Arte para salvar a México No.12

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Director Creativo:Editor en Jefe:

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Krmn ContrerasJaime Cuanalo

Yo Merito!Martha SotoDominik Daoust

Gerardo NavarroAlexandro GuerreroCupido ClonadoTania CamposAndrea Villalvazo Edgard Gamboa Jorge Marme Iván MorenoAzucena Castañon

Krmn Contreras

CARTA DEL EDITORQueridos Lectores:

Con esta la edición número 12 de nuestra revista ‘Arte Para Salvar a México’, todos los miembros de editorial de Zona Límite, queremos darte las gracias por acompañarnos en esta primera parte de nuestra maravillosa jornada.

También queremos marcar con especial énfasis el 10º aniver-sario de la Escuela Superior de Artes Visuales, institución de la cual nace nuestra editorial y cuyos programas académicos y de investigación son la principal fuente de la que abreva esta pub-licación.

Con el número 12 simbolizamos el cierre de un primer ciclo y el inicio de otro. Más colaboradores en más ciudades, más temas y, esperamos también, mayor madurez, son nuestro compromiso contigo para los próximos 12. La adición de nuestros amigos de ‘LOFT’ al comité editorial traerá una perspectiva fresca so-bre el teatro, reflejando la instauración de los nuevos programas de licenciatura en el área escénica en la ESAV. Personalmente agradezco a nuestros colaboradores más constantes: Alexandro Guerrero, Gerardo Navarro, Martha Soto, Tania Campos Thom-as y Yonathan Pérez. Y a todos nuestros colaboradores, gracias.

Me despido hasta la próxima edición, no sin antes invitarte a que nos dejes saber tu opinión sobre nuestra publicación en general, así como sobre los contenidos y autores específicos de tu interés. Para ese efecto inauguramos a partir de este número el correo [email protected] que está a tu entera disposición.

With this number 12 edition of our magazine ‘Art to Save Mexico’, all staff members of Zona Limite’s editorial want to thank you for ridding along in this wonderful first part of our journey.

We also want to emphasize the 10th anniversary of the School of Higher Studies on the Visual Arts (ESAV), our parent institu-tion and whose academic and research programs are the main sources for our publications.

With number 12 we symbolize the closing of a chapter and the beginning of a new one. More collaborators in more cities, more topics and, we hope, more maturity, are our commitment you for the next 12. The addition of our friends from ‘LOFT’ to the editorial committee brings a fresh perspective about Theatre that reflects the new Bachelors in scenic arts programs at ESAV. I personally thank our most constant collaborators: Alexandro Guerrero, Gerardo Navarro, Martha Soto, Tania Campos Thom-as and Yonathan Perez. I thank all our collaborators.

I bid you farewell until our next edition, not without inviting you first to let us know your opinion about our publication in general, as well as about specific contents or authors of your interest. To that end we put, starting this number, the address [email protected] at your service.

C O N T E N I D O

Portada: Imagen de fondo “ESAV 10 años[

01 Arte para Salvar a México: 10 Años de re-evolucionar el arte en Tijuana-10 years of art re-evolution in Tijuana07 ALDO GUERRA: ARTISTA VISUAL ARTIST12 El Taller De Cerámica “Canela” De Clau-dio López-Claudio Lopez’ ‘Cinnamon’ Ceram-ics Workshop16 Reflexión de una mente creativa-Thoughts of a creative mind

19 Crítica Museográfica de:ARTE Y POLÍTICA

Museographic Criticism of: Art and Politics

23 “I live in Tijuana”27 CENA ENTRE AMIGAS. ( Aki Va! R&B)31 Entrevista exclusiva con las protagonis-tas del filme cubano “Habana Station”

37 “SINESTESIA” FISI-OLOGÍA DEL ARTE GOURMET39 GÓTICO, NEOGÓTICO, TRANSGÓTICO Parte 1-2

43 Carlos Montemayor: A la memoria / In Memoriam

47 Destellos de MAR

51Gastronomía SOBREMESA / EL POTRERO / MISION 19 /SOSPESO

h t t p : / / w w w . k r m n c o n t r e r a s . c o m

Por: JJ Cuanalo

http://www.colectivouan.com

1+ Arte para Salvar a México

¿En 1985, siendo un joven de 18 años, hijo de dos abogados en una ciudad pequeña y prospera llamada Ensenada, en el estado de Baja California, marché a la ciudad de México, D. F., donde me inscribí en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM, antes llamada Academia de San Carlos. Una de las razones para hacer esto fue que en mi nativa Baja California no existía una licenciatura en artes en ninguno de los municipios.

Una vez inscrito en la escuela y enfrentando una serie de retos y situaciones difíciles, como muchos aspirantes a artistas en-frentan, comencé a estudiar historia del arte y estética. Pronto sentí que había un fuerte desacuerdo entre lo que me estaban enseñando en estas dos materias. Por una parte, en la materia de historia, leía las biografías de muchos grandes artistas del pasado y me enteraba de cómo muchos de ellos sufrieron tanto o más que yo; muchos enfrentaron no sólo el hambre o el rechazo, sino incluso el exilio, la cárcel y la persecución simplemente porque se negaban a dejar de hacer arte o a cambiar el arte por el diseño o la propaganda política.

Por otra parte, en la materia de estética, leía a autores que, sin ser artistas la buena mayoría de ellos, me decían que el arte es una actividad producto del ocio, cuyo valor radica en su inutilidad y que, además, es imposible de definir porque puede ser cualquier cosa. Me vino a la mente una pregunta, ¿porqué tantos artistas a lo largo de la historia han estado dispuestos a hacer todo tipo de sacrificios y por qué la historia nos muestra que el arte ha estado presente en absolutamente todas las sociedades humanas de to-dos los lugares y tiempos desde el principio de la humanidad? Si en realidad se trata de algo que puede ser cualquier cosa, no sirve para nada y es simplemente una forma de ocupar el tiempo libre… suena extraño, ¿no?

Por si esto fuera poco, además de no poder darme respuestas sobre el arte en teoría, aparentemente tampoco podían dárme-las sobre el arte en la práctica. Por ejemplo, ¿Cómo saben los ‘expertos’ lo que una obra de arte quiere decir? ¿Cómo pueden decidir cual obra es mejor que otra? ¿En verdad cada persona ve algo diferente en una obra de arte? ¿Es eso efecto de una ilu-

sión óptica… de esquizofrenia colectiva? A mí siempre me han causado desconfianza y rechazo los saberes ‘herméticos’, me molesta muchísimo cuando alguien me dice que ve algo que yo no puedo ver, que sabe algo que es imposible explicarme o que yo lo entienda. Ver a un supuesto ‘experto’ que observa larga y concienzudamente un plano amarillo, un escusado u otro objeto común cualquiera, siempre me provoca una molestia profunda; qué se supone que le ven que yo no pueda ver.

In 1985, being an 18 year old youngster, son of two lawyers from a small and prosperous town called Ensenada in the state of Baja California, I left home for Mexico City, where I enrolled in the National School of Fine Arts from UNAM, previ-ously called Academia de San Carlos. One of the reasons to do this was that there were no university degrees in arts in any of the cities of my native Baja California.

Once enrolled into the school and facing a series of challenges and hardship, as many aspiring artists do, I began to study art history and aesthetics. Soon I felt that there was a strong dis-agreement between what I was being taught in these two sub-ject courses. In the one hand, in Art History, I was reading the biographies of many a great artist from the past and finding out how they suffered as much or more than me; many faced not just hunger or rejection, but exile, jail and persecution simply be-cause they refused to stop making art or changing art for design or political propaganda.

On the other hand, in Aesthetics, I was reading author who, without being themselves artists in most cases, told me that art is an activity product of idleness, whose value lies precisely on being useless and that, on top of that, it is impossible to define because it can be anything. A question came to my mind, why so many artists throughout history have been willing to make all kinds of sacrifices and why does history show us that art has been present in absolutely all human societies from every place and time since the dawn of humanity? If it is true that we are talking about something that can be anything, is useless and is just a way of using your free time… seems strange, doesn’t it?

10 Años de re-evolucionar el arte en Tijuana 10 years of art re-evolution in Tijuana

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s.comOn top of it all, besides being unable to give me answers about art in theory

the apparently were unable to give many answers about art in practice ei-ther. For example, how do ‘experts’ know what a work of art means? How can they decide which piece is better than other? Is it true that every person sees a different thing in a work of art? Is that a product of an optical illu-sion… or collective schizophrenia? I have always have a strong rejection for ‘hermetic’ knowledge, it bothers me a lot when someone tells me that they can see something I can’t, that they know something that is impossible to explain to me or for me to understand. To see a so-called ‘expert’ taking a long and thorough look at a yellow surface, a toilet or any other com-mon object, always upsets me deeply; what are they supposed to see that I couldn’t?


¿Además, cuando salí de la escuela, me di cuenta de que me habían preparado para hacer cuadros, fotos, esculturas, grabados y otra serie de cosas más, pero en realidad no tenía idea de cómo ponerle precio a mi trabajo, de cómo preparar un paquete para enviarlo a un concurso, de cómo aproximarme a una galería comercial, organizar mi tiempo y mi presupuesto, armar mi portafolio profesional ni un montón de otras cosas que, si bien no eran directamente hacer arte, si eran necesarias para poder vivir de mi flamante educación universitaria en artes visu-ales. Decidí visitar otras escuelas de arte en diferentes países del mundo y ver si en ellas se hacían mejor las cosas.

Por circunstancias diversas, a veces bajo mi control y la may-oría de las veces como simple reacción a las consecuencias que se me iban presentando, viaje por Japón, por Francia, España, USA y otros países, algunos más de una vez; en cada uno de los lugares de México y del extranjero que visitaba procuraba acercarme a las escuelas de arte y tratar de averiguar qué es lo que enseñaban, cómo y para qué. Una gran sorpresa fue que, bajo el clima postmoderno preponderante de la época, muchas de las escuelas tenían una ideología que incluía la noción de que en el arte de hoy la técnica ya no es importante, por lo que solían tener talleres (en algunos países magníficamente equipa-dos) en los que la gente casi no producía y lo que se producía no implicaba mayor destreza ni calidad técnicas. Si la técnica

no era importante, me costaba trabajo entender porque todavía tenían esos talleres como parte de su programa de estudios.

Por otra parte, muchas de estas escuelas tenían una aproximación postmoderna a la teoría; esto es, proclamaban una postura in-cluyente en la que “cada quién tiene su propia verdad”. Bajo este esquema parecía absurdo también el tener clases en las cuales se implementara la discusión teórica si, al final de cuentas, todo el mundo tiene razón y todas las opiniones son válidas. Así que, si era igualmente válida la opinión de cualquier persona, con o sin educación formal en la profesión artística, para que perder el tiempo yendo a la escuela a clases de corte teórico, bastaba opinar y ya.

Sin embargo, en la vida real, la buena mayoría de estas escuelas, por no decir todas, no eran tan incluyentes como proclama-ban pues, aunque decían respetar todos los puntos de vista, en realidad excluían a todo el que no comulgara con el discurso dominante en su institución bajo el truco de decir: “No discuti-mos tu derecho a opinar lo que quieras, pero si no opinas como nosotros, simplemente no tenemos interés en dialogar conti-go…” Lo que en términos reales significa que cualquier opin-ión disidente es vilipendiada, tachada de ingenua, provincial, dictatorial o cualquier otro adjetivo igualmente descalificador.

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Besides, as I finished school, I realized that I have been pre-pared to make paintings, photos, sculptures, etchings and many other things, but I didn’t have a clear idea of how to price my work, how to put together a package for a contest, approach a commercial gal-lery, organize my time and budget, put together a portfolio of my work and professional trajectory nor a bunch of other stuff that, even though they are not directly art, were very necessary form me to live of my brand-new Bachelor in Arts degree. So I decided to visit other art school around the world and find out if they were doing it any better.

For different circumstances, some under my control and most as simple reaction to events as they presented themselves to me, I traveled to Ja-pan, France, Spain, USA and other countries, to some more than once; in each of the places in Mexico and abroad that I visited I tried to get close to the art schools and tried to find out what is it that they taught, how and what for. A big surprise to me was that, under the prepon-derantly postmodern climate of the time, most schools subscribed an ideology that included the notion that technique is no longer important in today’s art world, so they would usually have workshops (in some countries magnificently equipped) in which people produced nearly nothing and what was being produced didn’t implicate any major dex-terity nor technical quality. If technique was not important, I found it really hard to understand why did they still have those workshops as part of their curricula.

On a different note, many of these schools had a postmodern approach to theory; that is, they proclaimed an inclusive position in which ‘to each their own truth’. Under this scheme it seemed absurd to also have

classes in which to implement theoretical discussion if, at the end, ev-erybody was right and all opinions were equally valid. So that, if any person’s opinion was equally valid with or without formal artistic edu-cation, why bother loosing time going to school to attend theoretical classes, when just having any opinion was already good enough.

Nevertheless, in real life, most of these schools, not to say all of them, were not as inclusive as they claimed to be because, even thou they insisted that they respected all points of view, in reality they excluded everybody who did not made communion with whatever discourse was mainstream at their institution under the guise of saying: “I don’t argue your right to have whatever opinion you want but, if you do not think like us, we simply have no interest on talking to you…” Which in real terms meant that any dissident opinion is persecuted, called naïve, pro-vincial, dictatorial or any other equally disqualifying adjective.

Aparentemente las escuelas de la postmodernidad habían dado un giro de 180º y, dando la espalda a todos los avances de la modernidad, habían regresado al esquema aca-démico, sólo que disfrazado por el uso del dogma en el discurso en lugar de en el estilo y la técnica. Ciertamente ‘La Academia’ contra la que se rebelaron los modernistas en el siglo XIX se car-acterizaba por pretender que los nuevos artistas debían hacer las cosas a la manera de los artistas del pasado o de los artistas vivos que tuvieran reconocimiento por las instituciones oficiales, sin otra razón para hacerlo así que precisamente el ‘prestigio’ de los artistas de referencia.

En la nueva academia de finales del siglo XX, se trataba de lo mismo, con la diferencia de que los autores del pasado a quien se tenía que imitar ya no eran los del Renacimiento, sino los Dadá y los ‘conceptuales’, mientras que todavía se tomaba por modelo cualquier cosa que hiciera un artista o teórico contemporáneo, basándose solamente en su prestigio y sin tener ningún argu-mento factual o de causa-efecto como es el caso en la ciencia.

Como pueden imaginar este estado de las cosas me parecía lam-entable y también me parecía que había una necesidad urgente de implementar otro tipo de educación artística, que enseñara solamente las cosas que considerara relevantes, que le diera a los estudiantes respuestas concretas a sus preguntas naturales, que los preparara para ejercer su profesión dignamente, pero sobre todo que se basara en un estudio científico del arte donde la re-spuesta a las preguntas no fuera, como en el caso de la academia, “porque yo lo digo y yo tengo más prestigio que tú”. Fue así como fue surgiendo en mi mente un proyecto, tomar todos esos años de mi investigación sobre arte y sobre educación artística y aplicarlos al diseño de un nuevo tipo de escuela de arte, una que tomara lo mejor de todas las que había visitado, que resolviera los problemas y contradicciones que esas tenían y que incluyera todas esas cosas que me habían hecho falta al salir de la escuela.

Mientras tanto venía escuchando en mis viajes algo que me sor-prendía: “Tijuana = arte”, lo escuche en Tokio, en París y hasta en el D.F. Hay arte en Tijuana, en Tijuana están sucediendo cosas interesantes en el terreno del arte. Esto me sorprendía porque, como recordarán, cuando salí de Ensenada años antes fue, pre-cisamente, porque por estos rumbos no había escuela de artes, en realidad no había prácticamente nada de arte, ni galerías, ni concursos, ni nada de lo que un chico común y corriente como yo se fuera a enterar. Apenas si la Casa de la Cultura, que tenía poco de inaugurada, y cualquier concierto, obra de teatro, o cu-alquier otro evento de corte cultural que llegara a Ensenada o a la vecina Tijuana era noticia y motivo de hacer planes, por lo raro y escaso de su ocurrencia.

Así que por fin, en 1999, regresé a mi querido México y, me-jor aun a Baja California, con la misión de averiguar si los rumores sobre el arte en la región tenían algún fundamento y, de ser así, intentar construir en Tijuana la nueva escuela del arte, la que debería cambiar la faz del arte en el mundo y ser oportunidad para una nueva era que rompiera el cerco del postmodernismo que nos amenazaba con repeticiones infinitas del arte, por el resto de la eternidad. Todo fue volver y enam-

orarme; Tijuana era de verdad un semillero de talentos y, al mismo tiempo, un campo virgen, donde las instituciones oficia-les del arte aun no se habían anquilosado tanto como en otros lugares del mundo que visité. Quizás de verdad Tijuana repre-sentaba una oportunidad, un lugar donde la resistencia al pro-greso del arte fuera menos fuerte y entonces pudiera vencerse…

Apparently postmodern schools had taken a 180º turn and, turning their back on all the conquests of modernity, they had gone back to the Academy, only this time disguised by the use of the ‘Dis-course Dogma’ instead of the style and technique dogmas. Certainly ‘The Academy’ which the modern artists of the XIX century rebelled against was characterized by pretending that aspiring new artists had to do things the way artists of the past did, or the way living artists with official institutional recognition did, with no other reason to do so than the ‘prestige’ of the artists of reference.

In the new academy at the end of the XXth century, it was about the same, with the difference that the artist of the past to be imitated were no longer those from the Renaissance, but rather Dada and ‘Conceptual’ artist, while they still took as a model anything done by a contemporary artist or theoretician, based only on their level of recognition and with-out having any actually factual or cause-effect argument as is the case in science.

You can imagine how this state of affairs seemed so sad to me and how it also seemed to me that there was an urgent need for a different kind of artistic education, that taught only thing that it considered relevant, that gave the students concrete answers to their natural questions, that prepared them to pursue their trade with dignity; but above all, that was based on a scientific study of art, where the answer to questions wasn’t as in the Academy: “Because I say so and I have more prestige than you”. It was thus that in my mind a project gradually emerged, to take all those years of my research on art and art-education and apply them to the design of a new kind of art school, one that took the best of all the ones I visited, that solved the problems and contradictions that they had and included all the things I felt I missed as I finished school.

In the mean while, I had been hearing something along my travels that surprised me: “Tijuana = art”, I heard it in Tokyo, in Paris and even in Mexico City. There is art in Tijuana, there are interesting things going on in Tijuana’s art. This surprised me because, as you might remember, when I left Ensenada years before, it was precisely because on our neck of the woods there was no art school, actually there was practically no art, no galleries, no contests, nothing that a regular home boy like me would hear about. Barely the recently inaugurated House of Culture, and any concerts, plays or cultural events that reached Ensenada or the nearby Tijuana made the news and was a reason to make plans, being so rare in their occurrence.

So finally, in 1999, I returned to my beloved Mexico and better yet to Baja California with the mission to find out whether the rumors about art in the region had anything to them and, being so, to try to build in Tijuana the new school of art, that which should change the face of art in the world and be the opportunity of a new era that broke free from the postmodern siege that threatened us with infinite repetitions in art, for all eternity. It was all just coming back and falling right back in love; Tijuana was truly a seeding ground of talent and, at the same time, still virgin whereas official art institutions had not yet petrified as much as in other places of the world that I visited. Maybe it was true that Tijuana represented an opportunity, a place where resistance to the progress of art was less strong and it could be overcome…


Decidí intentarlo y quemé mis naves. Para otoño de 2001 me encontraba agotado y maltrecho gracias a una fuerte dosis de realidad. La comunidad artística que, al principio se hizo eco del proyecto, que llevaba 20 años pidiendo al gobierno una licenciatura en artes y que se ofreció en muchas ocasiones y en voz muy alta para ayudar en la construcción de esta escuela, en cuanto se dieron cuenta de que la forma en que pretendía hacerla no representaba cómodos empleos burocráticos con un sueldo seguro, sino una inversión de tiempo, esfuerzo y dinero de nuestros bolsillos, rápidamente le dio la espalda al proyecto. “Es imposible hacerlo sin el apoyo del gobierno –decían –ese proyecto va a fracasar en pocas semanas o meses.”

El gobierno en sus tres niveles: Municipal, Estatal y Federal, tampoco fue de mucha ayuda. El gobierno municipal de aquel entonces solamente estaba interesado en cursitos informales y espectáculos de bajo presupuesto (e igual calidad) para presentar en las colonias populares. El gobierno estatal solamente quería tener casas de la cultura, como las del municipio, pero con más presupuesto y con nombres rimbombantes como: “Centro de las Artes” o algo parecido. El gobierno federal, por su parte, no tenía mayor interés en Tijuana, en Baja California, o en el No-roeste del país para el caso. Según ellos, ya habían cumplido con nosotros, nos dieron una casota de la cultura (CECUT) y presupuesto al gobierno del estado para hacer su propia casa de la cultura (Centro de las Artes): “Tijuana no da para más, en Baja California no hay la gente como para una licenciatura, a lo más para unos cursitos o pláticas que les mandemos de acá, con eso tienen ustedes…”, fue la respuesta verbal del entonces respon-sable de ‘Apoyo a Proyectos Ciudadanos para el Noroeste’ en las oficinas centrales de CONACULTA en el D.F.

Aun así, mi esposa Martha Soto y yo decidimos seguir adelante; reclutamos el apoyo de mi madre, la abogada y poeta Cristina Cuanalo, para que nos ayudara con los trámites para constituir una asociación civil y para obtener el reconocimiento de vali-dez oficial de estudios, pues ella tenía alguna experiencia en ese campo por su labor como maestra en preparatoria y universidad. En enero de 2001 presentamos la solicitud de Reconocimiento de Validez Oficial de Estudios, trámite que, por ley, no debe tar-dar más de 6 meses y en cual la autoridad tiene por ley sola-mente dos funciones, verificar la estructura formal del programa (cantidad total de créditos, requerimientos de formación de los docentes, etc.) y garantizar la transparencia y verificabilidad de los registros de calificaciones y expedición de documentos que acreditan la formación profesional.

Pero parecía que el gobierno no solamente no iba a ayudarnos, sino que estaba dispuesto a obstaculizar el proceso. Lo primero que nos dijeron fue: “Ustedes son una escuela privada, tienen que manejarse como un negocio y no ofrecer carreras como artes, sino carreras que tengan demanda como computación o algo así…” Después de eso vino el problema de que nuestro plan de estudios era original, ellos preferían que copiáramos el mod-elo de la UNAM o de alguna otra escuela reconocida. La lista de requisitos y modificaciones intrascendentes y sin fundamento legal que se nos pidió en forma verbal en innumerables viajes a Mexicali parece interminable, el tiempo lo parecía también. La

lucha de la pedagogía contra la burocracia se extendió hasta que en el otoño de 2001 se nos concedió por fin el tan ansiado RE-VOE. Así nació por fin la primera etapa de la nueva escuela de arte e inicio el largo y difícil camino de construir nuestro sueño y cambiar el mundo del arte para siempre.

I decided to try so I burnt the bridge. By the fall of 2001 I was exhausted and bruised thanks to a strong dose of reality. The art com-munity who, in the beginning jumped aboard a project that answered their 20 year call to the government for a Bachelor in Arts program and who volunteered in many occasions and very loudly to help build this school, as soon as they realized that the way we intended to build it did not mean comfortable bureaucratic government jobs for them with a guaranteed income, but rather an investment of time, effort and money from our pockets, soon turned their back on the project. “It is impos-sible to do it without the support of the government –they said –this project will fail in a few weeks or months.”

The three levels of government: City, State and Federal where not much help either. The City government back them was only interested in little informal courses and low budget shows (and low quality) to be pre-sented in marginal parts of town. The State government only wanted to get their own Houses of Culture, just like the ones that the cities had, but with a bigger budget and with fancier names such as: “Center for the Arts” or something like that. The federal government, in turn, had no interest in Tijuana, in Baja California or the whole of the northwest of our country for that matter. According to them they had already came thru for us, gave us a huge House of Culture (CECUT) and gave the State’s Government a budget to make their own house of culture (Art Center): “Tijuana is good for nothing more, in Baja California there are no people to build a Bachelor in Arts, at most a few little workshops of talks sent from here, and that should be enough for you…” was the ver-bal response we got from then Director of Funds for Citizen’s Projects in the Northwest at the central offices of CONACULTA in Mexico City.

Even so, my wife Martha Soto and I decided to go ahead with the plan; we recruited the support of my mother, lawyer and poet Cristina Cu-analo, to help us with the paperwork to get Non-Profit status and to get the accreditation for our program, since she had some experience in that field because of her work as a professor both at high schools and universities. In January 2001 we submitted the formal application for accreditation, a process that, by law, might not take more than 6 months and in which the authorities have only two functions, to verify the formal structure of the program (total amount of academic credits, professor professional background requirements, etc) and warranting the transparency and verifiability of all records of grades and official degree documentation.

But it seemed that the government wasn’t just not willing to help us, but rather were set on being an obstacle. The first thing they said was: “You are a private school, you better become a for profit business and not offer degrees like art, but rather those with high demand like computer sciences or the like…” After that the problem was that our program was original, they would prefer that we copied the model of UNAM or some other major university. The list of requirements and meaningless modi-fications with no legal grounds that they asked of us verbally in count-less trips to the State Capital seemed endless, time seemed so as well. The struggle of education against bureaucracy carried on until the fall of 2001 when finally we were granted the coveted accreditation. So it was born the first stage of the new school of art and started the long and rough path to building our dream and changing the world of art forever.

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7+ ALDO GUERRA Por / By: Andrea Villalvazo

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Aldo Guerra, es un talentoso artista egresado de la Es-cuela Superior de Artes Visuales, reconocido mundialmente por su trabajo multidisciplinario. Es un excelente maestro y un claro ejemplo de una exitosa trayectoria artística.

Aldo Guerra is a talented artist who graduated from the School of Higher Studies on the Visual Arts (ESAV by its initials in Span-ish), renowned worldwide for his multidisciplinary work. He is an excellent teacher and a clear example of a successful artistic career.

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A mediados del 2007 ingresé a la a la licenciatura de artes visuales en la ESAV y tuve el honor de conocer a Aldo Guerra como maestro. Aldo siempre nos motivo para crecer como artistas de una manera profesional enriqueciéndonos con sus amplios conocimientos en varias materias relacionadas con el arte y su teoría.

Halfway through 2007 I matriculated on the Bachelor in Visual Arts program at ESAV and had the privilege to know Aldo Guer-ra as a teacher. Aldo always motivated us to grow as artists on a professional way, enriching us with his ample knowledge in several subjects related to art and its theory.

Gracias a él me interesé más en la investigación previa a un proyecto así como la especialización como artista en la escultura y el video, este último una disciplina muy recurrente en su tra-bajo por lo que fue una gran retroalimentación.

Thanks to him I got more interested in the research prior to an art project as well as in specializing as an artist in sculpture and video, this last discipline being ubiquitous in his work, so he became a great source of feedback.

Durante los semestres que cursé sus clases me pude dar cuenta de que, además de ser un excelente maestro, en su momento Aldo fue un excelente alumno. Platicando con Alex Herrera, maestro de video, me cuenta que en su opinión Aldo ha sido uno de sus mejores alumnos de todos los tiempos, Aldo no era un alumno que llegaba a clase a escuchar sino que participaba y hacía in-vestigación de alternativas para resolver sus proyectos de video. Aldo tenía esta sed de aprender todo el tiempo; dos de sus más grandes influencias durante su época de estudiante fueron Bill Viola y Michel Gondry, entre otros. Siempre fue un alumno per-feccionista y detallista en su trabajo, dándole así la capacidad de haber creado piezas profesionales aun siendo estudiante.

Throughout the semesters that I took his classes I realized that, besides being and excellent teacher, Aldo was in his time an ex-cellent student. Talking to Alex Herrera, video professor, he told me that on his opinion Aldo has been one of his best students of all times; Aldo was not the kind of student who came to class just to listen, but rather participated and researched alternatives to solve his video projects. Aldo had that thirst to learn all the time; two of his main influences during his student years were Bill Viola and Michel Gondry, amongst others. He was always a perfectionist student with attention to detail, which gave him the ability to create professional pieces even as a student.

Alex afirma: “Aldo, aún trabajando con una handycam, el re-sultado final de sus piezas es muy bueno”. El siempre supo que Aldo iba a crecer como artista desde que tuvo la oportunidad de darle clases. Yo siempre sentí un lazo de amistad que me per-

mitía dialogar con el mis inquietudes artísticas, recibiendo su honesto apoyo.

Alex states: “Aldo, even when working with a mere handycam, his resulting pieces are very good”. He always knew that Aldo was going to grow as an artist since the time he had the chance to be his teacher. I always felt a bond of friendship that allowed me to discuss with him my artistic concerns, and always got his honest support back.


Preguntas y Respuestas con Aldo Guerra celebrando el décimo aniversario de la

¿Cómo era la Escuela Superior de Artes Visuales primera generación? Diversa, confundida, pretenciosa, ingenua, valien-te.

¿Cómo era Aldo Guerra cuando entró a la escuela y cuando salió? Cuando entré yo ya era “artista”, luego me bajaron los humos muy rápido. Cambiaron muchas cosas, pero lo más im-portante es que salí infinitamente interesado en saber más de lo que me enseñaron. Es decir, me enseñaron muy bien.

¿Qué buenas o malas experiencias tienes relacionado con la escuela? Pueblo chico, infierno grande. Poco se puede ocultar cuando la comunidad escolar es pequeña. Lo que trae un fuerte apego con tus compañeros y maestros, y con ello el reto de manejar bien tu rol como estudiante.

¿Qué impacto tiene la ESAV en tu trabajo como artista?Siempre he dicho que decir que fui estudiante de la “ESAV” era por lo menos inquietante. Se llamaba UAN cuando empecé, aunque todo mundo la conocía como “la escuela de playas”, y para los ajenos fue siempre un misterio que he sabido usar a mi favor.

¿Qué impacto tiene la Teoría General del Arte en tu trabajo como artista?Determinante. Es la palabra más fuerte que puedo pronunciar.

¿Que deseas para la ESAV en su décimo aniversario?Proyecciones personales: Que mis deseos siempre han sido que alcance a ojos de todos el lugar que se merece. Que pueda crecer transformándose. Amor y sabiduría.

What was Aldo Guerra like, when enrolling at the school and what was he like at graduation? When I enrolled I was already an “artist”, then I was soon brought down to earth. Many things changed, but the most im-portant is that I came out of it with an infinite interest in knowing more about what they taught me, that is, they taught me very well.

What are your good or bad experiences related to the school?Little town equals big gossip. There is little that you can hide

when the school’s community is little. This brings strong ties to your classmates and teachers, and with that comes the challenge to properly handle your roll as student.

What is the impact of ESAV in your work as an artist? I have always said that to declare that I was a student at “ESAV” was, to say the least, uneasy. It was called UAN when I started, even though everybody knew it as the “school at Playas”, and for outsiders it was always a mystery that I have known to make-work for me.

What is the impact of the General Theory of Art in your work as an artist? Fundamental. It is the strongest word that I can say.

What do you wish for ESAV on its tenth anniversary? Personal projections: That my wishes have always been that it gains in the eyes of everybody the place it deserves. That it achieves growth through transformation. Love and wisdom.

Aldo Guerra

Nace en Monterrey, Nuevo León. En 1978.Born in Monterrey, Nuevo Leon, 1978.

Obtiene su licenciatura en artes visuales en la ESAV en Tijuana, México.Graduated from the Bachelor in Visual Arts at ESAV in Tijuana, Mexico.

Su trabajo en video experimental y performance ha sido recono-cido nacional e internacionalmente en foros como el Qwartz Awards for Electrónic Arts (París), el Festival de Arte Electrónico MAGMA (Tenerife), Bienal de Video Experimental Nacional (Mexicali) y en el 2008 Encuentro nacional de artistas emergen-tes (Aguascalientes). His work on experimental video and performance have been recognized nationally and internationally in forums such as the Quartz Awards for Electronic Arts (Paris, France), the electronic arts festival MAGMA (Tenerife, Spain), the National Experimen-tal Video Biennial (Mexicali, Mexico) or at the National Meeting of Emerging Artists (Aguascalientes, Mexico).

con Aldo Guerra celebrando el décimo aniversario de la

Fue el ganador del primer lugar en la Bienal Internacional de Estandartes en el 2006, y acreedor a la beca FONCA de artistas emergentes en el 2007.He won first price at the International Banners Biennial in 2006 and received the FONCA emerging artists’ grant.

Así como también es parte de la selección oficial de mART 2009-2010 catálogo de coleccionistas. En 2010 recibe la beca Tierney de Fotógrafos emergentes y mención honorífica en el Centro de la Imagen Bienal de Fotografía 2010, en Ciudad de México. He is as well part of the official selection for the mART 2009-2010 catalog for art collectors. In 2010 he was awarded the Tier-ney grant for emerging photographers and an honorary mention at the 2010 Photo Biennial of the Center for the Image, in Mexico City.

Continúa desenvolviéndose en varias disciplinas, principalmente fotografía y video experimental.He continues to work in several disciplines, mainly photography and experimental video.

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ESAVQ & A with Aldo Guerra, celebrating the tenth anniversary of ESAV


BARRO, TRADICIÓN Y ARTE CONTEMPORÁNEOCLAY, TRADITION AND CONTEMPORARY ART

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San Agustín Etla, municipio ubicado a 30 minutos de la ciudad de Oaxaca, es sede del taller de cerámica contemporánea llamado: “Taller Canela”. Rodeado por bellos paisajes con verdes intensos, aroma a tierra fértil y vistas espectaculares que invitan a la reflexión.

Claudio López originario de Silacayoapilla, Huajuapan de León, Oaxaca, se ha preocupado por continuar la tradición de la cerámica en barro desde hace 5 años en los cuales él, no solo como artesano, sino también como artista ceramista de gran trayectoria internacional a provocado toda una sinergia de cre-ación alrededor del trabajo con el barro de alta temperatura.

El taller que inicia sus actividades desde el año del 2006. En el se imparten cursos sobre mural, diseño y colores a artesanos de diversas regiones del Valle central del Estado de Oaxaca.

En él también han trabajado sus obras diversos artistas naciona-les y extranjeros, entre los que destacan: Francisco Toledo, Irma Palacios, Gabriel Macotela, Paloma Torres, Miriam Medrez, Gerardo Azcunaga, Jose Bayro, Jorgen Haugen Sorensen, por mencionar algunos.

El Artista plástico, el Maestro Gabriel Macotela que, por terc-er año consecutivo -con Claudio López- ofrecen un taller de cerámica contemporánea a los artesanos del poblado de Atzompa apoyado y coordinado por Centro de las Artes de San Agustín, Etla “El CaSa”. Una combinación de la técnica tradicional de cerámica con barro y conceptos contemporáneos. Este proyecto otorga becas a los artesano de Atzompa, las cuales consisten en pagarles el día trabajo para que puedan desplazarse sin prob-lemas al Taller Canela.

San Agustin Etla, a township located 30 minutes south of Oaxaca City, is the location of a contemporary ceramics workshop called: “Taller Canela”. Surrounded by beautiful land-scapes of intense greens, the smell of fertile soil and spectacular vistas that invite to introspection.

Claudio Lopez, a native from Silacayoapilla, Huajapan de Leon, Oaxaca, has took upon himself for the last 5 years to continue the ceramics tradition, not just as a craftsman but also as a ce-ramics artist of great international projection and has caused a great synergy of creation around high temperature clay work.

The workshop started functioning since 2006. In it there are mu-ral painting, design and color workshops for craftsmen from dif-ferent regions around the Central Valley of the State of Oaxaca.

In it there have also worked their pieces several national and foreign artists, amongst them: Francisco Toledo, Irma Palacios, Gabriel Macotela, Paloma Torres, Miriam Medrez, Gerardo Az-cunaga, Jose Bayro, Jorgen Haugen Sorensen, just to name a few.

Fine Arts master Gabriel Macotela who, for his third year in a row –with Claudio Lopez –is offering a contemporary ceramics workshop to the craftsmen from the Atzompa town, supported and coordinated by the San Agustin Center for the Arts, Etla “El CaSa”. A combination of the traditional ceramics technique with clay and contemporary concepts. This project gives grants to At-zompa’s craftsmen, consisting in paying them the day’s work so that they can travel worry free to the Taller Canela.

+12 El Taller De Cerámica “Canela” De Claudio López

Claudio Lopez’ ‘Cinnamon’ Ceramics WorkshopPor / by: EDGARD GAMBOA

BARRO, TRADICIÓN Y ARTE CONTEMPORÁNEOCLAY, TRADITION AND CONTEMPORARY ART

¡¡¡Organícese!!! Exclama el Maestro Gabriel Macotela, invitando a los artesanos a romper con los limites y atreverse a cruzar nuevos horizontes y estimulando al máximo el proceso creativo de cada uno de ellos.

Los artesanos desarrollan una serie de piezas basadas en un ejercicio previo de dibujo. Esta pieza al ser dibujada libremente rompe con los objetos artesanales que normalmente realizan. Podemos observar piezas abstractas, figurativas y Surrealistas.

Esta labor a provocado con una revolución entre los artesanos del Valle central de Oaxaca y esta apunto de vislumbrar frutos en una posible exposición colec-tiva para el mes de noviembre de este año, organizada por el CaSa, dentro de sus instalaciones. En esta ex-posición podremos encontrar un Mural colectivo re-alizado por los artesanos de Zacatecas y de Atzompa en colaboración.

También hay diversos trabajos realizados bajo la tutela del Mae-stro Claudio López, el Maestro Gabriel Macotela y algunos artistas y diseñadores invitados como: Demian Flores, Isadora Cuellar, Aldo Quiñonez, Eugenia Orozco, Marcelo Pacanins, Edgard Gamboa y Adriana Campuzano.

El taller Canela, del Maestro Claudio López es un esfuerzo de dedicación y amor al trabajo con el barro. Logra integrar co-munidades de artesanos, instituciones de gobierno y culturales utilizando al arte como instrumento de acción y generar con ello

un mundo de posibilidades fusionando, el barro y la tradición con lo contemporáneo.

Get organized!!! Says master Gabriel Macotela, invit-ing craftsmen to break the limits and dare cross into new hori-zons and stimulating each of their creative process to the max.

Craftsmen develop a series of pieces based on a previous draw-ing exercise. This piece, by virtue of being product of a free style drawing, breaks away from the traditional crafts they usu-ally make. We can see abstract, figurative and surrealist pieces.

Esta labor a provocado con una revolución entre los artesanos del Valle central de Oaxaca y esta apunto de vislumbrar frutos en una posible exposición colectiva para el mes de noviembre de este año, organizada por el CaSa, dentro de sus instalaciones. En esta exposición podremos encontrar un Mural colectivo realiza-do por los artesanos de Zacatecas y de Atzompa en colaboración.

There will also be other pieces developed under the guide of Master Claudio Lopez, Master Gabriel Macotela and some guest artists and designers such as: Demian Flores, Isadora Cuellar, Aldo Quiñonez, Eugenia Orozco, Marcelo Pacanins, Edgard Gamboa and Adriana Campuzano.

Master Claudio Lopez’ Canela workshop is a big effort borne of dedication and love to the work in clay. It manages to integrate craftsmen communities, government and cultural institutions, using art as an action tool and generating with it a world of pos-sibilities by fusing the clay and tradition with the contemporary.


Detalle foto: Edgard Gamboa / Maestro Gabriel Macotela / Artista Plástico y Claudio López / Cerámista / Dueño

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Reflexión de una mente creativa +16 Thoughts of a creative mind

Por / by: Jorge Marme


En un mundo tan cambiante como el nuestro, siempre habrá barreras limitantes que, con el paso del tiempo, son rotas; ya sean tecnológicas, sociales, culturales, o de cualquier tipo. Jugando una parte vital en estos cambios, se encuentra el arte, que se adapta continuamente con cada generación de artistas a su entorno; el arte retrata lo que se vive y propone formas nuevas con las que se enriquece nuestra cultura y se amplían nuestros panoramas visuales.

Actualmente, con el avance de las nuevas tecnologías de las últi-mas 2 décadas, el arte comienza a aceptar su relación con la era digital mediante el uso de nuevos medios electrónicos; al mismo tiempo las generaciones que han crecido en contacto constante con la televisión, juegos de video, cine, comics y demás elemen-tos de la cultura pop, comienzan a utilizar estas influencias de manera más común en su trabajo.

Sin embargo, hemos llegado a un punto en el que comienza a volverse difícil separar el arte del diseño; por una parte, con la moda actual de ilustrar criaturas tiernas, imágenes coloridas que hacen alusión a la psicodelia y, por otro lado, los que re-ciclan ideas del pasado sin crear realmente contenido nuevo para nuestro contexto actual.

Como artista visual que soy, esto me puso a pensar; es normal que en estos tiempos (sobre todo en el proceso creativo) de re-pente uno se cuestione: “soy menos artista por crear piezas que lucen como comic, caricaturas, etc.?” En mi opinión, la respu-esta a esto vendría siendo “NO”; siempre y cuando aportemos algo nuevo a la mesa, ya sea visualmente o como mensaje (y no necesariamente tiene que ser un mensaje que nos cambie la vida), no importa que influencias utilicemos para hacer nuestro trabajo.

Esto es algo que muchos creativos actuales tienden a olvidar: creamos para el público. A pesar de que nos traiga una gran satisfacción personal completar una obra de arte, si esta no co-bra valor para el público, no será adoptada por nuestra cultura. Siempre que seamos sinceros a la hora de producir y sintamos empatía con lo que produzcamos, estaremos creando algo rele-vante para nosotros mismos y, por consiguiente, para los demás.

In a world as changing as ours, there will always be limiting bar-riers that, in time, will be broken; be they technological, social, cultural or of any kind. Playing a vital rol in these changes, there is art, who adapts itself continuously through each generation of artists to its environment; art portraits what we are living and proposes new forms with which to enrich our culture and widen our visual horizons.

Currently, with the advance of the new technologies from the last two decades, art has begun to accept its relationship with the digital era through the use of new electronic media; and at the same time, the generations that grew up in constant contact with television, video games, movies, comics and other elements of pop culture, begin to use these influences more commonly in their work.

Nevertheless, we have come to a point where it has begun to be difficult to separate art from design; in the one hand, because of the current trend to illustrate cute creatures, colorful images making allusion to psychedelia and, on the other hand, because of those recycling ideas from the past without actually creating new content for our current context.

As a visual artist that I am, this got me thinking; it is normal that in these times (specially insofar as to the creative process) one suddenly questions oneself: “am I less of an artist for creating pieces that look like a comic, cartoon, etcetera?” In my opinion the answer is “NO”; as long as we bring something new to the table, be it visually or as message (and not necessarily has to be the kind of message that changes your life), it doesn’t matter what influences we use to create our work.

This is something that many contemporary creators tend to for-get: we create for the audience. In spite the great satisfaction we derive from finishing a work of art, if this doesn’t acquire value for the audience, it will not be adopted by our culture. As long as we are honest at the time of creation and we feel empathy towards what we produce, we will be generating something rel-evant to ourselves and, therefore, to others.

Hay quien dice que ya se inventó todo; yo creo que aún nos quedan varias barreras por romper.

There are those who say that every-thing has been invented, I believe that there are still several barriers to break.

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19+ Crítica Museográfica de:Por / By: Martha Soto

Museographic Criticism of: Art and Politics


En esta edición de Crítica Museográfica analizaremos, desde el punto de vista del diseño museográfico, la exposición “Arte y Política, Conflictos y Disyuntivas”, exposición coordi-nada por el Museo de Arte de Sinaloa (MASIN) que la presenta como una propuesta de curaduría del curador Alberto Torres y que se muestra en la sala 1 del Centro Cultural Tijuana, inau-gurada en Noviembre del 2011, presentando a 36 artistas de diferentes nacionalidades incluyendo a 6 artistas que radican en Tijuana. Esta exposición se conformó con obras en diferentes técnicas como pintura, dibujo, fotografía, técnicas mixtas, video, instalación, ensamble, proyección de imágenes, etcétera.

Iniciemos con la descripción del recorrido visual de la ex-posición; al entrar a la sala podemos ver un texto introductorio donde se pretende explicar cuál es el fin de la exposición “Arte y Política”. Como es la costumbre en los montajes creados por el departamento de museografía de esta misma institución, ar-rancaron con un texto introductorio demasiado extenso, donde cada línea del texto sobrepasa los 10 palabras de largo y donde también encontramos palabras partidas por mitad; el texto re-basa las 150 palabras que es el estándar recomendado para este tipo de textos, lo que lo hace de difícil lectura. Este mismo prob-lema podemos observarlos en los textos interpretativos que se encuentran distribuidos en la sala; este error no es nuevo, ya que al departamento de museografía parece que se les olvida que los textos son para informar y no para adornar, pues no son parte de la obra exhibida. Nuestra recomendación para el personal de museografía de CECUT es que realicen un análisis, midiendo el tiempo que un visitante le dedica a leer estos textos para calcular si realmente los están leyendo. Hay que recordar que el especta-dor está de pie y que muchos de ellos tienen dificultades para leer en esa condiciones.

El recorrido de la exposición está creado con cinco descansos; estos fueron implementados aparentemente para generar una se-cuencia que, sin embargo, no es clara. Las piezas no están orga-nizadas de modo que reflejen un criterio curatorial claro, ya sea temático, estilístico o de otro tipo; más bien parecen puestas al azar y sin tener relación una con la otra. No están puestas, por ejemplo, en una secuencia progresiva o rítmica por tamaños, ya que podemos encontrar alternancia de obras de gran formato en una pared con obras de mediano formato, lo que ocasiona que algunas obras tiendan a pasar desapercibidas lo que obviamente neutraliza su capacidad expresiva. Esto es muy grave si con-sideramos que el motivo de la exposición responde a la inten-ción del Museo de Arte de Sinaloa de traer a Tijuana una de sus propuestas curatoriales: “…que consiguen suscitar el interés de autoridades e instituciones, percibiendo en ellas la oportunidad de recrear estos espacios de intercambio de significados.” Pero cómo podríamos hablar de intercambio de significados cuando el lenguaje utilizado, en este caso museográfico, es tan confuso e inefectivo.

In this Edition of Museographic Criticism we will analyze, from a museographic standpoint, the show “Art and Politics, conflicts and disjunctives” a show coordinated by the Museum of Arts of Sinaloa (MASIN) that presents it as a curato-rial piece by Alberto Torres and is shown at hall 1 of Tijuana’s Cultural Center, inaugurated on November of 2011 that pres-ents 36 artists of different nationalities, including 6 who reside in Tijuana. This show was integrated with work in diverse media such as painting, drawing, photography, mixed media, video, in-stallation, assembly, image projection, and etcetera.

Let us start by describing the visual landscape of the show; as we go into the hall, we can see an introductory text where the goals of the ‘Art and Politics’ show are supposed to be explained. As is the usual with museographies created by the Museography Department of this institution, they started with a too long intro-ductory text, whereas each line of texts goes beyond 10 words per line and where we also find words cut in half; the text is well above the 150 word standard recommended for this kind of texts, making it difficult to read it. The same problem can be found in the interpretative texts scattered around the hall; this is not a new mistake, and it seems that the Museography De-partment forget that these texts have an informative rather than decorative end, since they are not part of the exhibited work’s catalog. Our recommendation to the Museography staff of CE-CUT is that they conduct an analysis by measuring the time ac-tually devoted by visitors to read these texts and calculate if they are actually being read. We must remember that the audience is standing and for many of them there are difficulties to reading in those conditions.

The tour of the show was created with five ‘rest stops’; these were implemented apparently to generate a sequence that, never-theless, turned out unclear. The pieces are not organized as to re-flect a clear curatorial criterion, be it narrative, stylistic or of any other kind. They are not arranged, for example, in a progressive nor rhythmic sequence, since we can find large format works alternating in chaos with mid size work, causing that some of the pieces tend to go unnoticed, obviously neutralizing their expres-sive power. This is very bad if we consider that the reason for this show was the intention of the Museum of Art of Sinaloa to bring to Tijuana a curatorial proposal: “…that succeeds in getting the attention of authorities and institutions, perceiving in them the opportunity to recreate these meaning exchange spaces.” But how can we talk about meaning exchanges when the language used, in this case museography, is so confusing and ineffective.

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La ambientación se construyó a partir de matices neutros: paredes blancas, grises y piso gris, todo en una com-posición tonal plana, de bajo contraste y baja intensidad. Esto, para una serie de piezas que, muy al estilo contemporáneo, son también muy neutras y de baja intensidad del estímulo formal, aunque el tema se pretenda “fuerte”. El resultado es que en lugar de ayudar, la museografía hace que las piezas se diluyan en una atmósfera plana, inexpresiva e incoherente para el tema preten-dido de “Arte y Política”. Podemos ejemplificar esto claramente con la disposición del tercer descanso, donde encontramos en las paredes obra de gran formato y en el centro una serie de ensambles que no rebasan el metro de alto y acompañadas con cédulas colocadas en el piso; esta solución técnica de centrar los ensambles, provoca incomodidad, ya que los coloca atravesados en el espacio que las obras de gran formato requieren para ser apreciadas, que es de por lo menos 5m de distancia entre el ob-servador y la obra.

En general, la propuesta museográfica no funciona, hace que el público se tropiece, o que no tenga el espacio adecuado para ob-servar las piezas. Por todo el montaje se infringen los estándares de espacio de observación, convirtiendo la exposición en ruido visual en lugar de cumplir su función de articular una expresión artística; convierte a la obra en meramente un objeto decorativo. Esta exposición al no contar con una secuencia temática, se-cuencia de soportes (relación de los tamaños de la obra), y tener ambientación neutral (piso gris, muros blancos y grises) para un cuerpo de obra que en su mayoría carecía de contrastes visuales, carece de articulación; a pesar de algunas excepciones donde encontramos obras en color predominantemente rojo. Para completar el desastre, una iluminación deficiente contribuye a que se pierda aun más el contraste entre obra y espacio, todo conducente a generar la impresión de una propuesta curatorial poco trascendente, desactivando toda la posible intensidad de un tema controversial como es la relación de el arte y la política. Esto cuando la exposición viene acompañada de declaraciones como: “Uno de los objetivos principales del MASIN ha sido generar proyectos propios que trasciendan..” Para una relación que históricamente suele ser escandalosa, radical y propositiva, la exposición termina siendo una puesta en escena triste y abur-rida, carente de efectividad en su función artística.

The atmosphere was built upon neutral colors: white and gray walls and gray floors, all in a low-contrast, low-intensity, very plain tonal composition. This for a series of pieces that, on a very contemporary fashion, were also very neutral and low-intensity as far as the formal stimuli is concerned, even though the sub-ject matter pretended to be “strong”. The result is that instead of helping, the museography makes the pieces dilute in a plain and unexpressive atmosphere, incoherent with the pretended ‘Art and Politics’ subject. We can perfectly exemplify this with the arrangement of the third ‘rest stop’, whereas we find large format works on the walls, combined with a series of assembly pieces of no more than a meter tall in the center of the space, causing awkwardness since it puts them smack in the middle of the larger works required view-path, which requires at least 5 meters distance between the audience and the work.

In general, the museographic solution does not work; it makes the audience stumble or not to have adequate space to observe the work. All about the setup the observation space standards are broken, turning the show into visual noise instead of fulfill-ing its function to articulate an artistic expression; turning the work into mere decorative stuff. By not presenting a narrative sequence, nor a support sequence (size of work relations) for a body of work that in its majority had no visual contrast, lacked articulation; even in spite of some exceptions whereas we found some work of predominantly red color. To complete the disaster, a deficient lightning contributed to further diminish the contrast between the work and the space, all of this conducing to generate the impression of a non-transcendent curatorial proposal, deacti-vating all the possible intensity of such a controversial subject as it is the relationship between art and politics. And this when the show came accompanied by statements like: “One of the main MASIN goals has been to generate their own curatorial projects that transcend…” For a relationship that historically tends to be noisy, radical and innovative, the show ends up being a sad and boring staging, lacking effectiveness in its artistic role.


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“I live in Tijuana”Por / By: Dominik Daoust

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Hi,I’m Dominik Daoust, and I’m Canadian. In March 2010, after traveling over a year around the world shoot-ing video for traveling TV shows and adventure tourism adver-tisement, I came to Tijuana to edit my videos on my way to the USA and, eventually back to Canada. Thanks to the fact that Tijuana’s visual artist Jaime Cuanalo was undertaking his Couch Surfing Experiment, we crossed paths and I discovered a gener-ous Mexican family and some of their friends and students.

After 5 weeks, I left Tijuana with a good feeling about the city and its people: but I had to continue my work. Remembering my Californian experience in TJ (as the locals call Tijuana) and a beautiful woman I met, I came back 6 months later to see if the good feeling would still be there. Guess what? It was, and I decided to move to Tijuana!

Since I’m here, I have been working on my video projects and I started school again! Yes, I’m taking some classes at the School of Higher Studies on the Visual Arts, in Playas de Tijuana, to improve my video skills. Being now with a girl who loves cul-tural events and with friends directly involved in the art world, I discovered an impressive art scene in Tijuana: it’s literally bub-bling! Its diversity will compete any North American city!

Hola, soy Dominik Daoust y soy Canadiense. En marzo de 2010, después de viajar por un año alrededor del mundo tomando video para programas de viaje para TV y para comerciales de turismo de aventura, vine a Tijuana para editar mis videos de camino a USA y, eventualmente, de regreso a Canadá. Gracias al hecho de que el artista visual de Tijuana, Jaime Cuanalo, estaba haciendo su proyecto ‘Couch Surfing Experiment’ cruzamos nuestros caminos y yo descubrí a una generosa familia Mexicana y algu-nos de sus amigos y estudiantes.

Después de 5 semanas, dejé Tijuana con un muy buen sabor de boca acerca de la ciudad y su gente: Pero tenía que continuar mi trabajo. Recordando mi experiencia Californiana en Tj (Ti-yei como le llaman los locales a Tijuana) y una hermosa mujer que conocí, regresé 6 meses después para ver si la buena vibra seguía allí. ¿ Y adivinen qué? Sí estaba, ¡así que decidí mudarme a Tijuana!

Desde que estoy aquí he estado trabajando en mis proyectos de video ¡y regresé a la escuela! Sí, estoy tomando algunas clases en la Escuela Superior de Artes Visuales, en Playas de Tijuana, para mejorar mis habilidades de video. Ahora que estoy con una chica que ama los eventos culturales y con amigos directamente involucrados en el mundo del arte, descubrí una escena artística impresionante en Tijuana: ¡Está realmente en ebullición! ¡Su di-versidad compite con cualquier ciudad de Norte América!


My girlfriend (that I have married by now) was and still is an amazing holistic dentist and I know a few excellent alternative doctors here too. So when some of my friends and acquaintances talked to me about their care needs I always sug-gested trying Tj and, although most of them were hesitant at first, they started to try it. So before you know it, I was helping a lot of people coming here from abroad to receive dental care and medical treatments, only to discover that they all were as impressed as me with the quality of the service they received, the results, the awesome prices and, specially, how unjustified their fears to come here were!

Mi novia (que ahora es mi esposa) era y sigue siendo una gran dentista holística y conozco a algunos excelentes médi-cos alternativos aquí también. Así que cuando algunos de mis amigos y conocidos me hablaban de sus necesidades de atención médica yo siempre sugería probar en Tj y, aunque al principio la mayoría estaban dudosos, empezaron a probar. Así que antes de darme cuenta estaba yo ayudando a mucha gente a venir aquí desde el extranjero para recibir tratamiento dental o médico, solamente para descubrir que ellos acababan tan impresionados como yo por la calidad de los servicios que recibieron, los resul-tados, los asombrosos precios y, especialmente, ¡por lo injustifi-cado de su miedo de venir aquí!

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Now I know that Tijuana used to be a very popular medical and dental destination for American tourists! But not so much anymore... What happened? Americans are still under the impression that Tijuana is a dangerous place to visit... even though I haven’t seen any signs of violence since I moved here more than a year ago!

So, knowing that Tijuana has all these little treasures that can make people save a lot of money, I decided to use my outsider point of view and I created a website www.iliveintijuana.com to let people know what I discovered here and especially how safe Tijuana became again.

So now one of my projects is to welcome North American to Tijuana and maybe soon in my bed and breakfast

¡Ahora se que Tijuana solía ser un destino popular para el tur-ismo médico y dental norteamericano! Pero ya no tanto… ¿qué fue lo qué pasó? Que los Americanos todavía están bajo la impresión de que Tijuana es un lugar peligroso para visitar… ¡Aunque yo no he visto ningún signo de violencia desde que me mudé aquí hace más de un año!

Así que, sabiendo que Tijuana tiene todos estos pequeños teso-ros que pueden ayudar a la gente para ahorrarse mucho dinero, decidí usar mi punto de vista como extranjero para crear la pá-gina Web: www.iliveintijuana.com para ayudar a la gente a saber lo que yo descubrí aquí y, especialmente, lo seguro que Tijuana se ha vuelto otra vez.

Así que uno de mis proyectos es darle la bienvenida a los Norteamericanos a Tijuana y, quizás pronto, en mi propio hos-tal


Fotografías: Dominik Daoust

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27+ CENA ENTRE AMIGAS. ( Aki Va! R&B)

Por / By: Azucena Castañon

Que te parece para empezar una buena copa de vino argentino Navarro Correa, o una de Español Márquez de Ca-zares o, si tu predilección es un vino Chileno, puedes pedir una copa de Casillero del diablo. Por supuesto que existe una gran variedad de vinos de la región, de los que también podrás dis-frutar junto con una exquisita entrada de camarones, salmón o quesos….

What do you think about a nice glass of Argentinean Navarro Correa wine or one of the Spanish Marquez de Cazares or, if your preference is for Chilean wine, you may ask for a glass of Casillero del Diablo. Of course, there is a large selection of local wines that you could enjoy too, together with an exquisite shrimp, salmon or cheese entrée…

DINER AMONGST FRIENDS

Uno de los grandes placeres de la vida es compartir gratos momentos con nuestros familiares y amigos. Hoy ha sido uno de esos grandes momentos. Decidí acompañar a una buena amiga a cenar. No solo fue grata su compañía sino que quede fascinada del Restaurant Sport Bar, ¡Aki Va!, Ubicado en el Pabellón Rosarito.

Un espacio amplio y cómodo para disfrutar de una buena comida gourmet o sencillamente una buena botana acompañada de una bebida preparada en la barra por Mike, ya sea que la disfrutes en el interior o en el espacio exterior junto con la música, amigos y pantallas, que forman parte de la arquitectura moderna del lugar.

Una deliciosa ensalada con nuez moscada y panecillos dio pie a nuestra conversación sobre el lugar, ya que fuera del fondo mu-sical que nos acompañaba, escuche varias voces cantar.

¡Es jueves de trova y rock en vivo!, música que se escucha desde la parte exterior del restaurant. En el segundo nivel se encuentra instalado el karaoke, espacio que los sábados se trans-forma en “Sábados de deporte”, para disfrutar del box y juegos de la temporada en compañía de amigos en grupo junto con tus bebidas preferidas y una gran variedad de botanas.

One of the great pleasures in life is to share good times with our beloved and friends. Today has been one of those great moments. I decided to join a good friend for diner. It was not only her pleasant company but I was also fascinated by ‘Aki Va!’ Restaurant and Sports Bar. Located in Pabellon Rosarito shop-ping mall.

A clean and comfortable space to enjoy a nice gourmet meal or simply some good snacks accompanied by a cocktail prepared at the bar by Mike, be it inside or in the outside patio with music, friends and giant screens, all part of the modern architecture of the venue.

A delicious salad with nutmeg and bread rolls got us started talk-ing about the place, and slightly above the ambience’s music I heard several voices sing.

It’s Trova and live Rock Thursday! The music can be heard from outside the restaurant. On the second level there is Karaoke, but on Saturdays that space is transformed into “Sports Saturdays”, to enjoy box or the season’s games in the company of friends, hanging together with your preferred beverages and a great vari-ety of snacks. Our main course arrived.

Llego nuestro platillo. Un buen corte de carne con sus verdu-ras y su papa al horno. No será de más mencionar que la carta contiene una gran variedad de platillos individuales en cortes, pechuga de pollo y pescado, hasta una parrillada para compar-tir; con camarones, arrachera, pechuga de pollo, nopal cebolla aguacate y queso fundido… junto con una cervecita ¡exquisito!.

La noche transcurre, la trova, la comida y nuestra conversación solo puede terminar con un delicioso postre llamado “Delirio”, elaborado en caliente con rico licor de naranja, frutas rojas, un toque frio de una bola de nieve y una menta de decoración.

Una cena y una noche fabulosas, ¡Qué lugar!

A nice cut of beef with its vegetables and baked potato. I must say that the menu is loaded with a great variety of dishes, from beef cuts to chicken and fish; there is even a ‘parrillada’ to share, loaded with shrimp, arrachera beef, chicken breast, nopal, onions, avocado and melted cheese… accompanied with a beer, delicious!

The night goes on, the Trova, the food and our conversation can only end with a decadent dessert called “Delirium”, made hot with orange liquor, red fruits, the cold touch of an ice cream scoop and a mint for decoration.

Fabulous night and dinner, what a place!

Entrevista exclusiva con las protagonistas del filme cubano “Habana Station”

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Por / by: Alexandro Guerrero


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Nos recorremos y ya detenidos señalamos la urna y a las palomas

grabadas en el aire escogido. Nos recorremos

y la nueva sorpresa nos da los amigos y el nacimiento de una dialéctica.

We travel each otherAnd once we stop we point at the urnAnd the dovesEngraved upon the chosen air.We travel each otherAnd the new surprise gives us the friendsAnd the birth of a new dialectic. (José Lezama Lima)

Exclusive interview with the stars of Cuban film “Havana Station”

Hay un fenómeno que escapa siempre a la predicción perversa del target y los cálculos de las productoras transna-cionales. Tiene que ver con la verdad, con la estimulante y feliz necesidad que hay en las pupilas de una sociedad por sentir en contornos de luz su honesto reflejo ente tinieblas. Más allá del análisis de Slavoj Žižek, el top philosopher lituano que habla de la urgencia del espectador por ver emerger la mierda de la pantalla (situación que, poetizada y al mismo tiempo casi literal, ocurre en uno de los momentos mas crudos del filme); mas allá, hay una relación con respecto al mundo de significados que para Cuba es la Industria del cine, visto como arte, política, cultura o espectáculo, la pregunta en nuestro entorno mas inmediato es: ¿de dónde han salido las alfombras rojas y los endiosamientos patéticos que hacen los medios de supuestas figuras?, ¿de dónde el estatus indispensable e intangible de vaciarte dos cubetas de palomitas, tras adquirir el paquete exclusivo Very Important Person con souvenirs y gadgets?

La experiencia oracular que en los Centros Comerciales ha de-saparecido respecto a la sala de cine, vive intacta en La Habana: el cine es un ritual, su costo es considerablemente menor en la mayor de las Antillas (aunque el ingreso por familia promedio en Cuba no es mucho, porcentualmente se contempla el gasto en el cine como servicio, no como gasto en cultura, ya que ésta es un derecho y por lo tanto debe ser gratuita), comparado con el maratón de consumo que constituye una visita al cine en un país como México. Habana Station (Ian Padrón, Cuba, 2011), película dirigida a los niños y al mismo tiempo dedicada a ellos, a los del mundo, no es en este caso contradictoria. El guión dota universalidad a los personajes a partir de su origen y similitudes: “dos mulaticos”. La tragedia capitalista de la condición social en un contexto de “igualdad”: la educativa, la del sistema here-dado por la Revolución fusil contra fusil. El tabú emblemático de la cinematografía cubana, lo constituyó al paso del tiempo, en efecto el tema de la diferencia de clases, su simple existen-cia, eso que en términos mediáticos de los países que se dicen democráticos, resulta aterrador e infrahumano.

There is a phenomenon that always escapes the pervert prediction of the ‘target’ and the calculations of the transnation-al production companies. It has to do with the truth, with the stimulating and merry need in the pupils of society to feel in the edges of light its honest reflection within the shadows. Beyond the analysis of Slavoj Žižek, the top Lithuanian philosopher who speaks of the spectator’s urgency to see the shit emerge from the screen (situation that in a poetic and at the same time almost literal fashion, actually happens in one of the most raw moments of the film); even further, there is a relationship to the world of meanings that the film industry represents for Cuba, seen as art, politics, culture or entertainment, the question in our immedi-ate environment is: Where do the red carpets and the pathetic worship that the media have made of so called celebrities come from? From where the intangible and indispensible status of emptying out a couple of buckets of popcorn, after purchasing the exclusive Very Important Person package with souvenirs and gadgets?

The oracle like experience that has disappeared from the shop-ping mall regarding the movie theatre, lives untouched in Ha-vana: the movies are a ritual, its cost is considerably less than in most part of the Antilles (even though the average per-family income in Cuba is not much, movie expenses are contemplated as part of the services’ budget, not as cultural expenses, since that is considered a right and therefore free, as opposed to the consumerism marathon that going to the movies in a country like Mexico represents. Habana Station (Ian Padron, Cuba, 2011), a film aimed at children and at the same time dedicated to chil-dren, to those of the world, is not in this case contradictory. The scripts gives the characters universality arising from their ori-gins and similarities: “two mulaticos”. The capitalist tragedy of social status in a context of ‘equality’: that of education, that inherited from the Revolution rifle against rifle. The emblematic tabú of Cuban filmography, built over time, is in effect the sub-ject of social differences, its very existence, that which in media terms in the so-called democratic countries, turns out terrifying and subhuman.


El tema eje es la amistad como valor fundador de la dialéctica, tan simple y complejo como su fantasma: la margin-ación. La peripecia como anticrisis de una pareja de clase privi-legiada, paradigma del amor visto como proyecto común que salva incluso el abismo del mito aspiracional de la clase media alta.

Blanca Rosa Blanco, primera actriz del cine cubano que inter-preta a la madre de uno de los niños protagonistas y Claudia Alvariño que da vida al simbólico personaje de una maestra de educación primaria que sale a la calle con sus alumnos a con-memorar el día del Trabajo en un mitin alegre, lleno de verdad histórica pero al mismo tiempo excluyente, dieron una entrevista exclusiva en la galería del Cine Chaplin en la Ciudad de La Ha-bana con motivo de la rueda de prensa del filme para Arte Para salvar a México + Zona Límite :

A.G: ¿Qué resulta fundamental en el momento de crisis que vive tu personaje en la película, respecto a tu visión de pareja y de madre en el contexto de Cuba?

B.R.B: Quizás esté equivocado el decir que una pareja son per-sonas con proyectos comunes. Lo común tiene que ver con las prioridades. Mi personaje asume la frustración y decide ser un poco menos feliz respecto a sus aspiraciones, pero entiende que vencer una contradicción es siempre una oportunidad.

A.G: Claudia, tu personaje representa los valores de la edu-cación en un país socialista ¿Dentro del discurso del filme, qué conflicto se subraya y qué valores se promueven?

C.A.: La pobreza espiritual. El canto al amor y la amistad se pierden cuando hay dos polos en una sociedad. Sin embargo, en la película, lo humano, ese día en que surge la amistad entre dos niños que terminan tendiéndose lazos de solidaridad, siempre está por encima de lo material, todos somos idénticos, no nos diferencia nada.

A.G: ¿Esta película llegará a otros países?

B.R.B: Lo importante es que vaya a un espacio donde no sólo sea vista y ya, queremos que también sea debatida. Se proyectó en Michigan, estuvimos con Michael Moore en ese primer Fes-tival, se exhibió también una proyección del director en Miami, en agosto, pues a él le interesa la opinión de la comunidad que radica en Estados Unidos; pero no se ha decidido nada, depende de las productoras y los países.

A.G.: En la rueda de prensa, Ian Padrón, el director, decía que Cuba ha logrado avances sociales, supongo que lo hace tam-bién como vocero de la nueva generación de cineastas a la que pertenece, ¿ésta película sigue siendo una película revoluciona-ria?

Friendship is the subject that works as an axis for di-alectics, so simple and complex as its ghost: marginality. The mishaps as anti-crisis for a privileged couple, paradigm of love seen as shared project capable of go over the very abyss of the white upper middle class’ aspirations myth.

Blanca Rosa Blanco, star of the Cuban film industry plays the mother to one of the lead children characters and Claudia Al-variño gives life to the symbolic character of a schoolteacher who takes her students out on the street to celebrate Labor Day in a happy march, full of historical truth but at the same time of social discrimination, gave an exclusive interview to Arte Para Salvar a Mexico + Zona Limite at the Chaplin Theaters gallery in Havana City following their film’s press conference.

A.G: What turns out to be fundamental for the moment of crisis undergone by your character in the film, as in regards to your vi-sion as a mother and partner in the context of Cuba? B.R.B: Perhaps it is mistaken to say that a couple is people with shared projects. Shared is about priorities. My character assumes the frustration and decides to be a little less happy in regards to her aspirations, but understands that to defeat a contradiction is always an opportunity.

A.G: Claudia, your character represents the values of education in a socialist country. Within the film’s discourse, what conflict is underlined and what values are promoted?

C.A: Spiritual poverty. The singing to love and friendship are lost when there are two extremes in society. Nevertheless, in the film, the human factor, on that day in which friendship arises amongst these two children that end up reaching out to each oth-er in solidarity, is always above material considerations, we are all identical, there is nothing that makes us different.

A.G: Will this film reach other countries?

B.R.B: The important thing is that it goes to a space where it is not only seen and that is it; we want it also to be debated. It was shown in Michigan, we were with Michael Moore on that first festival, it was also shown in a projection by the director in Miami, in august, because he is interested in the opinion of the [Cuban] community living in the USA; but nothing has been decided yet, it depends of the producers and the countries.

A. G: At the press conference, Ian Padron, the director, said that Cuba has achieved social advancements, I suppose that he does it too as spokesperson for the new generation of film makers that he belongs to, is this film still a revolutionary film?

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C.A: Revolución es aquello que va re-evolucionando. Esta es una película que plantea el repensar varias cosas. La última década de cine en Cuba se centró en hacer comedia de la misma Revolución, chistes de nuestra situación. Ahora puedes ver los cines abarrotados, todo el país habla de la película y regresa a ver la cinta con su gente querida. Es como sumar a más y más personas a pensar nuevamente por dónde vamos y qué vale la pena defender de lo que se ha ganado.

Criticada en el diario Granma por conceder en la resolución del conflicto dando una salida fácil con una moraleja y no una pro-puesta con carácter social de transformación, en Habana Station es cierto que la última reacción en los ojos de Moraima el per-sonaje de Blanca Rosa Blanco es tan simple como crudo visto desde la problemática de la solidaridad socialista. A decir de la propia actriz fue una desición personal y no del director dar ese último trazo de realidad.

Seleccionada en la isla para competir como mejor película ex-tranjera en la próxima entrega de los Oscares, se trata de una cin-ta que ha marcado un verano y una etapa de apertura comercial en Cuba. Los valores, el sentido de la existencia con los otros y por los otros, siguen abriendo los ojos con asombro de aquellos que desde el exterior observamos las patadas de ahogado de la oscuridad capitalista o en palabras de Fidel Castro: “El imperio está dando muestras de síntomas inequívocos de una enferme-dad mortal” .

En Cuba se vive con alegría, y esa alegría no puede escapar del reflejo cinematográfico, yo también me quedo con todas esas co-sas pequeñas silenciosas.

C.A: Revolution is that which continues to re-evolve. This is a film that calls to rethinking several issues. The last decade in Cuban film centered in making fun of the very Revolution, jokes about our situation. Now you can see the movie theatres crammed, the whole country is talking about the film and goes back to see it with their loved ones. Is like adding more and more people and think again about our path and what is worth defend-ing from what has been gained.

Criticized on Granma magazine for making a concession in the resolution of the conflict and taking an easy way out with a moral to the story and not with a social transformation proposal, in Habana Station it is true that the last reaction in the eyes of Moraima, Blanca Rosa Blanco’s character, is as simple as it is raw, seen from the socialist solidarity problematic. As said by the actress herself, it was a personal choice and not one from the director to give that last stroke of reality.

Chosen in the island to compete for best foreign film in the next issue of the Oscar’s, it is a film that has marked the summer and a stage in the commercial aperture in Cuba. The values, the meaning of existence with the others and for the others, keep opening in awe the eyes of those of us who, from afar, watch the death throes of capitalist darkness or, in the words of Fidel Castro: “The empire is showing unmistakable symptoms of a deadly illness”.

In Cuba life is lived with happiness, and that happiness cannot escape from the cinematographic reflection, I too will keep all those little silent things.

35+ “SINESTESIA” FISIOLOGÍA DEL ARTE GOURMET Por / By: Cupido Clonado

¡Dame un grito! Válida expre-sión ante un asombroso servicio de café con cardamomo y clavo que ha llegado a la mesa del comensal que eligió justo la del rincón, esa donde escribiera el poeta Xavier Villaurrutia en la vieja casa de la calle San Luis Potosí, en la Colonia Roma de la Ciudad de México. La galeria, res-taurante o centro cultural, teatro, sala de conciertos que el Cheff ha nombrado “Sinestesia”, es un pretexto particular de enloquecimiento y de multiplicidad en manifiesto. Lo que después sería la se-gunda etapa del Café de Nadie, eco del brote estridendista, cruje en los pasos por la escalera y dota de una vista arbolada hacia la esquina con la calle Jalapa, la mesa del balcón, la más buscada.

Vuelvo al “El grito”, y la imagen del fan-tasmagórico personaje de Munch que ag-oniza en el sol del fiordo; es asombroso, como un laberinto dibujado en un grano de arróz.

Sinestesia: entra por un sentido y otro lo revela; hueles y ves, pruebas y escuchas. ¿Por qué no pasar de la exégesis a la her-menéutica? ¿Juegos burgueses? ¡No! La cátsup aquí no tiene cabida, sólo el prin-cipio del comercio justo y el proyecto de una hortaliza en la azotea.

La explicación es una etapa en la expe-riencia del comensal que ha pasado a ser espectador. Labor poética hasta cierto grado perturbadora; lúdica en el antojo,

casi extática por definicón cuando rompe con sabores en placer. ¿Acaso la viven-cia artística depende del estudio formal? La lengua es sagrada, como emisora pero más como degustadora.

En los aromas y la textura de lo que ha de comerse puede dársele un sentido in-cluso subjetivo al otro. La cuádruple raíz de razón suficiente parece dejar ver una oculta vocación alquímica en Rigel Sote-lo, nuestro chef; la misma que salpimenta con su formación científica.


“El descubrimiento de un nuevo plato hace más por la felicidad humana que el descubrimiento de una nueva estrella, estrellas hay bastantes”

The discovery of a new dish does more for human happiness than the discovery of a new star, stars there are plenty”

BRILLAT SAVARINhttp://sinestesiamex.com/

Give me a scream! Is a valid expression before the service of coffee with cardamom and clover that has just arrived to the table of the patron who chose the one right by the corner, that in which poet Xavier Vilaurrutia once wrote at the old house on San Luis Potosi street, on Mexico City’s Colonia Roma. The gallery, restaurant or cultural center, the-atre, concert hall that the chef has named “Sinesthesia”, is a particular excuse for craziness and manifest multiplicity. What would eventually become the second stage of the “Café de Nadie”, echo of the Stridentist movement, crackles under the footsteps on the stairwell and gives a view with trees on the side of Jalapa Street to the table on the balcony, the most sought

after.

I come back to “The Scream”, and the im-age from Munch’s phantasmagoric char-acter agonizing under the fiord’s sun; it is amazing, like a labyrinth drawn on a grain of rice.

Sinesthesia: coming in through one sense and have another one reveal it; you smell and see, taste and listen. Why not go from exegesis to hermeneutics? Bourgeois games? No! Ketchup has no place in here, only the principles of Fair Trade and the project of a rooftop vegetable garden.

The explanation is a stage in the experi-ence of the eater who has become specta-

tor. Poetic labor to an extent disturbing; playful in the cravings, almost ecstatic definition when it brakes with flavors in pleasure. Could it be that the artistic ex-perience depends on formal studies? The tongue is sacred, as emitter but foremost as taster.

In the aromas and texture of what is to be eaten you could give even a subjective meaning to the other. The quadruple root of sufficient reason seems to let see a hid-den alchemy vocation in Rigel Sotelo, our chef; the very same he salts and peppers with his scientific background.

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Tiempos de hambre y terror, tiempos perimetrales;

•Rodin — Eva . Costillas de ternera sobre pico de gallo de manzana y jitomate, con aire de lágrimas.

•Andy Warhol — Autorretrato .Cuatro ‘sides’ de in-gredientes y salsas diferentes acompañados de pláta-nos fritos.

•Diego Rivera — Desnudo con Alcatraces. Flor de calabaza rellena de queso acompañada de deliciosa salsa roja.

•Rene Magritte — El Hijo del Hombre. Manzana rel-lena de carpaccio de atún con gelatina negra…en fin.

Times of hunger and terror, perimeter times;

Rodin –Eva. Veal ribs on an apple and tomato ‘Pico de Gallo’, with an air of tears.

Andy Warhol –Self portrait. Four ‘sides’ of ingredi-ents and salsas accompanied by fried bananas.

Diego Rivera –Nude with Arum Lilies. Zucchini flowers stuffed with cheese and a delicious red salsa.

Rene Magritte –The Son of Man. Tuna Carpaccio stuffed apple with black gelatin… and so on.

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Las paredes del lugar rebozan ironía; suculencias visu-ales, planicies destruidas pero apetitosas en su caída. La papila recibe el alimento tras subir en el espacio y perturbar el aire con el cubierto, cómplice muchas veces callado de la ansiedad, de esos sentimientos ocultos también en el “ya me dió hambre”.

¿Debussy o Satié? Traducibles através de ingredientes; drama-turgia que en sus mecanismos busca la apertura sensorial. Nunca la repetición de un menú se ha dado en “Sinestesia”; pero sí la memoria constante, los inconscientes colectivos de las formas.

¡El Guernica!: El aceite de olivo da la paz. ¿Cubismo gas-tronómico? ¿Cómo? ¡Blasfemia! En esa cuarta dimensión, el tiempo, Einstein sería un comensal sorprendido, la relación de los tiempos con el sentido de los discursos son el alimento. Guernica es carne cruda, intervención; lo expresivo violento. Laurel; las ganas de volver a crecer.

Hace años Rigel y las mesas temáticas del café “Nunca Más”; el graznido en una zona de terror del sitio, buscando que en ese in-stante compartido el comensal participará del cadáver esquisito o bien de la zona de haikú e Intercambios. Como aquel de las miradas deseantes sobre un plato de una mesa ajena.

Alejarse del promedio puede pagarse, valioso como los tacos de la esquina; sin embargo, venderse entre la oferta y la demanda del ramo. No ser lo que todo el mundo quiere muchas veces es también el nacimiento de una escuela.“Fisiologia del gusto” texto del inspirador Savarit: “Dime lo que comes y te diré que eres”, y en su paráfrasis por Hitchcock: “Nosotros somos lo que comemos”; desentraña al fin y al cabo un hedonismo puro, una necesidad de la virtud bella. ¡Carajo! Idealismo expectante del café.

“La gran ola de Kanagawa” Esta icónica obra maestra del arte japonés encuentra una traducción gastronómica en un delicioso y helado café espresso acompañado de una pequeña montaña de azucar y unos granos de café.

Está el horno de piedra del Vesubio que hornea la Jackson Pol-lock no. 5 con salsa de chilaca. O bien el performance de Adagio para cuchara y piano de los fines de semana, también la traduc-ción de los personajes realistas del teatro de Robert Patrick: “los onceceronueve”

“Ésta noche no me pidas nada, sólo endúlzame los oídos”, dice aquella canción; ésta noche olvidemos todo, vaya un refugio in-spirador. La barbarie en rebanadas. ¿En que piensas? –escribiera el Maestro Villaurrutia: “En ti, en nada, en nada, sólo endúl-zame, sólo endúlzame, sólo…”

The walls of the place are overflowing with irony; vi-sual delicacies, plains destroyed but still tasty in their fall. The taste bud receives the nourishment after going up in space and disturbing the air with the fork, silent partner many a time to the anxiety, to those hidden feelings that also lie in the “I just got hungry”.

Debussy or Satie? Translated through ingredients; it is drama-turgy that seeks sensory aperture in through its mechanisms. There has never been repetition at “Sinesthesia”; but the con-stant memory has, the collective unconsciousness of forms.

The Guernica!: The olive oil from peace. Gastronomic cubism? What? Blasphemy! In that fourth dimension, time, Einstein would be a surprised customer, the relationship between the times and the sense of the discourses are the food. Guernica is raw meat, intervention; the violently expressive. Bay leaves, the will to grow again.

Years ago Rigel and the thematic tables from the “Never More” café; the croak in a terror zone of the site, trying to get the eater to participate in the ‘Exquisite Corpse’ or in the ‘Haiku’ and ex-change zone. Just as that of the wanting stares on the food from somebody else’s table.

To stray from the average has a price, valuable as street tacos; nevertheless, to sell oneself to the field’s offer and demand. Not to be everything that the world wants is many times also the birth of a school. “Physiology of taste” is a text by the inspiring Savarit: “Tell me what you eat and I’ll tell you what you are”, or as paraphrased by Hitchcock: “We are what we eat”; it exposes in any event a pure hedonism, a need for beautiful virtue. Damn! Expectant café idealism.

“The Great Wave from Kanagawa” This iconic masterpiece of Japanese art finds its gastronomic translation in a delicious and chilled espresso coffee accompanied by a little mound of sugar and some coffee beans.

There is the Vesubio’s stone oven that bakes the “Jackson Pol-lock No. 5” with chilaca sauce. Or the performance of “Adagio for spoon and piano” on the weekends, as well as the translation of the realistic theatre characters of Robert Patrick’s: “The Elev-enceronine”.

“Tonight ask me for nothing, just sweeten my ears”, says that song; tonight lets forget everything, what an inspiring refuge. Barbarism sliced. What are you thinking about? –like Master Villaurrutia would write: “About you, about nothing, about nothing, just sweeten me, just sweeten me, just…”

39+ GÓTICO, NEOGÓTICO, TRANSGÓTICO Parte 1-2

Por / By: Gerardo Navarro

“Los hombres de aquellos tiempo tenían convicciones; nosotros, los modernos, no tenemos más que opinio-nes y para elevar una catedral gótica se necesita algo más que una opinión.”

Heinrich Heine

La historia que les presento es la búsqueda poética por responder: ¿a qué tradición pertenece ese “otro mundo” que se oculta detrás de las vallas del éxito y del glamour, de las pan-tallas noticiosas, de las conferencias del optimismo heroico y la multiculturalidad de las opiniones? ¿Cómo recuperar el sen-tido místico de la vida, sin recurrir a las religiones organizadas? ¿Cómo organizarse sin enlistarse en el partido, el sindicato, el monasterio o la universidad?

La historia no es lineal ni pudorosa. Es incoherente y recurrente. A veces se repite y permite encontrar respuestas en el pasado que explican nuestro presente. No podemos cambiar lo que no com-prendemos, y la Edad Media tiene claves para nuestro tiempo; nos enseña que el objetivo no es sobrevivir el fin, sino sobrevivir la transición. O, como diría Margaritte Yourcenar: “No se trata de un suicidio. Sólo se trata de batir un record”.

Es creencia popular que lo gótico es un sinónimo de “tétrico y oscuro”, pero esa concepción responde a la influencia de la novela de terror del siglo XIX. Gótico o Goth, históricamente, es el modo despectivo para referirse a los pueblos germanos que invadieron Roma: “los Godos”. El término fue introducido por el historiador florentino Giorgio Vasari en el siglo XVI, con él quería distinguir “el oscuro arte de la edad media” por oposición al glorioso pasado de la antigüedad clásica.

Durante el periodo gótico, la sociedad se encuentra en un estado de fermentación; los antiguos limites se vuelven borrosos y los nuevos se agudizan pero cambian constantemente; marcándose con esto las premisas en las que se basaría el Renacimiento. El Gótico unió a Europa con una estética internacional y una forma de vida que lentamente abrió el yugo social de la iglesia católica. El arte y la literatura fueron fundamentales para esta apertura.

The story I present to you is the poetic quest to answer: to what tradition does this “other World” that hides behind the gates of success and glamour, of news screens, heroic optimism conferences and multiculturalism of opinion belong to? How to recover the mystical sense of life, without recurring to organized religions? How to get organized without entering the party, the syndicate, the monastery or the university?

The story is neither linear nor shy. It is incoherent and recurring. Sometimes it repeats itself and allows us to find answers in the past that explain our present. We cannot change that which we don’t understand, and the Middle Ages have keys to our time. They teach us that the goal is not to survive the end, but to sur-vive the transition. Or as Margaritte Yourcenar would say: “it is not about suicide. It is jus about breaking a record”.

It is popular belief that Gothic is a synonym with “dark and spooky”, but that conception corresponds to the influence of the horror novel of the XIX century. Gothic or Goth historically is the derogatory way to refer to the German peoples that invaded Rome: “the Goths”. Florentine historian Giorgio Vasari intro-duced the term in the XVI century, to distinguish the “dark art of the middle Ages” as opposed to the glorious past of classical antiquity.

During the gothic period, society is in a state of fermentation; the old limits become blurry and the new sharpened but con-stantly changing, setting thus the premises for the foundation of the Renaissance. The Gothic joined Europe with an international aesthetics and a way of life that slowly broke the social chains of the Catholic Church. Art and literature were instrumental for this aperture.


Los Goliardos o frailes rebeldes y vagabundos; aban-donaron sus estudios académicos y se entregaron a la vida del camino y la bohemia creando la primera literatura urbana o go-liardesca, que criticó a la iglesia, a la sociedad establecida y al poder, con la sátira; así como la creación de composiciones líri-cas donde se elogiaban el vino, la taberna, el juego, la fortuna, el azar, las mujeres y el amor. Con esta literatura popular de bases académicas enriquecieron el acervo cultural del pueblo. Los pin-tores crearon el lenguaje visual internacional, para una sociedad mayoritariamente iletrada, lo cual representó el comienzo de la concepción estilística del arte moderno, con sus principios de fidelidad a lo real, de profundidad en el sentimiento, de sensitivi-dad y sensibilidad que logra realzar la belleza propia del arte.

De esta cultura urbana, nace la concepción mística de la vida, próxima a la naturaleza y alejada del cristianismo. Y el ser hu-mano del gótico, consciente de sus peligros y de su vulnerabili-dad, nos hereda mitos y alegorías como: el juego de la vida, la rueda de la fortuna, el sistema simbólico que codifica la psique humana en arcanos, -el Tarot-. La magia se vuelve técnica y la técnica, magia, como parte de la búsqueda de un sistema con-structivo más acorde con la naturaleza que se transmite en logias o fraternidades de albañilería y arquitectura, creadas alrededor de las catedrales para hospedar a sus constructores.

El neogótico surge en el siglo XVIII, en pleno Romanticismo, con la publicación de la novela El castillo de Otranto por Horace Walpole en 1764. Desde este momento el término gótico queda asociado a las connotaciones de lo sobrenatural, el horror, la morbosidad, la oscuridad, y alejándose de su origen etimológico de “bárbaro”; para exaltar la obsesión de la muerte, la noche, las ruinas, la descripción de monstruos y criaturas anormales; que respondían a la demanda de temas característicos del medieval-ismo, el exotismo y el orientalismo.

En el siglo XIX, los poetas malditos, cuyo genio fue su “maldi-ción”, retoman los temas y actitudes de la literatura goliardesca y, mediante el infusión de los Simbolistas, el poeta debe hacerse “vidente” y la única forma de lograrlo, según Rimbaud, es por un “largo, inmenso y racional desarreglo de todos los sentidos”. El poeta debe vivirlo todo, sufrirlo todo, para así poder conver-tirse en un “alquimista” de las palabras y hallar la perfección máxima en la poesía.

En el siglo XX, a mediados de los 70s y principios de los 80s, surge del movimiento post-punk una nueva manifestación góti-ca; la tribu urbana y su estética de la cual se desarrollan diversos subgéneros como: el rock gótico, gótico Lolita, ciber gótico, jazz gótico, gótico erótico, western gótico, danza del vientre gótico, cine neogótico, etc. La enciclopedia “Frikipedia” define con una lista de frases, la actitud de la tribu gótica; cito cuatro: “La so-ciedad no nos entiende, porque saben que somos superiores”, “Los ojos son el espejo del alma, pero la mía está corrompida”, “El infiel volverá a mi lado, con parte de la felicidad perdida, de nuevo recuperada”, “Los góticos son el Anticristo de los fresas”.

The Goliards or rebel and vagrant frays; abandoned their academic studies and gave themselves to a life on the road and to the Boehme, creating the first urban or goliardesque lit-erature, criticizing the Church, established society and power, using satire as well as creating lyrical compositions where wine, the tavern, gambling, fortune, chance, women and love were praised. With this academic based popular literature, they en-riched the cultural patrimony of the people. Painters created the international visual language for a mostly illiterate society, and this became the beginning of the stylistic conception of mod-ern art with it principles of fidelity to reality, dept of feeling, sensitivity and sensibility that achieve in heightening the beauty inherent to art.

From this urban culture is born the mystical conception of life, close to nature and removed from Christianity. And the gothic human being, conscious of his dangers and vulnerability inherits us myths and allegories such as the game of life, the wheel of fortune, the symbolic system that codifies the human psyche in arcane, -the Tarot-. Magic becomes technique and technique, magic, as part of the search for a constructive system more akin to nature that is transmitted in loges and fraternities of masonry and architecture, created around the cathedrals to host their con-structors.

The neo-gothic arises in the XVIII century, smack in the middle of Romanticism, with the publishing of The Castle of Otranto by Horace Walpole in 1764. From this moment onwards the term gothic remains associated to the connotations of the supernatu-ral, the horror, morbidity, darkness and, moving away from its etymological origin as “barbaric”; to praise the obsession with death, the night, ruins, the description of monster and abnormal creatures; responding to the demand for subjects typical of the medieval times, the exotic and the oriental.

In the XIX century, the cursed poets whose genius was their “curse”, retake the subjects and attitudes of goliardesque litera-ture and, through the infusion of the Symbolists, the poet must become a “psychic” and the only way to achieve it, according to Rimbaud, is through a “long, immense and rational disarray of all the senses”. The poet must live it all, suffer it all, so that he may become an “Alchemist” of words and find the upmost perfection in poetry.

In the XX century, by the middle of the 70’s and beginning of the 80’s, from the post punk movement arises a new gothic manifes-tation, the urban tribe and its aesthetics from which diverse sub-genres developed like: gothic rock, gothic Lolita, cyber gothic, gothic jazz, erotic gothic, western gothic, gothic belly dancing, neo gothic cinema, etcetera. The “Frikipedia” defines with a list of phrases the attitude of the gothic tribe; I quote four: “Society does not understand us, because they know that we are supe-rior”, “the eyes are the mirror to the soul, but mine is corrupted”, “The unfaithful will return to my side, with a part of happiness lost, found anew”. “The gothic is the Antichrist of the yuppie”.

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En el 2005 en Madrid, durante la Feria Internacional de Arte Contemporáneo, ARCO, un grupo de artistas españoles propusieron el Manifiesto Transgótico en respuesta al exceso del consumismo mercadotécnico y a la esterilidad fetichista del arte; cito: “La armonía que se busca no es tanto la externa, sino la interna, la que subyace a todo, la paz que fluye bajo las contra-dicciones. La armonía del caos”.

En síntesis, los artistas transgóticos proponen unirse para con-struir la “metáfora” de la gran catedral de las artes; reconocen al arte como un portador de valores que transcienden al mer-cado, el solipsismo y la globalización, abriendo otra dimensión que transmuta la existencia y ayuda a comprender/interaccionar con un mundo inexplicable -pero no supersticioso, ni cínico, ni ocioso-; cuya armonía en el caos es creador de sentido y con-tenido que busca “fecundar el desierto que nos rodea”. Es decir, más allá de la luz y las sombras, está la libertad como único horizonte.

POÉTIKA TRANSGÓTIKA, Gerardo Navarro, Nemónico

In 2005 in Madrid, during the MARCO the Internation-al Contemporary Art Fair, a group of Spanish artists proposed the Transgothic Manifesto as an answer to the excess of consum-erism and the fetishist sterility of art; and I quote: “the harmony sought is not so much external, but rather internal, the one un-derlying it all, the peace that flows under the contradictions. The harmony of chaos”.

In short, transgothic artists propose to join to build the “meta-phor” of the great cathedral of the arts; the acknowledge art as a carrier of values that transcend the market, the solipsism and globalization, opening another dimension that transmutes exis-tence and helps to comprehend / interact with an unexplainable world –but not superstitious, nor cynical, nor idle-; whose har-mony in chaos creates meaning and content and seeks to “fertil-ize the desert surrounding us”. That is to say, beyond the light and the shadows, there is freedom as the only horizon.

To be Continued...

43+

Carlos Montemayor: A la memoria / In Memoriam

Por / By: Tania Campos

“A la memoria” (www.carlosmontemayoralamemoria.blogspot.com) es un proyecto artístico y académico sin fines de lucro que tiene como principal objetivo la difusión de la obra del escritor e investigador mexicano Carlos Montemayor, a partir del planteamiento de dos metas principales: la producción de un disco con canciones, compuestas con base en la obra literaria de Carlos Montemayor por Alexandro Guerrero, cuyas ganancias serán donadas a alguna Organización No Gubernamental que apoye a grupos vulnerables, de preferencia en los Estados de Chihuahua, Guerrero o Chiapas, donde el maestro Montemayor tuvo gran influencia y la creación de la Cátedra Carlos Mon-temayor en diversas instituciones universitarias de México.

“In Memoriam” (www.carlosmontemayoralamemo-ria.blogspot.com) is a non-profit artistic and academic project primarily aiming at promoting the work of Mexican writer and researcher Carlos Montemayor, and it starts by setting two main goals: the production of a cd of songs, composed upon the liter-ary work of Carlos Montemayor by Alexandro Guerrero, with all profits being donated to a NGO that supports vulnerable groups, preferably in the States of Chihuahua, Guerrero or Chiapas, where master Montemayor had great influence and, second, the creation of the Carlos Montemayor Chair at several universities in Mexico.


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Para alcanzar estos objetivos, los integrantes de “A la memoria” realizamos diversas actividades, entre las que se en-cuentran la presentación del homenaje sonoro con canciones de Alexandro Guerrero y la lectura de fragmentos de la obra de Carlos Montemayor en la voz de su hija Victoria, así como la impartición de talleres literarios, conferencias y seminarios de investigación a cargo de Victoria Montemayor (Letras Italianas, UNAM, curadora de la obra textual de “A la memoria”), de Ta-nia Campos Thomas (antropóloga, escritora y realizadora de “A la memoria”) y de Alexandro Guerrero (maestro en Filosofía, director de teatro y productor general de “A la memoria).

“A la memoria” se ha presentado ya en diversos espacios cul-turales y universitarios de Mexico y en La Habana, Cuba, entre finales de 2010 y el transcurso de 2011, incluyendo entre otros la Casa del Lago, en la Asamblea de Representantes del Distrito Federal, La Casa del Poeta, la Universidad Nacional Autónoma de México y en el Festival Internacional Maravatío ARX-Fest (Michoacán) y la Casa de México en La Habana, Cuba, entre otros. Próximamente estaremos en La Quinta Gameros y en la Universidad Autónoma de Chihuahua (en el Estado natal de Montemayor), en la Casa de las Humanidades de la Universidad Nacional Autónoma de México, en el Teatro del Pueblo y en la Universidad Autónoma de la Ciudad de México.

Poeta, novelista, cuentista, traductor e investigador, Carlos Montemayor nació en Parral, Chihuahua, el 13 de junio de 1947 y murió en la Ciudad de México el 28 de febrero de 2010; fue activista social en defensa de las comunidades indígenas y de los grupos más vulnerables del país y una voz respetada con-tra la violencia de Estado en México. Miembro de número de la Academia Mexicana de la Lengua, Carlos Montemayor fue elegido como tal en 1984 (XX, 2); también formó parte de la Asociación de Escritores en Lenguas Indígenas y fue cantante de ópera aficionado.

Aunque forjó su carrera en la ciudad de México, fue en su ciudad natal donde desarrolló su gusto por las letras y por la música. De niño, su primer contacto con la literatura fue a través de Miguel de Cervantes, pues su padre lo obligaba a leer el Quijote en voz alta. Hizo los primeros estudios en Parral y la preparatoria en la Universidad de Chihuahua. Se trasladó luego a la ciudad de México, donde cursó la licenciatura en derecho y una maestría en letras iberoamericanas en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México de 1965 a 1971. Realizó estudios de lengua hebrea en El Colegio de México y, de forma paralela, de 1967 a 1976, estudió griego clásico, latín, francés, portugués, italiano e inglés.

To achieve these goals, the members of “In Memori-am” are currently performing several tasks, amongst which there is the presentation of a sonic homage with songs by Alexandro Guerrero and the reading of Carlos Montemayor’s work in the voice of his daughter Victoria, as well as the implementation of literary workshops, conferences and research seminars in charge of Victoria Montemayor (Italian Literature, UNAM, curator of the written work “In Memoriam”), Tania Campos-Thomas (an-thropologist, writer and producer of “In Memoriam”) and Alex-andro Guerrero (Philosophy Master, theatre director and general producer of “In Memoriam”).

“In Memoriam” has already been presented in several cultural and university spaces of Mexico and Cuba, between the end of 2010 and the beginning of 2012, amongst other the Casa del Lago, the Congress of Mexico City, at the House of the Poet, in the House of Mexico at La Haban, Cuba, at UNAM and in the International Maravatio ARX-Fest (Michoacan). Soon we will be at La Quinta Gameros and at the University of Chihuahua (Montemayor’s birthplace) in the House of Humanities from UNAM, at the Teatro del Pueblo and at the Mexico City’s Au-tonomous University.

Poet, novelist, translator and researcher, Carlos Montemayor was born in Parral, Chihuahua on June 13, 1947 and died in Mexico City on February 28, 2010; he was a social activist de-fending native communities and the most vulnerable groups in the country and he was a respected voice against violence in the State of Mexico. Senior Fellow at the Mexican Academy of the Language, Carlos Montemayor was elected as such in 1984 (XX, 2); he was also part of the Indigenous Languages Writers Association and was an amateur opera singer.

Even though he made his career in Mexico City, it was in his native town were he developed his taste for literature and music. As a child, his first contact with literature was through Miguel de Cervantes, because his father made him read the Quixote out loud. He made his first studies in Parral and high school at the University of Chihuahua. He then moved to Mexico City where he undertook Law School and masters in Ibero-American Lit-erature at the Philosophy and Literature School from the UNAM in from 1965 to 1971. He made studies in Hebrew language at the Colegio de Mexico, and in parallel, from 1967 to 1976, he studied classical Greek, Latin, French, Portugues, Italian and English.

En cuanto a sus actividades docentes en México, Carlos Montemayor fue profesor de tiempo completo de la Universidad Autónoma Metropolitana, Unidad Azcapotzalco, en el Departa-mento de Humanidades de la División de Ciencias Sociales y Humanidades, de 1974 a 1987, y enseñó, en diversos años, dan-do cursillos y seminarios, en El Colegio de México, en el Centro de Investigaciones y Docencia en Humanidades del Estado de Morelos (CIDHEM), en la Universidad Autónoma de Ciudad Juárez, en la Universidad Nacional Autónoma de México y en la Universidad Iberoamericana.

El maestro Montemayor, también dirigió talleres de traducción y redacción para apoyo de la lengua escrita en sus propios idiomas con grupos chinantecos (de la chinantla alta), mixes, zapotecas (de la Sierra de Juárez) y mayas (de Yucatán), en los programas de la Dirección General de Culturas Populares de la Secretaría de Educación Pública, y condujo talleres literarios en lengua maya con Promotores Indígenas de Yucatán, con escritores de lengua zapoteca en Juchitán, Oaxaca, con escritores de lengua purépecha en diversas zonas de Michoacán y con grupos tzel-tales y tzotziles en San Cristóbal de las Casas, Chiapas, de 1983 a 1997. Fue Director de Difusión Cultural de la UAM, Rectoría General, de 1979 a 1982, y Secretario y Administrador de El Colegio Nacional, de 1983 a 1987. Fue colaborador del periódi-co La Jornada en artículos de análisis político de 1993 a 2010 y de la revista Proceso de 1997 a 2010. Desde 1987 se dedicó exclusivamente a sus tareas literarias y a sus actividades como conferencista en México y en el extranjero.

Como novelista, la ficción de Carlos Montemayor nunca ocultó la realidad, cruda y sangrienta, que marcó el sino de movimien-tos como el de Lucio Cabañas en Guerrero o el del grupo comu-nista -encabezado por Arturo Gámiz, Salvador y Salomón Gay-tán, y Pablo Gómez- que participó del Asalto al cuartel Madera en su estado natal, Chihuahua. Analista riguroso y crítico, reg-istró en varios ensayos, como pocos se han atrevido, valiente y claro, la historia contemporánea de los movimientos sociales que el Estado mexicano ha agredido de manera sistemática: La guerrilla recurrente, Chiapas, la rebelión indígena de México, La violencia de Estado en México, antes y después de 1968, por ejemplo. Como poeta, tampoco renunció a su compromiso ideológico y social, enérgico alzó la voz en las estrofas de Las armas del viento y Elegía de Tlatelolco. Con esa misma energía, quienes integramos “A la memoria”, difundimos la obra de Car-los Montemayor, espacio de denuncia, aunque de paz, en tiem-pos de violencia.

As for his teaching activities in Mexico, Carlos Mon-temayor was a full time professor at the UAM, in the depart-ment of Humanities from the Social Sciences and Humanities Division, from 1974 to 1987, he taught in several ocassions, lectures and seminars, at the Colegio de Mexico, at the Center for Research and Education in the Humanities from the State of Morelos (CIDHEM), at the University of Ciudad Juarez, at the UNAM and the Universidad Iberoamericana.

Master Montemayor also coordinated translation and writing seminars to support their written language for Chinanteco groups (from the higher Chinantla), Mixes, Zapotecs (from Sierra de Juarez) and Mayas (from the Yucatan), within the programs of the General Department of Popular Cultures of the Ministry of Public Education, and conducted literary workshops in Mayan language with Indigenous Promoters of the Yucatan, with writ-ers of the Zapotec language in Juchitan, Oaxaca, with writer of the Purepecha language in several areas of Michoacan and with Tzeltal and Tzotzil groups in San Cristobal de las Casas, Chi-apas, from 1983 to 1997. He was UNAM’s Cultural Promotion Director from 1979 to 1982, and Secretary and Administrator at El Colegio Nacional, from q983 to 1987. He collaborated at La Jornada newspaper in political analysis articles from 1993 to 2010 and in Proceso magazine from 1997 until 2010. Since 1987 he was devoted exclusively to his literary work and his activities as speaker in Mexico and abroad.

As a novelist, Carlos Montemayor’s fiction never hid reality,raw and bloody, that marked the fate of movements such as that of Lucio Cabañas in Guerrero or the communist group –lead by Arturo Gamiz, Salvador and Salomon Gaytan, and Pablo Go-mez –that participated in the Assault to the Madera base in his native state of Chihuahua. Rigorous and critical analyst, he reg-istered in several essays, like few have dared, brave and clear, the contemporary history of social movements that the Mexican Government has sistematicaly badgered: The recurring guerril-la, Chiapas, the native revolt in Mexico, Government Violence in Mexico, before and after 1968, for example. As a poet, he did not renounce his ideological and social commitment either; he raised his voice with energy in the lines of Weapons on the wind and Tlatelolco’s Elegy. With that same energy, those of us who conform “In Memoriam”, promote the work of Carlos Montemayor, a space for denouncement, if peaceful, in a time of violence.


Destellos de47+

Destellos de mar La artista Krmn Contreras inaguró el

pasado jueves 9 de febrero exhibición

Fotográfica “MARINA” en el pasillo de la Foto-

grafía del Instituto de Cultura de

Baja California (ICBC)

Al detalle:Exposición “Marina”De la artista Krmn Contreras

Escenario: Pasillo de la Foto-grafía, Instituto de Cultura de Baja California (ICBC). Disponible al público hasta el 05 de Marzo de 2012.

Nota tomada de frontera.infoLunes 13 de Febrero Sección CPor: Iván [email protected]

Seducida por las bondades del mar, la artista visual Krmn Contreras depositó en su exhibición “Marina” un discurso que fusiona el instante exacto de la captura del lente, la brisa marina y la figura femenina en más de una docena de imá-genes.

La exhibición inaugurada el pasado jueves en el Instituto de Cultura de Baja California (ICBC) ilumina el pasillo de la fotografía con paisajes marinos que hablan al espectador del tiempo y espacio como un vehículo de conexión entre el presente y lo efímero del recuerdo.

Seduced by the goodness of the ocean, visual artist Krmn Contreras deposited in her show ‘Marina’a discourse that fuses the precise instant captured by the lens, the sea breeze and the feminine figure in more than a dozen images. The show inaugu-rated last Thursday at the Institute of Culture of Baja California (ICBC) brightens the photography hall with seascapes that talk to the spectator about time and space as a vehicle connecting the present with the ephemeral memory.

“‘Marina’... Era como capturar algo que está pero no está a la vez. Era como una barrera invisible que podría ser el tiempo, es de lo que intento hablar en este caso, hablo del mo-mento”, explicó la Licenciada en Artes Visuales durante entrev-ista.

Colocando un cristal frente a la cámara fotográfica, Contreras urdió historias con destellos de mar, buscando capturar escenas de mayor profundad que llevan a su modelo a transmitir en cada imagen una desnudez que no obedece a los impulsos carnales.

Egresada de la Escuela Superior de Artes Visuales y tijuanense por nacimiento, Krmn Contreras utiliza a “Marina” como un punto de transición para la consolidar conceptos más concretos tras su salida de las aulas. Así, la pieza de arte instalación se compone por escenas cálidas, cuadros con desenfoque, formasmúltiples donde las siluetas femeninas dan cobijo a la mirada, a la espera de que cada uno de los escenarios represente un mo-mento de encuentro con el visitante.

“El día, ese momento, pasó pero, como esta pieza de arte in-stalación, regresa duplicado y amplificado. Algunos detalles se perciben nítidos, tanto que parecen reales; pero la imagen com-pleta en mi mente está un tanto borrosa”, agrega.

“Marina” y sus destellos de realidad bañados de mar quedarán a disposición del público hasta el próximo mes de marzo en el Pasillo de la Fotografía del ICBC, como una invitación al pú-blico a interpretar la obra.

“Marina… It was like capturing something that is and is not at the same time. It was like an invisible barrier that could be time, it is what I am trying to talk about in this case, to talk about the moment”, explained the Bachelor in Visual Arts gradu-ate during an interview.

Placing a sheet of glass in front of the photographic camera, Contreras weaved stories with glimpses of the sea, seeking to capture deeper scenes that take her model to transmit in each image a nakedness not born of carnal impulses.

A graduate from the School of Higher Studies on the Visual Arts and native from Tijuana, Krmn Contreras uses ‘Marina’ as a transition point to consolidate more concrete concepts after exiting the classrooms. Thus, the installation art piece is com-posed by warm scenes, out of focus pictures, multiple shapes where feminine silhouettes shelter our gaze, in the expectation that each of the scenes will represent a moment of encounter with the visitor.

“The day, that moment, passed but, as in this piece of installation art, it comes back duplicated and amplified. Some details can be neatly perceived, so much that they seem real; but the image as a whole in my mind is somewhat cloudy”, she adds.

‘Marina’ and her glimmers of reality bathed by an ocean will remain available to the public until next March at the Hall of Photography of the ICBC, as an invitation for the audience to interpret the work.

La primera sensación que tuvimos al entrar a El Potrero fue de sorpresa, este edificio icónico de Tijuana en forma de sombrero, ubicado sobre Bulevar Agua Caliente, es una imagen con la que todos los que hemos vivido en, o pasado por, Tijuana estamos familiarizados. La sorpresa vino porque el restaurante en su versión de unas décadas atrás era un ‘Drive In’ al estilo norteamericano de los 50’s y 60’s, y por alguna razón nos imag-inamos que ahora sea una fondita humilde y simpática. En lugar de esto nos encontramos con todo un señor restaurante en ex-celente forma, diríamos elegante pero sin pretensiones, un lugar franco y acogedor como para sentirte en casa.

Además, llegamos en esa hora en que los que vienen temprano ya se fueron y los que vienen tarde aun no han llegado, lo que nos dio una oportunidad para apreciar las diferentes facetas del lugar de un sólo vistazo. A la luz del día, el ambiente es familiar y agradable, con un personal amable pero sin ser ‘encimoso’.

The first sensation we had as we came into El Potrero was surprise, this iconic Tijuana building in the shape of a big sombrero, located on Agua Caliente boulevard is an iconic im-age with which those of us who’ve lived or even visited Tijuana are familiar with. Surprise came from the fact that the origi-nal version of this restaurant was a Drive-In in the style of the American dinners from the 50’s and 60’s, and for some reason we expect it to be now a little humble and happy little ‘fonda’. Instead of this we found a full fledge restaurant in perfect form, we would say elegant but not pretentious, an honest and cozy establishment to make you feel at home.

Besides, we arrived at that time when the early birds have left and the latecomers haven’t gotten here yet. Which gave us a chance to appreciate the different faces of the place at a single glance. With daylight, the atmosphere is family oriented and nice, with a personable but not overbearing staff.

Gastronomía - SOBREMESA / EL POTRERO51+ Por / by: Yo Merito!


Una mirada rápida al bien surtido bar nos permite, sin embargo, imaginar claramente que más de un asiduo se va temprano después de comer con la familia para regresar luego a tomar la copa con los amigos y pedir alguno de esos antojos mexicanos que tan bien acompañan el trago y la conversación.

El lugar cuenta incluso con un comedor separado que se presta para organizar reuniones privadas, equipado con una simpática chimenea y con acceso directo al exterior. Un salón espacioso, bien iluminado durante el día y acogedor para la noche. Muy adecuado para cualquier tipo de evento familiar o profesional.

El ambiente es mexicano, con un aire de la antigua cultura cam-pirana, con abundante madera y una iluminación cálida que se presta a sentirse cómodo y a conversar sobre un café o una co-pita.

Pero la estrella del show lo fue la comida. Pequeños toques como una ramita de epazote en la sopa de tortilla le dan a la comida de El Potrero el auténtico sazón mexicano que tanto extraña-mos quienes hemos tenido oportunidad de disfrutar la auténtica comida del centro del país.

El menú en general no es pretencioso, pero toda la comida tiene detalles que la hacen resaltar y el sazón denota el cuidado en el detalle del chef. Las porciones son generosas, pero el énfasis está claramente en el sabor y en una presentación sencilla pero muy digna que enfatiza la sensación de estar en un viaje en el tiempo y el espacio a ese otro México que crecimos viendo en las películas de la época de oro del cine mexicano y que algunos norteños tuvimos la oportunidad de conocer en algún viaje. Los antojitos generosos, bien acompañados de verdura crujiente y de sus cazuelitas de barro con deliciosas salsas y, claro, todas las tortillas y productos de maíz hechos a mano y al momento, todo fresco y de primera calidad.

A rapid glance at the well stocked bar allows us, how-ever, to clearly picture some of the regular patrons leaving early after eating with the family, only to return later with friends for a drink and some of those Mexican snacks that are so good to go with a drink and conversation.

The place even has a separate dinning room ideal for organizing private events, equipped with a charming fireplace and direct access from the street. A spacious hall well lit during the day and cozy for the nighttime. It is a very adequate for any type of family or business occasion.

The atmosphere is Mexican, with a flare of the old country cul-ture, lots of wood and a warm light that leads you to feel com-fortable and have a conversation over coffee or a drink.

But the star of the show was the food. Little touches like a few fresh ‘epazote’ leaves in the tortilla soup give the food from El Potrero the authentic Mexican flavor that those of us who’ve had the chance to enjoy authentic food from down south of Mexico crave.

The general menu is not pretentious, but all the food has details that make it stand out and the flavor denotes the care for detail from the chef. The portions are generous, but the emphasis is clearly on taste and a simple but very dignified presentation that gives you the feeling of being in a trip through space and time into that other Mexico we grew up with by watching old movies from Mexican film’s golden age and that a few northerners had the chance to know through travels. The snacks or ‘antojitos’ are generous, they come well accompanied by crisp vegetables and little clay pottery filled with delicious salsas and, of course, all tortillas and corn products are made by hand and right when ordered; all fresh and first quality.

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En esta ocasión me decidí por un corte de carne, una cabrería en esta ocasión, que es para mí siempre una prueba para este tipo de establecimiento, prueba que, debo decirlo, pasaron con honores, pues no solamente la carne era de primera calidad y estaba cocida al término correcto tal como la pedí, sino que arribó bien caliente en su plato de metal, sin demasiado condi-mento, pero con una pimienta quebrada que me hizo suspirar y que extraño en más de un restaurante de lujo cuando pido un filete a la pimienta y me llega con una tímida dosis de pimienta en polvo. Este era un buen corte, bien cocinado, bien presentado y bien aderezado. Pedí un guacamole por un lado y estuvo ex-celente, recién preparado, abundante y justo como me gusta para acompañar unas tortillas calientitas y recién hechas.

Y para los que vamos en familia en la hora temprana, la aten-ción y el servicio a los niños hace una gran diferencia. Los niños perciben muy bien la diferencia de un trato verdaderamente am-able y responden muy bien a ello, el personal de El Potrero fue atento con nuestros hijos y tuvieron detalles como regalarles un globo, cosa que con los niños hace mucho para llevar la comida en paz y alegría.

Mientras el mayor de mis hijos se decidió por los antojitos, el más pequeño se empeñó en una elección que al principio me preocupó. Pidió una sopa de fideos y un plato con frutas. Esto es también algo que yo puedo considerar una prueba del ver-dadero material de que está hecho un restaurante, pues muchos chefs consideran estos artículos como platos ‘de relleno’ en el menú y suelen descuidarlos mucho. Me alegra decir que no fue el caso aquí, pues la sopa de fideo era un verdadero platillo con esos toques de sabor auténtico que hemos venido mencionando y que a mis niños les encantó pues al final ambos acabaron que-riendo probarla y dieron cuenta rápidamente de ella. Pero lo que si me sorprendió fue la calidad y abundancia de la fruta que real-mente fue una buena comida para mi pequeño quien la disfruto enormemente.

En resumen, El Potrero, que muchos nombramos de broma el sombrero, por la forma del edificio, es una verdadera joya para ese antojo del sabor auténticamente mexicano, en un ambiente agradable y acogedor, ya sea con la familia o con los amigos, una verdadera sorpresa en el mejor sentido de la palabra, pues sus interiores, su servicio y su comida rebasan con mucho lo que algunos nos imaginamos por su apariencia externa. En defini-tiva, un lugar de Tijuana que vale la pena visitar.

In this occasion I decided for a steak, a ‘cabreria’ this time, which I always consider a test for this kind of establish-ments, a test I must say that they passed with flying colors. The beef was not only top choice and cooked to perfection just as I asked for, but it also arrived sizzling hot in its metal plate, not to much condiment, but with a generous portion of freshly crushed pepper that is lacking more often than I’d like in luxury restau-rants when I order a ‘filet au poivre’ that ends up arriving with only a shy dose of powdered pepper. This was a fine cut, well-cooked well presented and well dressed. I asked for a guacamole on the side and it was excellent, freshly made, generous and just as I like it to go with hot just made tortillas.

And for those of us who come with family in the early hours, the attention and service to children makes a big difference. Kids easily perceive the difference that genuine kindness makes and respond very well to it, the El Potrero staff was kind to our kids and had details like giving them a balloon, something that goes a long way with children to eat in peace and joy.

While the oldest of my kids chose ‘Antojitos’, the youngest one insisted in a choice that worried me at first. He ordered a noodle soup and a fruit platter. This is also something I consider a test of the true colors of a restaurant, because many chefs consider these items to be of lesser importance in the menu and tend to mess them badly. But I am glad to say that this was not the case here; the noodle soup was a true dish with those touches of au-thentic flavor that we have been talking about and that my kids loved, because in the end they both wanted a piece of it and al-most licked the plate clean. But what truly surprised me was the quality and abundance of the fruit that was truly a good meal for my youngest who enjoyed it greatly.

In short, El Potrero, that many of us playfully call the sombrero because of the building’s shape, is a true gem for that craving of authentic Mexican flavor in a nice and cozy environment, be it with family of friends, a true surprise in the best sense of the word; because its interiors, service and food are well beyond the expectations some of us get from its external appearance. It is definitely a place in Tijuana worth visiting.


M I S I O N 1 9

En una nota aparte, quiero platicarles que regresamos al Misión 19 del chef Plascencia, a celebrar un cumpleaños y nos encontramos con que algunos detalles de nuestra anterior crítica han sido superados, en particular el control de la temperatura del comedor que, ahora sí muy agradable, nos permitió disfrutar en forma de la comida. El menú sigue siendo imaginativo y origi-nal, la presentación al más puro estilo de la alta cocina y, lo más digno de aplauso, con un menú que cada vez más va creando un auténtico estilo de alta cocina de Tijuana. Dicho esto, insistimos con que el pan se haga en casa y venga calientito y de prim-erísima calidad, que es lo único aceptable en un restaurante que aspira a calificar de 5 estrellas. El control en la temperatura de la comida mejoró muchísimo y creemos firmemente que Misión 19 seguirá siendo un referente para el desarrollo y consolidación de la alta cocina Tijuanense.

In a separate note, I want to tell you that we went back to chef Plascencia’s Mision 19, to celebrate a birthday and we found out that some of the details we criticized in a previous note have been successfully fixed, particularly the climate control in the dining room, which now is very pleasant and allowed us to enjoy our meal properly. The menu is still imaginative and origi-nal, the presentation on the purest ‘Haute Cuisine’ style plus, the most worthy of applause, with a menu that keeps pushing to-wards creating an authentic Tijuana fine dining style. That said, we insist that the bread should be made in-house and is served freshly baked and top quality, which is the only acceptable way for a restaurant that aspires to a 5 star rating. Control over the serving temperature of the food thoroughly improved and we firmly believe that Mision 19 will keep on being the lead refer-ence for the development and consolidation of Tijuana’s high cuisine.

SOSPESO. Arte en Café

No puedo dejar de insistir también, para todos los amantes del buen café, en la maravilla que tenemos en Tijua-na llamada Sospeso. Para alguien como su servidor, que tuvo oportunidad de malacostumbrarse a los cafés de Nápoles, Paris, Roma o Madrid y que en el pasado estuvo más que dispuesto a hacer viajes a lugares escondidos de la vecina ciudad de San Diego para conseguir las marcas de café europeo a las que es-taba acostumbrado, no puede dejar de maravillarle encontrar en Tijuana a un apasionado y experto barista como Alberto Song quien ha viajado por los cafetales del mundo eligiendo los me-jores granos de América, África y el Medio Oriente, que se ha destacado como juez internacional en concursos de café y quien se ha dedicado con amor y pasión a la difícil tarea de introducir al público de Tijuana al consumo del auténtico buen café, más allá de la moda de bebidas tipo ‘gringo’ llenas de saborizantes y edulcorantes.

En sospeso el arte está en el la barra ‘Brew Bar’, seguro, tanto como en los expresos y otras prensas y colados tradicionales, pero también hay pequeños toques de arte visual que siempre apreciamos en los simpáticos dibujos que sus baristas ponen en los ‘lates’, algo que seduce aun a los aferrados del café negro como su servidor, convenciéndome de tomar un café con algo más en él que puro café. Hoy en día, viajaría gustoso desde Ti-juana hasta el norte de San Diego si Sospeso no estuviera justo aquí; sólo para regresar cargado hasta el tope con varias de las deliciosas mezclas y diversos tostados de Alberto Song, para dis-frutar en mi expreso diario, y no cambiaría el café de Sospeso por ninguna de las marcas europeas que tanto amé, porque ahora ciertamente he encontrado algo mejor, aunque usted no lo crea.

I cannot cease to insist also, for lovers of good coffee, in the wonder we have in Tijuana called Sospeso. To someone like yours truly, who had the chance to get spoiled with the cof-fees of Naples, Paris, Rome or Madrid and in the past was more than willing to take long trips across the border into hidden plac-es in neighboring San Diego to get the European coffee brands that he was used to, it can be no less than a wonder to find in Tijuana a passionate and expert barista like Alberto Song, who has traveled the coffee plantations of the world hand picking the best grains from America, Africa and the Middle East, and who has gained notoriety as an judge at international coffee contests and who has devoted himself with love and passion to the dif-ficult task of introducing Tijuana’s audience to authentic good coffee, well away from the ‘gringo’ style beverages filled with added flavorings and sweeteners.

At Sospeso, the art is in the brew bar, for sure, as well as in the espressos and other traditional presses and brews, but there is also a touch of visual art that we always appreciate in the can-did designs their baristas put into the ‘late’, something that lures even a diehard black coffee aficionado like me into having a cof-fee with something in it, other than coffee. Nowadays, I would gladly travel from Tijuana to North County if Sospeso wasn’t here, just to come back loaded with several of Alberto Song’s mixes and varied roasts to enjoy on my daily espresso, and I would not trade Sospeso’s coffee for any of the European brands I so loved, because now I have certainly found something better, believe it or not.


Editorial Zona Límite¡¡¡TE BUSCA!!!

¿Te gusta escribir? ¿Estás intere-sado en la escena artística y cultural de tu ciudad? Editorial Zona Límite está inte-resada en corresponsales de otras ciudades (fuera de Tijuana) que quieran publicar REG-ULAR o EVENTUALmente artículos sobre :

Artes VisualesArquitectura y DiseñoArtes EscénicasLiteraturaMúsica CinePolítica CulturalGastronomía (y vinos)

Nuestro comité editorial estará recibiendo propuestas en [email protected] Los interesados deberán mandar un artículo muestra, un CV y datos de contacto.

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Arte para salvar a México No.12

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