Republica bolivariana de Venezuela

Ministerio del poder popular para la educación universitaria

Instituto Antonio José de Sucre

Valencia, Edo. Carabobo

Biografía

Bachiller:

Joeberli Diaz

C.I.: 24.903.682

Escritores Griegos

EURIPIDES

(Salamina, actual Grecia, 480 a.C.-Pella, hoy desaparecida, actual Grecia, 406 a.C.)

Poeta trágico griego. De familia humilde, Eurípides tuvo como maestros a Anaxágoras,

a los sofistas Protágoras y Pródicos y a Sócrates, cuyas enseñanzas se reflejan en su

obra.

En el 455 a.C. Eurípides presentó a concurso su primera tragedia, Los Pelíadas, con la

que obtuvo el tercer puesto. Seguirían 92 obras más, de las cuales se han conservado

diecisiete tragedias, que, sin embargo, poca fama y reconocimiento le aportaron en

vida: sólo obtuvo cuatro victorias en los festivales anuales que se celebraban en

Atenas, por lo que hacia el final de su vida decidió trasladarse a Macedonia para

incorporarse a la corte del rey Arquelao (408 a.C.), donde según la leyenda fue

devorado por unos perros.

Las obras de Eurípides representan un cambio de concepción del género trágico, de

acuerdo con las nuevas ideas que había aprendido de los sofistas; así, su escepticismo

frente a las creencias míticas y religiosas es manifiesto en sus obras, que rebajan el

tono heroico y espiritual que habían cultivado Esquiloy Sófocles a un tratamiento más

cercano al hombre y la realidad corrientes.El héroe aparece retratado con sus flaquezas y

debilidades, dominado por oscuros y

secretos sentimientos que le impiden enfrentarse a su destino, del que finalmente es

liberado por la intervención de los dioses al término de la obra (recurso llamado deus

ex machina, por los artilugios escénicos que usaba para introducir al dios); otras

innovaciones suyas son la introducción de un prólogo y la asignación de un papel más

reducido al coro. En sus tragedias pasa a primer término el tratamiento psicológico de

los personajes, de gran profundidad.

Incomprendido en su época, Eurípides se convirtió en modelo a imitar ya por los

trágicos latinos, y luego su influencia prosiguió durante el neoclasicismo y el

Romanticismo alemán (Lessing, Schiller, Goethe).

ESQUILOS

(Eleusis, 525 a. C. – Gela,456 a. C.), Fue uno de los «Maratonómaco»; luchó en las

guerras promovidas contra los persas en la Batalla de Maratón (490 a. C.), en las

de Salamina(480 a. C.) y, posiblemente, en la de Platea.

Alguna de sus obras, como Los persas (472 a. C.), Los siete contra Tebas (467 a. C.),

son el resultado de sus experiencias de guerra. Fue también testigo del desarrollo de

la democracia ateniense. En Las suplicantes (490 a. C.), puede detectarse la primera

referencia que se hace acerca del poder del pueblo, y la representación de la creación

del Areópago, tribunal encargado de juzgar a los homicidas. En Las

euménides (478 a. C.), se apoya la reforma de Efialtes (462 a. C.), transferencia de los

poderes políticos del Areópago al Consejo de los Quinientos.

Se le acusó de haber revelado los misterios de Eleusis, por lo que fue juzgado y

posteriormente absuelto.

Viajó a Siracusa, en Sicilia, invitado por el tirano Hiéron, para el que produjo Las

mujeres de Etna en honor a la nueva ciudad de Etna que éste había fundado, y puso,

de nuevo, en escena, Los persas. Tras la representación de la Orestíada(458 a. C.),

volvió a visitar Sicilia, donde murió en Gela, entre 456 a. C. y 455 a. C.

Tuvo un hijo, Euforión, que como él fue un poeta trágico.Escribió 82 piezas (algunas

fuentes las cifran en 90), consiguió su primera victoria en

composición dramática en el484 a. C., siendo sus rivales Pratinas, Frínico y Quérilo.

Sólo fue vencido por Sófocles en el año 468 a. C.

De la importancia de su obra da fe el hecho de que se permitiera que sus obras fueran

representadas y presentadas en elagón («certamen») en los años posteriores a su

muerte, junto a las de los dramaturgos vivos; un honor excepcional ya que era

costumbre que las obras de los autores fallecidos no se pudieran presentar al agón.

De toda su obra sólo se conservan siete piezas, seis de ellas premiadas, y

sustanciosos fragmentos de otras tantas.

SOFOCLES

(Colona, hoy parte de Atenas, actual Grecia, 495 a.C.-Atenas, 406 a.C.) Poeta trágico

griego. Hijo de un rico armero llamado Sofilo, a los dieciséis años fue elegido director

del coro de muchachos para celebrar la victoria de Salamina. En el 468 a.C. se dio a

conocer como autor trágico al vencer a Esquilo en el concurso teatral que se celebraba

anualmente en Atenas durante las fiestas dionisíacas, cuyo dominador en los años

precedentes había sido Esquilo.

Comenzó así una carrera literaria sin parangón: Sófocles llegó a escribir hasta 123

tragedias para los festivales, en los que se adjudicó, se estima, 24 victorias, frente a las

13 que había logrado Esquilo. Se convirtió en una figura importante en Atenas, y su

larga vida coincidió con el momento de máximo esplendor de la ciudad.

Amigo de Herodoto y Pericles, no mostró demasiado interés por la política, pese a lo

cual fue elegido dos veces estratego y participó en la expedición ateniense contra

Samos (440), acontecimiento que recoge Plutarco en sus Vidas paralelas. Su muerte

coincidió con la guerra con Esparta que habría de significar el principio del fin del

dominio ateniense, y se dice que el ejército atacante concertó una tregua para que se

pudieran celebrar debidamente sus funerales.

De su enorme producción, sin embargo, se conservan en la actualidad, aparte de

algunos fragmentos, tan sólo siete tragedias completas: Antígona, Edipo Rey,Áyax, Las

Traquinias, Filoctetes, Edipo en Colona yElectra. A Sófocles se deben la introducción

de un tercer personaje en la escena, lo que daba mayor juego al diálogo, y el hecho de

dotar de complejidad psicológica al héroe de la obra.

Filósofos Griegos

SOCRATES

(Atenas, 470 a.C.-id., 399 a.C) Filósofo griego. Fue hijo de una comadrona, Faenarete,

y de un escultor, Sofronisco, emparentado con Arístides el Justo. Pocas cosas se

conocen con certeza de la biografía de Sócrates, aparte de que participó como soldado

de infantería en las batallas de Samos (440)

La sabiduría de Sócrates no consiste en la simple acumulación de conocimientos, sino

en revisar los conocimientos que se tienen y a partir de ahí construir conocimientos

más sólidos.

Esto le convierte en una de las figuras más extraordinarias y decisivas de toda la

historia; representa la reacción contra el relativismo y subjetivismo sofista, y es un

singular ejemplo de unidad entre teoría y conducta, entre pensamiento y acción. A la

vez, fue capaz de llevar tal unidad al plano del conocimiento, al sostener que la virtud

es conocimiento y el vicio ignorancia.

El poder de su oratoria y su facultad de expresión pública eran su fuerte para conseguir

la atención de las personas.

Sócrates no escribió ninguna obra porque creía que cada uno debía desarrollar sus

propias ideas. Conocemos en parte sus ideas desde los testimonios de sus

discípulos: Platón, Jenofonte, Aristipo y Antístenes, sobre todo. Tales testimonios no

son convergentes, por lo que no resulta fácil conocer cuál fue el verdadero

pensamiento de Sócrates.

ARISTÓTELES

Nació en Estagira, Macedonia, el año 384 a. de J.C. y murió en 322 a. de J.C. Fue

discípulo de Platón y maestro de Alejandro Magno. Creó su "Liceo" que fue tan

prestigioso como la "Academia".

Su filosofía se caracteriza por ser un movimiento filosófico y científico basado en la

experimentación. Concepción revolucionaria. En un panorama filosófico denominado

por la ciencia del mundo exterior y la cosmología, creó un concepto de la sociedad, de

la realidad y del hombre totalmente diferente. Enfatizó la transformación de su

sociedad política porque afianzó la libertad democrática en su obra "Las Constituciones

de Atenas", contra Filipo de Macedonia, quien reaccionó ordenando su muerte, ya que

vislumbró que la democracia terminaría por derrotar al totalitarismo.

En el campo de la metafísica - hasta entonces denominado por Platón - en el que tenía

predominio las ideas y por lo tanto el mundo ideal y dialéctico de la lógica y

el pensamiento sobre la realidad y la experiencia, él decidió crear bases totalmente

diferentes para constituir en ellas la filosofía y la ciencia.

Su gran revolución ideológica la hace precisamente en el campo de

la teoría del conocimiento. Contra todos los filósofos que presumían la validez del

conocimiento, él dice que sin experimentación no hay verdad.

Aristóteles da realidad a las ideas entendiéndolas como la esencia de las cosas reales -

"Nada hay en la mente que no haya estado antes en los sentidos".

Frente a toda metafísica, a la filosofía cosmológica y frente al idealismo metafísico e

intelectualista de Platón, la posición de Aristóteles no puede ser más radicalmente

distinta.

Por la fuerza de su ingenio trascendió su época y se proyecto en el siglo XVII y XVIII,

época en que su tesis es sostenida por los empiristas británicos John Locke, George

Berkeley y Davis Hume, y en cierto modo también Emmanuel Kant, filósofo alemán

creador de la filosofía crítica.

PLATON

Nacio en Atenas 427-347 a. C. fue un filósofo griego seguidor de Sócrates y maestro de

Aristóteles. En 387 fundó la Academia, institución que continuaría su marcha a lo largo

de más de novecientos añosn. 3 y a la que Aristótelesacudiría desde Estagira a

estudiar filosofía alrededor del 367, compartiendo, de este modo, unos veinte años de

amistad y trabajo con su maestro.n. 4 Platón participó activamente en la enseñanza de

la Academia y escribió, siempre en forma de diálogo, sobre los más diversos temas,

tales como filosofía política, ética, psicología, antropología filosófica,

epistemología, gnoseología, metafísica, cosmogonía, cosmología, filosofía del

lenguaje y filosofía de la educación; intentó también plasmar en unEstado real su

original teoría política, razón por la cual viajó dos veces aSiracusa, Sicilia, con

intenciones de poner en práctica allí su proyecto, pero fracasó en ambas ocasiones y

logró escapar penosamente y corriendo peligro su vida debido a las persecuciones que

sufrió por parte de sus opositores.

OBRAS:

1. Primeros diálogos o diálogos socráticos o de juventud. Se caracterizan por sus

preocupaciones éticas. Están plenamente influidos por Sócrates. Las más

destacadas

son: Apología, Ion, Critón, Protágoras, Laques, Trasímaco,Lisis, Cármides y Euti

frón.

2. Época de transición. Esta fase se caracteriza también por cuestiones políticas,

además, aparece un primer esbozo de la Teoría de la reminiscencia y trata

sobre la filosofía del lenguaje. Destacan: Gorgias, Menón, Eutidemo, Hipias

Menor, Crátilo, Hipias Mayor y Menexeno.

3. Época de madurez o diálogos críticos. Platón introduce explícitamente la Teoría

de las Ideas recién en esta fase y desarrolla con más detalle la de la

reminiscencia. Igualmente se trata de distintos mitos. Destacan: El Banquete —

también conocido como Simposio—, Fedón, República y Fedro.

4. Diálogo de vejez o diálogos críticos. En esta fase revisa sus ideas anteriores e

introduce temas sobre la naturaleza y la medicina.

Destacan: Teeteto, Parménides, Sofista, Político, Filebo, Timeo, Critias, Leyes y

Epínomis.

Biografías

LEONARDO DAVINCHI

Nació el sábado 15 de abril de 1452 «en la tercera hora de la noche», es decir,

tres horas después del Ave María: a las diez y media. No es seguro si su nacimiento

tuvo lugar en el castillo de Vinci, ciudad a unos 25 km en línea recta de Florencia, o

bien en la casa materna de Anchiano, una pedanía a unos dos kilómetros de Vinci.

Leonardo era hijo ilegítimo: su padre dejó embarazada a una humilde joven de familia

campesina llamada Caterina. Su padre, Messer Piero Fruosino di Antonio,

fue notario, canciller y embajador de la República de Florencia. El propio Leonardo fue,

por tanto, descendiente de una rica familia de nobles italianos. De su madre se dice

que pudo ser una esclava de Oriente Medio.

Leonardo, o Lionardo según su nombre de bautizo fue bautizado y pasó sus

cinco primeros años en la casa de su padre en Vinci donde fue tratado como un hijo

legítimo. Tuvo cinco madrinas y cinco padrinos, todos ellos habitantes del pueblo. En

este lugar, Leonardo recibió instrucción, aprendió a leer y a escribir, y adquirió

conocimientos de aritmética. Sin embargo, prácticamente no aprendió latín, base de la

enseñanza tradicional. El hecho de que tuviese una ortografía caótica muestra que su

instrucción no estuvo exenta de lagunas; en todo caso no fue la de un universitario.

En aquella época, las convenciones modernas en los nombres de personas no

se habían desarrollado todavía en Europa, por lo que únicamente las grandes familias

hacían uso del apellido patronímico. La gente del pueblo solía ser designada por su

nombre, al que se le adjuntan todo tipo de precisiones útiles: el nombre del padre, el

lugar de origen, un apodo, el nombre del maestro en el caso de los artesanos, etc. Por

consiguiente, el nombre del artista fue «Leonardo di ser Piero Da Vinci», cuyo

significado es «Leonardo, hijo del maestro Piero De Vinci»; sin embargo, el término

«Da» lleva una mayúscula para denotar que se trata de un apellido. El propio

Leonardo firmaba simplemente sus obras como «Leonardo» o «Io, Leonardo» («Yo,

Leonardo»), así que la mayoría de las autoridades atribuyen sus obras a «Leonardo»

sin el «da Vinci». Es verosímil que se abstuviera de emplear el apellido de su padre

porque era un hijo ilegítimo. «Vinci» proviene de «vinchi», denominación que reciben

unas plantas similares a los juncos, que crecen en el entorno del arroyo Vincio y que

eran utilizadas por los artesanos toscanos.

En 1457, cuando Leonardo tenía cinco años, su madre se casó con Antonio di

Piero Buti del Vacca da Vinci, un campesino de la localidad, con el que tuvo cinco hijos.

Fue acogido entonces en la casa de la familia de su padre en el pueblo de Vinci. Entre

tanto, el padre se había casado con una joven de dieciséis años proveniente de una

familia rica de Florencia, Albiera degli Amadori. Ésta, al no tener hijos, volcó su afecto

en Leonardo, pero murió siendo muy joven debido a complicaciones de parto, en 1464.

Aunque era considerado plenamente desde su nacimiento como hijo de su padre,

Leonardo nunca fue reconocido formalmente como un hijo legítimo. Su padre se casó

hasta cuatro veces, dándole diez hermanos y dos hermanas menores legítimos. De

estas relaciones, el pequeño Leonardo tuvo un muy buen vínculo con la última mujer de

su padre, Lucrezia Guglielmo Cortigiani, afecto que se evidencia en una nota en donde

se dirige a ella como «querida y dulce madre». Su abuela paterna, Lucia di ser Piero di

Zoso, una ceramista próxima a Leonardo, fue probablemente la persona que le inició

en las artes.

Un conocido presagio refiere que un milano venido del cielo había hecho un

vuelo estacionario sobre su cuna, tocando su cara con la cola. Giorgio Vasari, biógrafo

del siglo XVI de los pintores del Renacimiento, cuenta en Le Vite (1568), la historia de

un campesino local que pidió a ser Piero que su talentoso hijo le pintara una imagen

sobre una placa. Leonardo pintó entonces una representación de

un dragón escupiendo fuego, tan bien realizada que ser Piero la vendió a

un mercader de arte florentino, quien a su vez la revendió al duque de Milán. Tras

haberse así beneficiado con la venta, ser Piero compró una placa decorada con un

corazón atravesado por una flecha, la cual entregó al campesino.

Formación en el taller de Verrocchio

BAUTISMO DE JESÚS. Óleo sobre madera de Verrochio (1470–1480).

Leonardo trabajó de manera particular en los ángeles del lado izquierdo. El joven

Leonardo era un amante de la naturaleza, la cual observaba con gran curiosidad y le

interesaba. Dibujaba caricaturas y practicaba la escritura especular en dialecto toscano.

Giorgio Vasari cuenta una anécdota sobre los primeros pasos en la carrera artística del

gran artista: «un día, ser Piero tomó algunos de sus dibujos y se los mostró a su amigo

Andrea del Verrocchio y le pidió insistentemente que le dijera si Leonardo se

podría dedicar al arte del dibujo y si podría conseguir algo en esta materia.

Andrea se sorprendió mucho de los extraordinarios dones de Leonardo y le

recomendó a ser Piero que le dejara escoger este oficio, de manera que ser Piero

resolvió que Leonardo entraría a trabajar en el taller de Andrea. Leonardo no se hizo

rogar; y, no contento con ejercer este oficio, realizó todo lo que se relacionaba con el

arte del dibujo». Fue así como, a partir de 1469, Leonardo entró como aprendiz a uno

de los talleres de arte más prestigiosos bajo el magisterio de Andrea del Verrocchio, a

quien debe parte de su excelente formación multidisciplinaria, en la que se aproxima a

otros artistas como Sandro Botticelli, Perugino y Domenico Ghirlandaio. En efecto, a

finales de 1468, aunque Leonardo estaba empadronado como residente del municipio

de Vinci, viajaba muy a menudo a Florencia, donde su padre trabajaba.

Verrocchio era un artista de renombre, y muy ecléctico. De formación

era orfebre y herrero, pero además fue pintor, escultor yfundidor. Trabajó sobre todo

para el poderoso Lorenzo de Médici. Leonardo trabajó también con Antonio Pollaiuolo,

que tenía su taller muy cerca del de Verrocchio. Después de un año dedicado a la

limpieza de los pinceles y otras pequeñas actividades propias de un aprendiz,

Verrocchio inició a Leonardo en las numerosas técnicas que se practicaban en un taller

tradicional. Así, en este contexto, Leonardo tuvo la oportunidad de aprender las bases

de la química, de la metalurgia, del trabajo del cuero y del yeso, de la mecánica y de

la carpintería, así como de diversas técnicas artísticas como el dibujo, la pintura y

la escultura sobre mármol y bronce. Igualmente, recibió formación en habilidades

como la preparación de los colores, el grabado y la pintura de los frescos. Al darse

cuenta del talento excepcional que tenía Leonardo, Verrocchio decidió confiarle a su

alumno terminar algunos de sus trabajos.

PAISAJE DEL VALLE DEL ARNO. Este dibujo a pluma, el más antiguo que

conservamos de Leonardo, está fechado de su puño y letra empleando escritura

especular: «El día de Nuestra Señora de las Nieves,5 de agosto de 1473». Se ha

identificado la comarca reproducida en él como una región montañosa próxima a Vinci.

Al dorso aparece la anotación «Estoy satisfecho [...]». Galería Uffizi, Florencia.

La formación recibida durante su aprendizaje en el taller de Verrochio va más

allá y se extiende a otros ámbitos culturales. Estudió cálculo algorítmico y mostró el

buen conocimiento que tenía citando a los dos abaquistas florentinos más

relevantes,Paolo dal Pozzo Toscanelli y Leonardoo Chernionese. Posteriormente,

Leonardo mencionó la Nobel opera de arithméticade Piero Borgi, impresa

en Venecia en 1484, y que representa perfectamente el saber de estas escuelas

de abaquistas.

No se conoce la existencia de ninguna obra de Leonardo durante la época en

que trabajó con Verrocchio. Según Vasari, únicamente colaboró en una pintura

llamada Bautismo de Cristo (1472-1475). Por otra parte, según la leyenda, Verrocchio

abandonó la terminación de la obra cuando se sintió superado por la calidad del joven

Leonardo, que dejó su toque magistral en un pequeño ángel presente en la

obra. También, de acuerdo con la tradición de que era el aprendiz quien debía posar,

Leonardo habría servido de modelo para el David de Verrocchio, una estatua en

bronce. Del mismo modo, también se supone que es el retrato de Leonardo el que

representa al arcángel Rafael en la obra Tobías y el ángel de Verrocchio.

En 1472, a la edad de veinte años, apareció registrado en el Libro

rojo del Gremio de San Lucas, el célebre gremio de losartistas y doctores en medicina,

que en Florencia se agrupaba con la denominación de la "Campagnia de pittori". De

esta época deriva uno de sus primeros trabajos conocidos, el Paisaje del valle del

Arno o Paisaje de Santa Maria della neve(1473), un dibujo hecho con pluma y tinta.

Fue así como comenzó su carrera de pintor con obras ya destacables como La

Anunciación (1472-1475), y mejoró la técnica del sfumato hasta un punto de

refinamiento nunca conseguido antes de él.

En el año 1476 siempre aparece mencionado como ayudante de Verrocchio, ya

que, incluso después de que su padre le ayudase a tener su propio taller, él continuó

colaborando con Verrocchio debido a que le profesaba un gran afecto. Durante este

período, recibió encargos personales y pintó su primer cuadro, La Virgen del

clavel (1476). El archivo judicial de este mismo año recoge el dato de que él y tres

hombres más fueron acusados en un caso de sodomía, práctica que en aquella época

en Florencia era ilegal, pero todos fueron absueltos. Este documento, que partía de

una acusación anónima, no permite afirmar categóricamente que Leonardo

fuera homosexual.

Pronto Leonardo también destacó como ingeniero. En 1478, se ofreció para levantar la

iglesia octagonal de San Juan de Florencia. En ese año Leonardo contaba con 26

años, y fue cuando se alejó de lado de su maestro después de haberlo superado

brillantemente en todas las disciplinas. De esta manera se convirtió en un maestro

pintor independiente.La Adoración de los magos (ca. 1481-1482). En marzo de 1481

Leonardo recibió

el encargo de este óleo (hoy en la Galería Uffizi de Florencia) de los monjes de San

Donato de Scopeto, en Florencia. El administrador del monasterio era el padre de

Leonardo, y es muy probable que indujese a los monjes a contratar a su hijo.

En 1481 el monasterio de San Donato le encargó la Adoración de los magos,

pero Leonardo nunca acabó éste cuadro, probablemente decepcionado o humillado por

no haber sido elegido por el papa Sixto IV para decorar la capilla Sixtina del Vaticano,

en Roma, donde había una fuerte competencia entre varios pintores.

El neoplatonismo, que en aquel tiempo estaba de moda en Florencia, pudo

desempeñar también un importante papel en la decisión de su marcha a una ciudad

más abierta, académica y pragmática como Milán. Probablemente en éste nuevo

entorno estaba más en consonancia con su espíritu, que se basaba en un desarrollo

empírico de sus múltiples experimentos.

Leonardo pintó La Virgen de las Rocas (1483-1486) para la confraternidad de la

Inmaculada Concepción, que iría a la capilla San Francesco el Grande de Milán. Este

cuadro fue el origen de un conflicto entre el autor y los propietarios que duró varios

años. Leonardo obtuvo el derecho de poder copiar la obra, pero posteriormente se

inició un problema legal con esto. El problema no se resolvió hasta que hubo

decisiones judiciales y la intervención de algunos amigos, terminando con dos

versiones de la obra.

Estudio de un caballo de Leonardo. Los dibujos o bosquejos hechos por él

resaltaban su magnífico arte. Éste es considerado un predecesor del dibujo del valle

Arno. En Florencia el trabajo de Leonardo no pasó inadvertido. Lorenzo de Médici se

enteró de que Leonardo había creado una lira de plata en forma de cabeza de caballo.

Impresionado por la calidad de su trabajo, envió a Leonardo con ella a Milán como

emisario florentino, y también para que trabajara para el mecenas y duque de

Milán, Ludovico Sforza.El objetivo de esta maniobra era el de mantener buenas relaciones

con este

importante rival. Probablemente fue acompañado por el músico Atalante Migliorotti.

Además le escribió una carta al duque, carta que se encuentra en elCodici Atlántico, y

en la que describe las numerosas y variadas habilidades de Leonardo en el ámbito de

la ingeniería y le informa de que también es pintor. Por ello la principal ocupación de

Leonardo a partir de entonces fue la de ingeniero, siguiendo la tradición de los

ingenieros que le precedieron.

Leonardo aparecía en la lista de los ingenieros de los Sforza y cuando fue

enviado a Pavía, el 21 de junio de 1493, lo hizo con el título de «ingéniarius ducalis».

Sforza le encargó la realización de diversas tareas, dándole el mítico título de «Apeles

florentino», reconocimiento reservado únicamente a los grandes pintores. De esta

manera se dedicó a «organizar fiestas y espectáculos con decoraciones suntuosas» en

el palacio e inventando tramoyas que maravillaban al público, como en la boda de

Ludovico Sforza y Beatriz de Este y para la de Ana Sforza y Alfonso I de Este. También

pintó varios retratos de la corte de Milán. Este contacto de Leonardo con las élites

ilustradas de Milán fue importante porque le hicieron darse cuenta de las lagunas que

había en su formación.

Se ocupó tanto del estudio para la cúpula de la Catedral de Milán, como de la

realización de la versión en arcilla para el molde de «Il Cavallo», una imponente estatua

ecuestre en honor de Francisco I Sforza, el padre de Ludovico Sforza. Iba a hacerse

con setentatoneladas de bronce, hecho que constituía una verdadera proeza técnica

para la época. La estatua permaneció inacabada durante varios años. Cuando

Leonardo acabó la versión en arcilla para el molde y ya tenía hechos los planes para el

proceso de fundición, el bronce fue utilizado para la fabricación de cañones, puesto que

hubo que defender la ciudad de la invasión de Carlos VIII de Francia.

En 1490 participó en una especie de congreso de arquitectos e ingenieros,

reunidos para debatir algunos aspectos del acabado de la cúpula de la catedral de

Milán. Allí conoció a un ingeniero de renombre, Francesco di Giorgio Martini, que le

recomendó ir a Parma a consultar con Giovanni Antonio Amadeo y Luca Fancelli, para

aclarar determinados aspectos de la construcción de la catedral. En esta época

Leonardo reflexionó sobre proyectos técnicos y militares. Mejoró los relojes, el telar, las

grúas y muchas otras herramientas. Estudió también el urbanismo y propuso planos de

ciudades ideales. Se interesó por la disposición hidráulica y un documento de 1498 lo

cita como ingeniero y encargado de los trabajos en ríos y canales. En 1495 una lista

detallada de los gastos relativos a un funeral sugieren la muerte de su madre Caterina.

Hacia 1490 creó una academia que llevaba su nombre, en la que durante unos

años enseñó sus conocimientos, anotando todas sus investigaciones en pequeños

tratados. Pintó el fresco de la La última cena (1494-1498) para el convento dominico de

Santa Maria delle Grazie. En 1496 llegó a Milán Luca Pacioli y estableció una gran

amistad con Leonardo, que realizó para él las tablas que se grabaron en su obra La

Divina proportione. Un poco más tarde, en 1498, construyó el techo del castillo de los

Sforza.

En 1499 las tropas de Luis XII de Francia conquistaron el Ducado de

Milán destituyendo a Ludovico Sforza, que huyó a Alemania con su sobrino Maximiliano

I.

28 El 6 de octubre entró en la ciudad Luis XII y reivindicó sus derechos a la sucesión

de los Visconti.

28 Leonardo se encontró una mañana con que los franceses estaban

usando su modelo de arcilla a escala real del caballo de la estatua ecuestre de

Francisco Sforza como blanco para sus entrenamientos de tiro, quedando totalmente

destruida. Luis XII consideró la posibilidad de cortar el muro donde se encontraba La

última cena para llevársela a Francia, como también lo pensó Napoleón

Bonaparte siglos más tarde. Con la caída de los Sforza Leonardo quedó al servicio del

conde de Ligny, Luis de Luxemburgo, que le pidió que preparase una relación sobre el

estado de la defensa militar de la Toscana. El 14 de diciembre Leonardo hizo depositar

600 florines en el Hospital de Santa Maria Nuova de Florencia, que actuaba como

banca. El retorno inesperado de Ludovico Sforza modificó sus proyectos y huyó de

Milán con su asistente Salai y el matemático Luca Pacioli.

Leonardo creó La última cena, su mejor obra, la más serena y alejada del mundo

temporal, durante esos años caracterizados por los conflictos bélicos, las intrigas, las

preocupaciones y las calamidades. La dio por terminada, aunque él, eterno

insatisfecho, declaró que tendría que seguir trabajando en ella. Fue expuesta a la vista

de todos y contemplada por muchos. La fama que el «gran caballo»Nota 7 había hecho

surgir se asentó sobre cimientos más sólidos. Desde ese momento se le consideró sin

discusión uno de los primeros maestros de Italia, si no el primero. Los artistas acudían

desde muy lejos al refectorio del convento de Santa Maria delle Grazie, miraban la

pintura con detenimiento, la copiaban y discutían. El rey de Francia, al entrar a Milán,

acarició la idea de desprender el fresco de la pared para llevárselo a su país. Durante

su realización se tejieron innumerables leyendas en torno al maestro y a su obra. Los

relatos de Bandello y Giraldi, dedicados por lo demás a temas radicalmente distintos,

recogen también la génesis de La Última Cena.

20 23 11 12

De Venecia a Florencia (1501-1508)

En marzo de 1499, Leonardo trabajó como arquitecto e ingeniero militar para los

venecianos que querían construir protecciones en su ciudad.7 12 Por este motivo,

elaboró sistemas para defender la ciudad de un posible ataque naval de los turcos y,

entre sus propuestas, destaca la invención de un tipo de escafandra submarina con un

casco rudimentario. Los turcos no atacaron y el invento nunca fue utilizado. A finales de

abril, volvió a Florencia y allí, después de hacer un estudio sobre los cursos de agua en

el Friuli, propuso un sistema de esclusas para hacer posible el levantamiento del curso del

río Isonzo y así poder inundar toda una región que cubría las cercanías

de Venecia.

La batalla de Anghiari de Peter Paul Rubens es una de las copias de la obra

original de Leonardo. La cual retoma «La lucha por el estandarte», la parte central del

fresco de Leonardo.

Regresó a Venecia en abril de 1500 para permanecer ahí durante un par de

meses después de haber estado en Mantua en compañía del fraile matemático Luca

Pacioli. En Mantua destacó por un retrato que hizo a Isabel de Este. Una carta del 4 de

abril de 1501 en la que Pierre de Nuvola responde a la duquesa de Mantua, en relación

a Leonardo afirma que «sus estudios matemáticos lo han alejado de la pintura»;

Leonardo continuaba llevando a cabo grandes investigaciones.11 En 1501, recibe en el

convento de la Santissima Annunziata la aprobación para hacer un boceto preparatorio

de lo que sería La Virgen y el Niño con santa Ana y san Juan Bautista, una obra que

provocó tal admiración que «hombres y mujeres, jóvenes y viejos» acudían a

observarla «como si estuvieran participando en un gran festival».14 30 Realizó una breve

estancia en Roma, en lavilla Adriana, en Tívoli.28 Estuvo trabajando en la Virgen de los

husos, un encargo de Florimond Robertet, el secretario de Estado de Luis XII de

Francia.

En 1502, fue solicitado por el príncipe César Borgia, duque de Valentinois e hijo

del papa Alejandro VI, y obtuvo el cargo de «capitán e ingeniero general».7 Se quedó

en las Marcas y en la Emilia-Romaña para inspeccionar las fortalezas y los territorios

recientemente conquistados, llenando sus cuadernos de múltiples observaciones,

cartas, croquis de trabajo y copias de obras consultadas en las bibliotecas de las

ciudades que él visitaba.11 Allí se reencontró con Nicolás Maquiavelo, «espía» de

Florencia al servicio de los Borgia.

El 18 de octubre de 1503, regresó a Florencia, donde ejerció las funciones de

arquitecto e ingeniero hidráulico.11 Se volvió a inscribir en el gremio de San Lucas y le

dedicó dos años (1503-1505) a la preparación y ejecución de La batalla de Anghiari,

una pintura mural imponente de siete por diecisiete metros,7 28 mientras Miguel Ángel

pintaba La batalla de Cascina en la pared opuesta.28 Las dos obras se han

perdido. La obra de Miguel Ángel se ha conocido a partir de una copia de Aristotole da

Sangallo de 1542,

31 y la pintura de Leonardo la conocemos a partir de croquis

preparatorios y de varias copias de la sección central, de las cuales sin duda la más

destacada es la de Rubens.

7 Parece ser que las causas de la alteración de la obra

fueron el fuego que se utilizó para secar más rápidamente la pintura o la calidad del

material usado; posteriormente fue recubierta, probablemente por un fresco de Giorgio

Vasari.

A menudo, se consultaba a Leonardo como experto, como, por ejemplo, para

estudiar la estabilidad del campanario de San Miniato al Monte y en el momento de la

elección del emplazamiento del David de Miguel Ángel,28 sobre lo cual su opinión se

oponía a la de éste. Fue en este período cuando presentó a la ciudad de Florencia su

proyecto de desviación del río Arno, destinado, por una parte, a crear una vía

navegable capaz de conectar a Florencia con el mar y, por otra, a permitir el control de

las terribles inundaciones.11 Este período fue importante para la formación científica de

Leonardo.

De Milán a Roma

La Monalisa es el retrato que más literatura ha generado a lo largo de toda

lahistoria del arte; ha dado origen a cuentos,novelas, poemas y hasta óperas. Fue una

obra famosa desde el momento de su creación; el joven Rafael bebió en ella. Su

sonrisa ha hecho correr ríos de tinta. Se ha visto en ella crueldad y se le ha considerado la

sonrisa despiadada de la mujer que esclaviza al hombre. Otros se han

sentido deslumbrados por su encanto, por su dulzura. Para Walter Pater simboliza el

«espíritu moderno con todos sus rasgos patógenos». Existe también una explicación

más prosaica, fundada en las propias anotaciones de Leonardo: el maestro hizo aflorar

esa expresión a su modelo con el tañido del laúd.Citemos a Vasari: «Monalisa era muy

bella y Leonardo, mientras pintaba, procuraba que siempre hubiese alguien cantando,

tocando algún instrumento o bromeando. De esta manera, la modelo se mantenía de

buen humor y no adoptaba un aspecto triste, fatigado [...]».

En 1504, volvió a trabajar en Milán, que, en aquella época, se encontraba bajo el

control de Maximiliano Sforza gracias al apoyo de los mercenarios suizos. Muchos de

los alumnos y los interesados en la pintura conocieron o trabajaron con Leonardo en

Milán; entre ellos, cabe destacar a Bernardino Luini, Giovanni Antonio

Boltraffio y Marco d'Oggiono.

Nota 8 Su padre murió el 9 de julio y Leonardo fue apartado

de la herencia debido a su ilegitimidad; sin embargo, más tarde su tío haría de él su

heredero universal. El mismo año, Leonardo realizó estudios anatómicos e intentó

clasificar sus innumerables notas. También es la época en que empieza a trabajar

en La Gioconda (1503-1506, y después 1510-1515) obra habitualmente considerada

como un retrato de Lisa Gherardini o, por el nombre de casada, Monna Lisa del

Giocondo. Sin embargo, hay numerosas interpretaciones sobre este cuadro que aún

son motivo de debate y discusión.

En 1505, se dedicó a estudiar el vuelo de los pájaros, y es también cuando

redacta el Códice sobre el vuelo de los pájaros.

32 A partir de entonces, observaciones,

experiencias y reconstrucciones se sucedieron con mucha intensidad.11 Un año más

tarde, el gobierno de Florencia le permitió reunirse con el gobernador francés de

Milán, Carles d'Amboise, que lo retuvo con él pese a las protestas por parte de

Florencia. Leonardo quedó en medio de disputas entre franceses y toscanos, y fue

presionado por el tribunal para que acabara La Virgen de las rocas con su

alumno Ambrogio de Predis, mientras se encontraba trabajando en La batalla de

Anghiari.

En 1507, Leonardo quedó como único heredero de su tío Francesco, pero los

hermanos de Leonardo empezaron un procedimiento para modificar el testamento.

Leonardo apeló a Charles d'Amboise y a Florimond Robertet para que

intervinieran en su favor;28Luis XII regresó a Milán y Leonardo se convirtió de nuevo en

el organizador de las fiestas que se celebraban en la capital lombarda.En 1508, vivió

con el escultor Giovanni Francesco Rústica en casa de Piero di Braccio Martelli, en

Florencia, pero luego se marchó y se fue a vivir a Milán, en la Porta Orientale, en la

parroquia de Santa Babila.7

Luis XII volvió pronto a Italia y en mayo de 1509 entró en

Milán. Pronto dirigió sus ejércitos contra Venecia y Leonardo siguió al rey en calidad de

ingeniero militar, y asistió a la batalla de Agnadel. En 1511, murió el gobernador

Charles d'Amboise y, en 1512, tras la batalla de Rávena, Francia se marchó del territorio

italiano. Este segundo período milanés le permitió a Leonardo profundizar en

sus investigaciones de ciencia pura. En 1509, la aparición de De expendentis te

fugiendis rebus de Giorgio Valla tuvo una gran influencia sobre él.

En septiembre de 1513, Leonardo da Vinci se fue a Roma, donde trabajó para

el papa León X, miembro de la rica y poderosa familia de los Médicis. En aquellos

momentos, en el Vaticano, Rafael y Miguel Ángel tenían mucho trabajo.7 Ante el éxito

de Sangallo, Leonardo no recibió más que encargos modestos y parece que no

participó ni en la construcción de las numerosas fortalezas romanas, poco relevantes, y

ni en el embellecimiento de la capital. Tampoco tuvo éxito su pintura y se refugió en

otra especialidad, quizá su preferida, la hidráulica, y realizó un proyecto de secado de

las Lagunas Pontinas, que pertenecían al duque Juliano II de Médicis.

11 En 1514,

realizó la serie de los Diluvios, que fue una respuesta parcial a la gran obra que Miguel

Ángel desarrolló en labóveda de la Capilla Sixtina. «Los Médici me han creado, los

Médici me han destruido», escribió Leonardo, sin duda para subrayar las decepciones

de su estancia en Roma. Pensó que nunca se le dejaría mostrar su capacidad con la

realización de un encargo importante. Probablemente también era conocida su

inestabilidad, su fácil desánimo y su dificultad para finalizar lo que había empezado.

Últimos años en Francia

Anciano pensativo. Hay quien considera que este dibujo es el último autorretrato

de Leonardo. Biblioteca Real, Windsor. En septiembre de 1515, el nuevo rey de

Francia, Francisco I, reconquistó Milán tras vencer en la batalla de Marignan.

34 En

noviembre del mismo año, Leonardo diseñó un nuevo proyecto sobre la disposición del

barrio de Médici en Florencia. El 19 de diciembre, estuvo presente en la reunión entre

Francisco I y el papa León X que se celebró en Bolonia. Francisco I le encargó a

Leonardo un león mecánico que pudiera andar y con el detalle de que el pecho se

abriera para mostrar la flor de lis.

14 No se sabe para qué ocasión fue concebido este

león, pero puede tener relación con la llegada del rey a Lyon, o con las conversaciones

de paz entre el rey y el papa.En 1516 se marchó a Francia junto con su ayudante, el pintor

Francesco Melzi, y

quizás también con Salai;33 su nuevo mecenas y protector, el rey

de Francia Francisco I, los instaló en la casa donde éste vivió en su niñez,

el Castillo de Clos-Lucé, cerca del castillo de Amboise. Fue el «primer pintor,

primer ingeniero y primer arquitecto del rey»,10 y recibió una pensión de 10.000

escudos.7 En la corte francesa estaban más interesados por el pintor que por

el ingeniero, lo cual en Italia era lo más valorado.11 El hecho de que Francisco I

le diera el castillo de Clos-Lucé se puede entender como un mensaje a Leonardo

para que «hiciera lo que él quisiera». No fue el primer artista en recibir este

honor, pues Andrea Solario y Giovanni Giocondo lo habían precedido unos años

antes.

El rey estaba fascinado con Leonardo y lo consideró como un padre. La

casa y el castillo de Amboise estaban conectados por un paso subterráneo que

permitía al soberano rendir visita al artista y hombre de ciencia con total

discreción. Leonardo proyectó el palacio real de Romorantin, que Francisco I

pretendía erigir para su madre Luisa de Saboya: sería una pequeña ciudad, para

la cual previó el desvío de un río que la enriqueciera con agua y fertilizase la

campiña vecina. En 1518 participó en las celebraciones del bautizo del Delfín y

de las bodas de Lorenzo de Médici con una sobrina del rey francés. Ese mismo

año Salai abandonó a Leonardo y retornó a Milán, donde más adelante (el 19 de

enero de 1524) perecería en un duelo.

Asistentes y alumnos

Salai sirvió de modelo para elSan Juan Bautista, pintado entre 1513 y 1516. Se ha

llegado a considerar que Leonardo tenía una relación con éste.7 14 Sin embargo, era

uno de sus alumnos preferidos, lo cual le hacía estar con él casi todo el tiempo.15

Gian Giacomo Caprotti da Oreno, llamado «il Salaino» (« el diablillo») o Salai, fue

descrito por Giorgio Vasari como «un simpático y bello jovencito de cabellos finos y

ensortijados, que encantaba a Leonardo». Salai entró al servicio de Leonardo

en 1490 a la edad de 10 años. Su relación no fue fácil. Un año más tarde, Leonardo

hizo una lista de las faltas del joven, y lo calificó de «ladrón», «mentiroso», «obstinado»

y de «glotón». El «pequeño diablo» había robado dinero y objetos de valor en al menos

cinco ocasiones, y había dilapidado una fortuna en ropa, llegando a comprar veinticinco

pares de zapatos.46 Sin embargo, las anotaciones de Leonardo de los primeros años de

su relación con el joven contienen numerosas imágenes del adolescente. Salai fue su

oficial, sirviente y asistente durante los treinta años siguientes.

En 1506, Leonardo tomó como alumno a Francesco Melzi, de 15 años, hijo de

un aristócrata lombardo. Melzi se convirtió en compañero de la vida de Leonardo, y es

considerado su alumno favorito. Permaneció en Francia con Leonardo y Salai, y estuvo

con el maestro hasta su muerte.15 Salai abandonó Francia en 1518 y regresó a Milán,

donde construyó una casa en el viñedo de una finca de Leonardo que finalmente el

pintor dejó en herencia. En 1525, Salai murió violentamente, quizás asesinado o a

consecuencia de un duelo.

Salai ejecutó un cierto número de cuadros bajo el nombre de «Andrea Salai»,

pero, si bien Giorgio Vasari pretendió que Leonardo «le enseñó muchas cosas sobre la

pintura», su obra se considera menos valiosa que la de otros alumnos de Leonardo,

como Marco d'Oggiono o Giovanni Antonio Boltraffio. En 1515, pintó una versión

desnuda de La Gioconda, llamada «Monna Vanna». A su muerte en1525,

la Gioconda propiedad de Salai se tasó en 105 liras, lo que supone un valor

excepcionalmente elevado para un retrato de talla pequeña.

Giovanni Antonio Boltraffio y Marco d'Oggiono formaron parte del taller de Leonardo

cuando éste regresó a Milán, teniéndose constancia de la existencia de numerosos

alumnos, como Ambrogio de Predis, Bernardino dei Conti, Francesco

Napoletano o Andrea Solario, estos últimos menos conocidos.

Vida privada

Leonardo da Vinci tuvo muchos amigos que gozaron reconocimiento en sus

respectivos campos o tuvieron una influencia importante en su época. Por ejemplo, el

matemático Luca Pacioli, con el que colaboró en un libro, Cesar Borgia, a cuyo servicio

pasó dos años, Lorenzo de Médici o el médicoMarcantonio della Torre. Conoció

a Nicolás Maquiavelo, con quien tuvo una estrecha amistad, y a su rival Miguel Ángel.

Entre sus amistades también se encontraban Franchino Gaffurio e Isabel de Este.

Leonardo no pareció haber tenido relaciones estrechas con ninguna mujer, salvo

Isabel, de quien hizo un retrato en el transcurso de un viaje que le llevó a Mantua,

retrato que parece haber sido la base para un cuadro, hoy perdido.15 Fue también

amigo del arquitecto Jacopo Andrea da Ferrara hasta su asesinato.28

Más allá de la amistad, Leonardo guardó su vida privada en secreto. Su vida,

sus capacidades extraordinarias de invención, su «excepcional belleza física», su

«gracia infinita», su «gran fuerza y generosidad», la «formidable amplitud de su

espíritu», tal y como las describe Vasari han despertado la curiosidad. Numerosos

autores han especulado sobre los diferentes aspectos de la personalidad de Leonardo.

Su sexualidad ha sido objeto de estudios y análisis. Esa tendencia comenzó a

mediados del siglo XVI y se incrementó en el transcurso de los siglos XIX y XX,

pudiéndose destacar entre los estudiosos a Sigmund Freud.

Las relaciones más íntimas de Leonardo fueron con sus

alumnos: Salai y Francesco Melzi. Melzi dejó escrito que los sentimientos de Leonardo

eran una mezcla de amor y de pasión. Después del siglo XVI se han descrito esas

relaciones como eróticas. A partir de entonces se ha escrito mucho sobre esa

presunta homosexualidad y sobre el papel de ésta en su arte, en particular en la

impresión andrógina que se manifiesta en su Baco, y más concretamente en alguno de

sus dibujos.

Leonardo fue un apasionado admirador de la naturaleza y los animales, hasta el punto

de convertirse en vegetariano.

51 y de comprar aves enjauladas para luego ponerlas en

libertad.52 Fue también un excelente músico. Es bien conocido que Leonardo era zurdo,

lo que explicaría la utilización que hacía de la escritura especular.

Pintura

Cartón de Burlington House.

A pesar de la relativa toma de conciencia y la admiración que Leonardo despertó

como científico e inventor en los últimos años, su fama ha descansado sobre sus

creaciones como pintor de varias obras, autentificadas o que se le atribuyen, y que han

sido consideradas como grandes obras maestras del patrimonio universal.

Sus pinturas son célebres. Por un lado, han sido copiadas e imitadas por los

estudiantes, y por otro han sido el centro de debate y controversia entre los

especialistas. Entre las cualidades, cabe destacar las técnicas pictóricas innovadoras

que empleó, el sentido de la composición y el uso sutil de los esfumados de colores, el

conocimiento profundo de la anatomía humana y animal, de la botánica y la geología, la

utilización que hacía de la luz, el interés por la fisonomía, la capacidad de reflejar la

forma en que los humanos utilizan el registro de las emociones y las expresiones

gestuales. Dominaba sobre todo la técnica del «sfumato» y la combinación de sombras

y luces. Todas estas cualidades aparecen reunidas en obras como La Gioconda, La

Última Cena y La Virgen de las rocas.

Década de 1480

En la década de 1480, Leonardo recibió dos grandes encargos y comenzó a

trabajar para otra obra que fue igualmente de gran importancia en términos de

composición. Desgraciadamente, dos de las obras nunca fueron terminadas, y la

tercera fue sometida a un proceso de negociación para la finalización y el pago. Uno de

estos cuadros fue el de San Jerónimo. Liana Bortolon, asocia este cuadro a un período

difícil de la vida de Leonardo, los signos de la melancolía se pueden leer en su diario:

«Pensaba que aprendía a vivir, aprendía sólo a morir». La fijación audaz e innovadora

de la composición de San Jerónimo, con los elementos del paisaje y el drama personal,

aparece igualmente en otra gran obra inacabada, la Adoración de los Magos, un

encargo de los frailes de San Donato en Scopeto.

Fue un cuadro muy complejo, y Leonardo realizó numerosos dibujos y estudios

preparatorios, incluyendo uno muy detallado para la perspectiva lineal de una ruina de

arquitectura clásica que sirve de fondo a la escena. En 1480, el pintor florentino hizo

una obra que ha sido muy famosa, La dama del armiño. Pero, en 1482, a petición

de Lorenzo de Médici, Leonardo marchó a Milán para ganar los favores de Ludovico

Sforza. De tal manera que abandonó la creación de dicho cuadro. La tercera obra

importante de este período fue La Virgen de las Rocas (de esta obra hubo dos

versiones, ambas atribuidas a Leonardo ), que fue un encargo de la cofradía de

la Inmaculada Concepción de Milán. La pintura serviría para rellenar un gran retablo ya

construido,34 y tuvo una elaboración casi tan compleja como la Adoración de los

Magos, pese a tener sólo cuatro personajes, y describe un paisaje en lugar de un fondo

arquitectónico. El cuadro pudo ser terminado, se hicieron dos versiones de la pintura: la

que ha quedado en la capilla de la cofradía, y una segunda versión hecha algunos años

más tarde, con el añadido de las aureolas y el bastón de Juan Bautista.

Dibujos

Dibujo preliminar de La Virgen, el Niño Jesús y santa Ana.

Leonardo no fue un pintor prolífico pero, en cambio, fue un dibujante muy

productivo; llegó a llenar sus diarios de pequeños croquis y dibujos muy detallados para

dejar constancia de todo lo que había atraído su atención. Además de sus notas,

existen numerosos estudios de sus pinturas, del que algunas son bocetos preparatorios

de obras como Adoración de los Magos, La Virgen de las Rocasy La Santa Cena. Su

primer dibujo fechado fue Paisaje del valle del Arno de 1473, donde se puede observar

el río, las montañas, el castillo Montelupo y, más allá, las explotaciones agrícolas

hechas con gran detalle.

Entre los dibujos más célebres está el Hombre de Vitruvio, un estudio de las

proporciones del cuerpo humano, el Jefe del ángel, La Virgen de las Rocas y La Virgen,

el Niño Jesús con santa Ana y san Juan Bautista, que fue un gran dibujo (160x100 cm)

en yeso blanco y negro sobre un papel de color; en él utiliza la técnica sutil del

«sfumato». Este tema de Santa Ana, junto con el de la Sagrada Familia, predominaría

en la obra de Leonardo de 1500 a 1517. No parece que Leonardo hubiera hecho

ninguna pintura a partir de este dibujo, pero un cuadro bastante próximo es La Virgen,

el Niño Jesús y santa Ana.

Entre otros dibujos de interés cabe destacar numerosos estudios

«caricaturescos» que, aunque exagerados, parecen estar basados en la observación

de modelos vivos. Vasari refiere que cuando Leonardo veía una persona que tenía una

cara interesante, la seguía durante todo el día para poder observarla y dibujar con

detenimiento.

Escultura

No ha llegado a nuestros días ninguna de sus esculturas. El proyecto escultórico

de Leonardo del que más se sabe es el de una estatua ecuestre que representara

a Francisco Sforza, padre de Ludovico el Moro. Sobrepasaba en tamaño las otras dos

estatuas ecuestres de bronce del

Renacimiento: Gattamelata de Donatello en Padua y Bartolomeo

Colleoni de Verrocchio en Venecia. Leonardo ejecutó en arcilla el modelo, conocido

como el "Gran Caballo". Estaba previsto que fuera una estatua en bronce, de

8 metros de altura, y se alzaría en Milán. Se prepararon 70 toneladas de metal para

moldearla. El monumento quedó sin acabar durante varios años, lo que no era inusual

en Leonardo.68 En 1495 el bronce se usó para fabricar cañones para el Duque en un

intento de salvar Milán de los franceses bajo el reinado de Carlos VIII de Francia en

1495. Por iniciativa privada, se construyó en 1999 en Nueva York una estatua

construida según sus planos que fue donada a la ciudad de Milán, donde se erigió.

El humanismo renacentista no ve polaridades mutuamente excluyentes entre la

ciencia y las artes. Los estudios de Leonardo en ciencias en ingeniería son tan

impresionantes e innovadores como su obra artística, y fueron registrados en sus

diarios y cuadernos de notas, que comprenden 13.000 páginas de texto y dibujos,

asociando arte y filosofía natural (precedente de la ciencia moderna). Tales notas eran

realizadas y puestas al día de manera cotidiana a lo largo de toda la vida y viajes de

Leonardo. De manera constante se esfuerza por hacer observaciones del mundo que le

rodea, consciente y orgulloso de ser, como él se definía, un «iletrado», autodidacta y

lúcido observador de fenómenos naturales a menudo alejados de lo que se aprendía en

la escuela.

Estos diarios están en su mayor parte redactados usando escritura especular,

también llamada "en espejo", lo que pudo haberse debido más a razones prácticas, por

ser este método de escritura más rápido, que a razones de cifrado, como se ha

sugerido tantas veces. Dado que Leonardo escribía con la mano izquierda, le resultaba

más cómodo hacerlo de derecha a izquierda. Sus notas y dibujos, estando fechados los

más antiguos en 1475, muestran una gran variedad de intereses y de preocupaciones,

incluso simples listas de la compra o de dinero prestado. Hay composiciones de

cuadros, estudios de detalles y de tapices, estudios sobre las expresiones

faciales, animales, disecciones, bebés, estudios de botánica y geología, máquinas de

guerra, máquinas voladoras y trabajos de arquitectura.

Estos carnets (inicialmente hojas volanderas de diferentes tamaños y tipos,

regalados a su muerte por sus amistades) han encontrado su lugar en colecciones

importantes como las expuestas en el Castillo de Windsor, en el Museo del Louvre, en

la Biblioteca Nacional de España, en la Biblioteca ambrosiana de Milán, o el Victoria

and Albert Museum y laBritish Library de Londres. La British Library ha puesto en

internet una selección (BL Arundel MS 263). El Codex Leicester o Codex Hammer es el

único gran trabajo de estas características que se encuentra en manos privadas. Fue

comprado por Bill Gates por la cantidad récord de 30.802.500 dólares, en Christie's,

Nueva York, 11 de noviembre de 1994.

Ingeniería e inventos

El tornillo aéreo (arriba), 1486, considerado como el antecesor del helicóptero.

(abajo) Experimento sobre la fuerza de sustentación de un ala. Cuántas biografías se

habrán escrito que sólo mencionan esta actividad científica o técnica para mostrar la

extensión de un saber que se pretende universal. Todo esto sólo pudo hacerse

penosamente, por una búsqueda constante de lo que habían escrito los antiguos o los

predecores inmediatos. Y a falta de conocer todo este pasado que lo había formado, se ha

presentado a Leonardo como un inventor fecundo Los ingenieros del Renacimiento,

Bertrand Gille.

Leonardo da Vinci se inscribe en la corriente tecnicista del Renacimiento y, como

tal, tuvo predecesores inmediatos o más lejanos entre los que se puede citar a Konrad

Kyeser, Taccola, Roberto Valturio, Filippo Brunelleschi, Jacomo Fontana o Leon

Battista Alberti, al cual probablemente le debe mucho. Algunos de ellos fueron

personalidades más potentes, con un espíritu aún más completo y una curiosidad aún

más amplia que los de Leonardo. Fue el caso por ejemplo de Francesco di Giorgio

Martini, que fue su superior durante la construcción del Duomo de Milán y del cual

Leonardo tomó muchas cosas. Probablemente por estar menos ocupado que Martini

debido a una lista menor de pedidos, Leonardo fue a la vez más prolijo y sobre todo

capaz de un cambio de método.

Junto a Herón de Alejandría, se considera a Leonardo un precursor importante

de un cierto número de máquinas modernas. Sin embargo, más allá del asombro que

provoca la imaginación prospectiva del autor, se puede constatar rápidamente que el

funcionamiento real de las máquinas no debió ser su principal preocupación. Al igual

que el monje Eilmer de Malmesbury, que en el siglo XI olvidó de poner una cola a su

máquina voladora, los inventos de Leonardo chocan con numerosas dificultades: el

helicóptero habría girado sobre sí mismo como una peonza, el buzo se habría asfixiado

y el barco de palas nunca habría podido avanzar. Sin embargo igualmente se ha

postulado que errores específicos en sus diseños pueden haber sido realizados

intencionalmente por Leonardo con el objetivo de evitar la contrucción viable de sus

artefactos por otras personas. En una carta dirigida a Ludovico Sforza, pretende ser

capaz de construir todo tipo de máquinas tanto para la protección de ciudades como

para su asedio. Tras su fuga a Venecia en 1499, encontró empleo como ingeniero y

desarrolló un sistema de barreras móviles para proteger la ciudad de los ataques

terrestres. También proyectó el desvío delrío Arno para irrigar los campos toscanos,

facilitó el transporte e incomodó el acceso marítimo a Pisa, la rival de Florencia.

DONATO DI BETTO BARDI

Florencia, Italia, 1386 – ibídem, 13 de diciembre de 1466 fue un

famoso artistay escultor italiano de principios del Renacimiento. Junto con Leon Battista

Alberti, Brunelleschi y Masaccio, fue uno de los padres del Renacimiento. Donatello se

destacó en una fuerza innovadora en el campo de la escultura monumental y en el

tratamiento de los relieves, donde logró representar una gran profundidad dentro de un

mínimo plano, denominándose con el nombre destiacciato, es decir «relieve aplanado o

aplastado». El David de mármol para la catedral de Santa María del Fiore en Florencia,

fue su primera obra documentada entre 1444 y 1446. En los años sucesivos realizó

numerosas obras en mármol, terracota, bronce y madera para diversos mecenas y

ciudades. Regresó a Florencia en el año 1459 con el encargo de modelar unas placas

en bronce para la Basílica de San Lorenzo y durante su elaboración falleció en

diciembre de 1466.

Entre sus obras más importantes se encuentran el David de bronce en el museo

del Bargello, el Púlpito exterior de la catedral de Prato, la estatua

ecuestre de Gattamelata en Padua, la María Magdalena penitente en el museo

dell'Opera del Duomo en Florencia y Judith y Holofernes en el Palacio Vecchio.

Su revolucionaria concepción de la escultura resulta evidente ya en las grandes

estatuas para nichos destinadas a Orsanmichele y la catedral de Florencia. La

gravedad y el realismo de estas monumentales figuras de mármol contrastan

vivamente con la gracia y el decorativismo del gótico internacional, el estilo vigente en

Europa hasta entonces. Donatello comenzó esta serie en 1411 con el San Marcos y la

concluyó en 1436 con el llamado Zuccone. A esta serie pertenece también el San

Jorge, su primera obra famosa, de la que Vasari afirmó: «Posee el maravilloso don de

moverse dentro de la piedra».

Tras asociarse con su aprendiz Michelozzo, Donatello emprendió a partir de

1427 la realización en Pisa de la tumba del cardenal Brancacci, en la que esculpió en

relieve el tema de la Asunción de la Virgen. Poco después, la tumba de Baldasare

Coscia para el baptisterio de Florencia permitió al artista dar sus primeros pasos en el

difícil arte de la fundición en bronce. El viaje a Roma que realizó el escultor hacia 1430-

1432 condicionó de manera decisiva toda su producción posterior, ya que le brindó la

oportunidad de conocer en directo el arte de la Antigüedad. A su regreso a Florencia

comenzó la famosa Cantoría para la catedral, en la que recreó libremente algunos de

los motivos clásicos admirados en Roma. Poco posterior es su escultura exenta más

famosa, elDavid en bronce, comparable en ciertos aspectos alSan Jorge de su etapa

anterior.

Donatello fue el hijo de Niccoló di Betto Bardi, un cardador de lana, y nació

en Florencia, probablemente en 1386. Su padre era de vida tumultuosa que participó

en la revuelta de los Ciompi, un levantamiento popular del año 1378, organizado por

los cardadores de lana.Nicolás Maquiavelo describió esta revuelta años más tarde

(1520-1525), dentro de su Historia de Florencia. Más tarde, su padre, también participó

en otras acciones en contra de Florencia, que le condujeron a ser condenado a muerte

y después indultado, fue un personaje muy diferente a su hijo, que era noble, elegante

y delicado, por sus amigos y demás artistas era conocido bajo el nombre de Donatello.

Según unos informes de Vasari, el artista pasó sus últimos días abandonado por la

fortuna, sus últimos años a consecuencia de una enfermedad paralizante los pasó en la

cama y sin poder trabajar. Murió en Florencia en el año 1466 y se dispuso su

enterramiento en la Basílica de San Lorenzo en la cripta debajo del altar y al lado de la

tumba de Cosme el Viejo. Entre los hombres que portaron el ataúd se

encontraba Andrea della Robbia. El cenotafio de Donatello fue realizado en 1896 por el

escultor Raffaello Romanelli.

A su muerte aún le quedó la deuda de 34 florines de pago por el alquiler de su

casa y esto ha dado lugar a debatir sobre su estado real de pobreza, pero la cuestión

parece más bien relacionada con su total indiferencia en los asuntos financieros, que

en toda su vida demostró tener el artista, por las cuestiones económicas. Muchas

anécdotas dan testimonio de esta actitud, como cuando en el momento de su mayor

apogeo de trabajo en su taller, solía colgar una cesta llena de dinero, del que sus

ayudantes podían aprovechar libremente, según fuera necesario. Los honorarios que

recibió por su trabajo le habían asegurado grandes ganancias y también por otra parte

Cosme de Médicis le había concedido una paga vitalicia semanal hasta el fin de su

vida.

El artista, según Giorgio Vasari, fue educado en la casa de la familia Martelli; y,

es cierto que recibió su primera formación, en un taller de orfebrería. Entre 1402 a 1404

viajó a Roma con Brunelleschi, para estudiar el arte de la Antigüedad. Vieron gran

cantidad de ruinas antiguas que pudieron estudiar y copiar para posteriormente

inspirarse en ellas. Vasari afirma que hacían excavaciones en busca de «trozos de

capiteles, columnas, entablamentos y restos de edificios».7 Su estancia en Roma fue

decisiva para el completo desarrollo del arte italiano en el siglo XV, fue durante ese

periodo que Brunelleschi estudió las medidas de la cúpula del Panteón y de otras

construcciones romanas. Las construcciones de Brunelleschi y los monumentos de

Donatello fueron la expresión suprema del espíritu en la era en que la arquitectura y la

escultura ejercieron una potente influencia en los pintores de esta época.

Donatello, en 1404 regresó solo a Florencia, para trabajar en el taller de Lorenzo

Ghiberti, donde ayudó en la realización de la cera para la fundición de los modelos de

la puerta norte del Baptisterio de San Juan, hasta 1407. Esta actividad le permitió

adquirir los conocimientos fundamentales de joyería y orfebrería. De hecho, en 1412

existe una nota en el registro de la corporación de pintores que lo nombra como

orfebre.

En la actualidad, el profeta de la izquierda se atribuye, en mayoría, a Donatello,

sobre la base de comparaciones con otras obras de la misma época, como el David en

mármol. El hecho que la otra estatua es probablemente obra de Nanni di Banco, no es

incompatible con los documentos de la catedral, donde consta que Donatello recibió en

1406 y 1408 unos pagos, en recompensa por su trabajo en dos estatuas de profetas

(que no son descritas con detalle); en aquel momento los dos escultores estaban

asociados y participaban en la decoración de la Puerta de la Mandorla de la catedral.

En 1408 se le encargó un David en mármol de medida natural, y que muestra

una escultura más elaborada, para los contrafuertes del coro de la catedral; para el mismo

sitio le encargaron a Nanni di Banco otra estatua en la que debería representar

al profeta Isaías. Si se compara ambas esculturas se observa una flexión del cuerpo en

la de Isaías que continúa siendo gótica y que parece no tener un eje central, mientras,

la del David de Donatello, presenta un contrapposto perfecto. Donatello la realizó

en mármol con una altura de 190 cm, la gran meticulosidad del acabado nos recuerda

la influencia que aún tenía el autor del oficio adquirido durante su aprendizaje en el

taller de Ghiberti. Esta obra no se ha de confundir con una versión posterior sobre el

mismo tema del David que realizó en bronce. En este primer Davidtiene un rostro poco

expresivo, con una corona de amaranto, símbolo profano, y los miembros alargados

aún recordando el estilo gótico tardío, muestra una colocación de contraste, con el

punto de soporte en una pierna, correspondido con una torsión del tronco opuesta, con

lo que forma el clásico contrapposto, el detalle de las manos indican un estudio

profundo de anatomía. En 1416 fue trasladado al Palacio Vecchio y se constituyó como

emblema de la ciudad.

San Juan Evangelista, en el Duomo, Florencia

Entre 1409 y 1411 realizó la colosal figura sedente de San Juan Evangelista,

que hasta 1588 ocupó una hornacina en la fachada antigua de la catedral, al lado del

portal central, con otros tres evangelistas de autores diferentes: San Marcos de Niccolò

di Piero Lamberti, San Lucas de Nanni di Banco, San Mateo de Bernardo Ciuffagni.

Desde 1990 se encuentra colocada en una capilla del Duomo. En esta obra Donatello

dio expresión a su manierismo gótico tardío y no sólo con las referencias cruzadas con

la noble postura de las antiguas estatuas, sino buscando una verdadera humanidad en la

expresión del rostro del santo con la disposición frontal, probablemente influido por la

cabeza del Júpiter capitolino, hombros y torso geométricamente simplificados de

acuerdo con la concepción semicircular, en la parte inferior de la figura la estilización

favorece una naturalidad más acentuada, las manos son realistas y el ropaje que

envuelve las piernas aumenta los volúmenes de los miembros. La estatua con su carga

de fuerza contenida representó un importante modelo para el Moisés de Miguel Ángel.

San Jorge

El San Jorge del año 1417, con el tabernáculo obra también de Donatello, fue un

encargo del Gremio de fabricantes de armaduras; el resultado venía condicionado

porque, evidentemente, el gremio quería una obra donde tuviesen protagonismo las

armas y armaduras. La figura, ligeramente en rotación alrededor del eje central, se

basa en la superposición de tres líneas ovales: la cara con las cejas, el pecho y el

escudo. El trazo de la cabeza, en la dirección opuesta a la del torso, es un recurso del

artista para dinamizar la obra.

El bajorrelieve en piedra de la base, probablemente añadido dos años más

tarde, fue tallado con la técnica de stiacciato; es uno de los primeros ejemplos de una

perspectiva central de punto de fuga, con carácter horizontal y que converge en el

grupo central, con la representación de San Jorge salva a la princesa, sacado de La

leyenda dorada de Jacobus de Voragine. Las líneas de la capa, la armadura del santo y

las alas abiertas del dragón, que captan la atención de la mirada del espectador, están

en la línea del estilo gótico tardío. Pero la nueva concepción del espacio, que parece

extenderse más allá del marco del bajorrelieve, son también punto de referencia, como

también la innovadora función de la luz que sobresale del punto focal de la acción.

San Luis de Tolosa

San Luis de Tolosa lo realizó en el año 1423 en bronce dorado, esta pieza se

encuentra en el Museo dell'Opera de la Santa Croce, pero originalmente estaba en un

tabernáculo diseñado por Donatello. Este tabernáculo pertenecía a los güelfos; cuando

éstos perdieron poder, la tuvieron que vender, entre 1459 y 1460, fue comprada por la

corporación gremial de los comerciantes, que cambiaron la obra por el grupo

escultórico de La incredulidad de Santo Tomás de Andrea Verrocchio. Como se pudo

observar en una restauración de la escultura de San Luis, la construcción fue hecha a

base de piezas fundidas que se ensamblaban entre sí, la mitra y el báculo pastoral se

pueden quitar como piezas sueltas y la mano derecha del santo en posición de

bendecir, es un guante vacío.

Crucifijo

Hay otra referencia sobre un trabajo de esta primera época, de un crucifijo en

madera policromada, que se nombra en un informe de Vasari, con motivo de una

especial competición entre Brunelleschi y Donatello... hizo un Crucifijo de madera, que,

cuando lo hubo acabado, lo mostró a Brunelleschi,muy amigo suyo, para saber su

opinión. Este, que por las palabras de Donatello esperaba ver algo mucho mejor, al

mirarlo se sonrió. Y Donato le rogó, por la amistad que entre ellos había, que le dijese

su parecer. Por lo que Filippo, que era muy liberal, repuso que le parecía que había

puesto en la Cruz a un campesino y no un cuerpo semejante a Jesucristo, que era más

delicado y en todas sus partes el más perfecto de forma humana jamás creada.

Vasari.Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori-IV Donatello ante esta cruel

crítica invitó a Filippo Brunelleschi a producir un trabajo mejor que el suyo. Ante el

crucifijo realizado por su amigo, Donato fue leal y admitió que había sido vencido.

Su datación se coloca entre 1406 y 1408 y como en su obra de los pequeños

profetas, en su atribución hay algunas dudas expresadas creyendo que puede haber

sido realizado por Nanni di Banco, aunque esta teoría no tiene grandes seguidores. El

cuerpo del crucifijo de Donato está realizado según el deseo del comitente, la Orden de

San Francisco, con un realidad del sufrimiento humano y un patetismo para llegar al

pueblo llano, refleja la agonía de Cristo, con lo ojos parcialmente abiertos, la boca

abierta y el cuerpo relajado. Se encuentra en la Basílica de Santa Cruz (Florencia).

El profeta pensativo

El Profeta pensativo, instalado en el tercer orden del campanario de la catedral,

es del año 1418 y está realizado en mármol. Como pasa con el Profeta imberbe, no ha

sido posible identificar al personaje que representa. Su rostro tiene una gran semejanza

con el San Marcos de Orsanmichele, realizado por Donatello poco tiempo antes. Su

ejecución fue hecha con unos trazos que muestran la grandeza y la dignidad del

representado, con el típico gesto de actitud pensativa profunda que lo consigue el

artista, llevando la mano derecha como si estuviera mesándose la barba.22

Sacrificio de Isaac

Entre toda esta serie de esculturas sobre profetas, descuella como excepción —

por formar un grupo de dos personajes— la del Sacrificio de Isaac,

representa Abraham en el acto del sacrificio de su hijo Isaac, mientras los otros

profetas están con gestos meditativos y todos sin identificar, en este grupo se advierte

el movimiento en la cabeza girada de Abraham, como si estuviera pendiente de la

advertencia del ángel para que pare su sacrificio. Se cree que en la ejecución de esta

obra participó su ayudante Nanni de Bartolo.

Profeta Habacuc o Zuccone

El profeta Habacuc conocido popularmente como il Zuccone (el calabacín), fue

realizada la escultura para colocarla en el lado norte del campanario, una de la peores

caras para su visualización, pero una vez hecha la obra, los comitentes de la catedral

quedaron tan satisfechos, que cambiaron su colocación al lado oeste, parte que queda

en paralelo con la fachada de la catedral. En esta escultura, Donatello, realizó el retrato

de un personaje de Florencia llamado Barduccio y que el pueblo lo llamaba Zuccone,

es decir, calabacín, por su cráneo alargado y calvo y de aquí también el nombre

popular de la escultura. Al profeta, Donatello lo representó con una extrema delgadez y

con una larga túnica por donde se le aprecian los brazos desnudos con una excelente

anatomía, lo más impresionante, es el carácter que supo dar a la expresión del rostro,

con un intenso realismo.

Profeta Jeremías

Esta escultura del profeta Jeremías, fue la última realizada por Donatello para el

campanario de la catedral de Florencia, donde se colocó en la misma cara oeste que

el profeta Habacuc. Vasari en su Le Vite cuenta que Donatello empleó como modelo de

esta estatua a Francesco Soderini, un amigo florentino del escultor. La obra tiene una

gran expresividad en su rostro y un muestra un efecto general de grandeza y seriedad.

Obras en Siena

Festín de Herodes en mármol.

El Festín de Herodes en mármol del año 1437, ya había sido tratado este mismo

tema, con material de bronce anteriormente. En el de mármol, el tratamiento llega a un

alto grado de sutileza y difuminación, que demuestra hasta que punto había llegado el

autor, con el dominio en el relieve, con la resolución en la dificultad de la representación

de la parte arquitectónica, así como en las figuras que se encuentran

admirando la danza de Salomé, llena de sensualidad.32

La asociación con Michelozzo

En 1425 se inició la asociación entre el taller de Donatello y Michelozzo, que

duró hasta finales de los años treinta, con una serie de obras importantes en

cooperación. Michelozzo, fue un buen escultor y arquitecto y tenía diez años menos

que Donatello, mientras Donatello fue un indiscutible maestro de la escultura.

Michelozzo, antiguo discípulo de Brunelleschi, por lo general se dedicaba a la

resolución de asuntos relacionados con el aspecto social cotidiano y la arquitectura.

Monumentos fúnebres

Púlpito exterior de la catedral de Prato

tancia, la creación del púlpito exterior de la catedral de Prato, con la intención de

utilizarlo para la exposición de la reliquia de la Sagrado Cíngulo de la Virgen. En el

contrato, firmado por Michelozzo en nombre de ambos, se les da un plazo de ejecución

dentro de los siguientes quince meses, cláusula que se rebasó ampliamente, ya que

duró, a pesar de las reiteradas protestas de los comitentes, hasta finales de los años

treinta. La arquitectura se da por unanimidad a Michelozzo y todos los relieves con putti

a Donatello, al menos en el diseño, ya que la escultura se ha constatado que no es

siempre de la mano del maestro, seguramente, algunas se realizaron por los

numerosos ayudantes de que dispusieron. Las esculturas originales se conservan en

el Museo dell'Opera del Duomo (Prato) y se han colocado unas copias en el exterior.

Retrato de Niccolò da Uzzano.

Después de completar el púlpito, las pistas de la colaboración entre los dos

artistas se pierden. Michelozzo empezó a dedicarse cada vez más a la arquitectura,

convirtiéndose en el arquitecto de Cosme el Viejo, y Donatello siguió sin interrupción

con la creación de obras escultóricas.El retrato de Niccolò da Uzzano es

un busto en terracota policromada, que data de alrededor de 1432, a su vuelta del viaje

efectuado a Roma. Los retratos en forma de busto siguieron siendo utilizados en

el Quattrocento con la nueva concepción humanística que imponía la representación

con gran parecido físico, pero también con la afirmación de la personalidad del

retratado.

Según Leon Battista Alberti,el artista debía «caracterizar pero también

establecer relaciones armoniosas». Es posible que la petición le viniera del propio

Uzzano, ya que fue uno de los encargados de proponerle la realización de la tumba del

antipapa Juan XXIII. Sin embargo, parece que por las líneas tan marcadas del rostro,

fue realizado a partir de una mascarilla mortuoria. La calidad del modelado se compara

con algunas esculturas ejecutadas por Donatello, como las de losprofetas

Habacuc y Jeremías.

Cantoría de Santa María del Fiore

De regreso de su segundo viaje a Roma, Donatello firmó el contrato con

la catedral de Santa Maria del Fiore de Florencia con fecha 10 de julio de 1433 para

realizar una de las dos cantorías o tribunas de las que quería disponer la iglesia. La

primera, para la instalación del órgano, se pidió su realización en 1431 a Luca della

Robbia, para colocarla por encima de la puerta de la sacristía de las Misas en el

sureste del crucero. La de Donatello tenía que estar dispuesta simétricamente, en el lado

contrario sobre la otra sacristía de los Canónigos y estaba destinada para los

niños cantantes del coro de la catedral, fue terminada en 1439. Ambas tribunas se

conservan, los originales, en el Museo dell'Opera del Duomo.

La tribuna muestra la combinación de arquitectura, relieve y mosaico policromo,

mezclado con motivos clásicos de dentellones y guirnaldas. Descansa sobre cinco

fuertes ménsulas. En los putti copiados de antiguos sarcófagos romanos, consigue el

máximo movimiento y expresividad gracias a la composición por medio de líneas en

diagonal de los pequeños cuerpos de los ángeles, en contraposición con la verticalidad

de las columnas de separación de las escenas. Los pequeños ángeles bailan

alegremente, con distintas posiciones, en el friso entre las columnillas, en general,

representan los cantos en alabanza a Dios: Alabadle con clamor de cuerno, alabadle

con arpa y con cítara, alabadle con tamboril y danza, alabadle con laúd y flauta,

alabadle con retumbantes címbalos, alabadle con címbalos de aclamación (...).

Tabernáculo de la Anunciación Cavalcanti obra de Donatello.

Cerca del año 1435 realizó el tabernáculo de la Anunciación para el altar

Cavalcanti de la Basílica de Santa Cruz (Florencia). La obra muestra una desviación

del dinámico estilo usual de Donatello, que aquí creó una escena de gran dulzura y

belleza. La Anunciación, está insertada dentro de un tabernáculo renacentista,

compuesto por un basamento, con el apoyo de dos ménsulas que muestran los

escudos de los Cavalcanti, familia emparentada con Cosme de Médici y que fue la que

le encargó la obra a Donatello. La rica ornamentación de toques dorados acentúa las

líneas pero, no influye de ninguna manera en la calma y la concentración del encuentro

sacro.

Los dos protagonistas la Virgen y el Ángel, están realizados en alto relieve y

representados en el momento de la aparición angelical. La Virgen escucha con

sorpresa moderada y con una reacción controlada. Su figura está modelada según el

ideal anatómico de los antiguos, pero supera el arte antiguo en la expresión de una

emoción más profunda. El ángel, arrodillado ante ella, la mira con timidez y con

dulzura, estableciendo un estrecho diálogo visual que hace la escena extremadamente

ligera y viva.No se muestra ninguna alusión al jardín cerrado (hortus conclusus)

símbolo de la virginidad de María, y tampoco el ángel lleva el tradicional lirio (símbolo

de la pureza) así como no se aprecia la disposición de una cama, cosas bastantes

frecuentes en las representaciones de la Anunciación durante el Trecento y

el Quattrocento. El símbolo iconográfico de la paloma perteneciente al Espíritu Santo,

tampoco está presente.

Otras obras

Se considera a Donatello como un gran experto en el tema infantil, sobre todo en

la expresión de la alegría de los niños como ya había hecho en las tribunas de las

catedrales de Florencia y del Púlpito exterior de la catedral de Prato. En la figura

del Amorcillo danzanteguardada en el museo Bargello, esá tratada como un tema

clásico y con una interpretación de gran vivacidad y un magnífico realismo.

RAFFAELLO SANZIO

Nació en Urbino, 6 de abril de 1483 y murió en Roma, 7 de abril de 1520 ,

también conocido como Rafael de Urbino o, simplemente, como Rafael fue

un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Además de su labor pictórica, que

sería admirada e imitada durante siglos, realizó importantes aportes en la arquitectura

y, como inspector de antigüedades, se interesó en el estudio y conservación de los

vestigios grecorromanos.Hijo de un pintor de modesta relevancia, fue considerado un

niño prodigio por su

precoz habilidad y al quedar huérfano se formó en los talleres de varios artistas de

prestigio. A los 25 años obtuvo su primer encargo oficial, la decoración de las Estancias

Vaticanas, donde pintó algunos frescos como La escuela de Atenas, considerado una

de sus obras cumbre. Es célebre por la perfección y gracia de sus artes visuales,

destacando en trabajos de pintura y dibujo artístico. Junto con Miguel Ángel y Leonardo

da Vinci forma el trío de los grandes maestros del período.

Nació en Viernes Santo y falleció en esta misma festividad el día que cumplió 37

años. Fue un artista muy productivo, en parte gracias a que dirigió un taller conformado

por numerosos colaboradores, y, a pesar de su muerte prematura, dejó una extensa

obra que en gran parte aún se conserva. La mayor parte de su trabajo está alojado en

los Museos Vaticanos, ya que decoró con frescos las habitaciones conocidas como

las Estancias de Rafael, el principal encargo de su carrera, que quedó sin terminar a

causa de su muerte y fue completado por ayudantes. Después de sus años de juventud

en Roma, gran parte de su obra, a pesar de haber sido diseñada por él, fue ejecutada

por su taller, con una considerable pérdida de calidad. Ejerció gran influencia en su

época; aunque fuera de Roma su obra fue conocida sobre todo a través de la

producción que hicieron los talleres de grabado que colaboraban con él. Después de su

muerte, la influencia de su principal rival, Miguel Ángel, se intensificó hasta los siglos

XVIII y XIX, cuando las cualidades más serenas y armoniosas de Rafael, fueron

consideradas de nuevo como un modelo superior.

Su carrera se dividió de manera natural en tres fases y tres estilos, descritos así

por Giorgio Vasari: sus primeros años enUmbría, el periodo posterior de cuatro años

en Florencia (1504-1508), donde absorbió las tradiciones artísticas de la ciudad, y

finalmente su último y triunfal período de doce años en Roma, trabajando para

los papas y su corte.

Los desposorios de la Virgen de Rafael Sanzio. En esta obra, se puede apreciar la

influencia de Perugino en la manera de pintar del joven.

Su madre, Magia di Battista di Nicola Ciarla , murió en 1491 y el 1 de

agosto de 1494, Giovanni Santi, su padre, volvió a casarse. Con tan sólo 11 años,

quedó huérfano y bajo la custodia legal de su tío Bartolomeo, sacerdote, que inició un

litigio con la madrastra del chico. Sin embargo, Rafael continuó viviendo con ella

cuando no acudía a su aprendizaje con un maestro. Aun así, ya había dado muestra de

su talento, según Giorgio Vasari, quien cuenta que había sido "una gran ayuda para su

padre". Un brillante autorretrato de su adolescencia muestra su precoz talento. El taller

de su padre continuó y, probablemente en compañía de su madrastra, jugó un

relevante papel en su gestión desde su juventud. En Urbino tuvo la oportunidad de

conocer la obra de Paolo Uccello, el precedente pintor de la corte († 1475), y de Luca

Signorelli, quien hasta el año 1498 residió y trabajó en la próxima Città di Castello.

Según Vasari, su padre lo colocó en el taller del maestro de Umbria Pietro

Perugino como aprendiz, «a pesar de las lágrimas de su madre». La evidencia de un

periodo de aprendizaje viene sólo de Vasari y de otra fuente, y ha sido discutida,

porque su madre murió cuando él tenía ocho años, lo que sería demasiado pronto para

comenzar a formarse. Una teoría alternativa es que recibió algún adiestramiento

de Timoteo Viti, un pintor de la corte de Urbino desde 1495. Pero los historiadores

modernos están de acuerdo en que Rafael trabajó al menos como ayudante de

Perugino desde alrededor de 1500; la influencia de Perugino en sus primeras obras es muy

evidente: "probablemente ningún otro discípulo de talento había absorbido las

enseñanzas de su maestro como lo hizo Rafael, aún comparándolo con Leonardo da

Vinci y Miguel Ángel", según Wölfflin. Vasari escribe que, en cuanto a este período, era

imposible distinguir las obras de ambos artistas, pero muchos historiadores del

arte modernos afirman haber detectado las partes que Rafael pintó como ayudante en

obras de Perugino o de su taller. Aparte de la similitud estilística, sus técnicas eran

también muy similares, por ejemplo en la densa aplicación de la pintura, con el uso de

un medio a base de barniz, en las sombras y los adornos oscuros, pero con una

aplicación más ligera en las partes de carne. Sin embargo, el exceso de resina en el

barniz, ha causado a menudo grietas en áreas de las pinturas de ambos maestros. El

taller de Perugino estaba activo tanto en Perugia como en Florencia, quizá con dos

sucursales permanentes. Se considera que en 1501 Rafael era un Maestro de Pleno

Derecho, completamente formado.

Su primera obra documentada fue el Retablo Baronci —aunque hay una

controversia con La resurrección de Cristo que fue realizada entre los años 1499 y

1501— para la Iglesia de San Nicolás de Tolentino en Città di Castello, una ciudad a

medio camino entre Perugia y Urbino. Evangelista di Pian di Meleto, quien había

trabajado para su padre, compartió el encargo de la obra, que data de 1500 y fue

terminada en 1501, hoy en día sólo quedan algunas porciones y un boceto

preparatorio. Durante los siguientes años pintó obras para otras iglesias, incluyendo

la Crucifixión Mond —alrededor de 1503— y Los desposorios de la Virgen de

la Pinacoteca di Brera, así como obras para Perugia, como el Retablo Oddi —La

anunciación , La Adoración de los Magos y La coronación de la Virgen 1501-1503—.

Probablemente también visitó Florencia en esta época. Se trata de obras mayores,

algunas de ellas como frescos, en las que Rafael limita la composición al estático estilo

de Perugino. En estos años también pintó muchas pequeñas y exquisitas pinturas de

caballete, la mayor parte probablemente para amantes de la pintura de la corte de

Urbino, como Las Gracias, El sueño del caballero o San Miguel, y empezó a

pintar Virgen con el Niño entronizados y santos.

En el año de 1502 fue a Siena por invitación de otro discípulo de

Perugino, Pinturicchio, "al ser amigo de Rafael y conocedor de su capacidad como

artista de la más elevada calidad", porque le ayudó con las obras, y muy

probablemente con los dibujos, para una serie de frescos en la Biblioteca

Piccolomini de la Catedral de Siena. Es evidente que en esta etapa temprana de su

carrera ya era un artista solicitado.

Otros proyectos

Los proyectos en el Vaticano ocuparon la mayor parte de su tiempo, pero aun

así pintó algunos retratos, incluyendo los de sus mecenas, los papas Julio II y León X,

el primero de los cuales es considerado como uno de sus mejores retratos. Otros

retratos fueron los de sus amigos, como Castiglione, o de personajes del círculo de los

papas. Algunos gobernantes lo presionaron con hacer sus respectivos encargos, como

a Francisco I de Francia que le fueron enviados dos pinturas como presente

diplomático del papado. Para Agostino Chigi, el inmensamente rico tesorero del papa,

Rafael pintó La Galatea, diseñó frescos decorativos para su Villa Farnesina y pintó dos

capillas en las iglesias de Santa Maria della Pace y Santa Maria del Popolo. También

diseñó parte de la decoración de la Villa Madama, sin embargo, la obra de ambas villas

fue realizada por su taller.

Tras la muerte de Rafael, la actividad del taller continuó, sin embargo, muchas

de sus pinturas quedaron incompletas, así como algunas de sus posesiones. Los

miembros más destacados fueron Giulio Romano, joven discípulo de origen romano —

de 21 años —, y Gianfrancesco Penni, ya considerado un maestro, de origen florentino.

Penni no alcanzó el mismo nivel de reputación personal que Giulio, y después de la

muerte de Rafael, ocupó el puesto de ayudante de Giulio Romano durante la mayor

parte de su carrera.Perino del Vaga, ya un maestro, y Polidoro da Caravaggio, quien

supuestamente ascendió a la posición de pintor luego de ocupar el humilde oficio de

trasportar materiales para los obreros, también llegaron a ser importantes

pintores. Maturino da Firenze, como en el caso de Penni, fue eclipsado por la fama de

su compañero Polidoro. Giovanni da Udine gozaba de un estatus más independiente, y

fue responsable de la decoración en estuco y los grotescos que decoraban los

principales frescos.52 La mayor parte de los artistas se dispersaron, y algunos de ellos

tuvieron una muerte violenta a raíz del saqueo de Roma de 1527.

3 Esto contribuyó a la

difusión del estilo de Rafael por toda Italia y a lugares más lejanos.

Vasari da mucha importancia al hecho de que Rafael logró un armonioso y

eficiente taller, y al igual su habilidad y paciencia en la resolución de los conflictos o

disputas entre los clientes y sus ayudantes, algo que carecía Miguel Ángel con ambos

colectivos. Aun así, hoy en día, es casi imposible descifrar las partes que Rafael y sus

ayudantes realizaron, ya que, tanto Giulio como Penn, eran diestros, no hay duda de

que muchas de las últimas obras murales de Rafael, y probablemente algunas de sus

obras de caballete, destacan más por el dibujo que por la ejecución. Sin embargo,

muchos de sus retratos, que se encuentran en buenas condiciones, muestran la

brillante técnica de ejecución que alcanzó al final de su vida.

Otros de sus destacados discípulos y ayudantes fueron Raffaellino del

Colle, Andrea Sabbatini, Bartolommeo Ramenghi, Pellegrino Aretusi, Vincenzo

Tamagni, Battista Dossi,Tommaso Vincidor, Timoteo Viti—pintor de Urbino—, así como

el escultor y arquitecto Lorenzetto—cuñado de Giulio Romano. Se ha dicho que el

flamenco Bernard van Orleytrabajó durante un tiempo para Rafael, y que Luca Penni,

hermano de Gianfrancesco, tal vez fue miembro del taller.

A lo largo de su vida realizó varios retratos donde mostró una gran medida de

gracia y armonía, ejemplo de esto fue el de Baltasar de Castiglione. Las Madonne y

los bambinillenos de belleza y elegancia fueron un tema recurrente tanto en sus

retratos como en sus pinturas. En la "Última Cena" dio un gran protagonismo a la figura

de los apóstoles. De igual manera realizó retratos de grandes personajes como:

del Cardenal Bibbiena (c. 1516), el Retrato de Andrea Navagero y Agostino

Beazzano (c. 1516), Retrato de Bindo Altoviti (c. 1514), Retrato de Tommaso

Inghirami (1515-1516), Retrato de cardenal (1510-1511), Retrato de Julio II (1511–

1512) y Retrato del cardenal Alessandro Farnese(1509-1511). Muchos de ellos se

encuentran hoy dispersos en los museos y galerías de Europa.

Arquitectura

Tras la muerte de Bramante, en 1514, fue nombrado arquitecto de la basílica de

San Pedro. La mayor parte de sus obras arquitectónicas han sido derrumbadas o

modificadas después de su muerte y a raíz de la aceptación de los diseños de Miguel

Ángel, pero, sobreviven unos pocos diseños. Para el análisis de estos, se llevó a cabo

el examen de un templo que se encontraba muy oscuro, con grandes pilares a lo largo,

«como un callejón» según un análisis crítico y póstumo de Antonio da Sangallo el

Joven. Existe también la hipótesis de que el templo tiene un parecido con el santuario

de La expulsión de Heliodoro del templo.

57 Rafael diseñó otros edificios, y durante un

corto tiempo se le consideró el arquitecto más importante de Roma y el preferido del

círculo social del papa. Julio había hecho cambios en la disposición urbanística de la

ciudad, creando varias vías públicas, las cuales aparentaban esplendorosos palacios.

Un importante edificio, el Palazzo Branconio dell'Aquila del chambelán de León

X, fue completamente derrumbado para hacer lugar a la plaza diseñada

por Bernini para San Pedro, obra que jamás se realizó, pero se han conservado dibujos

de la fachada y del patio. La fachada gozaba de una abigarrada decoración, inusual

para la época, incluyendo tanto paneles pintados en el piso superior (de tres) como

profusión de esculturas en el piso intermedio. El diseño básico de la Villa Farnesina no

fue de Rafael, pero él diseñó y pintó la Capilla Chigi para el propietario, Agostino Chigi,

tesorero del papa. Otro edificio, para el doctor del papa León, el Palazzo di Jacobo da

Brescia, el cual fue trasladado en la década de 1930, y actualmente se mantiene en

pie; dicho edificio fue diseñado como complemento de un palacio de la misma calle,

obra de Bramante, donde el mismo Rafael residió durante un tiempo.

La Villa Madama, una espléndida residencia de recreo del cardenal Julio de

Médicis, posteriormente del papa Clemente VII, nunca fue terminada, pero sus planos

revelan su propósito. Se hizo un diseño a partir de los planos constructivos por Antonio

da Sangallo el Joven y aunque incompleta, era la villa más sofisticada diseñada hasta

el momento en Italia. De este modo, influyó de manera importante en los diseños

posteriores de este tipo de edificio. (éste parece ser el único edificio moderno

deRoma del cual Palladio hizo un dibujo medido).

Sólo quedan los planos de la planta baja de un gran palacio diseñado por él

mismo a la nueva «Via Giulia», en el Borgo, para el cual estuvo acumulando el terreno

en sus últimos años. Se encontraba en una manzana irregular cerca del río Tíber.

Parece que las fachadas debían incluir una orden gigante de pilastras elevándose al

menos dos plantas hasta la altura completa de la planta noble, «un estilo

grandilocuente sin precedentes en un palacio de carácter privado». En 1515, le fueron

otorgados poderes como "Prefecto" sobre todas las antigüedades que se desenterraran

en la ciudad y hasta una milla alrededor de esta. Rafael escribió una carta al papa León

sugiriendo medidas para impedir la destrucción de los monumentos antiguos, y propuso

una inspección visual de la ciudad para registrar las antigüedades de manera

organizada. La opinión del Papa era diferente, quería seguir reutilizando las antiguas

fábricas para la construcción de San Pedro, pero quería que todas las inscripciones

antiguas quedaran documentadas, así como también conservar las esculturas, antes

de dar permiso para el uso de la piedra.

Se le considera uno de los dibujantes más finos en la historia del arte

occidental y uno de los que usó ampliamente el dibujo para planear sus composiciones.

Según Armerina, experta en la vida del artista, cuenta, que cuando éste empezaba a

planear una composición, extendía en el suelo un gran número de dibujos que

conservaba archivados, y comenzaba rápidamente a dibujar, utilizando figuras de «aquí

y de allá». Han sobrevivido unos cuarenta bocetos de la Disputa de las Estancias y

probablemente haya más entre las cuatrocientas hojas que se tienen actualmente de

sus pre-diseños. Hizo muchos dibujos para perfilar las posturas y las composiciones,

aparentemente en cantidad superior a la de otros pintores, a juzgar por la gran cantidad

de variantes que han sobrevivido: «... Es así como el mismo Rafael, que tenía tanta

riqueza inventiva, solía trabajar, siempre partiendo de cuatro o seis maneras diferentes

de exponer la escena, cada una de ellas diferente al resto, y todas ellas llenas de

gracia y finura» escribió un autor tras la muerte de éste.69 Para John Shearman, el arte

de Rafael marca «un desplazamiento de los recursos desde la producción hacia la

investigación y el desarrollo».

Cuando estaba satisfecho con una composición a menudo la trasladaba a cartón

a escala real, que posteriormente perforaba con un punzón, dejando agujeros por

donde dejaba pasar un poco de hollín, de modo que quedaban líneas en la superficie

final como guía. También hizo un uso exhaustivo y poco habitual, tanto en papel como

en yeso, de una «aguja ciega», marcando líneas que dejaban sólo una hendidura, pero

ninguna marca. Estas pueden ser vistas en el muro de La escuela de Atenas y en

muchos otros dibujos. Los Cartones de Rafael, como diseños para tapices que eran,

fueron completamente coloreados con pintura al temple, y fueron enviados

a Bruselas para ser tejidos.

En las últimas obras pintadas por el taller, los dibujos son a menudo mucho

mejores que la pintura. La mayor parte de sus dibujos son bastante detallados, incluso

los bocetos iniciales con figuras desnudas están cuidadosamente hechos, y los

posteriores dibujos de preparación tienen un alto nivel de acabado, con sombreados y,

a veces, zonas iluminadas en blanco. Carecían de la libertad y la energía de algunos

de los bocetos de Leonardo o de Miguel Ángel, pero siempre muy satisfactorios desde

el punto de vista estético. Fue uno de los últimos artistas en utilizar de manera habitual

un dispositivo metálico, aunque también supo hacer un soberbio uso de la técnica más

libre del carbón rojo o negro. En sus últimos años fue uno de los primeros artistas en

usar modelos femeninos para dibujos preparatorios, aunque cabe mencionar que

habitualmente se usaban hombres para estudio de ambos sexos.

Fue nombrado mayordomo del Papa León X, lo que le daba un cierto estatus

ante la corte y unos ingresos adicionales, así como también, caballero de la Orden

Papal de la Espuela Dorada. Vasari afirma que estos nombramientos, y al igual que los

muchos encargos hechos por estos, pudieron ser motivo y explicación del retraso de

su casamiento. Según Vasari, su prematura muerte en un Viernes Santo (6 de abril

de 1520, posiblemente el día de su aniversario treinta y siete) fue debido a una noche

en la cual tuvo excesivas relaciones sexuales con «La Fornarina», tras lo cual enfermó

con fiebre, y al no confesarle a los doctores la verdadera causa, no le fue administrado

el cuidado correcto, lo que le causó la muerte. Fuese cual fuese la causa, en la

agudización de su enfermedad, que duró quince días, pudo recibir laextremaunción y

puso sus cosas en orden. Dictó su testamento, mediante el cual dejó suficiente dinero

para manutención de su amante, confiados a su leal sirviente Baviera, y dejó la mayor

parte del contenido de su taller a Giulio Romano y a Penni. Cumpliendo su solicitud, fue

enterrado en el Panteón de Roma.

Gozó de la admiración de sus contemporáneos, aunque su influencia en el

desarrollo del arte en su siglo fue menor que la de Miguel Ángel. El manierismo, que

comenzó más o menos en el tiempo de su muerte, y el barroco posterior, llevaron el

arte en una «dirección completamente opuesta» a las cualidades rafaelinas; 6

«con la

muerte de Rafael, el arte clásico —el Alto Renacimiento—se hundió», según manifiesta

Walter Friedlander. Sin embargo, pronto fue considerado como modelo ideal para

aquellos que detestaban los excesos del manierismo:

La opinión ... generalmente mantenida a mediados del siglo XVI era que Rafael

representaba el pintor idealmente equilibrado, universal en su talento, completo en

todos los sentidos, y respetuoso con todas las reglas que supuestamente debían

gobernar las artes, mientras que Miguel Ángel era el genio excéntrico, más brillante que

otros artistas en su campo particular, el dibujo del desnudo masculino, pero

desequilibrado y carente de ciertas cualidades, como la gracia y la contención,

esenciales para un gran artista. Quienes, como Dolce y Pietro Aretino, que sostenían

este punto de vista fueron generalmente los supervivientes del Humanismo

Renacentista, incapaces de apoyar a Miguel Ángel por su deriva manierista.

Las composiciones de Rafael han sido siempre admiradas y estudiadas, y se

han convertido «joya» del arte académico. El período de mayor influencia se extendió

desde finales del siglo XVII hasta finales del siglo XIX, en que fueron muy admirados

tanto su perfecto equilibrio como su decoro. Fue visto como el modelo perfecto de la

historia de la pintura, y a mismo tiempo era considerado como el más elevado de

la jerarquía de géneros. Sir Joshua Reynolds, en su obra Discursos, alabó su «simple,

grave y majestuosa dignidad» y dijo que «se sitúa como el principal de los primeros

[sobre los mejores] pintores», especialmente por sus frescos (entre los que incluía

los Cartones) , mientras que «Miguel Ángel reclama el siguiente lugar. No poseía tantas

cualidades excelsas y descomunales como Rafael, pero las que poseyó eran del más

alto nivel». Haciéndose eco de las opiniones del siglo XVI expresadas anteriormente,

Reynolds concluye: La excelencia de este hombre extraordinario radica en el decoro,

belleza y majestad de sus personajes, la juiciosa organización de su composición, la

corrección del dibujo, la pureza de gusto y la talentosa adaptación de contribuciones

ajenas a sus propios objetivos . Nadie le superó en este juicio, en saber unir la propia

observación de la naturaleza, la energía de Miguel Ángel y la belleza y simplicidad del

arte antiguo. Por tanto, a la pregunta de quién debería ostentar el primer puesto, Rafael

o Miguel Ángel, debería contestarse, que si fuese a concederse a quien posee

cualidades en el arte superiores a cualquier otro, no hay duda de que Rafael es el

primero. Pero si, según Longinos, lo sublime, considerado como la mayor obra que el

hombre puede conseguir, compensa abundantemente la ausencia de cualquier otra

belleza y neutraliza cualquier otra deficiencia, entonces Miguel Ángel pediría la

preeminencia.

Reynolds mostraba menos entusiasmo por las pinturas de caballete de Rafael,

pero la ligera sentimentalidad que desprenden las hizo muy populares durante el siglo

XIX: «Nos hemos acostumbrado a ellas desde la infancia, a través de un enorme

número de reproducciones, cosa jamás hecha por algún otro artista...» escribió Wölfflin,

quien había nacido en 1862, sobre la obra Las Vírgenes del florentino. En Inglaterra, en

el siglo XIX, la Hermandad Prerrafaelista reaccionó explícitamente en contra de su

influencia (y también en contra de la de sus admiradores, como «Sir Sploshua»), en

busca de un retorno hacia los estilos anteriores a su «nefasta» influencia. Según John

Ruskin:

La maldición de las artes en Europa vino de esta cámara [la Stanza della

Segnatura], provocada en gran parte por las grandes cualidades del hombre que había

marcado el inicio del declive. La perfección de la ejecución y la belleza formal

características de su obra y de la de sus contemporáneos hicieron del acabado de la

ejecución y la belleza de la forma del objeto clave de todos los artistas, y desde

entonces la ejecución fue considerada más importante que la idea, y la belleza más

importante que la verdad. Y como os decía, estas son las dos causas secundarias del

declive del Arte, siendo la primera de ellas la pérdida del propósito moral. Hay que

expresarse claramente. En el arte medieval, la idea es el elemento principal, la

ejecución en segundo lugar, en el arte moderno la ejecución es el elemento más

importante, y la idea el segundo. Y nuevamente, en el arte medieval la verdad es el

elemento más importante, la belleza va en segundo lugar, en el arte moderno la belleza

es el elemento principal, y la verdad el segundo. Los principios medievales hicieron

ascender el arte hacia Rafael, y los principios modernos lo hicieron descender desde él.

NICOLÁS COPÉRNICO

Nació en Toruń, Prusia, Polonia, 19 de febrero de1473- y murió en

Frombork, Prusia, Polonia, 24 de mayo de 1543) fue

un astrónomo del Renacimiento que formuló la teoría heliocéntrica delSistema Solar,

concebida en primera instancia por Aristarco de Samos. Su libro De revolutionibus

orbium coelestium (Sobre las revoluciones de las esferas celestes) suele ser

considerado como el punto inicial o fundador de la astronomía moderna, además de ser

una pieza clave en lo que se llamó la Revolución Científica en la época

del Renacimiento. Copérnico pasó cerca de veinticinco años trabajando en el desarrollo

de su modelo heliocéntrico del universo. En aquella época resultó difícil que los

científicos lo aceptaran, ya que suponía una auténtica revolución. Copérnico

era matemático, astrónomo, jurista, físico, clérigo católicoromano, gobernador, líder mili

tar, diplomático y economista. Junto con sus extensas responsabilidades, la astronomía

figuraba como poco más que una distracción. Por su enorme contribución a la

astronomía, en 1935 se dio el nombre «Copernicus» a uno de los

mayores cráteres lunares, ubicado en el Mare Insularum.

El modelo heliocéntrico es considerado una de las teorías más importantes en la

historia de la ciencia occidental. Copérnico no publicó su obra en la que defendía el

heliocentrismo hasta 1543, año de su fallecimiento, teniendo la admiración de las

autoridades eclesiásticas de la Iglesia Católica Romana; sin embargo, sus libros serían

incluidos en el Index, muchos años después de su muerte, con el caso Galileo. La

afirmación periodística acerca de que fue perseguido por hereje4

es erróne oso

científico polaco-prusiano6

estudió en la Universidad de Cracovia (1491-1494)

probablemente bajo las directrices del matemático Wojciech Brudzewski.

7 Viajó

porItalia y se inscribió en la Universidad de Bolonia (1496-1499), donde

estudió Derecho, Medicina, Griego, Filosofía, y trabajó como asistente

del astrónomo Domenico da Novara.

En 1500 fue a Roma, donde tomó un curso de ciencias y astronomía, y en 1501

volvió a su patria y fue nombrado canónigo en la catedral de Frauenburg, cargo

obtenido merced a la ayuda de su tío Lucas Watzenrode. Pese a su cargo, volvió a

Italia, esta vez a Padua (1501-1506), para estudiar Derecho y Medicina, haciendo una

breve estancia en Ferrara (1503), donde obtuvo el grado deDoctor en Derecho

Canónico. Reinstalado definitivamente en su país (1523), se dedicó a la administración

de la diócesis de Warmia, ejerció la Medicina, ocupó ciertos cargos administrativos y

llevó a cabo su inmenso y primordial trabajo en el campo de la Astronomía. Falleció

el 24 de mayo de 1543 en Frombork, Polonia. En 2005 un equipo de arqueólogos

polacos afirmó haber hallado sus restos en la catedral de Frombork, teoría que fue

verificada en 2008 al analizar un diente y parte del cráneo y compararlo con un pelo

suyo encontrado en uno de sus manuscritos. A partir del cráneo, expertos policiales,

reconstruyeron su rostro, coincidiendo éste con el de su retrato. El 22 de mayo de

2010 recibió un segundo funeral en una misa dirigida por Józef

Kowalczyk, nuncio papal en Polonia y recién nombrado Primado de Polonia. Sus restos

fueron de vuelta enterrados en el mismo lugar, en la Catedral de Frombork. Una lápida

de granito negro ahora lo identifica como el fundador de la teoría heliocéntrica y lleva

además la representación del modelo de Copérnico del sistema solar, un sol dorado

rodeado por seis de los planetas.

En 1533, Johann Albrecht Widmannstetter envió a Roma una serie de cartas

resumiendo la teoría de Copérnico. Éstas fueron oídas con gran interés por el

papa Clemente VII y varios cardenales católicos. Para 1536 el trabajo de Copérnico

estaba cercano a su forma definitiva, y habían llegado rumores acerca de su teoría a

oídos de toda Europa. Copérnico fue urgido a publicar desde diferentes partes del

continente. En una epístola fechada en noviembre de 1536, el arzobispo de Capua,

Nikolaus Cardinal von Schönberg, pidió a Copérnico comunicar más ampliamente sus

ideas y solicitó una copia para sí. Algunos han sugerido que esta carta pudo haber

hecho a Copérnico sospechoso al publicar, mientras que otros han sugerido que esto

indicaba el deseo de la Iglesia de asegurarse que sus ideas fueran publicadas. A pesar

de la presión ejercida por parte de diversos grupos, Copérnico retrasó la publicación de

su libro, tal vez por miedo a la crítica. Algunos historiadores consideran que, de ser así,

estaba más preocupado por el impacto en el mundo científico que en el religioso.

Las ideas principales de su teoría eran:

1. Los movimientos celestes son uniformes, eternos, y circulares o compuestos de

diversos ciclos (epiciclos).

2. El centro del universo se encuentra cerca del Sol.

3. Orbitando alrededor del Sol, en orden, se encuentran Mercurio, Venus,

la Tierra y la Luna, Marte, Júpiter, Saturno. (Aún no se

conocían Urano y Neptuno.)

4. Las estrellas son objetos distantes que permanecen fijos y por lo tanto no orbitan

alrededor del Sol.

5. La Tierra tiene tres movimientos: la rotación diaria, la revolución anual, y la

inclinación anual de su eje.

6. El movimiento retrógrado de los planetas es explicado por el movimiento de la

Tierra.

7. La distancia de la Tierra al Sol es pequeña comparada con la distancia a las

estrellas.Su obra maestra, De revolutionibus orbium coelestium (Sobre las revoluciones de

las esferas celestes), fue escrita a lo largo de unos veinticinco años de trabajo (1507-

1532) y fue publicada póstumamente en 1543 por Andreas Osiander, pero muchas de

las ideas básicas y de las observaciones que contiene circularon a través de un

opúsculo tituladoDe hypothesibus motuum coelestium a se constitutis

commentariolus (no editado hasta 1878), que, pese a su brevedad, es de una gran

precisión y claridad.

Copérnico estudió los escritos de los filósofos griegos buscando referencias al

problema del movimiento terrestre, especialmente lospitagóricos y Heráclides Póntico,

quienes creían en dicha teoría. En cuanto a la teoría heliocéntrica en sí, hasta donde se

sabe hoy, fue concebida por primera vez por Aristarco de Samos (310-230 a. C.), a

quien curiosamente no nombra en su obra.12 Es preciso centrar el valor real de sus

estudios en el hecho de reimponer teorías ya rechazadas por el «sentido común» y de

darles una estructuración coherente y científica.

La ruptura básica que representaba para la ideología religiosa medieval, la

sustitución de un cosmos cerrado y jerarquizado, con el hombre como centro, por un

universo homogéneo e indeterminado (y a la postre incluso infinito), situado alrededor

del Sol, hizo dudar a Copérnico de publicar su obra, siendo consciente de que aquello

le podía acarrear problemas con la Iglesia; por desgracia, a causa de una enfermedad

que le produjo la muerte, no alcanzó a verla publicada. Copérnico aún estaba

trabajando en el De revolutionibus orbium coelestium (aunque aún no convencido de

querer publicarlo) cuando en 1539 Georg Joachim Rheticus, un matemático

deWittenberg, llegó a Frombork. Philipp Melanchthon había arreglado para Rheticus su

visita a diversos astrónomos y el estudio con ellos. Rheticus se convirtió en el pupilo de

Copérnico, viviendo con él durante dos años.

Rheticus leyó el manuscrito de Copérnico y de inmediato escribió un resumen no

técnico de sus principales teorías en la forma de una carta abierta dirigida a Schöner,

su profesor de astrología en Núremberg, y más tarde publicó esta carta como un libro

titulado Narratio Prima (primer recuento), en Dánzig en 1540. El amigo de Rheticus y

mentor, Gasser Aquiles, publicó una segunda edición de la Narratio en Basilea en

1541. En 1542 Rheticus publicó un tratado de trigonometría escrito por Copérnico

(incluido después en el segundo libro de De revolutionibus). Bajo gran presión por parte

de Rheticus, y habiendo visto la reacción favorable del público frente a su trabajo,

Copérnico finalmente accedió entregar el libro a su amigo cercano Tiedemann Giese,

obispo of Chełmno (Kulm), a ser entregado a Rheticus para ser impreso por Johannes

Petreius en Núremberg.

La primera edición del De Revolutionibus aparece en 1543 (el mismo año de la

muerte del autor), con una larga introducción en la que dedica la obra al Papa Pablo III,

atribuyendo su motivo ostensible para escribirla a la incapacidad de los astrónomos

previos para alcanzar un acuerdo en una teoría adecuada de los planetas y haciendo

notar que si su sistema incrementaba la exactitud de las predicciones astronómicas,

esto permitiría que la Iglesia desarrollara un calendario más exacto (un tema por

entonces de gran interés y una de las razones para financiar la astronomía por parte de

la Iglesia).

El trabajo en sí estaba dividido en seis libros:

1. Visión general de la teoría heliocéntrica, y una explicación corta de su

concepción del mundo.

2. Básicamente teórico, presenta los principios de la astronomía esférica y una lista

de las estrellas (como base para los argumentos desarrollados en libros

siguientes).

3. Dedicado principalmente a los movimientos aparentes del Sol y a fenómenos

relacionados.

4. Descripción de la Luna y sus movimientos orbitales.

5. Explicación concreta del nuevo sistema.

6. Explicación concreta del nuevo sistema (continuación).

La importancia de la obra de Copérnico es ser una obra revolucionaria, precursora

de grandes cambios científicos. Dicho carácter revolucionario no está sólo en sus

escritos sino en poner en marcha unos caminos que romperán las barreras del

pensamiento. No debemos olvidar que la obra de Copérnico sigue ligada al Mundo

Antiguo, ya que ciertas premisas platónicas siguen vigentes en su pensamiento como

los dos grandes principios de uniformidad y circularidad. Sin embargo con su obra se

afianza otra gran idea propia de la modernidad: la naturaleza va perdiendo su carácter

teológico, el hombre ya no es el centro del universo, sino que Copérnico le desplaza a

una posición móvil, como la de cualquier otro planeta.A partir de Copérnico se

desencadena la idea de que el hombre ahora está

gobernado por su Razón, que será la facultad del ser humano que hace que tome parte

en el ordenamiento del Universo. Así el hombre pasa a ser un ser autónomo que basa

dicha autonomía en su capacidad de raciocinio. La razón humana puede ahora

apoderarse de la Naturaleza: dominarla y controlarla. Así el hombre deja de ser el

centro físico del Universo para convertirse en el centro racional del Universo. A partir de

ahora nos enfrentamos al mundo, no contemplándolo, sino construyendo hipótesis a

través de las capacidades del hombre, que contrastadas con la naturaleza se podrán

dar por válidas o no.

En este caso particular, Copérnico tuvo en contra al cristianismo de la época que

hizo suyos los presupuestos aristotélicos del mundo antiguo. Aristóteles escribió de

teoría literaria, política, ética, metafísica, lógica, meteorología, física, biología,

astronomía… y todo ello integrado coherentemente, lo que hacía muy difícil atacar una

parte sin atacar al todo. A la vez, permitía, por esa misma razón, dejar de lado

pequeñas dificultades que pudieran surgir en aspectos parciales. Esa es la razón

fundamental de su permanencia como visión del mundo a lo largo de dos mil años. Si

además se añade que, tras su descubrimiento por parte del mundo medieval, este

sistema fue cristianizado y asumido por la Iglesia católica a través de la obra de Santo

Tomás de Aquino, comprenderemos mejor la resistencia que opuso a su superación y

hasta qué punto determinó, no sólo la historia de la astronomía, sino de la ciencia y de

la cultura.

La difusión de la teoría copernicana se lleva a cabo sobre un fondo político e

histórico en el que es de importancia fundamental el problema religioso existente desde

1517 con la irrupción en escena del luteranismo. En 1545 se inició el Concilio de

Trento, que después de tres sesiones, con su final en 1563, deja establecida la reforma

radical de la Iglesia e impone un programa de recuperación y defensa del dogma frente

al mundo reformista. Pío V y Gregorio XIII, entre 1566 y 1585 culminarán el proceso de

recuperación de la Iglesia católica en la segunda mitad del siglo XVI, solventado los

problemas de disensión interna y de jerarquía. Difunden la enseñanza eclesiástica y

recuperan importancia e influencia en los países en los que la creencia protestante se

había hecho fuerte. Pero los sucesos acaecidos en los cielos a finales del siglo XVI y

las observaciones que Copérnico hizo de estos, minaron ciertamente la autoridad y

credibilidad de la filosofía que sustentaba la astronomía ptolemaica. La Iglesia

protestante paulatinamente se rinde ante la situación y su oposición al heliocentrismo

desaparece. Se da un vuelco en la situación. A partir del final de siglo será la Iglesia

católica la que, utilizando su poder organizado en la Inquisición, convertirá al

heliocentrismo en el enemigo más inmediato.

La obra de Copérnico y los cambios que propone se proyectan sobre el estado

anterior de la astronomía y sobre el entramado científico y filosófico que con él se

asociaban. En el texto que ahora comentamos, el autor hace un breve repaso por todas

aquellas partes de la astronomía anterior a él que quedan obsoletas a partir de sus

descubrimientos: la inseguridad sobre los movimientos del Sol y la Luna (ya que sus

movimientos anuales no se podían establecer con seguridad), la explicación del

movimiento de los planetas tampoco resultaba aceptable ya que no se utilizaban los

mismos supuestos para todos (ya que en unos casos se utilizan círculos

homocéntricos, en otros excéntricos, epiciclos, etc.), y sobre todo, que el Universo era

tomado como un sistema por partes que carece de unidad. De esta manera, al final del

texto, el autor reflexiona y explica que la astronomía que le precedía era confusa en el

sentido de que no se seguían principios seguros sino que en unos casos se utilizaban

unas explicaciones, en otros otras, y que por lo tanto se llega a un «método»

incompleto (ya que si las hipótesis que se plantearon fuera ciertas, ciertamente podrían

demostrarse con facilidad).

Las ideas principales de la obra de Copérnico, que se oponen a las anteriores a él,

son entre otras, su idea de preservar la unidad de movimientos y crear un sistema de

círculos más racional. El helioestatismo y el heliocentrismo no son las premisas sino la

conclusión. Además, elimina los ecuantes de la astronomía porque no parecen respetar

los principios básicos de Platón. Cambia también de hipótesis y toma la de que el Sol

permanece quieto y la Tierra se mueve (con una serie de movimientos distintos: el

movimiento de rotación, el de traslación y el de declinación que sirve para explicar los

equinoccios). Para esto, Copérnico plantea sus hipótesis: que no existe un centro único

de todas las esferas celestes, y que además el centro de la Tierra no es el centro del

Universo (sino el centro lunar y el centro de gravedad).

Todas las esferas giran en torno al Sol, que es el centro de giro de ellas, y el Sol

está en las proximidades del centro del Mundo; supera el problema del paralaje si

pensamos que las estrellas están a una distancia muchísimo superior a lo que se

pensaba anteriormente. Además, cualquier movimiento que parezca realizado en

la esfera de las estrellasno es tal; sino que lo que se mueve es la Tierra (que gira cada

día y da una vuelta completa, mientras que la esfera de las estrellas está inmóvil). De

esta misma manera, los movimientos del Sol no se deben a él, sino a la Tierra que gira

en torno a él igual que el resto de planetas; y los movimientos retrógrados y directos de

los planetas no se deben a ellos, sino al movimiento de la Tierra. Vemos por lo tanto

que el plantear la hipótesis de que la Tierra se mueve sirve para explicar muchas de las

irregularidades de los movimientos del Universo: elimina antiguos problemas y

herramientas complicadas como los ecuantes, las esferas celestes, etc.

Copérnico está considerado como el precursor de la astronomía moderna,

aportando las bases que permitieron a Newton culminar la revolución astronómica, al

pasar de un universo geocéntrico a un cosmos heliocéntrico y cambiando

irreversiblemente la mirada del cosmos que había prevalecido hasta entonces. Así, lo

que se conoce como Revolución Copernicana es su formulación de la teoría

heliocéntrica, según la cual, la Tierra y los otros astros giran alrededor del Sol. En

memoria de Nicolás Copérnico, el 19 de febrero de 2010 la IUPAC nombra al elemento

112 de la tabla periódica como copernicio.

GALILEO GALILEI

Fue uno de los personajes más emblemáticos e influyentes de la historia,

especialmente para todos los amantes de las ciencias y el conocimiento, ya que es una

de las figuras más importantes en la historia y el desarrollo de campos científicos como

laastronomía. Te invito a conocer algunos de los aspectos más interesantes sobre la

vida de este genio reprimido.

Sobre la vida de Galileo quien fuera hijo de un famoso teórico musical, nació en

los alrededores de Pisa, Italia, el 15 de febrero del año 1564. De niño, su educación

estuvo a cargo de un grupo de monjes en Vallombrosa y culminada esta etapa, estudió

medicina en la Universidad en Pisa, en el año 1581. Aquí es donde Galileo se dio

cuenta de que su verdadera pasión eran las ciencias, especialmente la filosofía y las

matemáticas, razón por la cual termina su carrera universitaria en 1585, abandonando

la medicina sin haber conseguido un título.

Pese a ésto, Galileo realizó tutorías privadas hasta comenzar su carrera como

profesor de matemáticas en el año 1589, a sus 25 años de edad. Existe una leyenda

que señala que fue en este período en el que Galileo demostró a sus alumnos

que Aristóteles estaba equivocado en su teoría respecto a la caída de los cuerpos, una

teoría en la que señalaba que la velocidad de la caída de los objetos estaban

relacionados con el peso de los mismos, lanzando varios objetos desde la torre de la

universidad y registrando los diferentes tipos de movimientos: el movimiento rectilíneo

uniforme, el movimiento periódico y el movimiento rectilíneo uniformemente acelerado.

Contradecir a Aristóteles era considerado prácticamente un sacrilegio para entonces,

por lo cual, para 1592, ya no volvió a ser convocado para trabajar en la universidad. Sin

embargo, ese mismo año pudo ingresar como profesor en la Universidad de Padua,

puesto que cubrió por casi 20 años más.

Los primeros inventos de Galileo Galilei

En todos los aspectos, Galileo creció muchísimo en Padua, residencia en la cual

inventó, entre otras cosas, una especie de calculadora llamada ―el compás geométrico

militar‖, la cual se podía utilizar para resolver problemas matemáticos de considerable

complejidad y que de cierto modo, bien podría considerarse uno de los primeros

antecesores de nuestras calculadoras. Durante el mismo período comenzó a estudiar

física, descubriendo y fundamentando varias leyes nuevas.

Por otra parte, Galileo también estudió el particular movimiento de los péndulos, siendo

quien descubre y desarrolla el llamado principio del péndulo. Curiosamente, hasta el

momento no demostraba interés alguno en el campo de la astronomía, aunque sí era

un confeso creyente en el modelo universal de Copérnico.

Luego de enterarse de que en Holanda se había inventado un complejo

dispositivo diseñado para ver de cerca objetos lejanos (especialmente para aquellos

que están en los cielos), conocido como el catalejo, Galileo Galilei construyó su primer

telescopio, el cual tenía un factor de magnificación de 20. Con esta nueva herramienta,

fue capaz de realizar asombrosos descubrimientos, tales como los cráteres y las

montañas de la Luna, que la vía láctea estaba compuesta por estrellas y las cuatro

lunas más grandes de Júpiter, entre otros, que para entonces ya denotaban su

profundo interés por la astronomía. Después de publicar sus descubrimientos en 1610,

le fue ofrecido un puesto como matemático de la corte de Florencia, lo que le permitió

realizar numerosas investigaciones y publicaciones al ya no tener que sostener más su

puesto de profesor y tener más tiempo libre.

Para aquel entonces, muchos científicos, sectores intelectuales y especialmente

eclesiásticos discutían los novedosos descubrimientos y las teorías de Galileo. Fueron

sus significativos avances en la teoría heliocéntrica así como la forma de trabajar de

Galileo, basada en la observación, hipotetización, experimentación y demostración

(método científico), que se confrontaba a la palabra de Dios, la autoridad y la sumisión

a la que sometía el orden eclesiástico, lo cual le trajo multitudes de enemigos.

Lamentablemente, enemigos con mucho poder. En el año 1614, un sacerdote florentino

denunció a Galileo y a sus seguidores por sus trabajos. Como respuesta, Galileo

escribió una carta abierta en la cual dejaba en claro que cuando se discutía sobre

cuestiones meramente científicas, la Biblia era un texto irrelevante. Menudas agallas,

claro, pero tuvo sus consecuencias.

Dos años más tarde, prácticamente todas las publicaciones de su antecesor

Nicolás Copérnico fueron censurados por la iglesia e inmediatamente después, a

Galileo se le advierte de que no podrá defender más la idea de que la Tierra se mueve.

Galileo no tuvo más remedio que aceptar y continuó su trabajo para determinar

longitudes en el mar, basándose en los hallazgos que había podido observar gracias a

su telescopio. En 1630, los censuradores de la iglesia le permitieron a Galileo publicar

un libro el que discutía las teorías de la conformación del universo, aunque estos

censores cambiaron el título original.

La muerte de Galileo

Su último libro fue publicado en el año 1638, en el cual discutía y mejoraba sus

primeros estudios en el movimiento y los principios de la física. Este libro comenzó un

lento camino que luego seguiría nada menos que Isaac Newton. Galileo perdió su vista

antes de que su último libro fuese publicado, pereciendo en Arcetri el 8 de Enero de

1642. Casi 100 años más tarde, un mausoleo es erguido en su honor, irónicamente, en

la iglesia de la Santa Cruz de Florencia.

JOHANNES KEPLER

Astrónomo y filósofo alemán, famoso por formular y verificar las tres leyes del

movimiento planetario conocidas como leyes de Kepler. Fue colaborador de Tycho

Brahe, a quien sustituyó como matemático imperial de Rodolfo II. En 1935 la UAI

decidió en honor llamarle «Kepler» a un astroblema lunar.

Infancia

Johannes Kepler nace en 1571 en el ducado alemán de Wurttemberg. De niño

padeció diversas enfermedades tales como miopía, dolores de cabeza, afecciones

estomacales. A la edad de tres años, contrae la viruela, lo que, entre otras secuelas,

debilitará la vista severamente. A pesar de la salud, fue un niño brillante que gustaba

impresionar a los viajeros en el hospedaje de su madre con sus fenomenales

facultades matemáticas. En1584 ingresó al seminario protestante de Adelberg.

Estudios

A partir de 1589 estudió Teología en la Universidad de Tübingen. Allí tuvo como

Profesor de Matemáticas a Maestlin, que conocía y compartía la Teoría Heliocéntrica

de Copérnico. Él, que era un pitagórico y veía en Dios al supremo geómetra creador de

un universo armónico, vio en la simplicidad de esta teoría un rasgo del plan creador de

Dios. Continúa allí con los estudios después de obtener una maestría en 1591.

Matrimonio

Kepler estuvo casado dos veces. El primer matrimonio, de conveniencia, el 27

de abril de 1597 con Barbara Müller. Este matrimonio, organizado por los allegados, lo

unió a una mujer "grasa y simple de espíritu", con carácter execrable.

Muerte

Muere en 1630 en Ratisbona, mientras viajaba con la familia de Linz a Sagan.

En la lápida fue grabado el siguiente epitafio, compuesto por él mismo: Medí los cielos,

y ahora las sombras mido. En el cielo brilló el espíritu. En la tierra descansa el cuerpo.

En 1594, cuando Kepler dejó Tübingen y marchó a Graz (Austria), elaboró una

hipótesis geométrica compleja para explicar las distancias entre las órbitas planetarias -

órbitas que se consideraban circulares erróneamente.(Posteriormente, Kepler dedujo

que las órbitas de los planetas son elípticas; sin embargo, estos primeros cálculos sólo

coinciden en un 5% con la realidad.) Kepler planteó que el Sol ejerce una fuerza que

disminuye de forma inversamente proporcional a la distancia e impulsa a los planetas

alrededor de sus órbitas.

Publicó las teorías en un tratado titulado Mysterium Cosmographicum en 1596.

Esta obra es importante porque presentaba la primera demostración amplia y

convincente de las ventajas geométricas de la teoría copernicana.En 1597 año publicó

Mysterium Cosmographicum, dejando constancia de las ventajas que desde el punto

de vista geométrico ofrecía la Teoría Heliocéntrica. Por ese entonces aún consideraba

que las órbitas planetarias eran circulares. Kepler fue profesor de astronomía y

matemáticas en la Universidad de Graz desde 1594 hasta 1600, cuando se convirtió en

ayudante del astrónomo danés Tycho Brahe en el observatorio de Praga. A la muerte

de Brahe en 1601, Kepler asumió su cargo como matemático imperial y astrónomo de

la corte del emperador Rodolfo II.

Una de sus obras más importantes durante este periodo fue Astronomía

nova (1609), la gran culminación de sus cuidadosos esfuerzos para calcular la órbita de

Marte, dedicada a exponer sus cálculos sobre la órbita de este planeta. En ella expone

dos de sus tres famosas "leyes del movimiento de los planetas", hoy llamadas "leyes de

Kepler". En 1610 publicó Dissertatio cum Nuncio Sidereo, sobre las observaciones

de Galileo y, al año siguiente, realizó sus propias observaciones de los satélites

descriptos por el italiano con la ayuda de un telescopio, publicando los resultados de

dichas observaciones en su obra Narratio de Observatis Quatuor Jovis Satellitibus. En

1612 Kepler se hizo matemático de los estados de la Alta Austria. Mientras vivía en

Linz, publicó su Harmonices mundi, Libri (1619), obra en la que hizo pública su tercera

ley: la relación lineal entre el cubo de la distancia promedio de un planeta al Sol y el

cuadrado de su período de revolución. Hacia la misma época publicó un libro, Epitome

astronomiae copernicanae (1618-1621), que reúne todos los descubrimientos de Kepler

en un solo tomo.Igualmente importante fue el primer libro de texto de astronomía basado

en los

principios copernicanos, y durante las tres décadas siguientes tuvo una influencia

capital convirtiendo a muchos astrónomos al copernicanismo kepleriano. La última obra

importante aparecida en vida de Kepler fueron las Tablas rudolfinas (1625). Basándose

en los datos de Brahe, las nuevas tablas del movimiento planetario reducen los errores

medios de la posición real de un planeta de 5 °a 10'. El matemático y físico inglés

sir Isaac Newton se basó en las teorías y observaciones de Kepler para formular su ley

de la gravitación universal. Kepler se destacó también por sus aportes a la óptica,

formuló:

Newton.

GIORDANO BRUNO.

FILÓSOFO Y HEREJE

«El martes por la mañana en Campo de‟ Fiori fue quemado vivo ese malvado fraile de

Nola, el que se mencionó antes: el más obstinado de los herejes, y debido a que había

formado en su imaginación determinadas creencias contrarias a nuestra fe, y en

particular sobre la Virgen María y los santos, este malvado hombre quiso morir

obstinado en sus creencias. Y dijo que moría como un mártir, y voluntariamente, y que

su alma ascendería con el humo hasta el paraíso. Bueno, ahora verá si dijo la verdad».

Avvisi di Roma, 110r-v (Despacho de Roma, el 19 de febrero de 1600)

La mayoría de los seres humanos nacemos, vivimos y morimos sin que en la

Historia quede registro alguno de nuestro paso. Pero a veces sucede que determinados

personajes sí quedan registrados, sí pasan por la Historia, a modo de figurantes

desempeñando un papel más o menos relevante. Y otras veces, las menos, sucede

que algunos no sólo pasan por sino que pasan a la Historia, porque su papel ha sido

de peso, y por ser de peso han dejado poso, un poso que es justo lo que les ha

permitido pasar a la Historia. Quién sabe si fue la época en la que vivieron, o las

circunstancias que les tocaron vivir, lo que ha hecho que esos pocos individuos

hayan pasado a la Historia y hayanpesado en ella. Quién sabe si Filippo Bruno, de no

haber nacido donde y cuando lo hizo, habría llegado a ser Giordano Bruno, el filósofo

nolano, mártir y hereje, místico y astrónomo, profesor y poeta, dominico y calvinista, y

en definitiva símbolo (voluntario o no) del librepensamiento y de la rebeldía frente a los

poderes establecidos. Probablemente no, pero como dijo Ortega y Gasset, las

circunstancias que a cada uno nos toca vivir nos son inseparables y forman parte de

nuestro propio yo. Quién sabe por tanto si la vida de Filippo da Nola habría sido

diferente en otras circunstancias, si su peso en la Historia habría sido mayor o menor;

pero lo que es seguro es que la Historia no sería la misma sin el paso por ella del

nolano.

Alguna singularidad ha de haber en la figura de Giordano Bruno para que nunca

haya recibido el perdón institucional de la Iglesia, que sí han recibido otros personajes

heréticos como Galileo. Habiendo sido ajusticiado públicamente en el año del jubileo de

1600, habría sido quizá un buen momento el jubileo del 2000, cuatrocientos años más

tarde, aniversario además de su muerte, para pronunciarse a favor de ese perdón. En

cambio,«el papa Juan Pablo II declaró, por mediación de dos cardenales, Angelo

Sodano y Paul Poupard, que Bruno se había desviado demasiado de la doctrina

cristiana como para concederle el perdón cristiano. Los inquisidores que sentenciaron

al filósofo a su espantosa muerte, añadían los cardenales, deben ser juzgados a la luz

de los tiempos horribles que les tocó vivir». La cita pertenece al prólogo del libro de

Ingrid D. Rowland Giordano Bruno. Filósofo y hereje, interesantísimo ensayo sobre la

vida y época del filósofo de Nola que, en un tono en general aséptico, a veces

apasionado y siempre ameno, hace un recorrido por la Europa de la segunda mitad del

siglo XVI tomando como eje vehicular el recorrido vital de Fra Giordano.

El libro nos muestra una imagen sin sorpresas de Giordano Bruno, que coincide

con la que nos ha transmitido la Historia: de carácter irritante y algo irritable, terco y de

lengua afilada, agudo y mordedor, rebelde e inconformista; Bruno fue fugitivo de la

Inquisición durante prácticamente toda su vida, desde que como estudiante empezó

planteando dudas sobre cosas que no debían dudarse y más tarde, como profesor y

pensador, continuó afirmando lo que estaba prohibido afirmar. Nunca, ni en las

prisiones de la Inquisición en Venecia o en Roma, se mordió la lengua ni se retractó de

nada que su conciencia le permitiera (y ésta le hacía pocas concesiones, ciertamente),

y casi podría afirmarse que fue su obstinada actitud, más incluso que sus opiniones

sobre teología y cosmología, la que le condenó. Se conoce bastante sobre la vida de

Bruno gracias a que se han conservado los archivos del largo proceso al que le

sometió la Inquisición, en los cuales el propio Bruno, preguntado por los inquisidores

venecianos y romanos, relata numerosos episodios de su vida. Y es esa vida la que

Ingrid D. Rowland, profunda conocedora del siglo XVI italiano, nos describe con gran

lujo de detalles, contextualizándola con el entorno de la época.

Nacido en la pequeña población italiana de Nola, Filippo Bruno fue educado

desde muy joven entre los dominicos en el mismo convento de Nápoles que unos 300

años atrás se viera honrado con la imponente presencia de Tomás de Aquino (de cuya

capacidad intelectual se decía que le permitía dictar cuatro libros a cuatro secretarios a

la vez, y cuyo grueso cuerpo necesitaba de una mueca en la mesa del refectorio para

que pudiera sentarse a ella a comer). Una de las tesis que hubo de defender Bruno

para aprobar unos exámenes tuvo como título, curiosamente, Todo lo que dice Tomás

de Aquino en la Suma de los gentiles es cierto. Ya desde sus primeras inquietudes

filosóficas y teológicas conoció el nolano el largo brazo de la Inquisición. Como muestra

de esas peligrosas inquietudes vale la pena citar su enfrentamiento dialéctico con un

eminente profesor de filosofía, Fra Agostino da Montalcino, que el propio Bruno

relataría así años más tarde: «En una conversación con Fra Montalcino, que dijo que

los herejes eran ignorantes y carecían de términos escolásticos [para su

argumentación], le respondí que, aunque no pudieran concordar sus puntos de vista

con la disciplina escolástica, planteaban sus intenciones de manera efectiva (…) En

ese punto el Padre saltó, junto con los presentes, y dijo que estaba defendiendo a los

herejes, mientras que lo único que yo quería afirmar era que eran instruidos».

Filippo, quien escogió para sí mismo el nombre de Giordano inspirándose en el

río Jordán, llevó una vida de peregrinaje por toda Europa perseguido con relativo

ahínco por los poderes inquisitoriales que le obligaron a buscar refugio en tierras

mucho más septentrionales que su pueblo natal. El ensayo de Rowland recorre con él

el norte de Italia, el sur y norte de Francia, Inglaterra y Alemania, acompañando cada

paso de Fra Giordano con descripciones ora someras, ora detalladas, del ambiente que

se respira en esa época en las ciudades por las que pasa el filósofo: Roma, Venecia,

Padua, Lyon, París, Londres, Oxford, Wittenberg, Zúrich, Frankfurt, Praga… Se nos

muestra a un Bruno poseedor de una prodigiosa memoria; conocedor de las técnicas

mnemotécnicas del místico catalán Ramon Llull; interesado en la magia y el ocultismo;

estudioso de la astronomía y la matemática; y sorprendido de la estupidez humana

universal (la «asnalidad», «asinità»), que es capaz de honrar la reliquia de la cola del

asno que llevó a Jesús a Jerusalén. Se nos dan también pequeñas pinceladas sobre el

auge de la novela picaresca que nace en España, sobre el creciente peso del

protestantismo (no hacía tantos años que Lutero había colgado sus 95 tesis en

Wittenberg), sobre la matanza de hugonotes en Francia en 1572, o sobre el cada vez más

frecuente uso de lenguas vernáculas en los escritos eruditos en lugar del latín (el

propio Bruno escribía en latín o en italiano según su conveniencia).

Bruno dio clases en universidades de muchas de las ciudades que recorrió,

aunque su suerte en esos lugares fue dispar. Dio clases, por ejemplo, en Ginebra,

donde no le fue demasiado bien (al no estar bien visto que discutiera con un profesor

de un curso en el que Bruno se había inscrito, envió a la imprenta una hoja en la que

enumeraba veinte errores que aquel hombre había cometido en una sola clase;

Giordano fue obligado a pedir perdón); en París, donde se ganó rápidamente la

confianza del propio rey Enrique III; en Oxford, donde tuvo que soportar las estúpidas

burlas de los ingleses acerca de su aspecto, su figura, su gesticulación e incluso su

pronunciación (Bruno abría sus plegarias en latín con un «benedicite» que pronunciaba

con acento italiano, «benedichite», mientras que para los ingleses la pronunciación

correcta debía ser como si fuera una palabra inglesa, «binidaisiti»); o en Wittenberg,

ciudad en la que cosechó fama y éxito.

Los últimos capítulos del libro están dedicados a los casi ocho años que duró el

proceso de Giordano Bruno desde que fue denunciado en Venecia y entregado a la

Inquisición por el hombre a quien daba clases particulares, hasta su traslado años más

tarde a la cárcel de Roma y su posterior ejecución en la Piazza di Campo de‘ Fiori el

año 1600. El arma que utilizó el Santo Oficio contra la dureza argumental y la

terquedad del nolano fue un eminente teólogo jesuita, que según todos los informes era

la mente teológica más incisiva de la época: el cardenal Roberto Bellarmino («No he

leído prácticamente ningún libro al que no hubiera querido hacerle una buena

censura», escribió en una ocasión).

La condena final que recayó sobre Giordano Bruno decía que sus

inquisidores«proclamamos en estos documentos, afirmamos, pronunciamos,

sentenciamos y declaramos que vos, el arriba mencionado Fra Giordano Bruno, sois un

impenitente, pertinaz y obstinado hereje, y por esa razón estáis incurso en todas las

censuras y castigos eclesiásticos de los cánones, leyes y constituciones sagrados, en

general y en particular, como los que se imponen a dichos herejes confesos,

impenitentes, pertinaces y obstinados; y como tal os degradamos de palabra y

declaramos que debéis ser degradado (…); y que seáis expulsado, como ahora os

expulsamos nosotros, de nuestro tribunal eclesiástico y de nuestra santa e inmaculada

Iglesia, de cuya misericordia sois indigno (…).

Además, condenamos, reprobamos y prohibimos todos los libros arriba

mencionados y otros libros y escritos vuestros como heréticos y erróneos, puesto que

contienen muchas herejías y errores, ordenando que todos los existentes en este

momento y todos los que aparezcan en el futuro deberán ser consignados al Santo

Oficio para ser públicamente destruidos y quemados en la plaza de San Pedro, ante las

escaleras, y como tales deben ser incluidos en el Índice de libros prohibidos, tal como

ordenamos ahora que se haga. Y así establecemos, pronunciamos, sentenciamos,

declaramos, degradamos, mandamos y ordenamos, expulsamos y liberamos y

rogamos en este y en todos los demás modos y formas más vinculantes que haremos lo

que podemos y debemos razonablemente hacer». A los pocos días de escuchada la

sentencia Giordano Bruno fue quemado vivo en la hoguera, y una losa de silencio

sepultó al nolano hasta que en el siglo XVIII volvieron a reeditarse algunos de sus libros

y su pensamiento volvió a ser tomado en consideración.

El ensayo de Rowland, frecuentemente salpicado (como así ha de ser) por citas

del propio Bruno o de otros personajes de la época, supone una lectura interesantísima

para conocer, más que la filosofía de Giordano (que es abordada pero no a fondo, pues

no es ese el objetivo), su trayectoria vital, la cual no deja de ser un fiel reflejo de su

pensamiento. Se trata, pues, de un excelente trabajo de investigación, y por tanto de un

muy buen acercamiento a la figura del filósofo italiano.

Nació en Nola, a unos 20 kilómetros de Nápoles, entonces bajo el dominio

español. Estudió en Nápoles desde los diez años, en 1565 ingresó a la Orden de los

Dominicos, donde se dedicó al estudio de la filosofía aristotélica y a

la teología de Santo Tomás de Aquino(tomismo). Ese mismo año cambió su nombre de

pila, Felipe, por el de Giordano. En 1575 fue trasladado al convento de la Minerva en

Roma y se ordenó sacerdote.

Expresó en escritos y conferencias sus ideas científicas acerca de la pluralidad

de los mundos y sistemas solares, el heliocentrismo, lainfinitud del espacio y

el Universo y el movimiento de los astros, lo cual escandalizaba a la cristiandad de la

época, pero fueron sus teorías teológicas las que le traerán una persecución en su

contra por parte de la Iglesia católica y la Inquisición. Sus opiniones suscitaron un

escándalo, y se formularon 130 artículos de acusación contra él. Por temor a la

Inquisición, a los veintiocho años abandonó la "prisión angosta y negra del convento" y

huyó de Roma en 1576, comenzando una vida errante y aventurera. Desde entonces

pudo decir con razón, que "toda la tierra es patria para un filósofo". Viajó por el norte de

Italia: Génova, Savona, Turín, Venecia, Padua, enseñando gramática y cosmogonía a

los niños para ganarse la vida. Al mismo tiempo estudio intensamente las obras

de Nicolás de Cusa, Telesio y adoptó el sistema de Nicolás Copérnico, lo que le valió

ser combatido tanto por los católicos como por los protestantes.

Se trasladó luego otras regiones, como Ginebra 1579 yLyon. En la Universidad

de Toulouse se doctoró en teología y enseño dos años (1580-1581). Escribió la Clavis

magna (lulista) y explicó el tratado De Anima de Aristóteles. Tras recorrer otras

regiones y realizar diversos escritos, regresa a Italia, fijando su residencia en Venecia,

donde la Inquisición veneciana, lo encarcela el 23 de mayo de 1592 y es reclamado por

Roma el 12 de septiembre de 1592, pasando otros siete años en prisión, acusado

de blasfemia, herejía e inmoralidad, para finalmente ser condenado, porherético,

impenitente, pertinaz y obstinado, a la hoguera, en la que murió el 17 de

febrero de 1600 en Campo dei Fiori, Roma. Murió estoicamente, sin exhalar un grito.

Rechazó al sacerdote que quería darle a besar el crucifijo. En 9 de junio de 1889 se

erigió por suscripción internacional una estatua en el lugar de su muerte, exaltando su

figura como mártir de la libertad de pensamiento y de los nuevos ideales. Según

la Enciclopedia de filosofía de la Universidad de Stanford, «en 1600 no había una

postura oficial de la Iglesia Católica sobre el sistema copernicano, y ciertamente no era

una herejía. Cuando Giordano Bruno fue quemado en la hoguera como hereje, no tuvo

nada que ver con sus escritos en apoyo de la cosmología copernicana.» Entre sus

afirmaciones teológicas que se consideraron heréticas estaban las siguientes:

que Cristo no era Dios, sino meramente un mago excepcionalmente hábil, que

el diablo se salvará y otras. Según Isaac Asimov, su muerte tuvo un efecto disuasorio

en el avance científico de la civilización, particularmente en las naciones católicas pero,

a pesar de esto, sus observaciones científicas continuaron influyendo en otros

pensadores, y se le considera uno de los precursores de la revolución científica.

Sus problemas comenzaron durante su adoctrinamiento, al rechazar tener

imágenes de santos, aceptó sólo el crucifijo. En 1566 tuvo lugar el primer

procedimiento en su contra por sospechas de herejía. Dicho proceso no prosperó, y

en 1572 fue ordenado como sacerdote dominico en Salerno y pasó al estudio de Santo

Domingo Mayor, donde recibió en 1575 el título de Doctor en Teología de la

Orden.En 1576 fue acusado de desviarse en la doctrina religiosa y tuvo que abandonar

la orden y huyó a Roma, donde consiguió asilo en el Convento de Santa María en

Minerva. Después de viajar por Italia y Francia llegó a Ginebra. Allí abandonó los

hábitos.

En Ginebra, Juan Calvino había instaurado una república protestante, doctrina a

la que se adhirió Bruno, pero con la cual también se pronunció en disconformidad. En

una ocasión publicó y distribuyó un panfleto donde acusaba a Calvino de cometer

veinte errores en una lectura. Por este motivo fue hecho prisionero hasta que se

retractó y abandonó el calvinismo bajo la acusación de coartar la libertad intelectual. Se

trasladó a Francia donde, luego de varios tropiezos por la guerra religiosa, fue

aceptado porEnrique III como profesor de la Universidad de París en 1581.

En esa etapa de su vida publicó sus dos primeras obras: Las sombras de las

ideas y El canto de Circe. En 1583 viajó a Inglaterra, tras ser nombrado secretario del

embajador francés Michel de Castelnau. Allí se convirtió en asiduo concurrente a las

reuniones del poeta Philip Sidney. Enseñó en la Universidad de Oxford la

nueva cosmología copernicana atacando las ideas tradicionales. Después de varias

discusiones abandonó Oxford. Sus escritos más importantes son De umbris idearum,

de 1582; La cena de las cenizas, Del universo infinito y los mundos y Sobre la causa, el

principio y el uno, las tres últimas escritas en1584. En 1585 escribió Los furores

heroicos donde, en un estilo de diálogo platónico, describe el camino hacia Dios a

través de la sabiduría. Ese mismo año regresó a París con el embajador, para luego

dirigirse a Marburgo, donde dio a la prensa las obras escritas en Londres.

En Marburgo retó a los seguidores del aristotelismo a un debate público en el College

de Cambrai, donde fue ridiculizado, atacado físicamente y expulsado del país.

Física

Famosa es la evidencia dada por Giordano Bruno de la relatividad del

movimiento.4 Bruno muestra que la tierra no es estática. Si cae una piedra desde la

parte superior del mástil de un barco en movimiento, caerá aún al pie del mástil, sin

importar el movimiento del barco. Demostrando que uno no puede considerar el

movimiento de un cuerpo en términos absolutos solo con un sistema de referencia.

Todas las cosas que hay sobre la tierra se mueven con la tierra. Una piedra lanzada

desde lo alto del mástil volverá al final de alguna manera aunque la nave se está

moviendo. ("La Cena de le Ceneri ").

Magia

En el uso común, la magia es entendida como dominio sobre las fuerzas físicas,

espirituales o divinas; sin embargo, el estudio de la magia en Bruno se muestra como la

capacidad de percibir o reconocer el conjunto de relaciones vinculatorias que se

suscitan dentro del reino de lo fantástico. Esto es, la práctica mágica se asienta en su

teoría de los vínculos. Por ello, el mago debe conceder fuerte atención al trabajo de la

imaginación. La imaginación constituye la puerta de acceso a todos los afectos que

pueden conmover a un ser viviente. Se requieren básicamente tres factores para lograr

la vinculación:

potencia activa en el agente.

potencia pasiva en el sujeto o el paciente (esto es una disposición o aptitud de

no resistencia).

la aplicación apropiada a las circunstancias de tiempo y lugar.

Los vínculos no son eternos porque se dan en el mundo, a la vez que no todo

puede vincular a todas las cosas y si lo hace no se da del mismo modo. Hay tres

accesos para vincular:

la visión, a través de formas, gestos, movimientos y figuras adecuadas.

el oído, mediante la voz y el discurso.

la mente o imaginación.

Los vínculos se establecen a través de los sentidos; sucede la entrada que es

cuando son percibidos, la atadura que es cuando se empieza a formar un sentido de

las cosas que entraron vía los sentidos, luego sucede el vínculo y finalmente

la atracción. El mago o manipulador debe ser consciente en todo momento de que para

atraer a uno o más individuos, debe considerar toda la variedad de intereses de los

sujetos a hechizar. Por esta razón, para la técnica mágica se requiere tener un

conocimiento más que parcial del sujeto y sus deseos, pues sin tenerlo no puede darse

ningún vínculo. Su propuesta mágico-fantástica responde a los tres niveles de realidad

que en su ontología señala: el mundo divino y el mundo material son conectados

mediante la fantasía; de manera que ella es el intermediario en el proceso que va de la

sensibilidad a la cognición.

La sensibilidad es un proceso multívoco y dinámico de asociaciones en el ascenso

y descenso de los datos perceptibles. La concepción metafísica de Bruno está

emparentada con las ideas de Pico della Mirandola quien consideraba al hombre con

una posición intermedia entre las partes superiores (divinas) y las partes inferiores

(materiales). Del mismo modo, Bruno extiende las teorías elaboradas por Marsilio

Ficino, quien como San Agustín, distinguía tres reinos: el reino material, divino y

espiritual. De manera que quien vincula alma y cuerpo es el espíritu. Es en el espíritu

donde se da el ascenso y descenso de las ideas y percepciones; ahí se forma la

sensibilidad del sujeto: el alma tiene contacto con las cosas materiales gracias al reflejo

que de ellas se da (en imágenes) dentro del espíritu, mientras que el cuerpo accede al

contacto luminoso de la inteligencia por su reflejo en el espíritu como fantasías. Del

mismo modo, Bruno al igual que Ficino considera que el espíritu no es propio de los

hombres sino que es una realidad propia, un mundo en sí mismo; así podemos hablar

de un mundo de los espíritus.

En la teología platónica de Ficino puede observarse una sutil distinción entre el

concepto de imaginación y el de fantasía, siendo la primera aquella que da forma a lo

que percibimos, mientras que la segunda emite un juicio respecto a lo ya elaborado por

la imaginación. La fantasía en tanto que emite juicios también ha de distinguirse del

intelecto, la primera se ocupa de lo particular, esto es, traduce los universales en

particulares; mientras que el intelecto concibe los universales -por lo que posee

autonomía sobre la fantasía-, pero ambos operan de manera simultanea. La capacidad

del mago para influenciar y atraer reside en reconocer el vínculo que une a todas las

cosas: a partir del lenguaje corpóreo (el cual aporta una imagen completa sobre algo)

que vía el sentido manda a las percepciones por el canal de los mediadores que son la

imaginación y la fantasía, para de tal modo elevarse hasta el intelecto.

Bruno advierte que las características particulares de nuestros juicios no son estéticas

ni éticas en sí mismas, dado que al ser la fantasía la función intermediaria del espíritu,

ella misma establece un sentido al vincular. Así, el juicio que discierne es siempre

fantástico. Así, en cada representación tenemos un halo de fantasía. La aportación

fantástica no es un juicio racional, responde más bien a la sensibilidad; siendo ésta el

eje que va acomodando toda percepción interior y exterior. El reino de la fantasía es el

lugar de cruce donde todo adquiere sentido; es el lugar del alma humana, de tal modo

que el alma se conforma a través de los vínculos y se constituye a partir de las

relaciones multívocas con que asocia cosas, arquetipos y espíritus.

La técnica de la magia consiste en descubrir el misterio del hechizo, sacando

partido de la continuidad del pneuma individual y del pneuma universal.8 El amor es un

mago por excelencia, pues pone a su disposición todos los medios de persuasión para

apoderarse de ciertos objetos, su finalidad es atar. El mago, puede ejercer su influencia

sobre los objetos, los individuos, las sociedades, así como también puede invocar la

presencia de aquellos seres invisibles, los demonios y los héroes. Más para todo actuar

y dominar la manipulación debe acumular el conocimiento de las redes que se

entrelazan para alcanzar el objeto de su deseo. Esta operación es el vincular. De este

modo, la magia como técnica sirve como instrumento de manipulación individual o en

masa; el conocimiento de los vínculos apropiados permite al mago disponer de toda la

naturaleza; por eso antiguamente mago y sabio se identificaban.

Del mismo modo, reconocer las redes vinculatorias permite el dominio de uno

mismo, por lo que podemos considerar el uso de la magia como una condición esencial

para la acción humana en tanto que permite una manifestación libre y no reactiva de

las percepciones que nos atan. Así, entre más conocimientos tenga el manipulador

sobre aquellos o aquello que quiere vincular, mayor serán sus probabilidades de éxito

puesto que sabrá escoger las circunstancias y el momento propicio para crear el lazo

vinculante.

CIENTIFICOS MODERNOS

ISAAC NEWTON

Newton nació, de forma prematura, el 4 de enero de 1643, varios meses

después de la muerte de su padre en Woolsthorpe, Lincolnshire, Inglaterra. A pesar de

que durante sus primeros días de vida se temió por su vida debido a su delicado

estado, logró sobreponerse. De joven vivió en la casa de un boticario amigo de la

familia donde se dedicó a construir diversos ingenios tales como molinos de viento,

carros o relojes de agua y tuvo acceso a libros de ciencias y sustancias químicas. Con

18 años ingresó en la Universidad de Cambridge con unos resultados mediocres en su

primer año. Entonces se cruzó en su camino un prestigioso profesor de matemáticas

llamado Barrow que viendo su potencial lo propuso para ser el beneficiario de una beca

y le encauzó hacia las matemáticas.

Se dice que a él le dedicó la frase ―Si consigo ver más lejos es porque he

conseguido auparme a hombros de gigantes‖. Cuando Newton tenía 21 años la

Universidad de Cambridge cerró temporalmente por una epidemia de peste lo que hizo

que pasase un tiempo estudiando por su cuenta. En 1667 regresó a la Universidad

para ocupar un puesto de profesor de matemáticas que conservó durante 20 años

hasta que en 1701 renunció al ser nombrado director de la Casa de la Moneda de

Inglaterra.

A lo largo de su vida Newton recibió muchos honores dignos de mención, en

1689 se le otorgó un puesto en el Parlamento, en 1702 entró a formar parte de la Real

Sociedad de Londres de la que un año más tarde pasó a ser presidente y por último en

1705 recibió el título de caballero a manos de la Reina Ana I de Gran Bretaña.

El 31 de marzo de 1727 murió en Kensington, Londres, tras de una larga enfermedad a

la edad de 84 años.

Benjamín Franklin

Nació en Boston, 17 de enero de 1706 y murió en Filadelfia, 17 de abril de

1790 Filósofo, político, físico, economista, escritor y educador, figura clave en la

Independencia de los Estados Unidos de Norteamérica, creó las bases de lo que hoy

se entiende como «el ciudadano americano ejemplar».Era el decimoquinto de los hijos

y comenzó a aprender el oficio de su padre, que era un pequeño fabricante de velas y

jabón. Cansado de este trabajo, se colocó a los 12 años en la imprenta de un familiar,

desarrollándose así su amor a la cultura. El escaso tiempo libre lo empleaba en devorar

todo tipo de libros que caían en sus manos. Sus primeros versos y artículos los publicó

en un periódico que su cuñado había fundado. A los 17 años, debido a discusiones con

él, se traslada a Nueva York para hacer fortuna. Respaldado por el gobernador de

Filadelfia, instala una imprenta y decide ir a Londres a comprar el material. Allí,

olvidándose un poco de sus propósitos principales, trabaja en la imprenta Pelmer,

conociendo a distinguidas personalidades.Cuando tenía dieciocho años, viajó de Filadelfia

a Londres, -con la expectativa

de unas cartas de recomendación que finalmente no dieron resultado. Sin embargo,

encontró trabajo de impresor. Siendo todavía adolescente, los libros que imprimía y sus

propios escritos lo pusieron en contacto con algunas de las figuras literarias del

momento. Cuando tenía veinte años volvió a Filadelfia para trabajar en la tienda de un

amigo. Muy poco después volvió a dedicarse a la impresión y, en 1730, cuando tenía

veinticuatro años, contrajo matrimonio con una novia anterior, Deborah, que se había

casado mientras él estaba en Londres, pero a la que había abandonado su marido. Fue

una unión que duró hasta su muerte, cuarenta y cuatro años después.

La naturaleza del rayo: Franklin se interesó por la ciencia en esa época.

Durante el resto de su vida, aunque comprometido con la escritura, la edición, la

política y la diplomacia, se mantuvo al tanto de los últimos descubrimientos gracias al

contacto con otros científicos y a sus propios experimentos. En 1743 fundó la primera

sociedad científica norteamericana, la American Philosophic Society. También encontró

tiempo para desarrollar unas cuantas invenciones notables, incluidos los pararrayos,

las lentes bifocales y la estufa de Franklin.

Franklin estaba particularmente interesado en la electricidad y en el magnetismo,

que en aquellos momentos se comprendían muy poco. En 1745, un físico holandés

llamado Píeter van Musschenbroek, que vivió en la ciudad de Leiden (o Leyden),

inventó un dispositivo de almacenamiento eléctrico que se conoció como «la botella de

Leiden»; y sería la experiencia de Franklin con este ingenio la que inspiró su

experimento más famoso. Las botellas de Leiden, al ser tocadas, producían una chispa

y una descarga eléctrica. Sospechando que el rayo era una forma de electricidad

similar a la chispa de la botella de Leiden, Franklin decidió intentar capturar la

electricidad de un rayo en una de sus botellas.

Un día de 1752, conectó un alambre a una cometa de la cual pendía un hilo de

seda atado a una llave. Hizo volar su cometa hacia un nubarrón y, cuando colocó su

mano cerca de la llave, una chispa saltó entre ambas. Después consiguió cargar la

botella con la energía del rayo, a través de la llave, al igual que podía haberla cargado

con una máquina generadora de chispas. Fue una emocionante demostración de que

el rayo y la humilde chispa de la botella eran el mismo fenómeno. Cuando informó

sobre su experimento creó sensación, y corno recompensa fue admitido como miembro

en la Royal Society de Londres. Pero tuvo mucha suerte: las dos personas siguientes

en intentar el mismo experimento terminaron electrocutadas.

Fue nombrado director general de Correos y ya entonces propuso en el Congreso de

Alvan un proyecto para unir las colonias. También fue miembro del Congreso Continental

y, en 1776, firmó la Declaración de la Independencia, ganándose

hábilmente las simpatías de franceses, españoles y holandeses. Desde esa fecha

hasta 1785 estuvo de embajador en París, donde se hizo muy popular en las logias

francmasónicas, e intervino en la paz con Inglaterra, contra la que había luchado en pro

de las libertades de Estados Unidos. A su regreso fue recibido esplendorosamente y

elegido presidente del estado de Pennsylvania hasta 1789, año en que se retiró, tras

formar parte de la Convención que desarrolló la Constitución de su país. Murió en

1790, abrumado de honores científicos y títulos de diversas universidades de Europa y

Norteamérica. Veinte mil personas asistieron a su funeral en Filadelfia. Había hecho

buen uso de sus dos años de escuela.

Principales Inventos de Benjamín Franklin

Franklin fue un prolífico científico e inventorPresentó la teoría del fluido único

(ésta afirmaba que cualquierfenómeno eléctrico era causado por un fluido eléctrico, la

"electricidad positiva", mientras que la ausencia del mismopodía considerarse

"electricidad negativa") para explicar los dos tipos de electricidad atmosférica a partir de

laobservación del comportamiento de las varillas de ámbar, o del conductor eléctrico,

entre otros.-inventó una herramienta llamada "brazo largo" para alcanzar los libros. El

brazo era un palo de madera, con ungancho en un extremo.-Además del

pararrayos,inventó también el llamadohornode Franklin o chimenea de Pensilvania(1744),

metálico

ymás seguro que las tradicionales chimeneas-también invento laslentes bifocales,para

su propio uso, pues decidió buscar una manera de hacer que sus anteojosle

permitieran ver de cerca y de lejos. Uno de los primeros catéteres urinarios flexibles,

para tratar los cálculos urinarios de su hermano John;- elcuentakilómetros,en su etapa

de trabajo en la Oficina Postal- las aletas de nadador- laarmónica de cristal-Estudió

también las corrientes oceánicas calientes de la costa Este de Norteamérica, siendo el

primero en describirlaCorriente del Golfo.

Charles Robert Darwin

Nació en Sherewsbury el 12 de febrero de 1809. Fue el segundo hijo varón de

Robert Waring Darwin, médico de fama en la localidad, y de Susannah Wedgwood, hija

de un célebre ceramista del Staffordshire, Josiah Wedgwood, promotor de la

construcción de un canal para unir la región con las costas y miembro de la Royal

Society. Su abuelo paterno, Erasmus Darwin, fue también un conocido médico e

importante naturalista, autor de un extenso poema en pareados heroicos que

presentaba una alegoría del sistema linneano de clasificación sexual de las plantas, el

cual fue un éxito literario del momento; por lo demás, sus teorías acerca de la herencia

de los caracteres adquiridos estaban destinadas a caer en descrédito por obra,

precisamente, de su nieto. Además de su hermano, cinco años mayor que él, Charles

tuvo tres hermanas también mayores y una hermana menor. Tras la muerte de su

madre en 1817, su educación transcurrió en una escuela local y en su vejez recordó su

experiencia allí como lo peor que pudo sucederle a su desarrollo intelectual. Ya desde

la infancia dio muestras de un gusto por la historia natural que él consideró innato y, en

especial, de una gran afición por coleccionar cosas (conchas, sellos, monedas,

minerales) el tipo de pasión «que le lleva a uno a convertirse en un naturalista

sistemático, en un experto, o en un avaro».En octubre de 1825 Darwin ingresó en la

Universidad de Edimburgo para estudiar

medicina por decisión de su padre, al que siempre recordó con cariño y admiración (y

con un respeto no exento de connotaciones psicoanalíticas); la hipocondría de su edad

adulta combinó la desconfianza en los médicos con la fe ilimitada en el instinto y los

métodos de tratamiento paternos. Sin embargo Darwin no consiguió interesarse por la

carrera; a la repugnancia por las operaciones quirúrgicas y a la incapacidad del

profesorado para captar su atención, vino a sumarse el creciente convencimiento de

que la herencia de su padre le iba a permitir una confortable subsistencia sin necesidad

de ejercer una profesión como la de médico. De modo que, al cabo de dos cursos, su

padre, dispuesto a impedir que se convirtiera en un ocioso hijo de familia, le propuso

una carrera eclesiástica. Tras resolver los propios escrúpulos acerca de su fe, Darwin

aceptó con gusto la idea de llegar a ser un clérigo rural y, a principios de 1828, después

de haber refrescado su formación clásica, ingresó en el Christ's College de Cambridge.

Una nueva vida

Pero en Cambridge, como antes en Edimburgo y en la escuela, Darwin perdió el

tiempo por lo que al estudio se refiere, a menudo descuidado para dar satisfacción a su

pasión por la caza y por montar a caballo, actividades que ocasionalmente culminaban

en cenas con amigos de las que Darwin conservó un recuerdo -posiblemente

exagerado- como de auténticas francachelas. Con todo, su indolencia quedó

temperada por la adquisición de sendos gustos por la pintura y la música, de los que él

mismo se sorprendió más tarde, dada su absoluta carencia de oído musical y su

incapacidad para el dibujo (un «mal irremediable», junto con su desconocimiento

práctico de la disección, que representó una desventaja para sus trabajos posteriores).

Más que de los estudios académicos que se vio obligado a cursar, Darwin

extrajo provecho en Cambridge de su asistencia voluntaria a las clases del botánico y

entomólogo reverendo John Henslow, cuya amistad le reportó «un beneficio

inestimable» y que tuvo una intervención directa en dos acontecimientos que

determinaron su futuro: por una parte, al término de sus estudios en abril de 1831,

Henslow le convenció de que se interesase por la geología, materia por la que las

clases recibidas en Edimburgo le habían hecho concebir verdadera aversión, y le

presentó a Adam Sedgwick, fundador del sistema cambriano, quien inició precisamente

sus estudios sobre el mismo en una expedición al norte de Gales realizada en abril de

ese mismo año en compañía de Darwin (treinta años más tarde, Henslow se vería

obligado a defender al discípulo común ante las violentas críticas dirigidas por

Sedgwick a las ideas evolucionistas); por otra parte, lo que es aún más importante, fue

Henslow quien le proporcionó a Darwin la oportunidad de embarcarse como naturalista

con el capitán Robert Fitzroy y acompañarle en el viaje que éste se proponía realizar a

bordo del Beagle alrededor del mundo.

Pierre Curie

(1859 - 1906)

Fue un reconocido científico ganador del Premio Nobel de Física en el año

1903 y considerado el más grande representante de la física gracias al descubrimiento

de lapiezoelectricidad y por ser el primero en dedicar sus años al estudio de

la radiactividad. Este notable físico nació en Paris, Francia un 15 de mayo de 1859,

muy poco se conoce de su infancia, solo se sabe que su padre fue un gran autodidacta

quien impulso a él y a su menor hermano Jacques a estudiar la ciencia y la física.

Luego de un tiempo de esfuerzo y preparación llego a postular a la universidad de

la Sorbona y se graduó con reconocimiento de la facultad de ciencias.Inicio su

trabajo de investigación con su hermano Jacobs y en el año 1880, su esfuerzo dio su

primer fruto descubriendo la ―piezoelectricidad‖, que es un fenómeno por el cual se

obtiene potencial eléctrico al comprimir un cuarzo o un cristal.

Así ambos científicos pudieron llegar a la conclusión que un cristal puede cambiar de

forma o transformarse cuando es sometido a un fuerte potencial de energía o

calor.Continuo con sus estudios y en el año 1894 demostró el principio de la Simetría,

con el cual demostraba que toda simetría presente en un fenómeno físico se podrá

encontrar en sus consecuencias. A los años siguientes decidió seguir un doctorado

especializándose en elmagnetismo, es así como invento una balanza de torsión por

medio de la cual podía estudiar fenómenos no solo magnéticos, sino también

ferromagneticos, el diamagnetismo y los fenómenos paramagnéticos. Es así como llego

a descubrir la tan conocida ―Ley de Curie‖ que se basa en el efecto que tiene la

temperatura sobre el paramagnetismo.Si bien es cierto este hombre trajo grandes

descubrimientos a la ciencia, se le conoce aun mas por la excelente dupla o equipo

científico que hacía con su esposa, la recordada Marie Sklodowska, conocida solo

como Marie Curie. Ambos se dedicaron a estudiar la radioactividad y dedicaron

muchas horas de su vida en investigar el aislamiento del polonio y del radio.

De unos padres tan notables en el campo de la investigación era lógico que su

hija Irene Joliot-Curie, continúe el trabajo de sus padres y es acreedora a otro Nobel a

la química en el año 1935. Aproximadamente treinta años después de la muerte de su

padre. Pierre Curie murió un 19 de abril de 1906, al ser atropellado por una carroza

en Paris, una mañana cuando se dirigía a su laboratorio.Ese mismo año, Pierre recibe

junto con su esposa y Henrry Becquerel el Premio Nobel a la Física por su

investigación sobre radiación, al igual que recibieron la medalla Davy de la Royal

Society de Londres. El co-descubridor de la radioactividad y de la energía nuclear, fue

educado por su padre y alcanzó el equivalente de un grado universitario a la edad de

18 años.

Luis Pasteur

Químico, fundador de la físico-química, padre de la bacteriología, inventor de

bio-terapéuticas. Nacido en Dole, Jura, Francia, 27 Deciembre de1822; murió cerca de

Sevres, 28 Septiembre de 1895. Su padre era un pobre quien se trasladó a Arbois

cuando su hijo sólo tenía dos meses. Pasteur recibió su primera educación en el

Colegio Comunal de Arbois, pero prestó poca atención a los estudios, prefiriendo

pescar y dibujar. Durante algún tiempo pensó que llegaría a ser pintor. Cuando fue

descubriendo la ciencia se sintió muy interesado.

Se graduó en Besancon y para consagrarse totalmente a la ciencia se trasladó a

Paris para estudiar bajo el magisterio de Dumas, Balard y Biot. Su padre le ayudó, pero

tenía que financiarse él mismo parte de sus propios trabajos. Su primer trabajo original

versó sobre los cristales. Mitscherlich anunció que dos ácidos, aparentemente idénticos

en sus químicas cualidades y en su cristalina forma, actúan diferentemente en la

solución por la luz polarizada. Rechazando aceptar esta afirmación, Pasteur demostró

que los cristales aunque parecieran similares eran diferentes y demostró la aparente

contradicción.

Su descubrimiento llamó poderosamente la atención. Como consecuencia se

entregó al estudio de lo que llamó disimetría, indicando que las sustancias inorgánicas

no son disimétricas en su cristalización, por el contrario todos los productos de la vida

vegetal y animal son disimétricos. Concluyó que debajo de estas apariencias había un

gran principio biológico. Como resultado de su descubrimiento fue nombrado(1844)

profesor de Física en el Liceo de Dijon, tres meses después se le nombró profesor

asociado de Química en la Universidad de Estrasburgo y profesor definitivo en 1852; en

1854 decano y profesor de Química en la nueva Universidad de Lille; en 1856 la

Sociedad Real Inglesa le confirió el Rumford Medal por el descubrimiento sobre la

polarización de la luz con de cristales; en 1857 es nombrado director de estudios

científicos en la Escuela Normal de París; en 1863 profesor de Geología y Química en

la Escuela de Bellas Artes, en 1869 profesor de Química en la Sorbona, en donde

permaneció hasta 1889, cuando fue nombrado Director del Instituto Pasteur, fundado

en su honor.

Sus primeros estudios químicos le orientaron a la investigación de la

fermentación y putrefacción, demostró que eran debidas a varias clases de gérmenes

vivientes. Partiendo de aquí demostró que la generación espontánea era imposible.

Demostró que en la materia altamente organizada, si los gérmenes vivos son todos

destruidos, y si además el acceso de los gérmenes es controlado de tal modo que

nunca al aire se le permite el libre acceso, la fermentación o la putrefacción no se

producen. Una pieza de algodón empañada y colocada en un matraz libre de gérmenes

es suficiente después de esterizarla, para mantener la orgánica solución

completamente estéril.

El estudio de la fermentación condujo a Pasteur a estudiar el vinagre, el vino y la

cerveza. Como resultado de esta feliz investigación de fermentos fue requerido por el

Emperatriz Eugenia para que se consagrase a la organización de una gran industria

manufacturera para beneficio de Francia. Respondió que consideraba incompatible con

la dignidad de un científico dedicar su tiempo al comercio, y mientras él estaba

dispuesto para que otros se aprovechasen de la ventaja de sus descubrimientos, él

deseaba dedicarse totalmente al trabajo científico.

Esta fue una postura afortunada. Sus exitosos descubrimientos motivaron que el

Gobierno Francés lo llamara para estudiar la enfermedad del gusano de seda. Esta

había producido tales prejuicios en la industria de la seda francesa que su final parecía

próximo. Se habían ensayado muchos expedientes y supuestos remedios. Gusanos de

seda frescos habían sido traídos desde China en numerosas ocasiones, pero habían

sucumbido a la enfermedad, o sus crías se habían visto afectadas por ellas. Nada

había viable y el asunto parecía desesperado. Pasteur halló que el gusano de seda

había sufrido dos enfermedades, pebrine y flacherie, y que la extensión de esas

enfermedades podría ser prevenida por la cuidadosa separación de los gusanos sanos

de los enfermos.

El anuncio parecía demasiado bueno para ser verdadero y escuchado. Pasteur

demostró su absoluta verdad y su práctica capacidad para poder encargarse de la villa

del Príncipe Imperial Francés, en donde la industria de la seda se había sido arruinado.

Al final del año el saldo de capullos dio una ganancia neta de 26.000.000 francos

(cerca de 5.000.000).Naturalmente Pasteur procedió a estudiar las enfermedades de los

animales y de los

seres humanos. Demostró la causa bacterial del carbunco (ántrax) que había causado

serios estragos en Francia entre el ganado. El organismo se extendía por contacto, real

contagio. Demostró que las lombrices eran transportadas desde los cuerpos de

animales sepultados en poca profundidad e infectaban a los que pastaban. Halló

además que podía por el calor reducir la vitalidad del microbio ántrax, de tal forma que

producía una leve enfermedad que protegía al ganado contra otra fatal. Después

descubrió la causa del cólera en el ave. Lo cultivó artificialmente y después de un

tiempo sus cultivos no producían la enfermedad en el ave, pensó que esto servía para

protegerlas contra inyecciones de virulentos cultivos que asesinarían al control=1Ffowl.

Los descubrimientos de virus que vacunaban contra estas enfermedades ahorraron a

Francia millones de dólares cada año.

Pasteur continuó con el desarrollo de la bacteriología y su relación con la

enfermedad. Habiendo estudiado muchos casos de niños encamados con fiebre en los

hospitales, declaró ante la sociedad médica que había encontrado su causa y dibujó un

diseño semejante a un rosario que conocemos como un estreptococo, o cadena cocos.

Descubrió otro coco (marrón) forma de microbios patológicos, algunos de los cuales se

organizaban como racimo de uvas, los llamó estafilococo. Por último llegó su trabajo

sobre la rabia. Incapaz de encontrar la causa de la enfermedad, que aún no había sido

descubierta, tuvo éxito preparando con vértebras disecadas de animales muertos un

virus que vacunaba contra la enfermedad, el cual protegía a los seres humanos

atacados por un animal rabioso contra el desarrollo de la rabia.

Este tratamiento encontró una dura oposición. Los alemanes hablaban

despectivamente de " un remedio del que conocemos menos que la enfermedad‖. Con

el tiempo llegó el reestablecimiento de Pasteur. Los rusos, quienes sufrían numerosas

clases de rabias, incluidas las mordeduras de furiosos lobos en las montañas,

reconocieron un gran servicio y el zar honró a Pasteur con una visita personal.

Después Inglaterra y la India lo encontraron como un trabajo maravilloso. Otros países

también lo admitieron. Finalmente el Gobierno Alemán estableció los Institutos Pasteur

y reconoció el descubrimiento.

Muchos honores le fueron concedidos. Además de las RCM (1856-1874), en

1868 el Gobierno Austriaco le concedió un premio de 10.000 francos por su

investigación sobre la enfermedad del gusano de seda; en 1873 la Sociedad Francesa

de Aliento, un premio de 12.000 francos; La Sociedad Rusa de Economía Rural, una

medalla (1882); la medalla de (1882) el Premio Bressa;5000 (Academia de Turín,1888);

el Gobierno Francés, una pensión anual de 12.000 francos (1874) incrementada en

1883 en 25.000 francos y además todos los grados de la Legón de Honor, le fueron

conferido por Rusia, Dinamarca, Gracia, Brasil, Suiza, Turquía, Noruega y Portugal.

Oxford le concedió un D.C.I., Bonn, un honorario M.D., la English Royal Society,

miembro extranjero y la Academia Francesa, su miembro (1881). Fue nombrado

Secretario Perpetuo de la Academia de Ciencias en 1887. Un celebración magnífica

tuvo lugar con motivo de su jubilación a los70 años, 27 de Diciembre, 1892, a cuya

contribución llegaron enviados de todos los países civilizados y todas las grandes

instituciones docentes. La Fe de Pasteur era tan genuina como su ciencia. En su

panegírico de Littré, cuya fauteuil tomó, afirmó: "Feliz el hombre que lleva dentro una

divinidad, un ideal de belleza y lo obedece; y un ideal de arte, y un ideal de ciencia; y

un ideal de país y un ideal de las virtudes del Evangelio".

Estas palabras están gravadas sobre su tumba en el Instituto Pasteur. En sus

cartas escribía: "Estos son los manantiales vivos de los grandes pensamientos y de las

grandes acciones. Todo se transforma claramente desde el Infinito".

Declaraba :"Cuánto más conozco, tanto más cerca está mi fe de la de un campesino

Bretón. Quisiera conocerlo todo y desearía la fe de una campesina Bretona". Lo que el

nunca habría comprendido, sobre todo, es el fracaso de los científicos a reconocer la

demostración de la existencia de Dios presente en el mundo que nos rodea. Murió con

su rosario en sus manos, después de escuchar la vida de San Vicente de Paúl, había

suplicado que se la leyesen, pensaba que con su trabajo como el de San Vicente

podría hacer mucho para salvar a los niños que sufrían.

Las principales obras de Pasteur son: "Etudes sur le vin", (1866); "Etudes sur le

Vinnaigre » (1868) « Etudes sur la Maladie des Vers á Soie » (2vols.,1870) ;

« Quelques Réflexions sur la Science en France » (1871) ; Etudes sur la Biére »(1876) ;

« Les Microbes organiosés, leur rôles dans la Fermentation, la Putrefaction et la

Contagion » (1878) « Discours de Réception de M.L., Pasteur á l´Academie

Française »(1882) « Traitement de la Rage » (1886).

SIGMUND FREUD

Sigmund Freud nació el 6 de mayo de 1856 en Freiberg, Moravia (en la

actualidad, Příbor en la República Checa) en el seno de una familia judía. Aunque el

nombre que figura en su certificado de nacimiento es Sigismund, su padre añadió un

segundo nombre, de origen hebreo, Schlomo o Shelomoh (versiones de Salomón) en

una inscripción manuscrita en la biblia de familia. Un documento de 1871 se refiere a

Freud como Sigmund aunque él mismo no comienza a firmarSigmund hasta 1875 y

nunca usó el segundo nombre.Fue el mayor de seis hermanos (cinco mujeres y un

varón). Tenía además dos hermanastros de un matrimonio anterior de su padre.

En 1860, cuando contaba con tres años de edad, su familia se trasladó a Viena,

esperando el padre recobrar la prosperidad perdida de su negocio de lanas.

A pesar de que su familia atravesó grandes dificultades económicas, sus padres

se esforzaron para que obtuviera una buena educación y en 1873, cuando contaba con

17 años, Freud ingresó en la Universidad de Viena como estudiante de medicina en un

ambiente de antisemitismo creciente. En 1877, abrevió su nombre de Sigismund

Freud a Sigmund Freud. Estudiante poco convencional pero brillante, fue asistente del

profesor E. Brücke en el Instituto de Fisiología de Viena

entre 1876 y 1882.

6 En 1880 conoció al que sería su colaborador Joseph Breuer.

Según se desprende de numerosas cartas entre Freud y su amigo Eduard Silberstein,

escritas entre 1871 y 1881,7ambos aprendieron el español de manera autodidacta.

Incluso formaron una especie de sociedad secreta a la que nombran ―Academia

Castellana‖ (AC)‖y usaron como pseudónimos los nombres de los dos perros protagonistas

de El coloquio de los perros del "gran Cervantes"; solían firmar Freud

como Cipion y Silberstein como Berganza. Publicadas en 1965, las cartas han sido

traducidas al inglés, italiano, español y francés. Las originales se encuentran en

el Library of Congress. En 1881 se graduó como médico. Freud trabajó bajo la

dirección de Theodor Meynert en el Hospital General de Viena entre los

años 1883 y 1885. Como investigador médico, Freud fue un pionero al proponer el uso

terapéutico de lacocaína como estimulante y analgésico. Entre 1884 y 1887 escribió

muchos artículos sobre las propiedades de dicha droga. En base a las

experimentaciones que él mismo realizaba en el laboratorio de neuroanatomía del

notable patólogo austríaco y especialista en histología Salomon Stricker, logró

demostrar las propiedades de la cocaína como anestésico local.

En 1884 Freud publicó su trabajo Über Coca (Sobre la coca), al que sucedieron

varios artículos más sobre el tema. Aplicando los resultados de Freud, pero sin

citarlo, Carl Koller utilizó con gran éxito la cocaína en cirugía e

intervenciones oftalmológicas publicando al respecto y obteniendo por ello un gran

reconocimiento científico. Se ha podido determinar - tras la publicación de las cartas a

su entonces prometida y luego esposa, Martha Bernays - que Freud hizo un intento

frustrado de curar con cocaína a su amigo Ernst von Fleischl-Marxow, quien era adicto

a la morfina, pero el tratamiento sólo agregó una nueva adicción y finalmente falleció.

Se le critica a Freud no haber admitido públicamente este fracaso, así como el hecho

de que su biógrafo y amigo Ernest Jones tampoco lo haya reportado. Es también

conocido que el propio Freud consumió cocaína por algún período de su vida, según se

puede leer en la versión completa de su correspondencia con Wilhelm Fliess.

Profesional debido a la incomprensión e indignación que en general sus teorías

e ideas provocaron, comenzó a formarse un grupo de adeptos en torno a él, el germen

del futuro movimiento psicoanalítico. Sus ideas empezaron a interesar cada vez más al

gran público y se fueron divulgando pese a la gran resistencia que suscitaban. El

primer reconocimiento oficial como creador del psicoanálisis fue en 1902 al recibir el

nombramiento imperial como Profesor extraordinario, hecho que Freud comentaría en

una carta a Wilhelm Fliess fechada en Viena el 11 de marzo de 1902, señalando

sarcásticamente que esto era «...como si de pronto el papel de la sexualidad fuera

reconocido oficialmente por su Majestad...»Internacionalmente, sin embargo, el primer

reconocimiento oficial de su trabajo ocurrió en 1909, cuando la Universidad de Clark,

en Worcester, Massachusetts, le concedió el título honorífico doctor honoris causa.

16 G.

Stanley Hall invitó a Freud a dar una serie de conferencias como parte de las

celebraciones con motivo del vigésimo aniversario de la fundación de la universidad

que presidía, con la intención de divulgar el psicoanálisis en los Estados Unidos.

Freud experimentó la primera disensión interna a su doctrina en octubre

de 1911 cuando Alfred Adler y seis de sus partidarios se dieron de baja de la Asociación

Psicoanalítica Vienesa.

17 Por esta época ya estaba en gestación la que

en 1914, y con más graves consecuencias, protagonizaría Carl Gustav Jung, que

amenazaría con desestabilizar todo el edificio psicoanalítico. En 1923 le fue

diagnosticado un cáncer de paladar, probablemente a consecuencia de su intensa

adicción a los puros, por el cual fue operado hasta 33 veces. Su enfermedad, aparte de

provocarle un gran sufrimiento, una gran incapacidad y una eventual sordera del oído

derecho, lo obligó a usar una serie de incómodas prótesis de paladar que le dificultaron

grandemente la capacidad del habla. Nunca dejó de fumar, con las consecuencias que

esto le acarreó. A pesar de su enfermedad, Freud continuó trabajando como

psicoanalista y, hasta el fin de su vida, no cesó de escribir y publicar un gran número

de artículos, ensayos y libros.

Sigmund Freud en sus últimos años de vida.

Toda la vida de Freud, con la excepción de sus tres primeros años, transcurrió

en la ciudad de Viena. Sin embargo, en 1938, tras la anexión de Austria por parte de

la Alemania nazi, Freud, en su condición de judío y fundador de la escuela

psicoanalítica, fue considerado enemigo del Tercer Reich. Sus libros fueron quemados

públicamente y tanto él como su familia sufrieron un intenso acoso. Reacio a

abandonar Viena, se vio obligado a escapar del país al quedar claro que el peligro que

corría su vida era inminente. En un allanamiento de la casa donde operaba la editorial

psicoanalítica y de su vivienda, su hijo Martin fue detenido durante todo un día. Una

semana más tarde, su hija Anna fue interrogada en el cuartel general de la Gestapo.

Estos hechos lo llevaron a convencerse de la necesidad de partir.

El hecho que sus hermanas (cuatro de ellas permanecieron en Viena) fueran

apresadas más tarde y murieran encampos de concentración confirma a posteriori que

el riesgo vital era completamente real. Gracias a la intervención in extremis de Marie

Bonaparte yErnest Jones consiguió salir del país y refugiarse en Londres, Inglaterra. En

el momento de partir se le exigió que firmara una declaración donde se aseguraba que

había sido tratado con respeto por el régimen nazi. Freud consintió en firmarla pero

añadió el siguiente comentario sarcástico: «Recomiendo calurosamente la Gestapo a

cualquiera».

El 23 de septiembre de 1939, muy deteriorado físicamente e incapaz de soportar

el dolor que le producía la propagación del cáncer de paladar, le recordó a su médico

personal, Max Schur, su promesa de sedación terminal a fin de ahorrarle el sufrimiento

agónico. Freud murió después de serle suministradas tres inyecciones de morfina.

Fue incinerado en el crematorio laico de Golders Green, donde reposan sus cenizas

junto a las de su esposa Martha. A pesar de los implacables y a menudo apremiantes

desafíos a los que virtualmente todas sus ideas tuvieron que enfrentarse, tanto en vida

como una vez desaparecido, Freud se convirtió y sigue siendo una de las figuras más

influyentes del pensamiento contemporáneo.

MAXWELL PLANCK

Físico alemán. Nació en Kiel, donde estudió hasta los nueve años, edad a la que

ingresó en el Maximilian Gimnasium de Munich. En Munich, comienza también sus

estudios universitarios, y al cuarto año de su carrera se traslada a la Universidad de

Berlín. Se interesa mucho desde el primer momento por el estudio de la energía, en

especial de la Termodinámica. En 1879 es aprobada su tesis doctoral, no muy bien

comprendida, e ingresa en la Facultad Científica de Munich.

En 1892, sustituye a Kirchhoff, antiguo profesor suyo en la cátedra de Física

Teórica de Berlín. Hasta este momento, Planck, junto con el cultivo de su afición a la

literatura clásica y a la música, se había enfrentado de lleno y con planteamientos

filosóficos con el problema fundamental de la Física de finales del siglo: la esencia de la

energía, su conservación, su dinamismo...

En el año 1900, y en la Sociedad de Física de Berlín, presenta la forma revolucionaria

que resolvería la cuestión, y para cuya aceptación había que aceptar también dos

presupuestos no menos revolucionarios y que posteriormente serían comprobados:

primero, la existencia de infinitos y diminutos osciladores eléctricos en cada emisor de

energía con período propio de vibración cada uno; segundo, verificación de la emisión y

absorción de energía de los osciladores, mediante una variación a saltos, que son el

producto de una constante denominada «quantum» por la frecuencia del oscilador.

Estos «saltos» serían las unidades mínimas de energía. Tal es la teoría revolucionaria -

tan revolucionaria como la de la Relatividad Generalizada de Einstein- de los Quanta,

que conmocionó a los físicos y amenazó a la Física clásica, Física cuyo fundamento

residía en la continuidad de la energía.

Con el tiempo, las teorías de Planck fueron comprobadas y admitidas, y su fama pronto

fue mundial. En 1918 recibe el Premio Nobel de Física. Ya con muchos años, tuvo que

sufrir el terror del régimen de Hitler: su hijo es fusilado y pierde su casa en Berlín,

teniendo que establecerse en Gotinga, desde donde sigue los progesos que su teoría

experimenta en manos de De Broglie, Heisenberg y Schrödinger. Allí murió. Al año

siguiente se constituyó la Fundación Max Planck.El germen de la teoría cuántica ha sido

desarrollado posteriormente con fuerza y

perfección. Primero, como aplicación al conocimiento de la estructura atómica; luego,

como teoría abstracta de numerosas aplicaciones.

Trabajó como profesor de física en la Universidad de Kiel en 1885, y de 1889 a

1928 dio clases en laUniversidad de Berlín. En el año 1900 formuló que la energía se

radia en unidades pequeñas separadas denominadas "cuantos". Estudiando la

radiación emitida por el llamado "cuerpo negro", para poder explicarla tuvo que

renunciar a a la física clásica e introducir la teoría del "quantum", que al principio ni él

mismo entendía, pero llegó a descubrir la constante universal de la naturaleza, que se

conoce como la Constante de Planck, estableciendo que la energía de cada "quantum"

es igual a lafrecuencia de la radiación, multiplicada por la constante universal.

Estos descubrimientos, no invalidaron la teoría de que la radiación se propagaba

por ondas. Se cree que laradiación electromagnética combina las propiedades de

las ondas y de las partículas. Sus descubrimientos fueron verificados posteriormente

por otros científicos y significaron el nacimiento de un campo totalmente nuevo de la

física, conocido como "mecánica cuántica".

Entre sus obras más importantes se encuentran Introducción a la física teórica (5

volúmenes, 1932-1933) y Filosofía de la física (1936). Colaboró con Albert Einstein y

fue galardonado con numerosos premios, especialmente, el Premio Nobelde Física,

en 1918. En 1930 fue presidente de la Sociedad Kaiser Guillermo para el Progreso de

la Ciencia, que después se llamó Sociedad Max Planck. Sus críticas al régimen

nazi le forzaron a abandonar la Sociedad, de la que volvió a ser su presidente al

acabar la II Guerra Mundial. Perdió a su hijo mayor en guerra. Su casa fue destruida

durante los bombardeos de los aliados, y su otro hijo, Erwin Planck fue ejecutado en

1945 por conspirar contra Hitler. Max Planck falleció en Gotinga el 3 de octubre de

1947.

ALFRED NOBEL

Los Nobel son conocidos en la historia de las ciencias como una familia sueca

de notables químicos e inventores. Olof Nobel desde principios del siglo XVIII se

destacó como tal, además de haber sido un influyente profesor en la Universidad de

Upsala. Su nieto, Inmanuel Nobel, fue tan famoso como su abuelo y su genio creador

en el campo de la química, principalmente en la rama de los explosivos, fue heredado

con creces por sus descendientes. Del matrimonio de Inmanuel con Andrietta Ahlsell

nacieron cuatro hijos varones: Robert y Ludwig, destacados colaboradores de su

padre; Alfred, que inmortalizó el apellido con sus grandes aportes en el campo de la

química de los explosivos y Emil, que murió siendo estudiante universitario, víctima de

una explosión en el laboratorio familiar como consecuencia de las experiencias que

realizaba.

El tercero de los hermanos, Alfred Bernhard Nobel, nació en Estocolmo capital

de Suecia, el 21 de octubre de 1833. Aunque recibió su educación en Rusia y estudió

ingeniería en los Estados Unidos de América junto al famoso ingeniero John Ericson,

su profunda formación científica en todo lo referente a explosivos la alcanzó con su

trabajo junto al padre. Joven aún, Inmanuel Nobel, con toda la familia emigró a San

Petersburgo, Rusia, donde fundó primero un establecimiento destinado a la fabricación

de torpedos y después, sucesivamente, un astillero, una fundición de hierro y fábricas

de armas, en los que laboraron intensamente, junto al progenitor, los tres hijos

mayores. Alfred, que unía a su genio creador en la química, una especial habilidad para

los grandes negocios, cuando aún no había cumplido las tres décadas de vida, fundó

por su propia cuenta, en 1862, una fábrica de nitroglicerina en Estocolmo y tres años

después otras dos, en Winterviken y Kummel del Elba, llegando a ser esta última una

de las más importantes de Europa.

Se dedicó desde entonces a realizar, paciente y temerariamente, estudios sobre

la nitroglicerina con el propósito de atenuar su sensibilidad que hacía imposible su uso

en forma pura. La nitroglicerina que es el más importante de los éteres nítricos de la

glicerina, también denominado trinitrina, había sido descubierta en 1846 por el químico

y médico italiano Ascanio Sobrero, quien la llamó piroglicerina y advirtió la extrema

peligrosidad de su uso comercial. En 1854 Williamson estableció su composición

química, lo que facilitó que años más tarde, con un completo dominio de su

estructura, Nobel pudiera ensayar con diversas sustancias para conocer, cuales podían

atenuar su gran sensibilidad.

Después de un arduo proceso de experimentación, en el que estuvo a punto de

no continuar los estudios emprendidos debido a una violenta explosión en 1864 que

destruyó sus laboratorios y corrió gran peligro su vida, notó que la tierra de infusorios o

trípoli ofrecía la propiedad de ser muy absorbente respecto de la nitroglicerina, pues

retenía en sus poros hasta el 82 por ciento de dicha sustancia lo que daba paso a una

nueva mezcla, que continuaba siendo un gran explosivo, pero que hacía menos

peligroso su manejo. Corría el año 1867 y Nobel acababa de descubrir la dinamita, con

lo que hacía posible el uso industrial de la nitroglicerina y se convertía en el genuino

creador de la moderna pirotecnia. Muy pronto hizo multiplicar los establecimientos

dedicados a esta industria, de proyecciones incalculables, e introdujo la dinamita en

toda Europa y en los Estados Unidos. En 1873 fijó su laboratorio en Saint-Sevrán,

cerca de París y fue entonces que creó la gelatina explosiva, llamada también gelatina

de Nobel, consistente en una mezcla de nitroglicerina y nitrocelulosa.

Todos estos logros no agotaron su genio. En 1880 obtuvo la patente de un freno

automático y de una caldera antiexplosiva, más tarde perfeccionó la concentración de

ácido sulfúrico y de aparatos vaporizadores y congeladores. Junto a esa labor,

encaminó sus esfuerzos en hallar medios modernos que permitieran la refinación del

hierro de fundición. De extraordinaria importancia fue su método para la destilación

contínua del petróleo, aportado en 1884, con el que estableció los fundamentos de la

industria petrolera rusa, cuya ventajosa explotación constituyó una de las bases de su

inmensa fortuna personal. Su último gran aporte lo sería la llamada pólvora sin humo o

balistita, de la que recibió patente de invención en 1888, precursora de la cordita,

materia explosiva lograda por los químicos ingleses Frederick Abel y Jacob Dewar. En

todos estos trabajos fueron constantes colaboradores sus hermanos Robert y Ludwig.

En 1891 trasladó su laboratorio a San Remo, en la Riviera italiana, cerca de los

Alpes. En 1894 compró la fundición de Bofors por dos millones y medio de coronas

suecas con lo que completó su legendario capital y ensanchó la vieja mansión familiar

en Estocolmo, donde pasaba los veranos. Durante los inviernos permanecía en su

refugio de San Remo, cerca de donde vivía Bertha Kinsky, baronesa de von Suttner,

renombrada escritora austríaca, único amor conocido en su productiva vida de sabio

solitario. Allí sorprendió la muerte el 10 de diciembre de 1896 al hombre, que según

frase feliz del ensayista Austin Tower, escribió su historia mojando, valientemente, su

pluma en nitroglicerina. Los últimos años de su vida los pasó Alfred Nobel atormentado

por la idea de que su obra científica había contribuido a que las guerras fueran cada

vez más destructoras y sangrientas, por ello, un año antes de su fallecimiento, el 27 de

noviembre de 1895, otorgó testamento en el que creaba la llamada Fundación Nobel

(Nobelstiftelsen) en los siguientes términos: "Se dispondrá como sigue de todo el

remanente de la fortuna realizable que deje al morir: el capital, realizado en valores

seguros por mis testamentarios, constituirá un fondo cuyo interés se distribuirá

anualmente como recompensa a los que, durante el año anterior, hubieran prestado a

la humanidad los mayores servicios.

El total se dividirá en cinco partes iguales, que se concederán: una a quien, en el

ramo de las Ciencias Físicas, haya hecho el descubrimiento o invento mas importante;

otra a quien lo haya hecho en Química o introducido en ella el mejor perfeccionamiento;

la tercera al autor del más importante descubrimiento en Fisiología o Medicina; la

cuarta al que haya producido la obra literaria más notable en el sentido del idealismo; por

último, la quinta parte a quien haya laborado más y mejor en la obra de la

fraternidad de los pueblos, a favor de la supresión o reducción de los ejércitos

permanentes, y en pro de la formación y propagación de Congresos de la Paz. Los

premios serán otorgados: los de Física y Química por la Academia Sueca de Ciencias;

el de Fisiología o Medicina por el Instituto Carolino de Estocolmo; el de Literatura, por

la Academia de Estocolmo; el de la obra de la Paz, por una comisión de cinco

individuos que elegirá el Storthing noruego*

. Es mi voluntad expresa que en la

concesión de los premios no se tenga en cuenta la nacionalidad, de manera que los

obtengan los más dignos, sean o no escandinavos."

Veinte días después de su muerte, el 30 de diciembre de 1896, el documento

era abierto con todas las formalidades de la ley y algo más de treinta millones de

coronas suecas fueron destinadas a la creación de la Fundación y los réditos de ese

capital habrían de ser entregados anualmente, a partir de 1901 en forma de los cinco

premios dispuestos, a los que se agregaría muchos años después, en 1969, un sexto

destinado a la mejor obra de investigación en el campo de la Economía, creado por el

Banco Nacional de Suecia, que es quien lo paga y otorgado por la Academia Sueca de

Ciencias.

Las instituciones encargadas de adjudicarlos nombraron desde su creación

comités compuestos de tres a cinco de sus miembros, llamados Comités de los

Premios Nobel, para dictaminar acerca de las concesiones. El importe de los mismos

ha sido muy variable en el tiempo de acuerdo con los réditos anuales de la Fundación.

Los premios pueden ser compartidos hasta por tres personas o quedar vacantes y en el

de la Paz, pueden ser galardonadas instituciones, como lo han sido, entre otras: el

Instituto de Derecho Internacional de la Universidad de Gante; el Comité de la Cruz

Roja (Ginebra) y la Oficina Internacional Nansen para refugiados (Ginebra).

NIKOLA TESLA

Nikola Tesla nació de padres serbios en el pueblo de Smiljan, en el Imperio

Austrohúngaro, cerca de la ciudad de Gospić, perteneciente al territorio de la actual

Croacia. Su certificado de bautismo afirma que nació el 28 de junio de 1856

delcalendario juliano, correspondiente al 10 de julio del calendario gregoriano en uso

actualmente. Su padre fue Milutin Tesla, un sacerdote de la iglesia ortodoxa serbia en

la jurisdicción de Sremski Karlovci, y su madre Đuka Mandici.

Se piensa que su origen paterno proviene de alguno de los clanes serbios del

valle delrío Tara, o bien del noble herzegovino Pavle Orlović.

12 Su madre, Đuka,

provenía de una familia domiciliada en Lika y Banija, pero con profundos orígenes

morlacos enKosovo. Era buena fabricando herramientas artesanales caseras y había

aprendido de memoria numerosos poemas épicos serbios, aunque nunca aprendió a

leer. Fue el cuarto de cinco hijos. Su hermano mayor, llamado Dane, murió en un

accidente de equitación cuando Nikola tenía 9 años; sus otras tres hermanas se

llamaban Milka, Angelina y Marica.

Su familia se trasladó a Gospić en 1862. Tesla asistió a la escuela Gymnasium

Karlovac en Karlovac, donde completó el plan de estudios de cuatro años en tres. Más

tarde comenzó los estudios de ingeniería eléctrica en la Universidad de Graz, en la

ciudad del mismo nombre, en 1875. Mientras estuvo allí estudió los usos de la corriente

alterna. Algunas fuentes afirman que recibió la licenciatura de la Universidad de Graz,

sin embargo la universidad afirma que no recibió ningún grado y que no continuó más

allá del segundo semestre del tercer año, durante el cual dejó de asistir a las clases. En

diciembre de 1878 dejó Graz y dejó de relacionarse con sus familiares. Sus amigos

pensaban que se había ahogado en el río Mura. Se dirigió a Maribor, (hoy Eslovenia),

donde obtuvo su primer empleo como ayudante de ingeniería, trabajo que desempeñó

durante un año. Durante este periodo sufrió unacrisis nerviosa. Tesla fue

posteriormente persuadido por su padre para asistir a la Universidad

Carolina en Praga, a la cual asistió durante el verano de 1880. Allí fue influenciado

por Ernst Mach. Sin embargo, después de que su padre falleciera, dejó la Universidad,

completando solamente un curso.

Tesla pasaba el tiempo leyendo muchas obras y memorizando libros completos,

ya que supuestamente poseía unamemoria fotográfica.

24 En su autobiografía relató que

en ciertas ocasiones experimentó momentos detallados de inspiración. Durante su

infancia sufrió varios episodios de una enfermedad muy peculiar, la cual provocaba que

cegadores haces de luz apareciesen ante sus ojos, a menudo acompañados de

alucinaciones. Normalmente las visiones estaban asociadas a una palabra o idea que

le rondaba la cabeza. Otras veces, éstas le daban la solución a problemas que se le

habían planteado. Simplemente con escuchar el nombre de un objeto, era capaz de

visualizarlo de forma muy realista. Actualmente la sinestesia presenta síntomas

similares.

Tesla podía visualizar una invención en su cerebro con precisión extrema,

incluyendo todas las dimensiones, antes de iniciar la etapa de construcción; una

técnica algunas veces conocida como pensamiento visual. No solía dibujar esquemas,

en lugar de eso concebía todas las ideas solo con la mente. También en ocasiones

tenía reminiscencias de eventos que le habían sucedido previamente en su vida; esto

se inició durante su infancia. En 1880, se trasladó a Budapest para trabajar bajo las

órdenes de Tivadar Puskás en una compañía de telégrafos,

25 la compañía nacional de

teléfonos. Allí conoció a Nebojša Petrović, un joven inventor serbio que vivía en Austria.

A pesar de que su encuentro fue breve, trabajaron juntos en un proyecto usando

turbinas gemelas para generar energía continua. Para cuando se produjo la apertura de

la central telefónica en 1881 en Budapest, Tesla se había convertido en el jefe de

electricistas de la compañía, y fue más tarde ingeniero para el primer sistema telefónico

del país. También desarrolló un dispositivo que, de acuerdo a algunos, era un repetidor

telefónico o amplificador, pero que, según otros, pudo haber sido el primer altavoz.

BLAISE PASCAL

Blaise Pascal fue un filósofo, matemático y físico francés, considerado una de

las mentes privilegiadas de la historia intelectual de Occidente y el primero en

establecer las bases de lo que serían las calculadoras y los ordenadores actuales.

Nació en Clermont-Ferrand el 19 de junio de 1623, y su familia se estableció en París

en 1629. Bajo la tutela de su padre, Pascal pronto se manifestó como un prodigio en

matemáticas, y a la edad de 16 años formuló uno de los teoremas básicos de la

geometría proyectiva, conocido como el teorema de Pascal y descrito en su Ensayo

sobre las cónicas.

Pascal inventó la primera calculadora, para ayudar a su padre con las cuentas.

La máquina, llamada Pascalina, era similar a las calculadoras mecánicas de 1940. El

diseño de esta calculadora era complicado, porque en aquélla época, la moneda en

Francia no seguía el sistema decimal. Se fabricaron 50 máquinas pero no se vendieron

muy bien y dejaron de fabricarse.

En 1647 demostró que existía el vacío y en 1648 comprobó que la presión

atmosférica disminuía a medida que aumentaba la altura. Pascal demostró mediante un

experimento que el nivel de la columna de mercurio de un barómetro lo determina el

aumento o disminución de la presión atmosférica circundante. Este descubrimiento

verificó la hipótesis del físico italiano Evangelista Torricelli respecto al efecto de la

presión atmosférica sobre el equilibrio de los líquidos.

Seis años más tarde, junto con el matemático francés Pierre de Fermat, Pascal formuló

la teoría matemática de la probabilidad, que ha llegado a ser de gran importancia en

estadísticas actuariales, matemáticas y sociales, así como un elemento fundamental en

los cálculos de la física teórica moderna. Otras de las contribuciones científicas

importantes de Pascal son la deducción del llamado ‗principio de Pascal‘, que establece

que los líquidos transmiten presiones con la misma intensidad en todas las direcciones,

y sus investigaciones sobre las cantidades infinitesimales. Pascal creía que el progreso

humano se estimulaba con la acumulación de los descubrimientos científicos.

Pascal fue uno de los más eminentes matemáticos y físicos de su época. Estuvo muy

influenciado por la religión, incluso escribió artículos sobre religión y en defensa de los

Jansenistas que se oponían a los Jesuitas. Pascal murió el 19 de agosto de 1662 en

París, a los 39 años, a causa de un tumor cerebral

Obras

1640 — Teorema de Pascal

1651 — Traité du vide

1654 — Traité du triangle arithmétique (Teoría de probabilidad y combinatoria)

1654 — Entretien avec Savi sur Epictète et Montaigne

1656 — Lettres à un Provincial (Cartas provinciales)

1657 — L`art de persuader (El arte de convencer)

1658 — Traité général de la roulette

1670 — Pensées sur la religión

Obra

Filosofía:

Descartes trató de aplicar a la filosofía los procedimientos racionales inductivos

de la ciencia, y en concreto las matemáticas. Antes de que su método existiera,

la filosofía era dominada por el método escolástico, que se basaba en comparar y

contrastar las opiniones de autoridades reconocidas. Pero Descartes rechazó este

sistema estableciendo: “En nuestra búsqueda del camino directo a la verdad, no

deberíamos ocuparnos de objetos de los que no podamos lograr una certidumbre

similar a las de las demostraciones de la aritmética y la geometría” Por esto mismo

determinó no creer en una verdad hasta tener las verdaderas razones para creerla.

Tuvo solo un conocimiento seguro con el que comenzó sus investigaciones:“Pienso,

luego existo” Descartes tenía una visión distina, para la época, acerca de la existencia

de Dios. Según sufilosofía, Dios creó dos sustancias que conforman toda la realidad:

Una clase era la pensante o la inteligencia, mientras que la otra era la sustancia

extensa, o física.

Ciencia:

La filosofía de Descartes lo llevó a elaborar explicaciones complejas y erróneas

de diversos fenómenos físicos. Sin embargo, estas explicaciones cobraban valor al

sustituir los vagos conceptos espirituales de la mayoría de los autores clásicos por un

sistema de interpretaciónmecánica de los fenómenos físicos. También formuló algunas

teorías en el ámbito de la fisiología y la óptica.

Matemáticas:

La contribución mas notable de Descartes a las matemáticas fue la

sistematización de la geometría analítica. Contribuyó también a la elaboración de

la teoría de las ecuaciones. Asimismo, fue él quien comenzó la utilización de las

últimas letras del alfabeto (X, Y y Z) para designar las cantidades desconocidas, y las

primeras (A, B y C) para las conocidas. También inventó el método de las exponentes

(como por ejemplo x2) para indicar las potencias de los números. Además, formuló la

regla, conocida como la Ley Cartesiana de Los Signos, para descifrar el números de

raices negativas y positivas de cualquier ecuación algebraica.

TOMÁS ALVA EDISON

De era un niño era llamado Al, y se lo recordaba como un muchachito feliz,

alegre y simpático, pero distraído y obstinado. Su padre, era fabricante de durmientes

para ferrocarril, decidió trasladarse a Ohío con toda su familia. En la escuela primaria

sus maestros no le tenían mucha simpatía y lo consideraban un mal estudiante, capaz

sólo de calentar los bancos de la clase. Con su madre tenía una muy buena relación, y

él la recordaba como "comprensiva , cariñosa y su mejor maestra" y según sus

biógrafos tuvo una influencia muy destacada en la vida de su hijo, pues es probable

que sin ella hubiera sido un hombre ignorante, incomprendido y desdichado. Cuando

pesaba por fracasos escolares su madre siempre estaba ahí presente para ayudarlo y

así con tiempo logró terminar su carrera inicial.

Siempre vivió con sueños, imaginando con distintos inventos y sistemas

mecánicos para agilizar procesos industriales u personales. Era de una personalidad

incansable, entusiasta, sabía que las ideas, para dar su fruto, deben apoyarse en la

investigación científica más cuidadosa y perfecta. Trabajó tesoneramente. Deseaba

adquirir y leer todos los libros científicos necesarios para sus anhelados experimentos.

Se convirtió en vendedor de frutas y más adelante se presentó en las oficinas de la

compañía ferroviaria donde trabajaba un amigo de su padre, diciéndole: "No aspiro a

un puesto, deseo sólo una autorización para vender diarios y alimentos en los trenes."

Días más tarde llegaba la autorización anhelada, para la línea Port Hurón-Detroit. Este

mejoramiento económico hizo que Edison pueda acceder a buena literatura para sus

intereses y haga de los mas variados experimentos con mezclas, frascos de química,

imanes, probetas y toda clase de aparatos para la ocación.

Mas tarde su padres cedió una parte del sótano para laboratorio, y así colmó

uno de los mayores deseos de su hijo. Un acontecimiento que casi le cuesta la vida

debía turbar la dicha del futuro sabio. La compañía le permitió instalar, en un coche

furgón, una pequeña imprenta para la publicación del "Weekly Herald" cuya dirección,

redacción y compaginación estaban completamente a su cargo. Este semanario

publicaba las noticias de la guerra entre norteños y sureños, recogidas en Detroit. Al

bajar para vender —al precio de 3 centavos el ejemplar— la ultima edición, no advirtió

que el tren se había puesto en marcha. De un salto trepó al estribo del último coche,

quedando suspendido. Imposibilitado para mantenerse mucho tiempo en esa posición

acrobática, debió su salvación a la rapidez de un empleado que lo ayudó a entrar en el

vagón, pero que desgraciadamente lo golpeó en el oído. El salvamento le produjo una

mastoiditis que determinó en el joven una semisordera incurable. Aceptó ese

contratiempo con resignación, pero tuvo que renunciar al puesto.

Cierto día salvó la vida de un niño que estaba sobre los rieles, a punto de ser

atropellado por un tren. Ese acto de arrojo le valió la gratitud y el afecto del padre de la

criatura que en ese entonces era telegrafista en Port Hurón y que le dijo: "Lo que yo

puedo hacer por ti es enseñarte mi oficio. Cuando lo conozcas te será mucho más fácil

conseguir un buen empleo." Mientras aprendía el alfabeto Morse, Edison vivía

fascinado, entusiasmado, por el funcionamiento de la máquina. Un año después lo

veremos en su primer puesto de telegrafista de Cincinnati. Seguidamente se trasladó a

Boston. A la edad de 22 años (1869) vivía en Nueva York y trabajaba en una compañía

importante. Un día se produjo un desperfecto en el aparato transmisor. Edison se

ofreció para repararlo y cumplió tan brillantemente su tarea que fue nombrado

consejero técnico.

Durante este nuevo período de su vida inventó un registrador eléctrico para los

votos parlamentarios que, sin embargo, no obtuvo el éxito esperado; pero, incansable

en sus investigaciones, inventó otra máquina que reemplazó al anticuado indicador

telegráfico de las cotizaciones de valores. Esto le produjo 40.000 dólares de ganancia

que le permitieron abandonar su empleo y abrir un laboratorio en Newark. La

personalidad del joven sabio era tan definida que sus colaboradores aceptaron

modestos salarios y penosos horarios con tal de trabajar junto a él. Su encantadora

vecina, Mary Stillwall, después de haber sido su primera secretaria, aceptó ser su

esposa a pesar de la existencia modesta que Tomas le ofrecía. Mary, cariñosa, fiel y

buena, compartió sin quejas las privaciones, las fatigas y las preocupaciones que un

día debían transformarse en riqueza y gloria.

Desde 1870 hasta 1876, Edison hizo patentar 120 inventos distintos, algunos

muy importantes. Entre ellos estaba el multicopista (mimeógrafo), destinado a la copia

de escritos y dibujos que se reproducen mediante un papel especial cubierto de

parafina, y un aparato con sirena para alertar policías y bomberos. Pero el más notable

fue el sistema de telégrafo automático, que consistía en una cinta perforada que

permitía la impresión de un mensaje en letras, en vez del antiguo sistema de puntos y

líneas. Este nuevo aparato, ensayado con enorme éxito, realizaba la anhelada

posibilidad de permitir la transmisión simultánea de varios mensajes con el mismo

cable.

Mientras tanto Edison había abandonado sus laboratorios de Newark para

trasladarse a locales más grandes y mejor equipados cerca de West Orange. El lugar

donde se levantaron sus nuevos laboratorios debía procurarle más tarde el apodo de

"Brujo de Menlo Park". Aquí tuvo como colaboradores, entre otros personajes

destacados, al físico e inventor estadounidense de origen croata Nikola Tesla. Sus

numerosos estudios sobre la acústica, a la que dedicaba largas horas desde hacía

muchos años, le valieron el más original de sus descubrimientos: el fonógrafo. Se sabe

también, que pasó al mismo tiempo, otro sabio francés de nombre Charles Cros,

inventaba una máquina llamada "parlante" ... El hecho es asombroso por cuanto los

dos hombres trabajaban separadamente.

El primer fonógrafo consistía en un cilindro sobre el cual se ajustaba una bocina que

recibía la voz unida a una punta que grababa las vibraciones sonoras. Provisto de este

aparato curiosísimo, Edison se presentó ante el señor Beach, director de una de las

más importantes revistas científicas americanas. "Buenos días" dijo la voz de Edison,

saliendo del aparato./'¿qué pensáis del fonógrafo?". Beach se sobresaltó ,pero pronto

se sobrepuso al asombro y preparó inmediatamente un número especial para anunciar,

en el "Scientific American", el nuevo y prodigioso invento. Esto ocurría en 1878. El gran

hombre era feliz como un niño que hubiera llegado a fabricar un juguete maravilloso.

A partir de este instante trabajará incansablemente y éste será el período más

absorbente de su vida. El mundo estaba deseando el alumbrado público. La lámpara

de arco, derivada del invento del italiano Volta, no era práctica pues producía una luz

demasiado violenta, cara y "ruidosa". Un grupo de financistas e industriales confió a

Edison la solución del problema que otros no habían podido resolver. Éste concibió una

pequeña lámpara incandescente, pero ese proyecto no se pudo realizar sino dos años

más tarde. Durante ochocientos días y ochocientas noches, secundado por sus más

fieles colaboradores, tuvo la paciencia de ensayar seis mil fibras diferentes: vegetales,

minerales, animales y aun humanas, pues hasta un pelo de la barba rojiza de uno de

sus asistentes se utilizó en los experimentos.

El recipiente (un pequeño globo de vidrio que le había valido meses de trabajo) estaba

listo. Pero lo que no había podido encontrar aún, era el filamento capaz de resistir la

incandescencia por mucho tiempo. Parece que la noche fue buena consejera y la

suerte favoreció a su genio. Mientras leía a la luz de una lámpara de petróleo, su mano

se untó con hollín al tocar inadvertidamente el tubo. Examinándosela ,pensó de pronto

que sólo un filamento carbonizado podría mantenerse largo tiempo incandescente sin

destruirse, siempre que estuviera en el vacío.

MARIE CURIE

Inestigadora francesa, de origen polaco, cuyo apellido de soltera fue

Sklodowska. nació en Varsovia y murió en Sallanches (1867-1934). Colaboró con su

esposo, Pierre Curie, en la investigación de los fenómenos de radiación, descubierta

por el profesor Henri Becquerel.Por estos trabajos Becquerel compartió el premio Nobel

de Física (1903) con el

matrimonio. Fallecido Pierre Curie, Marie prosiguió los estudios iniciados en común y,

en 1911, obtuvo el premio Nobel de Química, por el descubrimiento de los elementos

radiactivos radio y polonio. Pierre fue un físico francés, n. y m. en París (1859-1906).

Educado en la Sorbona. Descubrió en 1883 la piezoelectricidad. Empezó su estudio de

los cuerpos radiactivos en 1896 en unión con su esposa Marie Curie, con la que recibió

el premio Nobel de Física en 1903.

En medio de un desorden increíble en el «hangar» que les servía de laboratorio

en la Escuela de física y química de París, Fierre y Marie Curie se afanaban. Desde

que conocieron los trabajos del físico Henri Becquerel, que descubrió la radiactividad,

dedicaron toda su energía al estudio de esta radiación. A partir de la pechblenda, un

mineral de uranio, lograron aislar en 1898 dos nuevos elementos, el radio y el polonio,

este último fue nombrado así por Marie en recuerdo de su país natal. En 1903, ambos

sabían que sus trabajos habían llamado la atención de la comunidad científica. En

junio, Marie presentó su tesis sobre las propiedades atómicas del uranio ante un jurado

absorto.

En el transcurso del mismo mes, la célebre Royal Institution británica los invitó a

presenta: un ciclo de conferencias. En noviembre, la Royal Society de Londres les

concedió la medalla Davy. Finalmente, el 10 de diciembre, la Academia de Ciencias de

Estocolmo, en Suecia, anunció públicamente que se les había otorgado el premio

Nobel de física, junto con Henri Becquerel. Una pareja discreta de científicos accedía

así a la celebridad. En su laboratorio, Pierre y Marie Curie formaban una pareja

totalmente dedicada a la ciencia. Estaban convencidos de que ésta debía ayudar a la

humanidad a vivir mejor: Fue este humanismo, así como sus investigaciones los que

forjaron su renombre mundial.

Una joven brillante: Marja Skíodowska nació el 7 de noviembre de 1867 en Varsovia,

que entonces estaba ocupada por los rusos. Al terminar sus estudios secundarios en

forma brillante, Marja soñaba con abrazarla carrera científica, pero en Polonia las

mujeres no estaban autorizadas a ingresar en la universidad. Sus padres

lamentablemente no le podían ofrecer estudios en el extranjero: su hermana Bronja iría

a París a estudiar medicina. Marja permaneció en Polonia dando lecciones particulares

a los niños de familias acomodadas, mientras que en el mayor secreto, en las tardes,

impartía cursos a los obreros en la universidad libre polaca.

En 1891, sin hablar una palabra de francés, viajó a París para encontrarse con su

hermana. En la Sorbona, Marja siguió cursos de física. Era una estudiante brillante y

aprobó en 1893 su licenciatura, ocupando el primer lugar. Al año siguiente fue segunda en

la licenciatura de matemáticas. Por intermedio de un amigo polaco conoció a Pierre

Curie, ocho años mayor que ella, físico en la Escuela de física y química de París, con

el que se casó en julio de 1895.

«En interés de toda la humanidad»

«Renunciando a la explotación de nuestro descubrimiento, nosotros hemos renunciado

a la fortuna que habría podido, después de nosotros, ser transmitida a nuestros niños.

Yo he debido defender nuestras concepciones frente a nuestros amigos, quienes

pretendían, no sin una razón valiosa, que si hubiéramos garantizado nuestros

derechos, habríamos conseguido los medios financieros necesarios para la creación de

un Instituto del radio satisfactorio. [...] La humanidad tiene ciertamente necesidad de

hombres prácticos que saquen el máximo partido de su trabajo sin olvidar el bien

general, salvaguardando sus propia: intereses. Pero tiene también necesidad de

soñadores para quienes las prolongaciones desinteresadas de una empresa son tan

cautivadoras que les resulta imposible a mirar por sus propios beneficios materiales.

[...] Sin embargo, una sociedad bien organizada debería siempre asegurar a sus

trabajadores los medios eficaces para cumplir su función en una vida desembarazada

de las preocupaciones materiales y libremente consagrada al servicio de a

investigación científica».

CRONOLOGÍA:

1859: Nacimiento de Pierre Curie en París, el 15 de mayo.

1867: Nacimiento de Marja Sklodowska en Varsovia, el 7 de noviembre.

1891: Llegada de Marja a París.

1895: Wilhelm Conrad Roentgen descubre los rayos X. Pierre Curie obtiene su

doctorado y se casa con Marja.

1897: Nacimiento de Irene, primera hija de Pierre y Marie Curie, el 12 de

septiembre.1898: Descubrimiento del radio y del polonio.

1903: El premio Nobel de física es otorgado a Henri Becquerel y a Pierre y Marie Curie.

1904: Pierre es nombrado profesor de física en la Sorbona. Nacimiento de Eve,

segunda hija de los Curie.

1906: Muerte accidental de Pierre Curie. Marie es la primera mujer que enseña en la

Sorbona.

1911: Marie Curie recibe el premio Nobel de química.

1914: Fundación del Instituto del radio.

1914 - 18: Marie instruye a enfermeras en radiología para cuidar los heridos de guerra.

1921: Nacimiento de la Fundación Curie, para el tratamiento del cáncer.

1922: El 7 de febrero, Marie Curie ingresa en la Academia de medicina.

1926: Frédéric Joliot es empleado en el Instituto del radio.

1924: Matrimonio de Frédéric Joliot y de Irene Curie.

1934: Muerte de Marie Curie.

1935: Irene y Frédéric Joliot-Curie reciben el premio Nobel de química.

MICHAEL FARADAY

Nació el 22 Septiembre de 1791 en Newington Butts, Surrey (ahora Londres)

Inglaterra y Muerio el 25 Agosto de 1867 en Hampton Court, Middlesex,

Inglaterra Sin embargo fue una figura importante y su ciencia tuvo tan gran impacto en

la obra de aquéllos que desarrollaron las teorías matemáticas que es apropiado

incluirlo. Diremos más sobre esto más adelante. El padre de Faraday, James Faraday,

era un herrero que procedía de Yorkshire, al norte de Inglaterra, mientras que su madre

Margaret Hastwell, también del norte de Inglaterra, era la hija de un granjero. A

primeros de 1791 James y Margaret se mudaron a Newington Butts, que era por

entonces un pueblo a las afueras de Londres, donde James esperaba que hubiera más

trabajo. Ya tenían dos hijos, un niño, Robert, y una niña, antes de mudarse a

Newington Butrs y Michael nació sólo unos pocos meses después de este traslado.

El trabajo no era fácil de encontrar y la familia se mudó de nuevo,

permaneciendo en o alrededor de Londres. Alrededor de 1795, cuando Michael tenía

unos cinco años, la familia estaba viviendo en Jacob's Wells Mews en Londres. Tenían

habitaciones en una posada de carretera y, por esta época, había nacido ya una

segunda hija. Fueron tiempos duros particularmente ya que el padre de Michael tenía

una salud precaria y no era capaz de aportar mucho para su familia. La familia se

mantuvo unida por una fuerte fe religiosa, eran miembros de los Sandemanianos, una

forma de la Iglesia Protestante que se había escindido de la Iglesia de Escocia. Los

Sandemanianos creían en la verdad literal de la Biblia e intentaban recrear el sentido

del amor y la comunidad que habían caracterizado a la primitiva Iglesia Cristiana.

La influencia religiosa fue importante para Faraday ya que las teorías que más

tarde desarrolló estuvieron fuertemente influenciadas por la creencia en la unidad del

mundo. Michael asistió a un colegio externo donde aprendió a leer, escribir, y contar.

Cuando Faraday tuvo trece años tuvo que encontrar trabajo para ayudar a la economía

familiar y fue empleado haciendo recados para George Riebau que tenía un negocio de

librería. En 1805, tras un año como un chico de los recados, Faraday fue tomado por

Riebau como aprendiz de encuadernador. Duró siete años como aprendiz de Riebau.

No sólo encuadernaba libros, sino que también los leía. Riebau escribió una carta en

1813 en la que describía cómo Faraday pasaba sus días de aprendiz.

A partir de 1810 Faraday asistió a clases en la casa de John Tatum. Asistió a

clases sobre temas muy diversos pero estaba particularmente interesado en los de

electricidad, galvanismo y mecánica. En la casa de Tatum hizo dos amigos especiales,

J. Huxtable que era estudiante de medicina, y Benjamin Abbot que era secretario. En

1812 Faraday asistió a las clases de Humphry Davy en la Royal Institution e hizo

meticulosas copias de las notas que había tomado. De hecho estas clases se

convertirían en el pasaporte de Faraday para una carrera científica. En 1812, en un

intento de mejorar sus habilidades literarias, mantuvo correspondencia con Abbot. Ya

había intentado dejar la encuadernación y el camino que emprendió era en verdad

bastante ambicioso. Había escrito a Sir Joseph Banks, el Presidente de la Royal

Society, preguntando cómo podría implicarse en el trabajo científico.

Quizá no era sorprendente que no recibiera respuesta. Cuando terminó su

aprendizaje en Octubre de 1812, Faraday consiguió un trabajo como encuadernador

pero todavía intentaba introducirse en la ciencia y de nuevo escogió un camino algo

ambicioso para un joven con poca educación formal. Escribió a Humphry Davy, que

había sido su héroe desde que asistió a sus clases de química, enviándole copias de

las notas que había tomado en sus clases. Davy, a diferencia de Banks, le respondió

concertando una cita. Aconsejó a Faraday seguir trabajando como encuadernador,

diciendo: La ciencia [es] una señora muy exigente, y desde un punto de vista

económico bastante tacaña para aquellos que se dedican a su servicio.

Poco después de la entrevista, el ayudante de Davy tuvo que ser despedido por

batirse y Davy envió a por Faraday y le invitó a cubrir el puesto vacante. En 1813

Faraday ocupó el puesto en laRoyal Institution. En octubre de 1813 Davy partió en una

expedición científica y se llevó a Faraday con él como asistente y secretario. Faraday

se encontró con Ampère y otros científicos en París. Viajaron hacia Italia donde

pasaron un tiempo en Génova, Florencia, Roma y Nápoles. Dirigiéndose de nuevo al norte

visitaron Milán donde Faraday encontró a Volta. El viaje fue muy importante para

Faraday: Estos dieciocho meses en el extranjero habían tomado el lugar, en la vida de

Faraday, de los años pasados en la universidad por cualquier otro hombre. Consiguió

un conocimiento práctico del francés y el italiano; había añadido considerablemente a

sus logros científicos y se había encontrado y hablado con muchos de los principales

hombres de ciencia extranjeros; pero, sobre todo, el viaje había sido lo más valioso

para él hasta esa fecha, una influencia enriquecedora.

A su regreso a Londres, Faraday fue reempleado como asistente en la Royal

Institution. Su trabajo allí estuvo principalmente dedicado a los experimentos de

química en el laboratorio. También comenzó a dar clases sobre temas de química en

la Sociedad Filosófica. Publicó su primer artículo en 1816 sobre la cal viva desde

Toscana. En 1821 Faraday se casó con Sarah Barnard con quien se había reunido

mientras asistían a la Iglesia Sandemaniana. Faraday fue nombrado Superintendente

de la Casa y Laboratorio en la Royal Institution y le fueron concedidas habitaciones

suplementarias para que pudiera casarse. El año 1821 marcó otra época importante

para las investigaciones de Faraday. Hasta ahora había trabajado casi íntegramente en

temas de química aunque uno de sus intereses desde sus días de encuadernador

había sido la electricidad. En 1820 varios científicos de París, incluido Arago y Ampère

hicieron significativos avances en el establecimiento de una relación entre la

electricidad y el magnetismo. Davy se interesó en el tema y esto dio a Faraday la

oportunidad de trabajar sobre el tema. Publicó Sobre algunos nuevos movimientos

electro-magnéticos, y sobre la teoría del magnetismo en la Revista Trimestral de

Ciencia en octubre de 1821. Pearce Williams escribe: Registra la primera conversión de

energía eléctrica en mecánica. También contenía la primera noción de la línea de

fuerza.

Es la obra de Faraday sobre la electricidad la que nos ha llevado a incluirlo en

este archivo. Sin embargo debemos destacar que Faraday no fue en ningún sentido un

matemático y casi todos sus biógrafos le describen como un 'analfabeto matemático'.

Nunca aprendió nada sobre matemáticas y sus contribuciones a la electricidad fueron

puramente las de un experimentador. ¿Por qué entonces incluirlo en un archivo de

matemáticos? Bien, fue la obra de Faraday la que condujo a las profundas teorías

matemáticas de la electricidad y el magnetismo. En particular las destacables teorías

matemáticas sobre el tema desarrollado por Maxwell no habrían sido posibles sin el

descubrimiento de Fararaday de varias leyes. Este es un punto que el mismo Maxwell

destacó en muchas ocasiones. En los diez años desde 1821 a 1831 Faraday de nuevo

abordó la investigación química. Sus dos obras más importantes sobre química durante

ese periodo fueron la licuefacción del cloro en 1823 y el aislamiento del benceno en

1825. Entre estas fechas, en 1824, fue elegido miembro de la Royal Society. Fue ésta

una época difícil para Faraday ya que Davy era por entonces presidente de la Royal Society

y no podía ver al hombre que él aún consideraba su asistente como Miembro.

Aunque Davy se opuso a su elección, fue sobrepasado por los otros miembros.

Faraday nunca tuvo en cuenta el incidente contra Davy, manteniéndolo siempre en el

mejor de los recuerdos. Faraday presentó una serie de seis conferencias de Navidad

para niños en la Royal Institution en 1826. En 1831 Faraday regresó a su trabajo sobre

la electricidad e hizo lo que dudosamente se considera su mayor descubrimiento, es

decir la inducción electromagnética. Este descubrimiento fue el opuesto al que había

hecho diez años antes. Mostró que un imán puede inducir una corriente eléctrica en un

cable. Así fue capaz de convertir una energía mecánica en una energía eléctrica y

descubrir la primera dinamo.

De nuevo convirtió las líneas de fuerza en el centro de su razonamiento. Publicó

su primer artículo lo que se convertiría en una serie en el Investigaciones

experimentales sobre la electricidad en 1831. Él leyó el artículo ante la Royal Society el

24 de noviembre de ese año. En 1832 Faraday comenzó a recibir honores por sus

importantes contribuciones a la ciencia. En ese año recibió un título honorario de la

Universidad de Oxford. En febrero de 1833 llegó a ser Catedrático Fulleriano de

Química en la Royal Institution. Honores posteriores como la Medalla Real y la Medalla

Copley, ambas de la Royal Society, estaban por venir. En 1836 fue hecho miembro del

Senado de la Universidad de Londres, que fue un acuerdo con la Corona. Durante este

periodo, comenzando en 1833, Faraday hizo importantes descubrimientos en

electroquímica. Siguió trabajando en electrostática y para 1838, él: estaba en posición

de encajar todas la piezas juntas en una teoría coherente de la electricidad.

La extremada carga de trabajo pasó factura con el tiempo a la salud de Faraday

y en 1839 sufrió una depresión nerviosa. Recuperó su salud en 1845 comenzó una

intensa actividad de investigación de nuevo. El trabajo que emprendió esta vez fue el

resultado de los desarrollos matemáticos sobre la materia. Las ideas de Faraday sobre

las líneas de fuerza habían recibido un tratamiento matemático de parte de William

Thomson. Éste escribió a Faraday el 6 de Agosto de 1845 hablándole de sus

predicciones matemáticas de que un campo magnético afectaría al plano de luz

polarizada. Faraday había intentado detectar esto experimentalmente muchos años

antes pero sin éxito. Ahora, con la idea reforzada por Thomson, lo intentó de nuevo y el

13 de septiembre de 1845 tuvo éxito al demostrar que un fuerte campo magnético

podría rotar el plano de polarización, y además que el ángulo de rotación era

proporcional a la fuerza del campo magnético. Faraday escribió (ver por ejemplo):

Que lo que es magnético en las fuerzas de la materia ha sido afectado, y a su

vez ha afectado a lo que es verdaderamente magnético en la fuerza de la luz.Él siguió su

línea de experimentación que le llevó a descubrir el diamagnetismo. A

mediados de la década de 1850 las capacidades mentales de Faraday comenzaron a

declinar. Alrededor de la misma época Maxwell estaba construyendo sobre los

fundamentos que Faraday había creado desarrollando una teoría matemática que

siempre habría estado fuera del alcance de Faraday. Sin embargo, Faraday continuó

dando clases en la Royal Institution pero declinó la oferta de la Presidencia de la Royal

Society en 1857. Continuó dando las conferencias de Navidad a los niños. En 1859-60

dio las conferencias de Navidad sobre las distintas fuerzas de la materia.

La siguiente Navidad dio las conferencias a los niños sobre la historia química

de la vela. Estas dos últimas series de clases de Faraday fueron publicadas y se han

convertido en clásicos. Las conferencias de Navidad en la Royal Institution, empezadas

por Faraday, continúan hoy pero ahora alcanzan a una audiencia mucho mayor ya que

son televisadas. El autor ha visto estas conferencias con mucho interés durante

muchos años. Son una joya para cualquiera interesado como yo lo estoy en la

'comprensión pública de la ciencia'. Recuerdo particularmente conferencias de Carl

Sagan sobre 'los planetas' y conferencias matemáticas de Chris Zeeman e Ian Stewart.

La literatura de la Royal Institution afirma:

El laboratorio magnético [de Faraday], donde fueron hechos muchos de sus más

importantes descubrimientos, fue restaurado en 1972 a la forma en la que se sabe que

tenía en 1854. Un museo, adyacente al laboratorio, alberga una colección única de

aparatos originales dispuestos para ilustrar los aspectos más importantes de la

inmensa contribución de Faraday al avance de la ciencia en sus cincuenta años en la

Royal Institution.

BOYLE MARIOTTE

Robert Boyle fue un aristócrata nacido en Lismore Castle, en el Waterford,

Irlanda, en 1627 Séptimo hijo varón y decimocuarto en total, del rico conde inglés de

Cork. Aún niño, aprendió a hablar latín y francés, siendo enviado con tan sólo ocho

años al colegio Eton, del cual era director el amigo de su padre Sir Henry Wotton. A los

15 años partió de viaje con un tutor francés. Vivió cerca de dos años en Génova y

visitando Italia en 1641, pasó el invierno en Florencia estudiando las paradojas de

Galileo Galilei, quien fallecería al año siguiente.

Retorno a Inglaterra

De retorno a Inglaterra en 1644 se encontró con que su padre había fallecido el

año anterior, legándole el señorío de Stalbridge en Dorset, y varias haciendas en

Irlanda, una fortuna que destinaría en gran parte a sus investigaciones científicas.

Frecuentaba Londres donde conocería al grupo de científicos que más tarde formaría el

núcleo de la Royal Society. Desde entonces, dedicaría su vida al estudio e

investigación científicas, tomando pronto un lugar prominente entre los investigadores

conocidos como el Colegio Invisible (Invisible College), cuyos miembros se

consagraban al cultivo de la "nueva filosofía" (la ciencia). Sus miembros se reunían con

frecuencia en Londres, a menudo en el colegio Gresham.

En 1657, leyendo acerca de la bomba de aire de Otto von Guericke, se propuso

con la ayuda de Robert Hooke desarrollar mejoras en su construcción, que dieron por

resultado la máquina Boyleana o máquina neumática finalizada en 1659 y con la que

comenzó una serie de experimentos acerca de las propiedades del aire. En 1660,

publicó una relación de los trabajos realizados con ese instrumento con el título New

Experiments PhysicoMechanical touching the spring of air and its effects (Nuevos

experimentos físico-mecánicos sobre la elasticidad del aire y sus efectos).

Usando tal bomba, fue el primero en demostrar la aseveración de Galileo de

que, en el vacío, una pluma y un trozo de plomo caen a la misma velocidad, y también

estableció que el sonido no se trasmite en el vacío. Su descubrimiento más importante

debido a la Bomba de vacío fue el principio (llamado, más tarde, Ley de Boyle) de que

el volumen ocupado por un gas es inversamente proporcional a la presión con la que el

gas se comprime y también que, si se elimina la presión, el aire "recupera" (su propia

palabra) su volumen original. Habiendo establecido que el aire era comprimible. Boyle

se convenció de que éste estaba compuesto por pequeñas partículas separadas por

espacio vacío. Todas estas ideas se publicaron en un libro con un título muy largo, que

suele llamarse "la elasticidad del aire" y que desempeñó un papel significativo para

establecer la idea de la naturaleza atómica de la materia.

En el campo de la química, Boyle observó que el aire se consume en el proceso

de combustión y que los metales ganan peso cuando se oxidan. Reconoció la

diferencia entre un compuesto y una mezcla, y formuló su teoría atómica de la materia

basándose en sus experimentos de laboratorio. Entre los críticos de las teorías

expuestas en esta obra se encontraba el jesuita Franciscus Linus (1595-1675),

mientras respondía a sus objeciones, Boyle enunció que el volumen de un gas varía de

forma inversamente proporcional a la presión, conocida en el ámbito anglosajón como Ley

de Boyle, y en el resto de Europa como ley de Boyle-Mariotte, aunque éste último

no la publicara hasta 1676.

En 1663 el Colegio Invisible se convirtió en la Royal Society de Londres "para el

perfeccionamiento del conocimiento de la naturaleza", encontrándose Boyle entre los

miembros del consejo nombrados mediante la cédula real de asociación concedida por

Carlos II. En 1680 fue elegido presidente de la sociedad, aunque declinó el honor del

nombramiento por escrúpulos ante los juramentos. En 1668 abandonó Oxford para

trasladarse a Londres a la casa de su hermana, Lady Ranelagh, en Pall Mall. En torno

a 1689, su salud, nunca demasiado robusta, comenzó a fallar lo que le obligó a

apartarse de sus compromisos públicos, cesando sus comunicaciones con la Royal

Society y haciendo público su deseo de ser excusado de recibir visitas, salvo en

ocasiones muy extraordinarias, los martes y viernes por la mañana y miércoles y

sábados por la tarde. Su salud empeoró en 1691, falleciendo el 30 de diciembre de ese

mismo año al ser golpeado por una cortesana, justo una semana después de que

falleciera su hermana, con la que había convivido más de 20 años. Su cuerpo fue

enterrado en la capilla de St Martin's in the Fields, tras un funeral oficiado por su amigo

el obispo Pedro.

El gran mérito de Boyle como investigador científico es que se llevó a cabo los

principios que Francis Bacon predicó en elNovum Organum . Sin embargo, no se

confiesan a sí mismo un seguidor de Bacon, o incluso de cualquier otro profesor. En

varias ocasiones se menciona que para mantener a su juicio como unprepossessed

como podría ser con cualquiera de las teorías modernas de la filosofía, hasta que fue

"siempre de experimentos" para ayudar a juez de ellos, se abstuvo de cualquier estudio

de la Atomical y la cartesiano los sistemas, e incluso de la propia Novum Organum,

aunque admite que "transitoriamente consulta" acerca de unos pocos detalles. Nada

era más ajeno a su temperamento mental que el giro de las hipótesis. Se considera la

adquisición de conocimientos como un fin en sí mismo, y en consecuencia se ganó una

perspectiva más amplia sobre los objetivos de la investigación científica que se había

disfrutado por sus predecesores durante muchos siglos. Sin embargo, esto no significa

que no prestó atención a la aplicación práctica de la ciencia ni el conocimiento que él

despreciaba, que tendían a utilizar.

Boyle fue un alquimista, y creyendo que la transmutación de los metales podria

ser una posibilidad, llevó a cabo experimentos con la esperanza de efectuarla, y fue

instrumental en la obtención de la derogación, en 1689, del estatuto de Henry IV contra

la Real de Minas de la Ley 1689 de multiplicar oro y plata. Con toda la importante labor

que realizó en la física - la enunciación de la ley de Boyle, el descubrimiento de la parte

tomada por aire en la propagación de el Sonido, y las investigaciones sobre la fuerza

expansiva de la congelación del agua, la peso específico y refracción de poderes, el cristal ,

la electricidad, el color, el hidrostática , etc - Química fue su estudio particular y

preferido. Su primer libro sobre el tema fueThe Sceptical Chymist, publicado en 1661,

en la que criticaba los "experimentos mediante el cual vulgar experimentos Spagyrists

vulgar por el que suelen tratar de evidenciar su sal, azufre y mercurio a los verdaderos

principios de las cosas ". Para él, la química era la ciencia de la composición de las

sustancias, no sólo un complemento de las artes de la alquimia o el médico. Avanzó

hacia la visión moderna de los elementos como los componentes indescomponibles de

los cuerpos materiales, y la comprensión de la distinción entre mezclas y compuestos,

hizo considerables progresos en la técnica de la detección de sus ingredientes, un

proceso que él designados por el término "análisis".

Asimismo supone que los elementos eran en última instancia, integrado por las

partículas de varios tipos y tamaños, en la que, sin embargo, no estaban por resolver,

en cualquier forma conocida. Química aplicada tenía que darle las gracias por mejorar

los métodos y de un amplio conocimiento de las sustancias individuales. También

estudió la química de la combustión y de respiración, y los experimentos realizados en

fisiología, donde, sin embargo, se vio obstaculizada por la sensibilidad "de su

naturaleza", que le impedía anatómica disección, especialmente de animales vivos,

aunque sabía que sean "más instrucciones".

Además de ser un filósofo de la naturaleza ocupado, Boyle dedicó mucho tiempo

a la teología, mostrando una tendencia muy marcada a la parte práctica y una

indiferencia a la polémica de controversia. En la Restauración fue recibida

favorablemente en la corte, y en 1665 habría recibido el preboste de Eton College, si él

hubiera tomado las órdenes, pero ésta se negó a hacerlo por considerar que sus

escritos sobre temas religiosos que tienen un peso mayor procedentes de un laico de

un ministro de atención de la Iglesia. Como director de la East India Company se gastó

grandes sumas en la promoción de la difusión del cristianismo en el Oriente,

contribuyendo generosamente a las sociedades misioneras, y los gastos de traducción

de la Biblia o partes de él en varios idiomas. Fundó las Conferencias de Boyle, la

intención de defender la religión cristiana contra los que consideraba "infieles notorios,

es decir, los ateos, deístas, paganos, Judios y musulmanes", con la disposición de que

las controversias entre los cristianos no debían ser mencionados. En 2004, las

Conferencias de Boyle fueron resucitados en Londres.

En persona Boyle era alto, delgado y de rostro pálido. Su constitución estaba

lejos de ser robusto, y durante toda su vida sufrió de salud débil y abatido. Si bien su

labor científica le procuró una extraordinaria reputación entre sus contemporáneos, su

carácter privado y de las virtudes, el encanto de sus costumbres sociales, su ingenio y

los poderes de la conversación, le ganó a un gran círculo de amigos personales. Nunca

se casó. Sus escritos son muy voluminosos, y su estilo es claro y directo, aunque sin

lugar a dudas verbose.

Las siguientes son algunas de las más importantes de sus obras:

• 1660 - Nuevos experimentos físico-mecánicos: Tocar la primavera del aire y sus

efectos

• 1661 - The Sceptical Chymist

• 1663 - Consideraciones de tocar la utilidad de la Filosofía Natural Experimental

(seguido de una segunda parte en 1671)

• 1664 - Experimentos y consideraciones tocar colores, con las observaciones en un

diamante que brilla en la oscuridad

• 1666 - Origen de las formas y cualidades de acuerdo a la filosofía corpuscular

• 1669 - una continuación de su trabajo en la primavera de aire

• 1670 - demostraron que una reducción de la presión ambiental podría conducir a la

formación de burbujas en el tejido vivo

• 1676 - Los experimentos y las Notas sobre el origen mecánico o de producción de las

cualidades particulares, incluyendo algunas notas sobre la electricidad y el magnetismo

• 1678 - Observaciones sobre una sustancia artificial que brilla sin ninguna ilustración

Anterior.

DISENADORES GRÁFICOS

MIGUEL DE LORENZI

Nacio en Villa María, Córdoba, en 1940 Fue diseñador gráfico desde cuando la

disciplina no se llamaba así. Es decir que primero fue dibujante publicitario.Durante

varios años se dedicó a la pintura. Desde 1960 trabajó en talleres de arte de diversas

agencias de publicidad, entre ellas Nova Propaganda cuya dirección de arte la ejercía

Pedro Pont Vergés. Colaboró con proyectos de arquigráfica para el estudio

Gramática/Guerrero /Morini/Pisani/Urtubey. Integró desde 1963 hasta 1979 el equipo

de diseño de los SRT (Canal 10 y Radio Universidad) y diseñó el logo que aún hoy

distingue a ese Canal. Dirigió junto a Guillermo López el cortometraje ―Pinito y la

Estrella‖ que fue aceptado en la muestra de Cine para Televisión de Cannes en el año

1964. Integró el Grupo Piloto de Cine de la Escuela de Artes de la UNC que dio origen

a la creación de la Escuela de Cine de esa casa de estudios. Fue director de arte, ilustrador

y diseñador de varias publicaciones semanales de Córdoba. Entre ellas,

―Jerónimo‖ y ―Estadio‖ (1970).

Desde 1979 y hasta 2005 se desempeñó como director de arte y diseñador del

diario ―La Voz del Interior‖. En ese carácter integró equipos para el rediseño del diario

en los años 1980, 1995 y 2001. En 2004 diseñó el diario ―Día a Día‖ de la ciudad de

Córdoba. En la actualidad sigue colaborando con diseños en ―La Voz del Interior‖ y

otras publicaciones.

MILTON GLASER

Es el diseñador más influyente de la segunda mitad del siglo 20 en Estados

Unidos y su visión intelectual del mundo del diseño a traspasado fronteras y sigue hoy

en día siendo un claro referente del denominado "arte comercial". Nació en 1929 en el

seno de una familia de inmigrantes húngaros, fue educado en la Escuela Superior de

Música y Arte y la Escuela de Arte de Cooper Union en Nueva York y completo su

formación con el pintor Giorgio Morandi en Bolonia (Italia). En 1954 fue fundador junto

con Seymour Chwast del mítico Push Pin Studio. En 1974 monta su propio negocio en

Manhattan donde trabaja, hasta la actualidad, en proyectos de diseño gráfico y otras

disciplinas relacionadas.

Ha sido fundador de la editorial WBMG y del New York Magazine. Ha sido

responsable del diseño de importantes periódicos como el Washington Post, O Globo o

La Vanguardia y ha sido consultor en otra docena de grandes diarios de todo el

mundo.Pero por lo que más se le conoce es por su faceta de ilustrador y diseñador de

carteles

como el poster homenaje a Bod Dylan diseñado en 1967 y que encabeza la lista de los

carteles más célebres de la historia. Su logotipo I Love NY es una de las imágenes más

representadas y reconocibles del mundo del diseño.

Su obra ha sido expuesta en los museos más importantes como el Centro Georges

Pompidou de París o el MOMA de New York. Su presencia e impacto en el diseño es

incuestionable, es el ejemplo de un diseñador multidisciplinar con un gran trasfondo

teórico y una gran riqueza de lenguaje visual que ha sabido transmitir gracias a su

faceta como formador. Cuando se enfrenta a un trabajo se suele preguntar: ¿A quién le

estoy hablando? ¿Quién es esa gente? ¿Cómo lo sabrán? ¿Cuáles son sus prejuicios?

¿Cuáles sus expectativas? No debemos de llevarnos de nuestro estilo y gusto

personal, lo importante es comunicar, el estilo tiene que quedar al margen, reflexiona

sobre cuál es el rol del diseñador.

Su decálogo sobre diseño y vida es muy conocido y se resume en los siguientes

puntos:

1. Sólo puedes trabajar para gente que te agrada

2. Si puedes elegir, no tengas un empleo

3. Alguna gente es tóxica, mejor evitarla

4. El profesionalismo no alcanza, lo bueno es enemigo de lo genial

5. Menos no necesariamente es más

6. El estilo no es confiable

7. En la medida en que vives, tu cerebro cambia

8. La duda es mejor que la certeza

9. Sobre la edad

10. Decir la verdad

JAVIER MARISCAL

Nació en Valencia, en 1950. En 1971 se instaló en Barcelona para realizar

estudios de Diseño Gráfico en la Escuela Elisava. Allí entró en contacto con otros

historietistas e ilustradores del momento como Mique Beltrán, Daniel Torres o Sento.

Juntos montan ―El rollo enmascarado‖, un colectivo especializado en el cómic

"underground". En la década de los 80, realizó sus primeros trabajos como interiorista

(destaca su diseño para el bar Dúplex de Valencia) y diseñador de objetos, que muy

pronto le valen reconocimiento nacional e internacional. De entre sus trabajos más

conocidos destaca la mascota de los Juegos Olímpicos de Barcelona de 1992, Cobi.

Uno de sus últimos trabajos ha sido ―Chico y Rita‖, una película de animación, dirigida

junto con Fernando Trueba. El filme fue nominado a los Oscar y galardonado con el

premio Goya a la mejor película de animación.

Premio Nacional de Diseño (1999)

Premio Goya a la mejor película de animación (2011)

Obras destacadas

Cobi, mascota de los Juegos Olímpicos de Barcelona 92

Cosmocaixa de Barcelona

Gran Hotel Domine Bilbao

Bar Dúplex de Valencia

Taburete Dúplex

Chico y Rita

JONATHAN BARNBROOK

Nacido en 1966, es un británico diseñador gráfico ,director de

cine y tipógrafo . Se formó en la Escuela de Arte de San Martíny en el Royal College of

Art , ambos en Londres. Barnbrook diseñó la portada de David Bowie 's álbum de

2002 Heathen , donde utilizó su '' tipografía Priori para el primer tipo. Él también diseñó

la portada de Bowie Reality álbum y la portada polémica para el día siguiente .

Cita registro portada obra de arte como una influencia temprana del diseño, y,

posiblemente, el interés que lo llevó al diseño gráfico, con otras cubiertas incluidas las

de John Foxx , Tuxedomoon y Culto With No Name . Barnbrook es también

una fuente de diseño y ha lanzado fuentes incluyendo Bastard , Exocet , False Idol,

Infiel, Moron, la neolengua, Olympukes, sarcástico, Choque y Pavor. Muchos tienen

títulos emotivos y polémicos que reflejan el estilo y los temas de la obra de

Barnbrook. Su fuente Mason , originalmente lanzado como Manson, está disponible

de Emigre.

Desde 1997-2003 Barnbrook colaboró con joven británico artista Damien Hirst ,

principalmente en el diseño, maquetación y tipografía de su libro que quiero pasar el

resto de mi vida en todas partes, con todos, uno a uno, siempre, siempre, ahora ,y el

diseño gráfico incluido en su restaurante Farmacia

MATTHEW CARTER

Nació en Londres en 1937. Si atendemos al dicho casta le viene al galgo, Carter lo

cumple a la perfección. Se introdujo en la tipografía por el trabajo de su padre Harry

Carter (1901-1982), reconocido tipógrafo, diseñador de libros e historiador

tipográfico.Matthew Carter inició sus estudios en 1955 la Universidad de Oxford.

Posteriormente

continuó su formación en Holanda, donde realizó una pasantía en la fundición de

tipos Joh. Enschedé. A los 19 años aprendió de la mano de Jan van Krimpen el arte

del troquelado. Tras estudiar en Holanda, regresa a Londres donde estuvo un tiempo

como freelance. En 1956 ayuda a su padre Harry Carter en la organización de un

pequeño museo sobre la historia de la Oxford University Press.

Tras reunirse con Jackson Burke, director de desarrollo tipográfico en Mergenthaler

Linotype en Brooklyn, decide trasladarse a Nueva York donde trabaja para la fundición.

En su etapa para Lynotype, Matthew Carter creó tipografías célebres, entre ellas,

la Bell Centennial destinada a reemplazar la tipografía centenaria de la Bell Telephone

Company. Un ejemplo sus primeros trabajos es el logotipo que diseñó en 1962 para la

revista satírica británica Private Eye, que todavía se utiliza hoy en día. Entre 1971 y

1981 trabaja como diseñador freelance de tipografías en Londres para las empresas de

Linotype en EEUU, Alemania y el Reino Unido.

En 1981, Matthew Carter y su colega Mike Parker crean la fundición Bitstream

Inc., actualmente uno de los mayores proveedores tipográficos mundiales. En 1991

abandona Bitstream para formar la fundición tipográfica Carter & Cone con Cherie

Cone. En este periodo, Carter se centra en mejorar la legibilidad muchos tipos de letra

y diseña tipografías específicamente para ser vistas en pantalla para los ordenadores

Apple y Microsoft. Las familias Georgia y Verdana son dos de estas fuentes creadas

principalmente para su visualización en monitores. Algunas de las publicaciones más

importantes del planeta lucen tipografías diseñadas por Matthew Carter tales

como Time, The Washington Post, The New York Times, the Boston Globe, Wired,

and Newsweek. Es miembro de AGI (Alliance Graphique Internationale.

Varias de sus tipografías han sido incorporadas a la colección permanente de

tipografías digitales del MOMA de Nueva York: Bell Centennial (1976-78), ITC Galliard

(1978), Mantinia (1993), Big Caslon (1994), Walker (1995), Verdana (1996) y Miller

(1997). Matthew Carter ha sido reconocido con numerosos premios por sus importantes

contribuciones a la tipografía y el diseño, incluyendo un Doctorado Honoris Causa en

Letras Humanas del Instituto de Arte de Boston, una medalla de AIGA en 1995, la

Medalla del Type Directors Club en 1997, y el SOTA 2005

ABRAHAM GAMSE

Nacio en Whitechapel, Londres el 29 de julio, el día después dela Primera Guerra Mundial

comenzó en 1914, él era el hijo de José Gamse, un letónfotógrafo y Sarah, una costurera

nacido en la frontera de Rusia y Polonia. Su padre anglicanizó el apellido de Juegos cuando

Abram tenía 12 años. Juegos izquierda Hackney Downs School a la edad de 16 y fue a la

Escuela de San Martín de Arte en Londres. Desilusionado por la enseñanza en Saint Martin

de y preocupado por los gastos de estudios, y partidos por jugar después de dos

mandatos. Sin embargo, mientras trabajaba como un "muchacho de estudio" en la

empresa de diseño comercial Askew-Young en Londres desde 1932 hasta 1936, asistía a

clases nocturnas de dibujo al natural. Fue despedido de esta posición debido a su salto

sobre cuatro sillas como una broma. [ 1 ] En 1934, su entrada fue segundo en la

Competencia del Consejo de Salud y, en 1935, ganó un concurso de carteles para el

Ayuntamiento de Londres . 1936-1940, que se quedó solo como artista independiente

cartel. El estilo de su obra - refinado pero vigorosa en comparación con el trabajo de los

contemporáneos - le ha ganado un lugar en el panteón de los mejores diseñadores

gráficos del siglo 20. Al reconocer su poder como un propagandista, según él, "me enrolle

la primavera y el público, en mirar el cartel, tendrá que primaveral lanzado en su mente."

Debido a la longitud de su carrera - más de seis décadas - su trabajo es esencialmente un

registro de la historia social de la época. Algunas de las imágenes más icónicas de Gran

Bretaña incluyen las de Juegos. Un ejemplo es el "Únete a la ATS" cartel de propaganda de

1941, apodado el cartel de reclutamiento "Blonde Bombshell". A partir de 1942, durante

la Segunda Guerra Mundial , el servicio de juegos como la Guerra Artista Oficial de posters

resultó en más o menos 100 carteles. Su trabajo es reconocido por su "color llamativo,

ideas gráficas audaces, y bellamente tipografía integrada". 1946, reanudó su práctica

independiente y trabajó para clientes como Shell ,Financial Times , Guinness , British

Airways , Londres Transporte , El Al y la de las Naciones Unidas . Él diseñó sellos para Gran

Bretaña , Irlanda , Israel , Jersey yPortugal .Además, diseñó el logo para JFS situadas

actualmente en el noroeste de Londres. También hubo chaquetas para reservar Penguin

Books y logos para el 1951 Festival de Gran Bretaña (ganadora del concurso 1948) y 1965

Premio de la Reina para la Industria . Evidencia de sus ontribuciones pioneras es la

primera (1953) que se mueve el símbolo en la pantalla de televisión de la BBC. También

produjo murales.

GEORGES LOIS

Nació en 1931 en el barrio del Bronx, uno de esos barrios chungos de Nueva

York donde los niños comen ceniza y escupen puñetazos. Hijo de inmigrantes griegos

en un barrio irlandés, le tocó vérselas más de una vez con aquellos niños pelirojos de

acento cerrado. Creció como la gente del Bronx, haciéndose respetar y trabajando

duro. Apasionado por el dibujo y el diseño, juntó una carpeta con la que logró entrar en

la ―High School of Music and Arts―, escuela pública fundada en 1936 de

incuestionable categoría y muy inspirada por la Bauhaus. Su habilidad en el baloncesto

le valió una beca para la Universidad de Siracusa, que desestimó para acudir al “Pratt

Institute of Arts”.

No pasó un año cuando Lois dejó los estudios tentado por la oferta de trabajo

del estudio Beacon, propiedad de Reba Sochis, mujer pionera donde las haya que vio

en Lois el talento perfecto para una de sus mayores cuentas, la fábrica de

cremalleras Talon Zippers. Contaba solo con 19 años. Seis meses después, sería

llamado a filas para acudir a la guerra de Corea, de la que regresó sano y salvo y con

las ideas muy claras. Una vez en Nueva York entró a trabajar en la agencia CBS como

diseñador gráfico bajo las órdenes de Bill Golden. Inquieto desde el principio y poco a

gusto con las reglas que el mundo creativo le imponía, no pasó demasiado tiempo

cuando decidió saltar de agencia para caer en Sudler&Hennesy, donde conoció

a Herb Lubalin, una de las personas más influyentes en la carrera de Lois y que le

enseñó lo suficiente como para poder entrar como Director de Arte en la agencia que le

haría grande, Doyle Dane Bernbach (DDB).

Era 1958, Lois tenía 27 años y Madison Avenue comenzaba a brillar. DDB era

una agencia distinta. No seguía lo que marcaban los estudios de mercado e iba más

allá a la hora de realizar campañas. Bill Bernbach como Copy entendió rápidamente

cuales eran las claves para lograr una llamada de atención a usuarios anquilosados, y

lo logró junto con uno de los mejores equipos de aquella época. Junto con Bernbach,

Lois cambió las reglas de la publicidad, pero no contento quiso ir más allá y solamente un

año más tarde creó su propia agencia junto con otro compañero de DDB y Fred

Papert, creativo en Kenyon&Eckhardt.

Papert Koenig Lois (PKL) abrió sus oficinas en 1960 y al contrario que en otras

agencias, el director de arte era quién controlaba el cotarro. Pronto la ―revolución

creativa‖ (que poco me gusta esa definición, por cierto) comenzó a crecer como la

espuma y las marcas buscaban cada vez más ese tipo de publicidad impactante. La

publicidad como hoy la conocemos había nacido. En el 68, tras movimientos

intestinales en PKL fundó Lois Holland Callaway (LHC), su última agencia hasta que se

jubiló en 1969. La relación de Lois y Esquire comenzó durante su etapa en PKL,

cuando la revista le propuso ser su director de arte a la vez que manejaba las riendas

de su agencia. Para la primera de las portadas, Lois no pisó ni la redacción de la

revista. Envió un muchacho con la primera de las tantas portadas que realizaría para la

publicación. Un boxeador k.o en mitad de un ring… Harold Hays, editor de la revista en

los 60, quedó absolutamente conmocionado por el estilo de Lois, y pronto sus portadas

se convirtieron en un icono del diseño y de la comunicació

Pasarían varios años hasta que George Lois y Muhammad Alí se conocieran.

Pronto, según ambos personajes, trabarían una amistad que dura hoy en día y de la

que ambos se sienten orgullosos. George Lois comentaría en más de una ocasión que

hacer posar a Muhammad como a San Sebastián se le hizo entre raro y curioso.

Quizás ambos desconocían lo histórica que resultaría esa fotografía, catalogada ya

como un icono gráfico del siglo XX. Años más tarde, cuando Muhammad Ali comenzó a

ser víctima de la terrible enfermedad que hoy le atenaza, su amigo George Lois le

dedicó todo un libro en el que narra su biografía a través de distintas fotografías.

Paul Rand

(nacido como Peretz Rosenbaum, 15 de agosto de 1914 - 26 de noviembre de 1996).

Fue un diseñador gráfico estadounidense muy reconocido1

en gran parte por el diseño

de marcas institucionales. Su educación incluye el Pratt Institute (1929-1932),

el Parsons School of Design (1932-1933) y el Art Students League (1933-1934). Fue

uno de los originadores del estilo tipográfico internacional suizo

Desde adolescente, su trabajo ya mostraba una fuerza innovadora y vanguardística

que no pasó desapercibida.[cita requerida]

Fue Director de Arte de la revista Esquire (1935)

y de Apparel Arts -GQ- (1941) y de las portadas para el "Directions Cultural journal"

entre 1938 y 1945. Fue pintor, conferencista, diseñador industrial y artista publicitario

que puede plasmar su conocimiento y su creatividad sin límites. ―Piensa en términos de

necesidad y función."

Rand se destacó en el diseño editorial. Fue también recordado, por uno de sus

empleados como la persona con "peor genio en el mundo". Rand puede presumir de la

fama de ser un viejo gruñón que siempre critica o desprecia nuevas tendencias o

conceptos en el diseño, derecho ganado gracias a que nunca cambió su postura o

cuestionó la rectitud de su camino en cuanto al modernismo, y aun a pesar de las idas

y vueltas que sufrió el diseño él jamás cambio.Más que ser un gruñón fue un

revolucionario del diseño en Estados Unidos, gracias a su trabajo, que comenzado

como un oficio, terminó como toda una profesión. Fue un gran defensor, líder y hasta

inspiración del movimiento modernista, el cual era casi una religión para él. Un buen

ejemplo a retratar es el siguiente: ―Durante la ceremonia de su retrospectiva en el

Cooper Unionen octubre del 95 se le preguntó si el modernismo había muerto. Rand

replicó:"Yo sigo vivo".‖ Otra de sus frases célebres, es

Utilizando ésta simplicidad del modernismo, y con el uso geométrico limpio de espacio

en blanco, creó algunas de las identidades corporativas estadounidenses más

reconocibles, como IBM, Westinghouse, United Parcel Service, American Broadcasting

Company (ABC) y el más reciente USSB (Servicio de Televisión por Satélite),

reconocidos en todo el mundo.[cita requerida]

Fue autor de varios libros sobre diseño. En 1935 creó su propio estudio en Nueva York

y ya partir de 1956 se desempeñó como profesor de diseño gráfico en la Universidad

de Yale en New Haven, Connecticut. Rand siguió el camino del diseño en gran parte

hasta los noventa.

En 1984 le concedieron la medalla del "Type Director´s Club" presentándolo como a

uno de quienes "han hecho contribuciones significativas a la vida, al arte, y al arte de la

tipografía". Rand fue incluido en el "New York Art Directors Club Hall of Fame" en 1972.

Entre sus muchos premios se incluyen medallas de oro.

"Él fue un canal a través del cual el arte y el diseño modernos europeos -

Constructivismo ruso, De Stijl holandés y el alemán Bauhaus- fueron introducidos al

arte comercial americano". (cita textual profesada por Steven Héller en 1999). Con esto

se puede ver que Rand exploró dentro del vocabulario formal, por así decirlo de los

movimientos de vanguardia europeos. Dio lugar a un estilo gráfico único que fue

caracterizado, como ya semencionó, por la simplicidad, y el acercamiento racional a las

soluciones del problema.

La influencia de las vanguardias europeas en su trabajo cambió el arte comercial

norteamericano, creando los principios formales del viejo continente ―con la gracia y el

humor nativo‖. Obviamente su ―entrenamiento‖ en el arte comercial en New York hizo

que comprendiera rápidamente lo que necesitaba el mercado, y así era como brindaba

estas soluciones más adecuadas que las que ofrecía la ―estética estándar‖ tan

antifuncional que se solía utilizar. ―Su pasión por las formas y los colores le siguió

acompañando en la escuela: Rand era el encargado de pintar los carteles de los

eventos escolares, responsabilidad que lo excusaba de asistir a clases "no tan

interesantes" como gimnasia, matemáticas o inglés. Muy pronto el Sr. Rosenbaum

entendió la fuerte vocación de su hijo y dejando de lado las leyes religiosas argumentó

que el arte no era un modo de ganarse la vida. Pero al final Rand se salió con la suya,

y a regañadientes su padre pagó los 25 dólares necesarios para que el joven Paul

entrara en las clases nocturnas del Instituto Pratt y sin chistar.‖

Paul Rand (1914-1996) es considerado como un diseñador de gran belleza lírica, y su

trabajo ha sido identificado como poseedor de "una rectitud explícita" urbana, elegante

y con un humor brillante e ingenioso. De todos los diseñadores estadounidenses de

mediados del siglo XX, fue Rand quien personificó el optimismo del buen diseño pues creía

que el mundo se puede mejorar por lo que él llamó "el arte de los diseñadores."

Fue una figura clave en la difusión del diseño modernista en los Estados Unidos. Rand

estudió en el Pratt Institute (1929-32), en la Parsons School of Design (1932-33) y en el

Art Students League (1933-34), donde su tutor fue el ex dadaísta alemán George

Grosz.. El talentoso joven diseñador tuvo la ventaja de ser nombrado director de arte

de las revistas Esquire y Apparel Arts a la edad de 23 años, desde 1938 hasta 1945

ocupó ese puesto en la Dirección.

Fue uno de los primeros diseñadores gráficos de Estados Unidos en poder publicar sus

opiniones sobre diseño gráfico, en la extremadamente influyente "Thougths on Design"

publicada en 1947. En ella plantea preocupaciones clave que se repiten en su vida y

obra y a las que se refirió en sus libros posteriores "Arte de un diseñador" (1985) y

"Diseño, Forma, y Caos" (1985). Rand definía así su principio rector "el diseñador

experimenta, percibe, analiza, organiza y sintetiza."

Rand extendió su trabajo de dirección de arte diseñando muchos carteles

espectaculares y desarrollando una notable serie de identidades corporativas. En lugar

de buscar lineamientos únicamente dentro del diseño gráfico, se inspiró en obras de

arte, basándose en las ideas del color, la textura y el collage en la obra de pintores

modernos como Arp, Matisse, Klee y Kandinsky. Esas influencias añadieron un agudo

sentido del posicionamiento de la forma y la geometría. Si todo esto fue originalmente

europeo, los elementos "estadounidenses" en el diseño de Rand se tradujeron en la

nitidez de sus conceptos gráficos y su comprensión de la importancia de la palabra en

la composición, apr Rand también hace uso de motivos gráficos como recursos

mnemotécnicos. Franjas, tomadas originalmente de las líneas horizontales utilizadas

para prevenir la falsificación de documentos legales, se aplicaron a la identidad

corporativa de IBM, que Rand desarrolló en 1956. Las franjas finalmente se convirtieron

en una metáfora de los ordenadores a través del cual el público podía recordar a la

compañía, en la medida en que en algunas versiones del logo las letras "IBM" no

aparecen. El Pop Art fue otro referente en la identidad que Rand desarrolló para la

NeXT Company, la idea está tomada de las famosas esculturas del artista Robert

Indiana rompiendo la forma de la palabra "LOVE".

En 1960 Rand escribió uno de los resúmenes definitivos de cómo las marcas trabajan:

"Una marca es una fotografía.

Es un símbolo, un signo, un emblema, un escudo, una imagen.

Un símbolo de una empresa, un signo de la calidad que mezcla forma y contenido.

Las marcas comerciales son animadas, inanimadas, orgánicas, geométricas.

Son cartas, ideogramas, monogramas, colores, cosas.Representan, pero no indican,

sugieren y se expresan con brevedad e ingenio. "

endida en asociación con Bill Bernbach de la agencia Doyle, Dane y Bernbach.

Estos planteamientos se hicieron evidentes en la notable serie de marcas que Rand

diseñó para grandes corporaciones y organizaciones. Empleó el pictograma como

efecto de gran alcance, como en el logo de AIGA (Instituto Americano de Artes

Gráficas), donde la "I" se transforma en el símbolo de un ojo. Para la Corporación

Westinghouse diseñó un logotipo que disecciona la forma de letra para parecerse a los

componentes de los circuitos eléctricos.

Reforzando su papel como mentor de sucesivas generaciones de estudiantes de

diseño gráfico, Rand enseñó en la Escuela de Arte de la Universidad de Yale desde

1956, un cargo que no abandonó hasta que tuvo 70 años. Incluso después de dejar la

enseñanza a tiempo completo siguió participando en los programas de verano

ofrecidas por la escuela en Brissago, Suiza.

Hacia el final de su larga carrera Rand siguió afirmando que la función principal del

diseñador sigue siendo la búsqueda de la belleza. Cada vez se encontraba más en

desacuerdo con la nueva generación de diseñadores gráficos interesados en la

tipografía deconstructivista o en el diseño como discurso. Como resultado, escribió en

1992:

"Hoy el énfasis de estilo sobre el contenido en gran parte de lo que se supone que es el

diseño gráfico y la comunicación es, cuando menos, desconcertante. Orden en el caos

no es el orden del día."

DISEÑADORES GRAFICOS VENEZOLANOS

LARRY JUNE

Éstudió tipografía en Estados Unidos, pero era un matemático, era el hombre de

los números que lo calculaba todo con su reglita de cálculo y su cabeza, porque lo

tenía todo en su cabeza y era sumamente exacto. Mandaba a hacer un título y él

mismo dibujaba a mano las letras del tamaño exacto con las líneas del tamaño

perfecto. A veces cuando no coincidían bien los espacios de las letras por más

mínimos que fuesen, decía: – Poner una cartulina entre las letras B y E- para lograr el

kerning que deseaba, de allí viene su apodo de Mr. Cartulino. Así tan preciso que pedía

con frecuencia los ―espacios de pelo‖ porque eran sumamente pequeños y tenían que

ser introducido a mano.

Tenía una precisión increíble, calculaba un texto escrito a máquina y decía: – Esta va

a dar 176 líneas en cuerpo 18 sobre 20 –, y daba exactamente 176 líneas en cuerpo

18 sobre 20; y si no daba, seguramente era por algún error del operario, no de Larry.

Sabía mucho de papeles, introdujo en Venezuela el Cameo Dull y todos los papeles de

la Warren que eran buenísimos. Muchas veces tenía que mandar a traer del exterior

los papeles que quería utilizar porque aquí no existían.

Yo lo conocí por Cromotip y por amigos en común como Leufert. Luego trabajé con él

en Editorial Arte. Trabajar con él era una delicia, por su precisión y su puntualidad, no

le daba opción a los cajistas o linotipistas de inventar nada porque él mismo te decía

exactamente lo que iba a salir en imprenta. Por ejemplo, si hacía un diploma, primero

lo dibujaba letra por letra con el cuerpo perfecto, y estos dibujos eran como haber

calcado el diploma después de haberlo impreso; así que las cosas salían perfectas.

Tenía muy buen carácter pero tenía problemas con todos los cajistas y linotipistas

porque cada vez que hacían las pruebas, Larry decía: – No me hiciste caso a lo que te

dije, faltó tal cosa o tal espacio esta mal – y efectivamente tenían que repetirlas una y

otra vez. Cuando mandaba componer líneas de 34 picas, lo hacía a los linotipistas y

no a los cajistas. Los linotipistas tenían que hacer dos líneas de 17 picas por la sencilla

razón de que el máximo que podía componer el linotipo era de 30 picas.

Cuando yo lo conocí y observé esa clase de detalles, le pregunté por qué era tan

preciso. Me contó que uno de sus primeros y más importantes trabajos en Estados

Unidos fue haciendo el manual de uso para una embarcación de la armada americana,

el cual usaba todo el personal, desde cocineros hasta alto mando. El requisito principal

era que fuesen bien legibles y con la menor cantidad de papel, y allí es donde Larry

comenzó a interesarse realmente en la tipografía, a seleccionar bien los tipos, a

analizarlos.

Una vez vi uno de esos manuales cuando se lo enseñó a Leufert y estaba hecho en

Trade Gothic, una tipografía que le gustaba mucho, y a raíz de eso yo traje esa

tipografía para la Editorial Arte. Esta tipografía que es una palo seco muy legible y

hermosa, él la combinaba con otra serif llamada Caledonia. Este es uno de sus

aportes, porque ahora es algo muy común, pero en ese entonces nadie combinaba

tipografías con serif y sin serif. Además era quién escogía todas las fuentes de linotipo

que se traían en Cromotip, y en eso fue un precursor.

Trabajó en principio con la Creole, que fue la compañía que lo trajo a Venezuela, pero

también trabajó con la Fundación Mendoza realizando los informes, con la Electricidad

de Caracas y en Cromotip entre otros.

Larry siempre andaba con su pipa y su regla de cálculo, no había calculadoras

modernas. Él estudió tipografía en Estados Unidos, pero era un matemático, era el

hombre de los números que lo calculaba todo con su reglita de cálculo y su cabeza,

porque lo tenía todo en su cabeza y era sumamente exacto. Mandaba a hacer un título

y él mismo dibujaba a mano las letras del tamaño exacto con las líneas del tamaño

perfecto. A veces cuando no coincidían bien los espacios de las letras por más

mínimos que fuesen, decía: – Poner una cartulina entre las letras B y E- para lograr el

kerning que deseaba, de allí viene su apodo de Mr. Cartulino. Así tan preciso que

pedía con frecuencia los ―espacios de pelo‖ porque eran sumamente pequeños y

tenían que ser introducido a mano.

Tenía una precisión increíble, calculaba un texto escrito a máquina y decía: – Esta va

a dar 176 líneas en cuerpo 18 sobre 20 –, y daba exactamente 176 líneas en cuerpo

18 sobre 20; y si no daba, seguramente era por algún error del operario, no de Larry.

Sabía mucho de papeles, introdujo en Venezuela el Cameo Dull y todos los papeles de

la Warren que eran buenísimos. Muchas veces tenía que mandar a traer del exterior

los papeles que quería utilizar porque aquí no existían.

Yo lo conocí por Cromotip y por amigos en común como Leufert. Luego trabajé con él

en Editorial Arte. Trabajar con él era una delicia, por su precisión y su puntualidad, no

le daba opción a los cajistas o linotipistas de inventar nada porque él mismo te decía

exactamente lo que iba a salir en imprenta. Por ejemplo, si hacía un diploma, primero

lo dibujaba letra por letra con el cuerpo perfecto, y estos dibujos eran como haber

calcado el diploma después de haberlo impreso; así que las cosas salían perfectas.

Tenía muy buen carácter pero tenía problemas con todos los cajistas y linotipistas

porque cada vez que hacían las pruebas, Larry decía: – No me hiciste caso a lo que te

dije, faltó tal cosa o tal espacio esta mal – y efectivamente tenían que repetirlas una y

otra vez. Cuando mandaba componer líneas de 34 picas, lo hacía a los linotipistas y

no a los cajistas. Los linotipistas tenían que hacer dos líneas de 17 picas por la sencilla

razón de que el máximo que podía componer el linotipo era de 30 picas.

Cuando yo lo conocí y observé esa clase de detalles, le pregunté por qué era tan

preciso. Me contó que uno de sus primeros y más importantes trabajos en Estados

Unidos fue haciendo el manual de uso para una embarcación de la armada americana,

el cual usaba todo el personal, desde cocineros hasta alto mando. El requisito principal

era que fuesen bien legibles y con la menor cantidad de papel, y allí es donde Larry

comenzó a interesarse realmente en la tipografía, a seleccionar bien los tipos, a

analizarlos.

Una vez vi uno de esos manuales cuando se lo enseñó a Leufert y estaba hecho en

Trade Gothic, una tipografía que le gustaba mucho, y a raíz de eso yo traje esa

tipografía para la Editorial Arte. Esta tipografía que es una palo seco muy legible y

hermosa, él la combinaba con otra serif llamada Caledonia. Este es uno de sus

aportes, porque ahora es algo muy común, pero en ese entonces nadie combinaba

tipografías con serif y sin serif. Además era quién escogía todas las fuentes de linotipo

que se traían en Cromotip, y en eso fue un precursor.Trabajó en principio con la Creole,

que fue la compañía que lo trajo a Venezuela, pero

también trabajó con la Fundación Mendoza realizando los informes, con la Electricidad

de Caracas y en Cromotip entre otros.

GERD LEUFERT

Venezolano, nacido en 1914 en Memel, actualmente Kláipeda, Lituania. Estudió en las

escuelas de arte de Hannover, Maguncia y Munich, Alemania, en esta última con el

profesor F. H. Ehmcke.Estudió en la Escuela Superior de Diseño de Hannover

(Alemania, 1933), en la Escuela de Artesanía de Maguncia (Alemania, 1935-1936) y en

la Academia de Bellas Artes de Múnich (Alemania, 1939) con F.H. Ehmcke. Al concluir

la Segunda Guerra Mundial trabaja como colaborador gráfico en casas editoras como

Piper, Biederstein, Oldenbourg y Hansen, entre otras; en 1947 asume el cargo de jefe

del estudio gráfico Bayrisches Bild, en Múnich, propiedad de su maestro Ehmcke.

Eberhard Holscher publica un ensayo sobre su trabajo en la revista Gebrauchsgraphik

de Múnich (1951). Ese mismo año se traslada a Venezuela. En 1952 obtiene el cargo

de director de arte en la publicidad McCann Erickson de Venezuela. En 1953 se

residencia con su esposa, la artista Gego (Gertrud Goldschmidt), en Tarma (Edo.

Vargas), donde desarrollan importantes obras hasta 1956. En 1957 recibe la dirección

artística de la revista El Farol; su director, Alfredo Armas Alfonzo, le confía la creación

de una nueva imagen. De ese modo, El Farol se convierte en marco experimental para

una nueva expresión del diseño gráfico; en 1959 deja su cargo en manos de Nedo M.F.

Entre 1958 y 1960 inicia su experiencia docente en la Facultad de Arquitectura y

Urbanismo de la UCV, que alterna con una cátedra en la Escuela Cristóbal Rojas,

donde dirige la sección de artes aplicadas. En 1960 viaja a Estados Unidos para cursar

estudios especiales en la Universidad de Iowa y técnicas gráficas en el Instituto Pratt

de Nueva York. Entre 1961 y 1966 inicia una fructífera labor en el MBA, inicialmente

como coordinador y director de arte de la revista Visual y luego como curador,

emprende una transformación de la producción del museo en el ámbito del diseño

gráfico. En 1961, el MBA presenta "Gráfica uno", la primera exposición de diseño

gráfico organizada en el país.Como pintor, se interesó en las tendencias abstractas y, sin

abandonar la técnica del

óleo, desarrolló obras informalistas monocromas, como AM-17 (1961, colección GAN),

y constructivas, a través de las oposiciones de color en un espacio reversible, como la

serie Union Square (1964). En una última etapa revisó el marco como posibilidad

objetual (Rodríguez, 1980, pp. 143-144). Esteban Muro comentaba en aquel tiempo

sobre su obra pictórica: "Leufert encara una síntesis fundamental entre las

posibilidades de la luz y la materia como resultado de haber entendido la pintura como

cuestión experimental" (1962, p. 1). Años más tarde señala Juan Calzadilla: "la pintura

de Gerd Leufert en los años sesenta introduce tonos desconcertantes y bizarros y los

emplea con arreglo a los principios de extensión, intensidad y ubicación del color en el

plano […] con la idea de cuestionar la armonía tradicional de primarios y secundarios

que empleaban los abstractos" (1999, p. 4).

En 1964 Leufert diseña el emblema oficial del pabellón de Venezuela para la Feria

Mundial de Nueva York y obtiene elogiosos comentarios en publicaciones

especializadas. Ese año trabaja activamente en la creación del Instituto Neumann, del

cual será profesor hasta 1967. En 1966 exhibe sus proposiciones gráficas, que llamó

Visibilia, en el MBA, acompañadas con un libro homónimo diseñado por Larry June con

textos de Miguel Arroyo y Alfredo Chacón. Visibilia participa en eventos como Trade

Marks International AIGA (Nueva York), la III Bienal Americana de Arte (Córdoba,

Argentina), la I Bienal Internacional del Afiche en Varsovia y la "Segunda exposición

internacional de artes gráficas" (Brno, República Checa). En 1967 trabaja con Gego en

el diseño de las obras ambientales para la fachada del Centro Comercial Cedíaz, y un

año después inicia también, con Gego, la obra mural del edificio sede del INCE, en

Caracas. En 1968 retoma su labor en el MBA y al año siguiente crea, junto a Miguel

Arroyo, la curaduría de dibujo y estampa, que dirige hasta su retiro de la institución en

1973; durante ese tiempo organiza la serie de exposiciones titulada "Sobre papel". En

1968 edita junto a Nedo M.F. un nuevo libro de diseño, Imposibilia, con textos de

Alfredo Armas Alfonso y Alfredo Silva Estrada; esta obra obtiene, tres años más tarde,

medalla de bronce en la "Exposición internacional del arte del libro" (Leipzig, Alemania).

En 1969 se edita su libro Nenias. En 1970 sale a la luz Marcas, publicación que reúne

trabajos realizados para identificar empresas y organizaciones, "un decantado proceso

de fusión entre el diseño y la escritura, un lenguaje libre, penetrante y certero, que

expresa, con máxima economía y máxima eficacia, una idea clara y distintiva"

(Guevara, 1970). En 1971, una nueva publicación Sin arco, con texto de Miguel Arroyo

y diseño de Nedo M.F., reúne muestras de su trabajo gráfico en las que "toca más de

cerca la creación desinteresada, pero se relaciona con el tema único de la flecha y sus

variantes, de manera que permanece obligado a presentar y describir un tema sin

perder de vista la analogía entre una flecha real y la imagen diseñada" (Traba, 1974).

En 1972 recibe el premio de honor en la "Exposición internacional de artes gráficas" en

Brno (República Checa) y medalla de bronce por su libro Sin arco. Entre 1974 y 1979, con

Nedo M.F., Santiago Pol y Álvaro Sotillo, realiza una serie de sellos postales

venezolanos; entre sus diseños se encontraban los dedicados al bicentenario del

Libertador y al Año Reveroniano. La serie completa fue expuesta en "La nueva

estampilla venezolana" (GAN, 1978). Al año siguiente el grupo recibe una medalla y

mención de honor en la "Exposición mundial de la estampilla" realizada en Praga.

En 1976, con textos de Hani Ossott y María Fernanda Palacios y diseño de Nedo M.F.,

surge un libro que muestra parte del trabajo escultórico de Leufert: Listonados. Sobre

estos trabajos escribió Roberto Guevara: "la escultura ha combinado la especulación

de la forma de origen naturalista, o tal vez deberíamos decir organicista, con otra más

acorde con el sistema rectangular que domina casi toda la producción de diseño, como

sería el caso de las obras conjugadas en la serie de Listonados" (1990). Por su parte,

Juan Calzadilla comentó: "experimentó lo conceptual elaborando una parodia frenética

[…] del marco usado para enmarcar pinturas tradicionales […], artefactos

desprevenidos que él mismo tallaba, retomaba del kitsch o del desecho, repintándolos,

ensamblando sus partes, relevándolos y exhibiéndolos sin lienzo" (1999, p. 4). En

1977, la revista Novum Gebrauchsgraphik de Múnich publica una separata dedicada a

la obra de Leufert. Ese mismo año, el MBA edita Gerd Leufert diseñador, con textos de

Gabriel Rodríguez y Miguel Arroyo, diseño de Nedo M.F. y diagramación de Álvaro

Sotillo. En 1979 forma parte del grupo fundador del TAGA y trabaja con el Taller

Cobalto. En 1984 aparece La emblemática de Gerd Leufert, editado por la GAN, con

textos de Victoria de Stéfano; esta obra obtiene la Letra de Oro en la exposición "Los

libros más bellos del mundo", en Leipzig (Alemania). En 1985 expone "Nenias" (MBA),

formas que "reflejan la necesidad de anteponer la forma a la imagen ya constituida y

socialmente empobrecida, la intención de restaurar la riqueza de estímulos de una

visión originaria, la posibilidad de una comunicación previa a la comunicación misma"

(De Stéfano, 1985). Durante esa época colabora con Alfredo Armas Alfonzo en la

realización del libro Diseño gráfico en Venezuela (Caracas: Maraven, 1985).

En 1988 presenta una retrospectiva de su obra como diseñador en la Sala Sidor, con la

curaduría de Gloria Carnevalli, quien señaló en relación a su obra: "cuán primordial ha

sido en su trabajo la búsqueda de las cualidades lógicas de una imagen […]. Y sin

embargo, hay algo en sus emblemas, en sus logotipos, afiches y carátulas que elude el

extremo ascetismo de una filosofía visual cuya premisa básica es la exaltación de la

imagen más escueta […]. En la obra de Leufert se da una feliz y lúdica coexistencia

entre el rigor y la frescura, entre la imaginación y la norma constructiva […]. La fantasía

formal de Leufert encuentra en las estructuras de lectura múltiple, en el principio serial,

en la ambigüedad espacial y en la contraposición de elementos especulares, versátiles

recursos para la invención de sus imágenes" (1988). En 1990, Miguel Arroyo

seleccionó 83 fotografías realizadas por Leufert desde 1981 para su primera exposición

en esta disciplina, "Penthouse B" (Sala RG), "un intenso, tal vez también implacable

recorrido por la cotidianidad, el tributo generoso y simple al universo visual del entorno,

pero de igual modo se encuentra el proceso de la mirada constructiva […], el

desdoblamiento de seres, objetos y espacios […], luces y sombras jugando al eterno

flujo de apariciones" (Guevara, 1990). Ese año recibe el Premio Nacional de Artes

Plásticas. En 1991, la BN organiza la VI Bienal del Cartel en homenaje al artista. Sus

indagaciones en la fotografía dan lugar a nuevas propuestas que se exhiben en 1992

en el Centro Cultural Consolidado, a propósito de la cual Victoria de Stéfano señaló que

a partir de contactos, copias, ampliaciones, Leufert reanimaba "la realidad con una

mirada estereoscópica. Es justamente de eso de lo que se trata: intervenir y reutilizar la

memoria fotográfica de las viejas copias a estos fines […]. Se acorta, se agrupa, se

destruye, se interpola, se ensamblan los elementos" (1992). En 1994 exhibe "Espacios

imaginarios y reales: tintas de Gerd Leufert" (MBA), pequeños paisajes del norte de

Europa, dibujados entre 1963 y 1982, junto a un grupo de tintas abstractas realizadas

entre 1981 y 1987. Estas obras fueron donadas por el artista al MBA. Al año siguiente,

la misma institución muestra "Los papeles de abajo", tintas y aguadas que el propio

Leufert llamó obras sin autor, pues surgieron en forma casual, sobre los papeles que

servían de soporte a aquellos otros papeles en los que efectivamente el artista realizó

trabajos. La obra de Leufert "es el producto del coloquio ininterrumpido que ha

mantenido con las formas y los signos gráficos para averiguar qué es lo que nos dicen.

De allí la variedad de su exploración, la riqueza y multiplicidad de sus hallazgos, el

amplio registro de posibilidades formales en que se mueve" (De Stéfano, 1984). De

Leufert, la GAN posee en su colección AM-17 (óleo sobre madera, 1961), Union

Square 13 (óleo sobre tela, 1964), Teque (óleo sobre tela, 1964) y Nenia plateada

(serigrafía, 1980), entre otros.

Premios

Alemania; por Imposibilia (coautoría con Nedo M.F.)

artes gráficas", Brno, República

Checa / Medalla de bronce, "Exposición internacional de artes gráficas", Brno,

República Checa; por Sin arco (diseño de Nedo M.F.)

Álvaro Sotillo), "Exposición mundial de la estampilla", Praga

del mundo", Leipzig, Alemania; por Historia de la alfombra en Venezuela (de Carlos

F. Duarte)

Exposición Anual del Libro, BN-GAN; por Enigma realidad

Alemania; por La

emblemática de Gerd Leufert (diseño de Álvaro Sotillo; Caracas: GAN, 1984)

de Artes Plásticas, Caracas

NEDO MION FERRARIO

Nació en (Milán, Italia, el 23 de septiembre de 1926. Diseñador Gráfico italiano,

considerado pionero del diseño gráfico venezolano.

Diversas generaciones de venezolanos han adquirido sólidos conocimientos

del diseño, la tipografía y el dibujo gracias al patrimonio histórico-artístico legado por

el maestro Nedo, M.F en Venezuela, quien fue un artista muy prolífico, hábil acuarelista

e ilustrador. Gran parte de su vida la dedicó al diseño y la docencia.

Nedo, M.F. diseñó unos sesenta alfabetos para ser utilizados en carteles, catálogos y

logotipos, algunos de ellos dentro de la denominada familia Imposible, otros

identificados como Reversibles y Computables. Dichos alfabetos radican en la

realización de un trabajo sin descanso, movido siempre desde una exploración

profunda y coherente de la geometría. Su pasión por las formas imposibles y la

fabricación de ilusiones ópticas de tipo geométrico fueron los valores fundamentales y

más característicos de su obra.

Gran parte de su aprendizaje lo obtuvo de su padre, Emilio Mion Vianello, quien era

cincelador, un oficio de linaje en Italia. Emilio se instruyó en la Academia Brera de

Milán. Nedo, M. F. estudió en el Instituto Comercial y Técnico de Milán entre 1936 y

1940 y en la Academia de Bellas Artes de la misma ciudad.

A a finales de la Segunda Guerra Mundial, ambos deciden abandonar Italia debido al

clima político de aquellas fechas. Animados por la política venezolana de inmigración

llegan a Caracas en 1950. Gracias a las relaciones públicas de su padre, uno de los

primeros trabajos que tuvo en Venezuela fue la realización de una serie de

ilustraciones para un periódico denominado "El País"; para el suplemento del diario ―La

Esfera‖, y para otros proyectos didáctico-comerciales como el diseño de emblemas,

logotipos, revistas, catálogos, carteles y campañas publicitarias para distintas marcas

venezolanas y extranjeras.

Entre 1952 y 1953 trabaja en la agencia de publicidad McCann Erickson de Venezuela

y realiza trabajos eventuales para la agencia de publicidad venezolana Ars Publicidad. Este

trabajo va desde el diseño de las cajas de cigarrillos marca ―Negro Primero‖ y

―Alaska‖ hasta una extendida campaña de la transnacional petrolera Mobil.

En 1959 asume la dirección artística de la revista ―El Farol‖ , publicación institucional de

la Creole Petroleum Corporationpara la cual había efectuado con anterioridad algunos

trabajos. Este mismo año suple a Gerd Leufert y Carlos Cruz Diez en la sección de

artes aplicadas de la Escuela de Artes Visuales Cristóbal Rojas; en la que tiempo

después, impulsa la creación de la cátedra de Diseño, donde sería profesor durante 27

años.

Al convertirse en el director artístico de El Farol, la revista ya había

experimentado su primera transformación de la mano de Gerd Leufert, quien dirigió su

producción entre 1957 y 1959, desligándola de un periodo "criollista", de excesos en la

ilustración, e imponiéndole una diagramación tipográficamente coherente, y portadas

abstractas de impacto visual y táctil que explotaban los verdaderos recursos de la

imprenta.

Nedo, a quien le correspondería su dirección artística durante trece años,

representando sesenta números consecutivos, y al menos cuatro cambios de su

director, sin hablar de los cambios de la Gerencia de Relaciones Industriales de la

Creole, la convierte en una bandera de las artes gráficas, esgrimida aquí y en otros

países, como ejemplo de la excelencia y versatilidad lograda en la industria gráfica

venezolana.

Esto obedece a que Nedo generó un concepto de diseño gráfico total en una

publicación, cuyo verdadero deleite está en la relación entre las partes que se abren y

se cierran con el paso de la página. Cambios de papel y cartulina, efectos de solapa,

fluidez entre carátula y cuerpo del texto, caracterizan su autoría. La manera en que

desarrollaba el tema, fuera histórico o científico, o explotara un efecto de trama para

redimensionar la fotografía y la relación que establecía con las contraportadas, y

especialmente el tratamiento que impartía al contenido, eran siempre sorprendentes y

magistrales.

Continuaría diseñando esta revista hasta 1972, un lapso de trece años en los que sentó

las bases del diseño racional total de una revista, planteándose la diagramación como

una estructura animada que se convirtió en fuente de inspiración y de emulación para

otra generación de diseñadores.

Su relación con Larry June, el tercer miembro de la tríada seminal del diseño gráfico

contemporáneo venezolano, se desarrolla en el entorno de la imprenta caraqueña

Cromotip, en donde ambos mantenían talleres de trabajo gracias a las publicaciones

que diseñaban y allí imprimían.

Muchos fueron los trabajos que se cruzaron entre ellos. June dominaba el medio

empresarial, diseñando los emblemas para un gran número de compañías emergentes

de los años cincuenta y sesenta. Entre Nedo y June, y entre ambos y Leufert, se estableció

una simbiosis de amistad y consenso gráfico que concluye sólo a la muerte de Larry en

1974.

ALVARO SOTILLO

Diseñador gráfico. Hijo de Antonio José Sotillo y Carmen Teresa Méndez. Su

formación académica la realiza en la Escuela Cristóbal Rojas, en el área de artes aplicadas

(1962-1966), y en el Instituto Neumann (1966-1969); en este último realiza el

curso básico con los profesores Gerd Leufert y Gego y comienza a cursar la

especialización de diseño tridimensional atraído por la figura del profesor Cornelis

Zitman. Su formación continúa fuera de los muros académicos con Leufert y Gego: con

el primero establece una relación de maestro-aprendiz y bajo su tutela realiza sus

primeros ejercicios profesionales en el campo del diseño, mientras que de Gego recibe

el ejemplo constante en la ejecución integral del oficio. Trabajó con Nedo M.F., siendo

lo más destacado de este acercamiento la notable influencia que ejerció sobre el joven

Sotillo el trabajo tipográfico de Nedo M.F., mediante publicaciones como Cal y la revista

El Farol. En 1967 se vincula al movimiento artístico Los Expansionistas liderizado por

Omar Carreño, al suscribir el segundo manifiesto del grupo y participar en la colectiva

"Luz y transformación" (junto a Omar Carreño y Rubén Márquez) realizada en el

Ateneo de Caracas. En 1968 forma parte del grupo Cobalto. En 1970 realiza una

exposición individual en el Ateneo de Caracas llamada "Confrontación 70", con una

muestra a gran escala de una exploración tipográfica propia. Entre 1969 y 1976 trabaja

junto a Gerd Leufert en el Departamento de Dibujo y Estampa del MBA, desarrollando

el campo del diseño de catálogos en Venezuela y organizando numerosas

exposiciones. En 1972 participa en la IV Bienal Internacional del Cartel en Varsovia. En

1975 organiza la exposición "Letromaquia", sobre el trabajo tipográfico de Nedo M.F.

para el MBA; ese mismo año participa en la conferencia "El diseño para el

mejoramiento de la vida del hombre y no para su envilecimiento", acompañado de

Orlando Aponte, Sigfredo Chacón, Manuel Espinoza, Víctor Hugo Irazábal, Emiro Lobo,

Jorge Pizzani y Santiago Pol, y dictada en la Casa de la Cultura de Maracay en el

marco del Encuentro Nacional de Jóvenes Artistas. Entre 1975 y 1979 trabaja, junto a

Gerd Leufert, Nedo M.F. y Santiago Pol para el recién creado Instituto Postal

Telegráfico (bajo la dirección de Gonzalo Plaza y la asesoría de Miguel Arroyo), en la

realización de series de estampillas conmemorativas de eventos como la

nacionalización del petróleo y la inauguración del cable submarino Columbus; hasta

entonces la mayor parte de la producción venezolana de estampillas era delegada a

otros países. En 1978, la GAN organiza la muestra "La nueva estampilla venezolana",

con una selección del trabajo desarrollado por estos diseñadores en el Instituto Postal

Telegráfico. En 1980 participa en la IX Bienal de Diseño Gráfico en Brno (República

Checa) y en la "Segunda exposición anual del libro" (BN), en la cual obtiene el premio

al mejor libro con la publicación Los niños de aquí (Caracas: Foto Ediciones, 1979). Su

participación en esta convocatoria anual se repetirá en las ediciones de 1981, 1985,

1986, 1987, 1988 y 1989. En 1983 participa como miembro del comité de selección en

la III Bienal del Cartel (BN), y al año siguiente organiza, junto a Ibrahim Nebreda, la

muestra colectiva "Cincoincidentes" para el Museo de Barquisimeto. En 1985 organiza

la exposición "Gego. Dibujos 5/85" para el mismo museo. Entre este año y 1990 realiza

una serie de libros temáticos sobre regiones de Venezuela para la Fundación Polar

bajo la coordinación de la Editorial Óscar Todtmann, entre los que destacan La Gran

Sabana y El llano por las premiaciones obtenidas en los concursos "Los libros más

bellos del mundo" y la "Exposición internacional del arte del libro" en Leipzig

(Alemania).

En 1986 funda la Editorial Alter Ego, junto a Leufert y Miguel Arroyo, publicando Más

acá del más allá y Retromundo, ediciones que reciben premios en los concursos "Los libros

más bellos del mundo" y la "Exposición internacional del arte del libro" en Leipzig.

En 1988 participa como miembro del comité seleccionador de la V Bienal del Cartel

organizada por la BN. En 1989 es invitado como jurado internacional a la "Exposición

internacional del arte del libro" (Leipzig), donde pudo conocer y participar del criterio de

los expertos en la tradición europea del libro impreso. En 1990 participa en la VI Bienal

del Cartel: Homenaje a Gerd Leufert, organizada por la BN. Ese mismo año es

convocado por un grupo de ex profesores y ex alumnos del Instituto Neumann para

fundar Prodiseño, asociación destinada a la enseñanza de la comunicación visual;

Sotillo desempeña en ella las labores de asesor, profesor invitado y miembro de la

junta directiva hasta 1996. En 1993 es curador de la muestra colectiva "CCS-10. Arte

venezolano actual" para la GAN. Ese mismo año es llamado por Miguel Arroyo para

participar en el proyecto de difusión cultural del diseño gráfico, diseño industrial y

fotografía del Centro de Arte La Estancia, que abre sus puertas al público en 1995. Allí

trabaja hasta 1999 como responsable de la museografía (junto con José Luis Sánchez)

y de la imagen de la institución (para la cual desarrolla una familia tipográfica propia, la

Floresta Book). Entre las exposiciones que asesoró, organizó o curó para el Centro de

Arte La Estancia se cuentan "Chicho Mata: el hombre de Uchire" (1996), "Sentados en

un siglo. Emblemas cotidianos de Venezuela (1997), "40 años de fotografía: Leica M"

(1998) y "El asiento de al lado. La butaca moderna" (1999). En 1996 es invitado a

participar en el fax art Preservación de la capa de ozono, organizado por la Dirección

de Cultura, el Departamento de Artes Visuales y la Galería Ángel Boscán de la UCV.

Desde 1997 forma parte de la AGI, junto a Carlos Rodríguez y Santiago Pol. Esta

organización, formalizada en París en 1952, reúne un selecto grupo de artistas y

diseñadores gráficos con intereses y trabajos notables a nivel internacional; como ellos

mismos señalan, AGI es una plataforma que procura la relación entre sus miembros,

promueve el diseño gráfico a través de la convocatoria de sus integrantes y de

importantes instituciones gubernamentales y comerciales para la realización de

exposiciones y actividades que promuevan la calidad y la capacidad crítica del diseño.

Actualmente cuenta con cerca de 300 miembros de unos 27 países. En 1998 es

invitado a participar en el evento internacional de carteles "Brecht 100 carteles", que

celebra el aniversario del nacimiento de Bertolt Brecht, organizado por el Berliner

Ensemble y la Asociación de Diseñadores Alemanes. Ese mismo año es invitado a

participar en el concurso internacional "La infancia no es un juego de niños",

organizado por el Museo Alemán del Cartel (Essen, Alemania). En 1999 diseña la

presentación de los documentos para la postulación ante la UNESCO de la Ciudad

Universitaria de Caracas para la lista de patrimonios mundiales. Ese mismo año es

invitado por el Museo Alemán del Cartel (Essen) al fax art Kinder sind der rhythmus

dieser welt (Los niños son el ritmo del mundo).

Santiago Pol

Nacido en Barcelona, España, el 19 de Enero de 1946.

Estudios en Bellas Artes en la Escuela de Artes Plásticas "Cristóbal Rojas", Caracas

y Escuela Superior de Bellas Artes, París.

Cargos docentes: Instituto de Diseño / Universidad Simón Bolívar, cursos de Extensión

/ Instituto de Diseño Neumann-Ince / Pro-Diseño / Escuela de Artes Visuales Cristóbal

Rojas / Escuela de Artes U.C.V. / Instituto Diseño Darias, todas en Caracas y la

Universidad de Yaracuy (UNEY), Estado Yaracuy

Cursos, charlas y talleres: Venezuela, México, Brasil, Colombia, Cuba, Estados Unidos,

Argentina, España, Rep. Checa, Corea del Sur y República Dominicana

Salones, Bienales y Trienales de Diseño: Bienal del Cartel de México (Miembro

Honorario) / Bienal del Cartel por invitación de Colorado* / Art Directors Club, New york

/ Bienal del

Cartel de Varsovia / Bienal del Cartel de Lahti (Finlandia) / Bienal del Cartel de Brno,

R. Checa, (Miembro Honorario) / Bienal del Cartel de Toyama (Japón) / Bienal del

Cartel

de Taiwan (China)

Revistas, Libros y Publicaciones: Venezuela, México, Estados Unidos, Corea del Sura,

Colombia, Brasil, España, Francia, Suiza, Alemania, Holanda, Polonia, Finlandia,

Japón,

China (Nacionalista), China (Popular), Sur Africa y Australia

Museo web: ¿Quién es quién en la creatividad? C.W.W. / Kanagama, Japón 2002

Jurado: Venezuela (varias veces), Colombia, Brasil, Cuba, México, Estados Unidos

y Rep. ChecaMiembro de: AVAP: Asociación Venezolana de Artistas Plásticos, Caracas.

ICOGRADA: International Council of Graphic Desing Associations, Londres. AGI:

Alianza Gráfica Internacional, Zürich. Miembro de la Junta Directiva Museo de la

Estampa y del Diseño Carlos Cruz Diez. Presidente de la Junta Directiva del TAGA

(Taller de Artistas Gráficos Asociados). Amigo de la "Unión des Arts Décoratifs", París.

Libro Inédito: Sobre su obra Raymond Vézina (Profesor de la UQAM: Université

du Québec á Montreal), ha escrito un libro que aún no ha sido publicado.

Distinciones, Menciones y Premios, Pintura y Escultura: Premio del Público, II Salón

Pez Dorado, Caracas, 1963. Mención Honorífica, IV Salón D´Empaire, Maracaibo,

1963. I Premio de Pintura, III Salón Pez Dorado, Caracas, 1965. Premio del Público,

Escultura Gigante,

I Bienal Coca-Cola, Caracas, 1998. Hormiga de Plata, Pintura, Festival de Artistas, 1°

Edición, Caracas, 1998.

Distinciones, Menciones y Premios Carteles y Estampa Nacionales: Mención

Honorífica, Concurso Afiches Turísticos Conahotu, Caracas, 1971. I, II, III, IV y V

Premio del Cartel, Biblioteca Nacional, Caracas, 1979, 80, 81, 82, 83. Premio

(Selección) AGPA-TAGA (Estampa), Caracas, 1999.

Distinciones, Menciones y Premios Carteles Internacionales:

Mención Especial VI Bienal del Afiche en Varsovia, 1978.

1er Coral Negro al Mejor Afiche, 4° Festival del Nuevo Cine Latinoamericano,

La Habana, 1982.

Medalla de Oro 25° Festival Internacional del Documental y Cortometraje,

Leipzig, 1982.

Tercer Premio de Afiches Festival Internacional de Teatro en Expresión Ibérica,

Oporto, 1982.

Merit Award Art Directors Club, New York, 1992 y también en el año 1993.

Medalla de Bronce, 4° Trienal de Toyama, Japón, 1994.

Portada International Print Portfolio, Universal Declaration of Human Rigths,

Durban,

Sur África, 1999.

Selección Almanaque Naciones Unidas, Alemania 2002. Almanaque medalla de

bronce, International Calendar Show, Stuttgart, 2002 y medalla de oro y bronce

en el World Calendar Award Competition, in América.

Selección Afiche Juegos Olímpicos, Beijing 2008.

Enciclopedia Británica 2002.Trabajos Especiales: Formó parte del equipo (Leufert, Nedo,

Sotillo y Pol), el cual se

encargó de diseñar "La Nueva Estampilla de Venezuela", 1978. Plano del Metro de

Caracas

(Versión original), Caracas, 1982. El Siglo más Universal: Cuatro portadas especiales

de la edición aniversaria del diario El Universal, Caracas, 1989. Diseño de la edición

aniversaria (cuatro cuerpos) del diario El Universal en sus 85 años, Caracas, 1994.

Concepto del Diseño del Pabellón de Venezuela en la Feria del Libro de Guadalajara,

México, 1995. Logotipo actual del CNE (Consejo Nacional Electoral), Caracas, 1997.

Imagen Coca-Cola

y el Arte de Nuestra Gente Expo 2000, Caracas, 2000. Homenaje a Jan Rajlich (World

of Friends), Brno, República Checa y Eslovaquia, 2000. Hommage a Johannes

Gutenberg,

Mainz, Alemania, 2000. Diversity (AGI Congress) Oaxaca, México, 2000. AGI París,

Exposición GALERIE ANATOME, septiembre de 2001. 20 años Bienal de Brno,

República Checa, 2002.

Representado en las siguientes Colecciones Nacionales: Museo de Arte de Maracay,

Estado Aragua / Galería de Arte Nacional, Caracas (Colección) / Instituto Autónomo

Biblioteca Nacional, Caracas (Colección Completa) / Museo Francisco Narváez,

Porlamar, Estado Nueva Esparta / Museo Audiovisual, Caracas / Museo de la Estampa

y el Diseño Carlos Cruz-Diez, Caracas (Colección Completa).

Representado en las siguientes Colecciones Internacionales: Museo del Afiche de

Milanov, Polonia / Casa de las Américas, La Habana, Cuba (Colección Completa) / The

Israel

Museum, Jerusalem / Museo de Arte Moderno de New York MOMA, U.S.A. / Museo

Für Gestaltung, Zurich, Suiza (Colección Parcial) / Merril Berman Collection, N.N.Y.Y.,

U.S.A. (Colección Parcial) / National Library Washington, U.S.A. / Trama Visual, México

/

Universidad Autónoma de Puebla, México (Colección Parcial) / Museo de Artes

Decorativas

y del Afiche, Palacio de Louvre, París, Francia (Colección Completa) / Altos de Chavón

La Escuela de Diseño (Colección Completa) / Universidad de Santo Domingo,

República Dominicana.

Exposiciones Personales: Ha expuesto numerosas veces en Venezuela como pintor,

escultor y diseñador. También en Cuba, México, Colombia, Rep. Dominicana,

Inglaterra

y la más importante de todas fue en el Museo del Afiche en el Palacio de Louvre,

en París durante el año 1991.

1992 fue jurado en la 1 Bienal del Cartel de México.1993 Obtuvo el premio Merit Award

del Club de Directores de Arte de Nueva York,

por su cartel Polar en el objeto popular.

1994 Medalla de bronce de la 4 Trienal de Tayoma, Japón.

1997 Es elegido miembro de la Alianza Gráfica Internacional.

1998 Creó la edición aniversaria del diario El Universal en sus 85 años,

y el logotipo para el Consejo Nacional Electoral.

1999 Portada Internacional Print Portfolio, Universal Declaration of Human Rights.

Durban, Sudáfrica.

2001 Premio Nacional de Artes Plásticas. Muestra retrospectiva Olfato visual.

Santiago Pol, 1968-2001, Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez.

2005 Representó a Venezuela en la 51 Bienal de Venecia con la muestra Color,

amor y calor de la pequeña Venecia, que reunió su trabajo de 40 años en el afiche.

Asimismo, ha sido docente en reconocidos institutos de diseño del país y participado

en

innumerables exposiciones individuales y colectivas en Venezuela y el extranjero.

Grandes museos del mundo poseen sus obras como el Museo de Arte Moderno

de Nueva York. Actualmente es profesor y coordinador del espacio académico Diseño

Integral en la Universidad Nacional Experimental del Yaracuy (UNEY).

Santiago Pol en la Bienal de Venecia

COLOR, AMOR Y CALOR DE LA PEQUEÑA VENECIA

Por Humberto Valdivieso

Santiago Pol fue seleccionado para representar a Venezuela en la 51 Bienal de

Venezia, exposición que será inaugurada el 12 de junio de este año.

El artista gráfico, más aún el hacedor de carteles, es un hombre que ayuda a construir

la identidad de las ciudades y ofrece alternativas de lectura a los espacios

arquitectónicos. No obstante, la relación entre el diseñador y su medio ambiente es

una simbiosis. Muro y papel, soporte y anuncio, logotipo e institución son parte de un

solo discurso. Uno es el sustento del otro, ambos se alimentan equitativamente puesto

que los afiches, la identidad gráfica de las empresas y aún las estampillas están

pensadas, diseñadas y producidas para un clima, un color, una luz y una forma de

expresarse ya definidos. Lo urbano es una atmósfera cambiante. Y a su vez, es una

condición para el artista que lo transforma.Santiago Pol ha dicho innumerables veces: ―Si

Venezuela no existiera, yo no existiría

como diseñador‖. Su larga trayectoria en el oficio de los carteles descansa sobre la

manía de pensar, oler, saborear, palpar y escuchar el lugar donde coloca

posteriormente una huella gráfica. La obsesión por representar las palabras, el humor

o el malhumor del cliente y los ruidos, temperatura o densidad poblacional de la calle,

de la sala de cine, del teatro o del Metro de Caracas se traduce en cientos de páginas

boceteadas a mano para sintetizar todo aquello en un cartel. Es un comunicador visual

y social masivo, ecléctico e impredecible; conectado sólidamente con el ambiente

cotidiano. Arrastra en cada trabajo todo el amor, todo el calor y todo el color de su

país. Lo investiga minuciosamente a manera de un sabueso gráfico. Su propósito es

llegarle al otro; a ese que camina desprevenido y es potencial receptor de un golpe

visual que lo dejará pensando.

La Pequeña Venecia de Pol no es solamente el país laberíntico, desordenado, fértil,

alto-contraste y generoso donde habita. Un territorio palafito edificado sobre las

emociones de sus habitantes. Es además el mapa que a lo largo de cuarenta años de

carrera ha dibujado para ella. La ha visto por debajo y por arriba; también desde

adentro y desde afuera. La ha representado en diversos formatos y le creado una

iconografía a base de objetos imposibles. Cuando habla en sus diseños de otras

culturas lo hace con ese mismo calor, color y amor; eso lo ha convertido en un

venezolano universal. Un artista que salta la barrera del mensaje lingüístico y de la

fecha pautada para llegar a todos, todo el tiempo.

EDWUARD THOMAS

Nacio en Londres, Reino Unido, 3 de marzo de 1878 – Pas-de-Calais, Francia, 9 de

abril de 1917), escritor y poeta anglogalés.

Es considerado por lo general como poeta de la guerra, pese a que pocos entre sus

poemas tratan directamente sobre sus experiencias bélicas. Se alistó en el ejército en

1915, y murió en combate en la Batalla de Arras en 1917, poco después de llegar a

Francia.

En agosto de 1914, la villa de Dymock en Gloucestershire se volvió residencia de una

serie de figuras literarias, incluyendo a Lascelles Abercrombie, Wilfrid Gibson y el poeta

norteamericano Robert Frost. Edward Thomas era entonces un visitante más.

Se alistó en Julio de 1915, a pesar de ser ya un hombre maduro y casado, que podría

haber evitado entrar en filas. Fue promovido a cabo y en noviembre de 1916 fue

encomendado para la Royal Garrison Artillery. Murió en la acción de Arras, el 9 de abril

de 1917, poco después de su llegada a Francia. Devastado por la noticia, su amigo W.

H. Davies escribió "Killed In Action (Edward Thomas)" en homenaje a él.

MARÍA CAROLINA JOSEFINA PACANINS Y NIÑO

Nace el 8 de enero de 1939 en Caracas (Venezuela), en el seno de una

familia de terratenientes. Su infancia

transcurrió feliz, rodeada de lujo,

privilegios y dedicada a sus caballos y

perros. Su madre, María Cristina

Pacanins impartió a Carolina una

educación estricta y disciplinada.

Con 13 años viaja con su abuela a París

donde presencia un desfile del

diseñador español Cristóbal Balenciaga.

Este fue su primer contacto con la alta

costura, y aunque le gustó la experiencia, no pensó dedicarse a la moda. Cinco años más

tarde, contrae

matrimonio con Guillermo Behrens Tello, y se separan ocho años después,

convirtiéndose en la primera mujer divorciada de su familia.

Al poco tiempo, se reencuentra con Reinaldo Herrera, un amigo de la

infancia, con el que se casa en 1968 y tiene cuatro hijas. Sus años de casada

transcurren entre viajes y fiestas, en las que ejerce de perfecta anfitriona en

su mansión del siglo XVI. Durante su estancia en Caracas vivió las legendarias

fiestas de su suegra, Mimi Herrera, amiga de la duquesa de Windsor y Greta

Garbo. Además fue retratada en tres ocasiones por Andy Warhol. A pesar de

vivir en los más alto de la sociedad, Carolina se caracteriza por ser una mujer

sencilla, amante de su familia y una gran ama de casa.

Rica y guapa, Carolina aparecía siempre en las listas de las mujeres más

elegantes del mundo, y su estilo personal fue lo que le animó a diseñar su

propia colección. En septiembre de 1980 Herrera presenta sus primeros 20

diseños, un año más tarde crea su propia compañía y se muda con su familiar a

la capital de la moda, Nueva York.

Al principio las críticas no fueron muy buenas, y todos auguraban a la

diseñadora uno o dos años en el sector. Como se suele decir, el cliente siempre

lleva la razón, y en este caso el público femenino fue admirando poco a poco la

sencillez y la sofisticación de la creadora venezolana. En la actualidad su

nombre es conocido por toda Europa y América. Su amistad con Jackie Kennedy

otorgó prestigio y fama a Carolina, y consiguió convertirse en su diseñadora

exclusiva en los últimos doce años de su vida. Uno de los mayores logros de su

carrera fue la creación del vestido de novia de Carolina Kennedy, la hija mayor

de John Fizgerald Kennedy.

Sus diseños no van dirigidos sólo para la alta sociedad, sino para todas

aquellas mujeres que se sienten identificadas y afines a su estilo. Para la

venezolana, las modas y las tendencias cambian, pero la sofisticación, el lujo y

la elegancia son elementos permanentes e invariables, de los que no se debe

prescindir. Su secreto es vestir conforme a la personalidad y el estilo de vida

de cada uno.

En 1988 Carolina Herrera presenta su primer perfume unisex 212. En

1991, fue galardonada por la asociación norteamericana de 'Diseñadores

Hispanos' con el premio a una década de creación artística. Seis años después,

la Infanta Doña Pilar le hizo entrega de la medalla de oro del 'Spanish Institute

de Nueva York'.

Aunque Carolina es una mujer conocida en todo el mundo por su trabajo como

diseñadora, empezó a ser aún más popular en nuestro país a raíz de la boda de

su hija Carolina Adriana Herrera con el diestro Miguel Baez, 'El Litri', con quien

tiene dos hijos, Olimpia y Miguel.

Reconocimientos

Premio Geoffrey Beene a la Trayectoria Profesional. CFDA. 2008Premio Fernando Bujones

del American Ballet Theatre. New York. 2008

Premio Cardenal James Kickey de Centro Católico Hispano. New York. 2008

Incluida entre los 100 latinos más influyentes del 2007 por la revista People.

Mejor frangancia selectiva (CH) del año 2007. Academia del Perfume. Madrid.

Embajadora de Buena Voluntad de las Naciones Unidas contra la mal nutrición.

Madre del Año 2006. American Cancer Society. New York

Medalla de Oro de las Bellas Artes (2005). España

Fifi Award's Hall de la Fama 2005. The Frangance Foundation's

Mejor diseñadora de Ropa Femenina del Año 2004 en USA. CFDA

Diseñadora Internacional del Año 1999. Revista Telva de España

Medalla de Oro del Spanish Institute de New York.. (1997)

Premio a Una Década de Creación Artística (1992). Asociación de Diseñadores

Hispanos de Estados Unidos.

PAUL WINCHELL

Paul Winchell es más conocido por ser la voz de Tigger en los dibujos animados

de Winnie-the-Pooh y sus actos de ventrílocuo, pero también era un inventor, y

algunos

de sus inventos han beneficiado a la sociedad en gran medida.Winchell fue el primero

en patentar un concepto para un corazón mecánico, artificial.

El diseño fue desarrollar además de la Universidad de Utah y el Dr. Robert

Jarvik implantado el primer corazón artificial permanente y exitosa en un ser humano

en 1982. El dispositivo ha salvado miles de vidas desde entonces. Winchell inventado

máquinas de afeitar desechables que son inmensamente popular en todo el mundo.

Los precursores de los desechables eran la recta y maquinillas de afeitar. Desechables

son mucho más económicos y no necesitan mantenimiento. Winchell añadido

componentes clave (todos los cuales son estándar actual) a sus muñecos de

ventrílocuo, de modo que las muñecas pudiera parpadear, guiñar y criar a sus cejas.

Sus maniquíes, como Jerry Mahoney y Smith Knuckle-cabeza, le ayudó a entretener a

toda una generación y elevado el nivel de ventrílocuos en todas partes.

Winchell creado muchas voces de dibujos animados como amigo Tigger de

Winnie-the-Pooh, Gargamel de Los Pitufos, el gato Simanese en Aristogatos, y Boomer

en The Fox and the Hound. La suya era la voz de los personajes en numerosos otros

espectáculos, así como Los Picapiedra, Los Supersónicos, Scooby-Do y divide la

Banana. Recibía a mucha gente con su voz versátil. Durante su vida de Paul Winchell

fue concedido 30 patentes, las invenciones que incluyen un encendedor sin llama, un

descongelador de plasma sanguíneo portátil, batería guantes con calefacción, una

pluma retráctil y un liguero invisible.

DR. SPENCER SILVER,

Científico de 3M, encontró algo notablemente distinto de lo que estaba buscando

cuando trataba de mejorar los adhesivos de acrilato. Era un adhesivo que se formaba a sí

mismo en pequeñas esferas y no se pegaba con mucha fuerza cuando se aplicaba a los

soportes de cintas. Una vez inventado este adhesivo tan especial, la cuestión que se le

planteaba a Silver era que hacer con él.El producto definitivo fue descubierto por Art Fry,

investigador que había asistido a uno de los seminarios de Silver y estaba intrigado por el

extraño adhesivo. La intensa curiosidad de Fry, su predilección por las soluciones prácticas

y frustración que sentía por el hecho de que el papel separador de páginas cayera

constantemente de su libro de himnos, le hizo descubrir que el adhesivo de Silver podría

servir como separador más fiable e ideo el concepto de Post-it® Notas adhesivas.

En 1978, después de realizar muchos estudios para ver las diferentes reacciones que

causaban los Post-it® Notas, los responsables del producto obtuvieron diferentes éxitos

dependiendo de que tipo de persona los utilizarían. Ellos viajaron a diferentes partes de

Estados Unidos e hicieron un gran esfuerzo en mostrar el producto y darlo a conocer.

Llenaron a los distribuidores de oficina de muestra y fue asombroso demostrar que el 90%

de los consumidores que probaron el producto dijeron que lo comprarían, la dirección de

3M decidió seguir adelante con el lanzamiento del producto… un producto que ha

revolucionado el mundo de la comunicación.

1980: Post-it Notes se lanzaron en EEUU con un enorme éxito, ya que vino a revolucionar

el mundo de la comunicación.

1981: Post-it Notes se introdujeron en Canadá y Europa.

1990: Post-it Notes celebra su décimo aniversario y es reconocido como una de las marcas

TOP de los consumidores de la década.

En el año 2010, 30 años después de su creación, 3M lanza al mercado una versión

mejorada de los clásicos post-it, conocida como Super Sticky, la cualidad especial de estos

nuevos post-it es que se adhieren un poco más fuerte que los anteriores, pero aún sin ser

dañinos para el papel receptor del post-it. Esto es útil, por ejemplo, para adherirlos sobre

superficies más porosas, tales como papel de diario, o papel de menor calidad, en los

cuales el post-it clásico tiene un grado de adherencia menor. Así ofrecen una adhesión

más firme y duradera que en la versión anterior. En el año 2014 se anuncia que la palabra

castellanizada de la marca, pósit, será introducida en la vigésima tercera edición del

Diccionario de la Real Academia Española.

GUILLERMO MARCONI

Nació en Bolonia, 25 de abril de 1874 - Roma, 20 de julio de 1937) fue

un ingeniero eléctrico, empresario e inventor italiano, conocido como uno de los más

destacados impulsores de la radio transmisión a larga distancia, por el establecimiento

de la Ley de Marconi así como por el desarrollo de un sistema de telegrafía sin hilos

(T.S.H.) oradiotelegrafía. Ganó el Premio Nobel de Física en 1909. Fue también uno de

los inventores más reconocidos, y además del Premio Nobel, ganó la Medalla Franklin,

por el Instituto Franklin, fue presidente de la Accademia de Italia y el Rey Víctor Manuel

III de Italialo nombró Marqués, con lo que pasó a recibir el trato de «Ilustrísimo Señor».

Además, está incluido en el Salón de la Fama del Museo de Telecomunicaciones y

Difusión de Chicago, y en su honor se entregan los NAB Marconi Radio Awards, una

premiación realizada anualmente por la Asociación Nacional de Radiodifusión de

los Estados Unidos

Segundo hijo de Giuseppe Marconi, terrateniente italiano, y su esposa de

origen irlandés Annie Jameson, estudió en la Universidad de Bolonia. Fue allí donde

llevó a cabo los primeros experimentos acerca del empleo de ondas

electromagnéticas para la comunicación telegráfica. En 1896 los resultados de estos

experimentos se aplicaron en Gran Bretaña, entre Penarth y Weston, y en 1898 en el

arsenal naval italiano de La Spezia. A petición del gobierno de Francia, en 1899 hizo

una demostración práctica de sus descubrimientos, y estableció comunicaciones

inalámbricas a través del canal de la Mancha, entre Dover y Wimereux. Patentó

la radio, aunque solo en un país y utilizando para su realización catorce patentes

de Nikola Tesla, fechadas el 2 de julio de 1897 en el Reino Unido. En años posteriores

dicha paternidad fue disputada por varias personas. De hecho, otros países, tales como

Francia o Rusia rechazaron reconocer la patente por dicha invención, refiriéndose a las

publicaciones deAlexander Popov publicadas anteriormente. Tesla había inventado un

dispositivo similar al menos quince años antes que él.

En la década de los cuarenta el Tribunal Supremo de los Estados

Unidos dictaminó que la patente relativa a la radio era legítima propiedad de Tesla, y lo

reconoció como inventor legal de ésta, si bien esto no trascendió a la opinión pública, que

sigue considerando a Marconi como su inventor. En todo caso, fue Marconi quien

desarrolló comercialmente la radio. Atraído por la idea de transmitir ondas de radio a

través del Atlántico, marchó a Saint John's (Terranova), donde, el 12 de diciembre de

1901 recibió la letra "S" en Código Morse, transmitida por encargo suyo

desde Poldhu (Cornualles) por uno de sus ayudantes, a través de 3.360 km de océano.

No obstante, la primera comunicación transatlántica completa no se hizo hasta

1907. Reginald Aubrey Fessenden ya había trasmitido la voz humana con ondas de

radio el 23 de diciembre de 1900.

En 1903 estableció en los Estados Unidos la estación WCC, para transmitir

mensajes de este a oeste, en cuya inauguración cruzaron mensajes de salutación el

presidente Theodore Roosevelt y el rey Eduardo VII del Reino Unido. En 1904 llegó a

un acuerdo con la Oficina de Correos británica para la transmisión comercial de

mensajes por radio. Ese mismo año puso en marcha el primer periódico oceánico a

bordo de los buques de la línea Cunard, que recibía las noticias por radio.

Su nombre se volvió mundialmente famoso a consecuencia del papel que tuvo la radio

al salvar cientos de vidas con ocasión de los desastres del Republic (1909) y

del Titanic (1912).

El valor de la radio en la guerra se demostró por primera vez durante la Guerra

Ítalo-Turca de 1911. Con la entrada de Italia en la I Guerra Mundial en 1915, fue

designado responsable de las comunicaciones inalámbricas para todas las fuerzas

armadas, y visitó los Estados Unidos en 1917 como miembro de la delegación italiana.

Tras la guerra pasó varios años trabajando en su yate, Elettra, preparado

como laboratorio, en experimentos relativos a la conducción de onda corta y probando

la transmisión inalámbrica dirigida. Obtuvo, en 1909, el premio Nobel de Física, que

compartió con Karl Ferdinand Braun. Fue nombrado miembro vitalicio del Senado del

Reino de Italia en 1918 y en 1929 recibió el título de marqués. Se cree que Nikola

Tesla rechazó el premio Nobel porque decía precisamente que Marconi había tomado

patentes suyas para hacer su invento, y que hasta que le retirasen el premio a Marconi

él no lo aceptaría. La Radio Vaticana fue fundada por Guillermo Marconi e inaugurada

por Pío XI (con el Mensaje radial Qui arcano Dei) el 12 de Febrero de 1931.

INVENTOS ATRIBUIDOS

La primera patente de la radio, aunque en un solo país y utilizando para su

realización catorce patentes de Nikola Tesla, verdadero inventor de la radio junto

con Julio Cervera, quien la registró el 2 de julio de 1897 en el Reino Unido. Un año

después de la primera transmisión sin hilos, Marconi patentó su invento y los ingleses

concedieron al joven inventor de veintidós años de edad una subvención de 15.000

francos. De ahí en más, el éxito no se hizo esperar. Por pedido del gobierno francés

hizo una demostración práctica de sus descubrimientos en 1899, estableciendo

comunicaciones inalámbricas a través del canal de la Mancha. El 27 de marzo de 1899

consigue el enlace a través del canal de la Mancha, entre Dover (Inglaterra) y

Boulougne (Francia), a una distancia de 48 km, en lo que fue la primera transmisión

entre ambos países. Cabe aclarar que el 21 de junio de 1943 la Corte Suprema de los

Estados Unidos otorgó los derechos de las patentes a Tesla y no a Marconi por la

invención de la radio.

ELDRED GREGORY PECK

Nació en San Diego (California) en medio de la comunidad de La Jolla, hijo de

Gregory Pearl Peck, un farmacéutico de ascendencia armenio-irlandesa, y Bernice Mae

Ayres, de ascendencia escocesa. El padre de Peck era católico y su madre se convirtió

al catolicismo después de casarse. A pesar de esa estricta vida centrada en el

catolicismo, sus padres se divorciaron cuando él era aún muy niño y su infancia

transcurrió en compañía de su abuela, una gran aficionada al cine. De padre

farmacéutico, se propuso estudiar Medicina, pero abandonó la idea en la Universidad

de Berkeley, cuando descubrió su vocación por la interpretación en el grupo de teatro

de la facultad. Fue a actuar y a estudiar interpretación a Nueva York, en la

famosa Neighborhood Playhouse. En 1941 debutó en el teatro, en Broadway, con

obras como The morning star o The Willow and.

Carrerra Cinematogràfica

En 1944 abandonó los escenarios para centrar su carrera en el cine. Su debut

cinematográfico se produjo con Days of Glory (1944), película dirigida por el director

francés Jacques Tourneur, que trabajó en Estados Unidos. Días de gloria es un extraño

y notable film de guerra, y él hace de ruso en medio de rusos (era el momento de

colaboración bélica con la URSS. El éxito le llegó con su segunda película, Las llaves

del reino (1944), del gran director John M. Stahl, por la cual fue nominado al Óscar por

primera vez. En 1945, Alfred Hitchcock le confió el papel protagonista

de Spellbound (conocida como Recuerda en España,Cuéntame tu vida en Argentina),

coprotagonizada por Ingrid Bergman; luego haría con él El proceso Paradine. Y

conmovió a los espectadores en la apasionada y trágica escena final del drama en el

Oeste, Duelo al sol de King Vidor (1947), con Jennifer Jones.

Fue un actor de recursos relativamente limitados en cuanto a su versatilidad,

pero fue sobrio y eficaz, dueño de una sólida prestancia escénica e innegable atractivo

masculino, cuya característica principal era la destacable expresión de su torva mirada

con que remarcaba sus personajes. Intervino en westerns, comedias, películas bélicas,

románticas y costumbristas, etc.Algunos de los títulos de los filmes que interpretó son: La

barrera

invisible (1947), de Elia Kazan; Cielo amarillo (1948), de William A. Wellman; El mundo

en sus manos (1952); Vacaciones en Roma (1953) y Horizontes de grandeza(1958),

ambos de William Wyler; La hora final (1959). Luego rodó La conquista del

Oeste (1962); Matar un ruiseñor(1962), por la que ganó un Óscar; Arabesque (1966); El

oro de Mackenna (1969); Yo vigilo el camino (1970); La profecía (1976); Los niños del

Brasil (1978) y finalmente The Scarlet and the Black (1983). Una de sus más logradas

interpretaciones y quizás la más recordada fue la del intrincado capitán Ahab en Moby

Dick, dirigida por John Huston en 1956. Mantuvo un prolongado estatus como estrella

de Hollywood de los años cuarenta, cincuenta y sesenta, iniciando su declive artístico

en los setenta. Sin embargo, es uno de los pocos mitos clásicos de Hollywood que se

había mantenido en activo hasta finales del siglo XX.

Frederick Austerlitz

Nació el 10 de mayo de 1899 en Omaha, Nebraska. Cuando contaba cuatro

años fue inscrito junto a su hermana Adele en una escuela de danza por su ambiciosa

madre. Con siete años actuó en el vodevil junto a su hermana. Entre 1917 y 1932

fueron pareja de baile muy famosa en Broadway, y participaron en musicales

como Over the top (1917), Lady be good (1925), y Funny face (1927). De Astaire se

dijo que era el actor al que mejor le sentaba el chaqué y que aprendió la bailar antes

que a andar.

Tras el retiro de su hermana de los escenarios, él comenzó su carrera en el cine.

Debutó con Alma de bailarina (1933, de Robert Z. Leonard). En Hollywood obtuvo su

verdadera consagración trabajando con las mejores actrices de la época como Rita

Hayworth o sobre todo, Ginger Rogers, a quien odiaba fuera de la pantalla. Entre sus

películas con la bailarina Ginger Rogers, que comienzan con Volando hacia Río de

Janeiro (1933, de Thornton Freeland), destacan Roberta (1935, de William A.

Seiter), Sombrero de copa (1935, de Mark Sandrich), Ritmo loco (1936, de Mark

Sandrich), y Vuelve a mí (1949, deCharles Walters).

Otras películas en las que trabajó fueron: Easter Parade (1948), con Judy

Garland; Papá piernas largas (1955, de Jean Negulesco) con Leslie Caron; Una cara

con ángel (1957, de Stanley Donen), conAudrey Hepburn; y La bella de Moscú (1957,

de Rouben Mamoulian), con Cyd Charisse. En 1949 le otorgaron un Oscar por su

contribución al cine musical. En 1989 la National Academy of Recording Arts and

Sciences le concedió un Premio Grammy póstumo al trabajo de toda una vida. Astaire

había obtenido también una candidatura al Oscar como mejor actor secundario por su

intervención en El coloso en llamas (1974), de John Guillermin, donde bailó por última

vez -en esta ocasión un vals- ante la pantalla.

En 1957 publicó su autobiografía Steps in time. Se casó con Phyllis Potter en

1933, con quien tuvo dos hijos, Peter y Eva. Potter falleció en 1954. Cuando contaba

80 años de edad se casó nuevamente con la amazona Roby Smith, de 35 años, sin

hacer público ni el lugar ni la fecha exacta del matrimonio. Fred Astaire falleció el 22 de

junio de 1987 de neumonía en Los Angeles, California.

Audrey Hepburn

Nació el 4 de mayo de 1929 en Ixelles (Bélgica). Hija de una aristócrata de origen holandés

y de un banquero británico. Creció y se educó en Holanda. Al finalizar la guerra se traslada

a Londres para convertirse en bailarina y aparecer en algunas películas británicas

interpretando pequeños papeles.

Comenzó su carrera mal, sin pena ni gloria, en una película británica, Risas del paraíso,

dirigida porAlastair Sim en 1951. En el mismo año, Audrey Hepburn conoce en la Costa

Azul a Colette, quien le sugiere que encarne a Gigi en la versión teatral de la novela

prevista en Broadway. Aceptó y consiguió un gran éxito que le abrió las puertas de

Hollywood convirtiéndose en una de las actrices más elegantes de todos los tiempos.

En 1953, le conceden el Oscar por su aparición en Vacaciones en Roma (William Wyler)

película con la que se convirtió en una de las más cotizadas actrices del cine de entonces.

Después trabajó en La calumnia, dirigida otra vez por William Wyler; Sabrina, dirigida por

Billy Wilder; Los que no perdonan, dirigida porJohn Huston; Charada y Dos en la carretera,

dirigidas por Stanley Donen; Desayuno con diamantes, dirigida por Blake Edwards; y My

Fair Lady dirigida por George Cukor. Su trabajo jugó con el sentido de la distancia y la

sofisticación apareciendo sencilla y extraordinariamente atractiva en la pantalla.

En 1954 Hepburn se casó con Mel Ferrer, quien en ocasiones fue su productor. Se

divorciaron en 1968 y un año después se casa con el médico Andrea Dotti (se divorciarían

en 1982). Se retiró del cine para ocuparse de sus dos hijos pero regresa en 1976 para

actuar en "Robin y Marian". Fue embajadora especial de la UNICEF. Audrey epburn falleció

víctima de un cáncer de colon el 20 de enero de 1993 en Tolochenaz Suiza.

Premios

Óscar

1953 — Vacaciones en Roma — Mejor actriz — Ganadora

1954 — Sabrina — Mejor actriz — Candidata

1959 — Historia de una monja — Mejor actriz — Candidata

1961 — Breakfast at Tiffany's — Mejor actriz — Candidata

1968 — Wait Until Dark — Mejor actriz — Candidata

1992 — Premio Humanitario Jean Hersholt — — Ganadora

Globos de Oro

1954 — Vacaciones en Roma — Mejor actriz - Drama — Ganadora

1955 — Henrietta Award — Actriz favorita del mundo — Ganadora

1957 — Guerra y paz — Mejor actriz - Drama — Candidata

1958 — Ariane — Mejor actriz - Comedia — Candidata

1960 — Historia de una monja — Mejor actriz - Drama — Candidata

1962 — Breakfast at Tiffany's — Mejor actriz - Comedia — Candidata

1964 — Charada — Mejor actriz - Comedia — Candidata

1965 — My Fair Lady — Mejor actriz - Comedia — Candidata

1968 — Dos en la carretera — Mejor actriz - Comedia — Candidata

1968 — Sola en la oscuridad — Mejor actriz - Drama — Candidata

1990 — Cecil B. DeMille Award — — Ganadora

Festival Internacional de Cine de San Sebastián

Historia de una monja — Mejor actriz — Ganadora

Filmografía

1989 Always

1989 Kill Me Again

1981 They All Laughed

1979 Bloodline

1976 Robin and Marian

1967 Wait Until Dark1967 Two for the Road

1966 How to Steal a Million

1964 My Fair Lady

1964 Paris When It Sizzles

1963 Charade

1961 Breakfast at Tiffany's

1961 The Children's Hour

1960 The Unforgiven

1959 The Nun's Story

1959 Green Mansions

1957 Love in the Afternoon

1957 Funny Face

1956 War and Peace

1954 Sabrina

1954 Young Wives' Tale

1953 Monte, Carlo Baby

1953 Roman Holiday

1952 Secret People

1951 The Lavender Hill Mob

1951 Laughter in Paradise

1951 Nous Irons a Monte Carlo

1951 One Wild Oat

Ingrid Bergman

Nacio en Estocolmo, 1915 - Londres, 1982. Actriz sueca. Huérfana de madre a

los dos años y de padre cuando sólo había cumplido los doce, Ingrid Bergman pasó

gran parte de su infancia y adolescencia bajo los atentos cuidados de un tío suyo. A los

dieciocho años se graduó en el instituto y, para entonces, la tímida y solitaria Ingrid

había ya decidido ser actriz. Un año antes, en 1932, había participado sin acreditar en

una película, Landskamp, hoy perdida. En 1933 consiguió ser admitida en el Swedish

Royal Theatre, pero no soñaba precisamente con ser actriz de teatro; quería ser actriz

de cine y lo intentaba denodadamente, presentándose a multitud de pruebas.

Por fin, consiguió debutar en El conde del Puente del Monje (1935), de Edvin

Adolphson y Sigurd Wallen, un filme que se rodó en 1934. No era Ingrid todavía esa

belleza que, algunos años después, asombró al mundo, pero en su rostro empezaban a

dibujarse ya algunos de los rasgos más hermosos, que, tras unas pocas películas y

alguna que otra dieta de adelgazamiento, asomaron en la primera versión

deIntermezzo (1936), de Gustav Molander, un melodrama romántico que supuso un

acontecimiento en su época y un gran triunfo para el emergente cine sueco, para su

director, para su divo (Costa Ekman) y, sobre todo, para Ingrid Bergman, a quien le

llovieron múltiples ofertas desde Hollywood.

Fue el arrollador productor (todavía no independiente) David O. Selznick quien,

después de ver el filme, envió un emisario de la Metro Goldwyn Mayer a comprar los

derechos de la historia, con un largo contrato para Miss Bergman. Recién casada con

su primer marido, el doctor Peter Lindstrom, con el que tuvo una hija, Friedel Pia, Ingrid

Bergman llegó en mayo de 1939 a Estados Unidos para realizar la segunda versión

de Intermezzo (1939), de Gregory Ratoff. Ingrid era una estrella en Suecia y exigió al

productor Selznick que no se cambiara su nombre ni su imagen, algo a lo que estaban

abocadas las actrices europeas que llegaban a Hollywood.

El enorme triunfo del filme le dio la razón. Intermezzomarcó a toda una

generación de jóvenes románticas sumidas en la ambigüedad del sacrificio final, que

parece artificial, sin hacer olvidar los momentos de felicidad aportados por la culpable

pasión; curiosamente, el pueblo americano fue mucho menos indulgente cuando,

algunos años más tarde, Ingrid Bergman abandonó a su marido por Rossellini. El

mismo año de 1939, Ingrid Bergman volvió a Suecia para cumplir su contrato; allí

realizó un par de filmes de poca trascendencia. De vuelta a Hollywood, comenzó a

forjarse su descomunal prestigio, aunque, no a mayor gloria de Selznick, que la prestó

a otros estudios. Harta de personajes buenos, insistió en interpretar a la prostituta Ivy

Patterson, en vez del papel que le habían asignado, en El extraño caso del Dr.

Jekyll (1941), de Victor Fleming; una mujer coqueta y fácil y, después, martirizada y

aterrorizada por el magnífico Mr. Hyde de Spencer Tracy.

En sus últimos años su carrera teatral le dio más satisfacciones que la

cinematográfica (interpretó desde la escandalosa Té y Simpatía, en París, hasta

prestigiosas piezas de Henrik Ibsen y Eugene O'Neill), aunque antes, en 1974, había

ganado su tercer Oscar, esta vez como actriz secundaria, por su interpretación de la

vieja misionera Greta Ohlsson, en la multiestelar adaptación de la obra de Agatha

Christie Asesinato en el Orient Express (1974), de Sidney Lumet. A finales de los

setenta se le diagnosticó un cáncer que no la apartó de su labor interpretativa. Apareció

con la cara demacrada en Sonata de Otoño (1978), deIngmar Bergman, su último

trabajo en el cine; no tuvo tiempo de recoger el Emmy por su interpretación de la

Primera Ministra israelí Golda Meir en el filme televisivo A Woman Called Golda (1982).

Murió la noche de su sesenta y siete aniversario, después de una pequeña fiesta de

cumpleaños ofrecida por unos pocos amigos. Fue, sin ninguna duda, la cara más dulce,

bella y encantadora que el dorado Hollywood de los cuarenta tuvo el honor de glorificar.

JOHAN FRIEDRICH MIESCHER

Nacio en Basilea, 13 de agosto de 1844 fue un biólogo y médico suizo. Aisló

varias moléculas ricas en fosfatos, a las cuales llamó nucleínas (actualmente ácidos

nucleicos), a partir del núcleo de los glóbulos blancos en 1869, y así preparó el camino

para su identificación como los portadores de la información hereditaria, elADN.

Este descubrimiento, que se publicó por primera vez en 1871, al principio no pareció

relevante, hasta que Albrecht Kossel hizo sus primeras investigaciones en su estructura

química. El trabajo se realizó en el laboratorio de Felix Hoppe-Seyler, en el castillo

de Tuebingen.

También demostró que la regulación de la respiración depende de la concentración

de dióxido de carbono en la sangre. En 1872 se hizo profesor en la Universidad de

Basilea.

Sufría de tuberculosis durante la década de 1890 y falleció a los 51 años, en Davos,

el 26 de agosto de 1895.

LEXANDER FLEMING

nació el 6 de agosto de 1881 en Lochfield, Gran Bretaña. A los veinte años, la

herencia de un pequeño legado le llevó a estudiar medicina. Obtuvo una beca para el

St. Mary's Hospital Medical School de Paddington, institución con la que, en 1901, inició

una relación que había de durar toda su vida. En 1906 entró a formar parte del equipo

del bacteriólogo sir Almroth Wright, con quien estuvo asociado durante cuarenta años.

En 1908 se licenció, obteniendo la medalla de oro de la Universidad de Londres.

Nombrado profesor de bacteriología, en 1928 pasó a ser catedrático, retirándose como

emérito en 1948, aunque ocupó hasta 1954 la dirección del Wright-Fleming Institute of

Microbiology, fundado en su honor y en el de su antiguo maestro y colega.

Fue un científico famoso por descubrir la enzima antimicrobiana

llamada lisozima. También fue el primero en observar los efectos antibióticos de

la penicilina obtenidos a partir del hongo Penicillium chrysogenum.

El descubrimiento de la penicilina, una de las más importantes adquisiciones de la

terapéutica moderna, tuvo su origen en una observación fortuita. En septiembre de

1928, Fleming, durante un estudio sobre las mutaciones de determinadas colonias de

estafilococos, comprobó que uno de los cultivos había sido accidentalmente

contaminado por un microorganismo procedente del aire exterior, un hongo

posteriormente identificado como el Penicillium notatum. Su meticulosidad le llevó a

observar el comportamiento del cultivo, comprobando que alrededor de la zona inicial

de contaminación, los estafilococos se habían hecho transparentes, fenómeno que

Fleming interpretó correctamente como efecto de una substancia antibacteriana

segregada por el hongo.

Antonio Santi Giuseppe Meucci

Florencia, 13 de abril de 1808 - Nueva York, 18 de octubre de 1889) fue el inventor

del teletrófono, posteriormente bautizado como teléfono, entre otras innovaciones

técnicas. Desarrolló un teléfono neumático (precursor de su teletrófono) que hoy

todavía se utiliza en el Teatro della Pergola de Florencia y que luego perfeccionó en el

teatro Tacón de La Habana. Creó un nuevo sistema de galvanizado, un sistema de

filtros para la depuración del agua e introdujo el uso de la parafina en la fabricación

de velas. También desarrolló un sistema de electroshocksterapeúticos que

administraba en La Habana. El gobierno de Italia lo honra con el título de Inventore

ufficiale del telefono.

BETTE NESMITH GRAHAM

Nacio el 23 de marzo de 1924 , murió el 12 de mayo de 1980) fue una mecanógrafa y

artista comercial estadounidense, inventora del corrector LiquidPaper y madre del músico

y compositor Michael Nesmith, integrante del grupo TheMonkees.

CHARLES CHAPLIN

Nació el 16 de abril de 1889 en Londres, en el seno de una familia de artistas de

variedades. En 1913 debutó en el cine, en las películas de la Keystone,

de MackSennett. En Carreras de autos para niños (o Carreras sofocantes, 1914) actuó

por primera vez como el personaje del vagabundo Charlot, con unos anchísimos

pantalones, enormes zapatos, bombín y bastón de bambú, papel que interpretaría

luego en más de 60 películas, incluida El vagabundo (o Charlot vagabundo, en 1915).

Ese mismo año se asoció con la compañía Essanay, después con la Mutual y con

la FirstNational, hasta tener sus propios estudios enHollywood en 1918.

Sus películas más destacadas son: El chico (1921), El peregrino (1924), La quimera del

oro (1925), El circo (1928), Luces de la ciudad (1931) y Tiempos modernos (1936),

todas ellas récords sucesivos de taquilla. A éstas siguieron El gran

dictador (1940), Monsieur Verdoux (1947), donde aparece por última vez su personaje de

Charlot, Candilejas (1952) y Un rey en Nueva York (1957). Aparte dirigió, sin

protagonizarlas, Una mujer de París (1923) y La condesa de Hong Kong (1966), donde

hace un pequeño papel. También compuso la música de la mayoría de sus películas.

En 1919 creó, con Douglas Fairbanks, Mary Pickford y D.W.

Griffith la UnitedArtistsCorporation, en la que participaría hasta el año 1952. Escribió

dos libros Mi autobiografía (1964) y Mi vida en el cine(1975). A finales de la década de

1940 y principios de la de 1950, Chaplin fue perseguido por el Comité de Actividades

Antiamericanas, por su pensamiento político de izquierdas; dejó los Estados Unidos en

1952 para comenzar a vivir en Suiza. En 1972 volvió por un breve periodo de tiempo

para recibir varios premios, entre ellos un Oscar honorífico por sus contribuciones a la

cinematografía. Chaplin fue nombrado Sir en 1975 a la edad de 85 años por la

reina Isabel II.

NO-DOMAIN

Comandado por el diseñador gráfico y director creativo Joaquín Urbina, No-Domain es

un estudio de diseño audiovisual fundado en Barcelona en 2002 que siempre

sorprende en cada uno de su trabajos por la gran dosis de creatividad y la belleza

poética de sus piezas. A ello contribuye su fuente de inspiración, que abarca la danza,

el cine, la pintura… el mundo artístico en general, pero también un chiste, una peli, un

color, o simplemente una imagen. Recién aterrizado desde Berlín, donde ha estado

ultimando su último proyecto, Joaquín Urbina atiende a las preguntas de nuestro

Fotomatón.