, loser, nerd. La música y la imagen en cassetes y VHS. No había dinero para CDs y el vinilo estaba muerto. Y de pronto, el desprecio de los adultos se convierte en tesoro para los pequeños. HENRY A. FLORES

GREEN DAY - DOOKIE (1994)

CUANDO EL PUNK VOLVIÓ A LAS RADIOS

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LOS ÁLBUMES DEL 2013 QUE MÁS NOS GUSTARON

(1)Daft Punk - Random Access Memories (2)Vampire Weekend - Modern Vampires Of The City (3)Arctic Monkeys - AM (4)Paul McCartney - New (5)Neko Case - The Worse Things Get, the Harder I Fight, the Harder I Fight, the More I Love You (6)Manic Street Preacher - Rewind the Film (7)David Bowie - The Next Day (8)Pearl Jam - Lighting Bolt (9)Okkervil River - The Silver Gymnasium (X)James Blake - Overgrown

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LOS VIDEOJUEGOS DEL 2013 QUE MÁS NOS GUSTARON

(1)Super Mario 3D World (Nintendo Wii U) (2)The Last Of Us (PS3) (3)Tom Raider (Xbox 360, PC, PS3) (4)Rayman Legends (Nintendo Wii U, Xbox 360, PS3) (5)Pikmin 3 (Nintendo Wii U) (6)Ni No Kuni (PS3) (7)The Legend Of Zelda: A Link Between Worlds (Nintendo 3DS) (8)Far Cry 3 (Xbox 360, PC, PS3)

(9)Fire Emblem Awakening (Nintendo 3DS) (X)Towerfall (OUYA)

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LO BUENO Lo que más destaca en Tearaway es su apartado artístico, preciosista, detallista, inigualable. El juego nos traslada a un mundo hecho íntegramente de papel de colores y pegamento, un homenaje a la papiroflexia en toda regla. En este peculiar universo tenemos como protagonista a Lota (o a Atoi, si elegimos el sexo femenino), un mensajero cuya misión será alcanzar al sol, que en este caso seremos nosotros, los gamers. ¿Por qué tenemos este curioso objetivo? Se los dejo de tarea. Si un juego sabe explotar todas las características de la PlayStation Vita ese es Tearaway. En este título se utiliza pantalla táctil, el pad posterior, ambas cámaras, el giroscopio, todo. Y nada se siente forzado ni adaptado por adaptar. Todo está pensado para mejorar la experiencia jugable. Si buscamos un género para Tearaway, este sería el de plataformas. Pero eso no quiere decir que sea un título al uso, ya que el diseño de niveles da pie a muchas sorpresas, como combinar el movimiento libre del personaje (con los sticks) con toques específicos del pad posterior. La línea de aprendizaje también está muy bien diseñada, ya que Lota irá ganando características especiales, que van desde el poder saltar hasta caminar por las paredes. Lo mejor de todo es que las habilidades ganadas las podremos utilizar en fases ya pasadas, para completar los secretos que nos falten. Me gustaron también las misiones en las que debemos crear elementos, como coronas, corazones y hasta copos de nieve. Sin duda, esta característica se hereda de saga LittleBigPlanet, aunque con sus consabidas diferencias. Entre los coleccionables, hay de todo, pero destaco los modelos de los distintos elementos que aparecen en Tearaway. Y lo mejor de todo es que podemos imprimirlos, para cortarlos y ensamblarlos y así plasmar en la realidad todo lo que vemos en el juego. La música de Tearaway es bella y muy bien adaptada a lo que ocurre en pantalla. Lo bueno es que esta no

le quita protagonismo a las acciones. Sabe aparecer en momentos puntuales y desaparecer cuando la ocasión lo amerita. Punto a favor. LO MALO Eché de menos un selector de dificultad ya que, admitámoslo, Tearaway no representa un reto significativo. Pensaba que al terminar el juego se desbloquearía un nuevo nivel de dificultad, pero eso no ocurrió. La duración de la

campaña no llega a las siete horas, un tiempo algo corto, pero creo que Tearaway tiene ese ‘no sé qué’ que te deja con ganas de volver a jugarlo. Además, con las habilidades que vas ganando puedes repasar los distintos capítulos hasta desbloquear todos los secretos.

La cámara te puede hacer pasar malos ratos en ciertos momentos, ya que se ubica en lugares desde los que la visibilidad está obstruida o desde los que no

puedes calcular bien un salto, algo que te puede costar una vida. No es algo constante, pero sí ocurre. Creía que Media Molecule incluiría un editor de niveles en Tearaway, al mismo estilo de LittleBigPlanet. Sin embargo, esto no ocurre en el título de PS Vita. Piensen en todo lo que podrían crear y compartir los usuarios. Una lástima esta omisión. LO FEO

Lamento sobremanera que muchos gamers subestimen la calidad de Tearaway por su aspecto o por ser un videojuego de portátil. Leo comentarios como “lo compraré cuando baje de precio”, “esperaré a que lo regalen en la PSN Plus”, etc., y no dejo de sentir cierta desazón. Tearaway vale cada centavo y, pese a su apariencia infantil, lleva al usuario a un mundo único e irrepetible. CONCLUSIÓN: Tearaway es un juego hecho para la PlayStation Vita. Aprovecha acertadamente todas las características de la consola sin que se sienta una inclusión forzada ni puesta por poner.

FERNANDO CHUQUILLANQUI http://blog.rpp.com.pe/masconsolas/

VICIOGAMES

LO BUENO, LO MALO Y LO FEO DE:

TEARAWAY CONSOLA: PLAYSTATION VITA AÑO DE LANZAMIENTO: USA, E.U. (2013)

GÉNERO: plataforma, puzzle

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ESCRIBE: ÓSCAR CONTRERAS Entre 1837 y 1847 Honorè de Balzac desarrolla un abrumador y ambicioso proyecto literario llamado La Comedia Humana integrado por las novelas Ilusiones Perdidas, Esplendores y Miserias de las Cortesanas y Papa Goriot. Esta trilogía sobre las fulguraciones de lo moderno y lo reaccionario en una París catastral, sobre las grandes actividades de la Francia del siglo XIX expresa una ambición megalómana –la de Balzac- que Thibaudet advirtió en su dudoso elogio: “La Comedia humana es la imitación de Dios Padre”. ¿Tiene que ver esta paráfrasis con La Puerta del Cielo (Heaven´s Gate, 1980), la maravillosa película de Michael Cimino? Creemos que sí. Primero, porque Ilusiones Perdidas es una novela total, que oculta un tema, no declarado, irresistiblemente unido a lo literario: la ambición. Y La puerta del cielo es una película ambiciosa y sobre la ambición. Como Balzac, Cimino parte de un supuesto novelesco: los jóvenes que sueñan con triunfar y emerger. Como David Sechard y Lucien Chardon, los personajes de Cimino están sedientos de gloria porque desde la ceremonia de graduación en la Facultad de Derecho en Harvard, James Averill (Kris Kristofferson) y Billy Irving (John Hurt) sonríen, se divierten de cara al futuro, planeando no solo hacer fortuna, sino, ser éticos ante todo, irreverentes pero idealistas (advocatus, los que usan la palabra para argumentar en pro de la justicia y la equidad). Pero, las fuerzas de la historia y de la tierra,

veinte años después, los lanzan al campo, al mundo agrario que se expande en los valles y praderas de Wyoming, en los Estados Unidos, en un decurso inverso a los

personajes balzacianos que enamorados de la poesía abandonan el pueblo de Angulema para

llegar a París, con la esperanza de conocer a los grandes e introducirse en el mundillo de la literatura y el periodismo. La película de Cimino, asentada en el año 1890, durante la primera oleada de inmigrantes eslavos, se apoya históricamente en la sangrienta represión de Wyoming financiada por los ganaderos y propietarios de la tierra agrupados como Stock Gowers Agricultores en contra de los “rusos” que no aportaban productividad a la región. En ese escenario, Averill (Kristofferson) ha devenido en un Marshall federal viejo, cansado y apocado; que ha perdido el brillo de sus años mozos por la comodidad de una quincena; con la que aplaca sus penas de amor y fortuna; y le permite mantener su naturaleza rocosa, mineral, efecto del tiempo erosionador, que desgastó sueños e ideales; pero con las que resiste la modernidad, la reacción de los ricos, la aplanadora “pioneerista”. Irving (Hurt), por el contrario, es el abogado borrachín, acomodado con el poder económico de Wyoming, que ha claudicado y que no puede reprimir su desdicha sino a través de las botellas

“LAS PUERTAS DEL CIELO” (1980, U.S.A. , MICHAEL CIMINO)

RUMBO AL WESTERN TOTAL

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de licor, en las que se ahoga día a día para olvidar y morir un poco cada vez. Porque es la única forma de ahuyentar a sus demonios -los de Harvard y Massachussetts- que lo atormentan por preferir el confort y la seguridad económica. El corporativismo de los poderosos. La oposición entre clásicos (progresistas) versus románticos (reaccionarios), tan presente en la obra de Honorè de Balzac, se expresa palmariamente en La Puerta del Cielo, en la ingenua inmoralidad de los más fuertes (v.gr. el ganadero que encarna Sam Waterston) que no dudan en contratar asesinos a sueldo (el gran Christopher Walken) para salvaguardar la tradición, la familia y la propiedad. Pero también esa dualidad se halla en la bravura de los “corruptos”; de los incorrectos como Ella, la prostituta personificada por Isabelle Hupert, que se sirve de la turbiedad de los tiempos, de su naturaleza compleja, para demostrar dignidad en medio de la corrupción, en medio de la tierra invadida por las masas hambrientas y extralegales que buscan pan y libertad; y que los poderosos no solo les niegan sino que los reprimen y asesinan. Pero existe una segunda razón que liga y distancia a la vez La Puerta del Cielo de Grandes Ilusiones. El estilo brutal de Balzac, y el espíritu esteticista de Cimino. Ambos abordan la ambición pero utilizando instrumentos y sustratos expresivos distintos. Balzac prefiere la vulgaridad en medio de la vulgaridad. El trabajar la masa, la materia bruta y permanecer poco atento a los detalles. Cimino en cambio utiliza todas las posibilidades audiovisuales (cuadro panorámico, sonido, música, actuaciones, fotografía, composición) para iluminar a esos personajes apegados a la tierra, ricos y pobres –capaces de defenderla a sangre y fuego- y retratar con gran poder y belleza sus intereses materiales. Cimino es agrario, Balzac urbano. El escritor francés define el auge y la arrogancia de la burguesía como una clase que empezaba a tomar conciencia de su fuerza. Cimino es irresistible y maldito no tanto por la fuerza vulgar de los terratenientes, los trabajadores (El

Francotirador), los bandidos (El Siciliano) o los inmigrantes (El año del Dragón) sino por la manera como desarrolla personajes decisivos en la evolución norteamericana, en medio de amplias geografías, indómitas, agrestes (Vilmos Zsigmond) que terminan por ennoblecerlos.

La Puerta del Cielo es un western, crepuscular y total, que clausura un período de la historia de Hollywood y sirve de umbral para una larga noche de “high concept”, de cine de comité y de adolescencia tardía. Dicen que existe un París de Balzac como existe un Madrid de Galdós y un Nueva York de Woody Allen. Es cierto que el Oeste Norteamericano tuvo grandes relatores y dramaturgos; estetas formidables y revisionistas inspirados. Y que esta comparación entre el escritor francés y el hoy director transexual era

poco menos que antojadiza. Pero, Michael Cimino le cambió las agujas del reloj salvajemente a la “americana”: con ambición dramática, con desmesura audiovisual y traición histórica. Desde su lugar –la literatura decimonónica- Balzac hizo lo propio con su tiempo y su lugar. Pero el precio pagado fue muy alto en ambos casos. El fracaso en taquilla de La Puerta del Cielo, la ruina de United Artist, la incomprensión de la crítica, destruyeron al director estadounidense que nunca se recuperó

profesionalmente. Balzac murió prematuramente, fatigado por la pobreza y las deudas. Tales circunstancias, conducen inevitablemente al público lector y cinéfilo por los senderos del arte maldito. Donde La Puerta del Cielo debe permanecer por muchos años más dentro de un “canon” excepcional, distinto. De semiclásicos que el formato DVD nos permite recuperar y revisar ventajosamente. Por suerte.

MICHAEL CIMINO

DISCOS Y OTRAS PASTAS 6 ENERO 2014

INTO THE WILD AUTOR: JON KRAKAUER (USA) Lo que empezó como una crónica sobre la fallida aventura del malogrado Cristopher McCandles, se convirtió en un libro que no solo esclarece los motivos por los cuales llevaron a este joven, de clase alta, a

abandonarlo todo e internarse en Alaska. También, desnuda a una sociedad que nos atosiga con consumismo, hipocresía, competitividad, etc., por lo que muchos optan por buscar respuestas en la naturaleza salvaje, solos, en busca de la libertad y la redención. Como delicioso bonus track, hay un capítulo donde el autor cuenta sus propias experiencias, tanto familiares como de aventurero escalador de montañas, estableciendo un paralelismo impresionante con la vida de McCandles, aunque a diferencia de este último, Krakauer si logró sobrevivir y dejarle sus demonios a la implacable naturaleza ártica. Como dato, el libro inspiró un film con el mismo título, dirigida por Sean Penn. HENRY A. FLORES

EL HOMBRE QUE NO MATÓ LO SUFICIENTE AUTOR: ANNE E. SCHWARTZ (USA) Crónica periodística, de pluma ágil, directa y sin adornos, que aborda el caso del “carnicero de Milwaukee”. Jeffrey Dahmer, hombre blanco, fue un asesino en serie que practicó el canibalismo. La mayoría de sus crímenes los

cometió a inicios de los noventa y sus víctimas fueron homosexuales de raza negra. Anne Schwartz fue la primera periodista en llegar al departamento donde arrestaron al asesino, un santuario del horror con numerosos cuerpos descuartizados y escondidos por todos los ambientes. A partir de ese hecho, la periodista se involucra en el caso, el día a día, el descubrimiento de más crímenes y, al final, la sentencia a cadena perpetua para el carnicero. Pero, este libro va más allá del mero relato cronológico de un caso mediático. Desentraña el interior del asesino, qué es lo que lo llevó a ser un criminal y también, su mayor mérito, retrata a una comunidad contradictoria, morbosa y a veces frívola (incluso algunos policías llegan a tratar a Dhamner como una celebridad, tomándose fotos con él), incluyendo a su ineficiente departamento policial, con mucha discriminación hacia las minorías raciales y sexuales. HENRY A. FLORES

LIBROS LIBROS LIBROS

EXTRACTO LITERARIO

EL CHICO QUE SE DECLARABA CON LA MIRADA

Tengo 16 años. Pienso en Toña. Pienso en tu sexo. Vallejo. México. Estudio en el Colegio San Ignacio de Loyola. Masturbación. Soy un solitario. Soy un asesino en potencia. Stephen Hero. Muerte. Quiero escribir una canción. Algo realmente divertido. Something Big. Cine Municipal. Luis Bruno Seminario. Plazos. Fuiti Guzmán. Abimael Guzmán. Quiere decir “Bueno”. Hombre bueno. Barba gorda. Jefe Supremo. Dios. Semi-dios. Matar. La historia comienza en día de sol

sobre los jardines limpios de Santa Isabel, la urbanización del mal. ¿Por qué del mal? ¿Te confiesas? ¿Qué le dices al cura? Que te masturbas 7 veces seguidas, ¿mismo Larsen?

Una claraboya en la infancia ilumina de sol el recinto donde soy acariciado por una perra joven. Dulzura de verano. Refugio de los dementes, de los descalzos, de los desesperados, de los

azules, de los mortales, de los falsificadores. ROGER SANTIVÁÑEZ

Roger Santiváñez es un poeta peruano, piurano y sanmarquino. Cofundó La Sagrada Familia (1977), militó en Hora Zero (1981) y fundó el estado de revuelta poética denominado Movimiento Kloaka (1982 – 1986). “El chico que se declaraba con la mirada” fue publicado en 1988 y ha sido reeditado en el 2012, en un solo libro, junto al poemario “Historia Francórum”.

DISCOS Y OTRAS PASTAS 7 ENERO 2014

«Antaño, si mal no recuerdo, mi vida era un festín donde se abrían todos los corazones, donde todos los vinos fluían” Arthur Rimbaud El Infierno no es un sitio encantador. Ese páramo al que ingresó el desprevenido Layne Staley no suele tener puerta de salida. Allí, la esperanza se abandona sin remedio antes de entrar. Ese fantasma, que para Turandot nace cada noche para volver a morir al día siguiente, fue desterrado de la ciudad del llanto y el dolor eterno. Fue a mediados de los noventa, cuando el ya esporádico refugio que le brindaba Alice in Chains a su cantante, comenzó a ralear. Y aunque Mad Season encarnó un tímido intento por mantenerlo lejos de las adicciones, terminó funcionando como el impensado homenaje en vida que Layne merecía. A la manera de Temple of the Dog (1991), Above reúne a parte de la escena de Seattle (a Mike McCready de Pearl Jam, Barrett Martin de Screaming Trees y al propio Staley, se les suma el “foráneo” John Baker Saunders) y como aquél trasunta un aire de conclave generacional difícil de obviar.

Se torna difícil hablar de música en el contexto que rodea la corta vida del grupo y las trágicas muertes de Stayle y Baker. Las letras que el

propio cantante desgranó para el disco son la más elocuente síntesis del calvario que ambos músicos atravesaban. “My pain... is self-chosen…The only direction we flow is down” ("River Of Deceit"). “Wake Up” es quizás la

apertura más depresiva que jamás haya portado vinilo alguno y haría parecer a “10.15 Saturday night” de The Cure o a “Bela Lugossi´s Dead” de Bahaus como delicadas canciones de cuna. El bonus track de esta reedición, a casi dos décadas del original, es generoso. Además de las cuatro canciones que hubieran formado parte de un segundo disco de la banda y en las que Mark Lanegan asume las voces con descontada solvencia, se luce el cover de Lennon “I Don't

Wanna Be A Soldier”. También hay espacio para registros en vivo. El último show de Mad Season en el Moore de Seattle en Abril de 1995, el concierto en el RKCNDY y la aparición en el Self Pollution Radio. Pero este flashback no hace más que recordarnos cuántos cadáveres bien parecidos ha dejado el grunge. El suyo es un relato arduo.

Demasiadas voces ahogadas antes de tiempo y pocos testigos para contar cuan alto ha sido el

precio de la gloria. JORGE CAÑADA

MAD SEASON - ABOVE (1995), DELUXE EDITION (2013)

UNA TEMPORADA EN EL INFIERNO

DIRECTOR: HENRY A. FLORES Discos y Otras Pastas no se hace responsable del contenido de los artículos y agradece a sus colaboradores

por la exclusividad otorgada.