.2-7 Celebrando 10 años: propues-tas del Colectivo UAN para la celebración de los 10 años de fundación de su escuela.

8-9 Arte para salvar a México.

11-12 Décimo Aniversario ESAV.

14-17 Ultimo Día Azul.

18-23 Nueva era en la Crítica de Arte. Yo soy Tu.25-28 Espacio Visual.29 Yonathan y el Colectivo UAN.30-31 CONVENIOSentre Instituciones CIERRAN PUERTAS a recién Egresados.32-35 4ta Edición Dimueble.36-37 Entrevista: Baja Wine Tours y Dora Villarino.39-40 La ESAV por el Mundo.41-42 Sobremesa.43-44 El Sabor de la Arquitectura.

D I R E C T O R I ODirector y Diseño Editorial:

Krmn Contreras

Editor en Jefe:Jaime Cuanalo

COLUMNISTASMartha SotoYo Merito!

Fernando Servin

ColaboradoresAldo GuerraLuisa OrduñoJorge Marme

Lourdes TejedaYonathan Pérez

Alexandra Obando

Siluetas ExtranjerasPor Krmn Contreras

Tijuana “La ciudad más visitada del mundo” esta era la frase que solía escucharse y cualquiera pensaría que podría ser una ciudad rica en CULTU-RA, llena de diversidades, lamentable en la actualidad el pensamiento es otro. Las fras-es que más se escuchan fuera de nuestro país son “No vayas a Tijuana”, “Tijuana es una ciu-dad llena de Violencia”, “ahí amanece un muerto por día”.Esta es la verdad que mu-chos escuchan, pero para mí, la verdad es otra muy difer-ente y no por ser tijuanense, este último año he vivido la mejor de las experiencias y

todo en esta ciudad, mi visión sobre el mundo y sobre todo de la palabra CULTURA han cambiado radicalmente.

Hace un año aproxi-madamente, Jaime Cuanalo inició con un proyecto llamado “TRUST” (Confianza), se in-scribió a una red internacional llamada “Couchsurfing” que su única función es conectar a los viajeros del mundo con la cultura de la ciudad a la que visitan. En resumen, cuando los inscritos a esta red van a viajar, a Tijuana por ejem-plo, buscan cuantos ‘couch surfers’ hay en esta ciudad, y eligen el perfil que más les agrade para hacer contac-to para ser bien recibidos a

hospedarse y convivir con la vida diaria de esta persona.

A pesar de que estos ex-tranjeros escuchan constante-mente ¡No vayan a Tijuana! Aquí les decimos que Tijuana es una ciudad tan peligrosa como cualquier ciudad grande de los países del hemisfe-rio, incluyendo las ciudades grandes de USA; les mostra-mos que hemos recibido mu-chas visitas y todos y cada uno de ellos quedan enamo-rados de Tijuana, de la misma ciudad que muchos que no la conocen dicen que es la ciu-dad más peligrosa del mundo.Y así inicia su aventura en Tijua-na y con ellos también la mía.

Celebrando los 10 años de fundación de su escuela y con la incorporación plena de una nueva generación de miembros, principalmente de Artistas Visuales y Arquitectos de Interiores, el colectivo se lanza a lograr proyectos más ambiciosos para transformar el espacio público de Tijuana en un lugar más humano y que propicie un mejor nivel de vida para todos los ciudadanos.

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Con el paso de los años nuestra es-pecie incrementa sus números en una man-era rápida y continua. Al mismo tiempo crece la cantidad de desechos que producimos, millones de toneladas de basura son tira-das diariamente ocupando una gran canti-dad de espacio en los basureros mundiales.Que sucederá una vez que no haya más espacio para estos?

La gente ya está pensando en eso, cre-ando objetos de materiales reciclados, evitan-do el desperdicio de todos esos elementos que pueden ser reutilizados e incluso utiliza-dos en la elaboración de creaciones artísticas.

Artistas alrededor del mundo es-tán usando técnicas como la escultura con objetos encontrados para crear piezas muy llamativas y a la vez ecológicas.

Para este proyecto me estoy basan-do en estas para crear un pequeño ecosiste-ma falso, que constara de un árbol, arbustos y quizás alguna criatura creados con obje-

tos que encuentre. Mostrando así un ecosis-tema totalmente hecho de basura y dando un mensaje ecológico a los espectadores.

Nos proponemos construir para Tijuana un atractivo que contribuye al enriquecimiento cultural de la po-blación local, así como sirviendo de escaparate ante el turismo de nuestra vida cultural, poniendo todas nuestras capacidades y nuestros conocimientos al servicio de la ciudad en forma de un proyecto útil para la sociedad, de gran calidad y atractivo.

Los artistas ya comenzamos a trabajar y estamos dispuestos a darlo todo por transformar a Tijuana en una ciudad del arte, para la felicidad, or-gullo, bienestar y riqueza de todos los habitantes de nuestra ciudad y es-tado.

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Desde adolescente hasta este día he es-tado involucrado con grupos de música, en el momento que comencé a estudiar artes visuales, fue evidente para mí que tenía que combinarlas de alguna forma, pues los dos son una parte muy importante en mi vida y siempre siento la necesi-dad de complementar lo visual con lo auditivo.

Por Fernando Servin

Recientemente me he interesado aún más por el arte instalación, pues considero que es una de las vías más indicadas para re-gresar las formas artísticas a los espacios de nuestra vida diaria, similar a como funcionaban civilizaciones antiguas a una globalizada como la nuestra, por ejemplo los griegos, egipcios, mayas, tenían presentes en su cultura sus for-mas artísticas q se traducían a leyes, edifi cios, vestimenta, música, danza, literatura, etc. En-volvernos en las formas creadas por los tijuan-enses y no tijuanenses es parte de mis metas.

Así en este proyecto de Instalación decidí combinar lo visual y lo auditivo, haciendo una

analogía del Reloj con la Vida Humana. Pues así como el reloj sigue su curso infi nito de hora a hora, minuto a minuto, segundo a segundo, tam-bién nuestras vidas se ven fácilmente envueltas en círculos, a veces cada vez más diminutos y transparentes, siendo más difícil que la chispa de curiosidad y caos brote en alguno de no-sotros para romper con alguno de los círculos.

La instalación consiste en una forma de reloj gigante sentada en el suelo, con los inte-grantes del grupo representando los números del reloj y una masa de fi guras humanoides con los números del 1 al 12 formados en cír-culos hasta terminar en medio del reloj.

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Comencemos esta sexta en-trega de ‘Arte Para Salvar a México’ con una alegoría, les pido pacien-cia que todo tendrá sentido al final:

‘Imagina que en una ciudad como Tijuana, por ejemplo, haya tres instituciones financiadas con el dinero de todos los ciudada-nos con el propósito de promover y difundir la alta cocina entre la población de la ciudad…. Ahora imagina que esas instituciones creen que en realidad están allí para hacerle un favor a los chefs de alta cocina, prestándoles un espacio donde demostrar sus ha-bilidades… Entonces el director le dice a los chefs de la ciudad: “Les voy a hacer el favor de dejarlos cocinar en mi institución, pero no les voy a pagar por su trabajo; es más, ustedes tendrán que pagar por los ingredientes con los que van a cocinar y también tendrán que poner la vajilla y los cubiertos con los que le van a servir a mis usu-arios…. Ah, tampoco voy a invitar al tipo de público que es tu cliente potencial, así que te promoverás entre la gente que normalmente no va a ser tu clientela y, para hacer-lo más emocionante, tendrás que pedir, rogar y luchar para que te selecciones uno de mis emplead-os que, aunque no estudio formal-mente sobre alta cocina, sus ami-gos que tampoco estudiaron alta cocina dicen que sabe mucho…”

¿Cuántos verdaderos pro-fesionales aceptarían este favor? Quizás algunos muy comprometi-dos con su comunidad, pero con el tiempo, poco a poco, solamente acabarían por quedar aquellos cocineros aficionados-con-preten-siones, que están dispuestos a pa-gar para sentirse ‘validados’ como chefs. ¿Por qué los chefs profe-sionales no aprovechan la oportu-nidad? Porque la vocación de esas instituciones es social, así que se enfoca en convocar a los niños en edad escolar, personas de es-casos recursos, preferentemente con discapacidades o de la tercera edad, etcétera. Grupos demográ-ficos que no son los potenciales clientes de un chef de alta cocina. Así que un chef profesional de alta cocina, tendría que pagar un alto precio por el privilegio de re-alizar la función para la que esa in-stitución tiene, de hecho, un presu-puesto y su razón misma de existir.

Es prácticamente imposible que la institución pueda cumplir su función de esa manera; es in-evitable que la calidad de su oferta decline rápidamente y que el in-terés del público decline también, conforme lo ofertado pasa de ser una selección de manjares a una colección de platos ordinarios, a veces de plano mal confec-cionados y, mínimamente, nada que capture el interés, la emo-ción o la imaginación del público.

Hágame el favorPor J. J. Cuanalo

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Esto es exactamente lo que pasa con nuestras in-stituciones de cultura actual-mente, principalmente con la cultura estatal y municipal, así como en alguna medida con la federal. Las instituciones de cultura destinan la mayor parte de su presupuesto a la admin-istración, pero harto poco a costear un producto cultural de calidad para sus usuarios. En las artes visuales, por ejemplo, a pesar de que suelen llenar sus informes anuales una lista de exposiciones, normalmente no destinaron presupuesto a un montaje museográfi co didáctico, diseñado por un aut-entico curador y elaborado por un museógrafo, para facilitar al público el acercamiento y com-prensión de la obra expuesta.

Para cuando un artista, después de años de trabajo y sacrifi cio, ha alcanzado al-guna madurez y calidad en su trabajo, difícilmente tendrá in-terés en trabajar una vez más de ‘a gratis’ en una exhibición que tendrá mínima difusión y en la que el escaso público que llegue, no tendrá elemen-tos museográfi cos que le per-mitan darle sentido a lo que ve. Como resultado serán mayor-mente novatos o afi cionados quienes se acerquen a expon-er en esas instituciones; quien tenga dinero y tiempo para hacer la corte a los funcionar-ios, además de necesidad de esos funcionarios los legitimen

como artistas. Como dije an-tes, solamente algunos artistas profesionales extraordinari-amente comprometidos con su comunidad seguirán acudi-endo a esas instituciones a ver si les ‘hacen el favor’ de dejar-los trabajar de a gratis en ben-efi cio de su ciudad, pero para entonces, los afi cionados que ya tomaron posesión del lugar, probablemente los rechacen.

Lo que es peor, ahora se ha puesto de moda que in-stituciones públicas o las priva-das que reciben subsidios con nuestro dinero, no nada más quieran que los artistas tra-bajen gratis, sino que paguen por trabajar. Como si pudieran decirle a su plomero o a su mecánico: ‘te hago el favor de que arregles mi problema, pero eso sí, me pagas una cuota y tu pones las refacciones y ma-terial necesario. ’ Por ejemplo, el Consulado de México en San Diego, cobra a los artistas por usar el estacionamiento para mostrar su trabajo du-rante el festival Art Walk; otro tanto pasa con festivales como Entijuanarte que, siendo re-ceptores de importantes apoy-os gubernamentales, también cobran a los artistas por usar el suelo del CECUT… que por cierto es un edifi cio público propiedad de todos nosotros.

Pero lo más grave aquí ni siquiera es el injusto e in-decoroso trato que se le da

a nuestros artistas sino que, rayando en lo criminal, esas instituciones faltan al respeto a la ciudadanía, ignorando su compromiso y obligación legal: Ofertar a todos los ciudada-nos arte y cultura de la más alta calidad. Y es que esas in-stituciones no están allí para hacerle el favor a los artistas, ni tampoco son negocios para prestar servicios a esos artis-tas a cambio de una módica cooperación. Están allí paga-das por todos nosotros para brindarnos una oferta cultural rica, profesional y que tenga las dimensiones sufi cientes como para convertirse en fac-tor de desarrollo turístico, económico, social y cívico.

En lugar de rentarle el escenario a los grupos de danza o teatro, deberían poner los recursos para ofrecernos un montaje de calidad; en el caso de las artes visuales, deberían invertir en una mu-seografía didáctica que nos facilite a todos el acercamiento y comprensión de lo que esta-mos viendo; lo mismo va para las otras artes. Ya ni digamos la falta de presupuesto para la capacitación de su per-sonal, para que tengan crite-rios fundamentados al elegir la oferta que nos harán y no se basen solamente en su muy dudoso gusto personal que, allí sí, hágame usted el favor.

ARTE PARA SALVAR A MEXICO VI

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Por Aldo Guerra

Convencido de que sólo valdría la pena por conseguir un documento que me acred-itara como licenciado, hace 10 años llegué en sana actitud de escéptico a inscribirme en una escuela de arte que apenas se inauguraba y de la que nadie sabía nada. ¿Qué podía per-der? Hasta entonces, la opin-ión de la comunidad cultural era variada, pero coincidía en la imposibilidad o en el carácter prescindible de una escuela superior de arte en Ti-juana. Vaya, la ciudad ya era

famosa por muchas razones, y esa visibilidad se derramaba hacia la efervescente escena artística, formando un círculo virtuoso. Para los artistas la promesa de éxito o recono-cimiento no estaba en el cami-

no de la educación, sino en la ambición compartida de ser considerado por alguno de los múltiples agentes externos que constantemente ponían sus ojos en la ciudad: Críticos, curadores, sociólogos, promo-tores o investigadores internac-ionales. La decisión de formar parte de una escuela (particu-larmente de esta) me convertíajunto con mis compañeros en detractor del verdadero arte, pues nos oponíamos así al proceso social ‘orgánico’ que le daba identidad a la escena. Ante los ojos de los demás no-sotros éramos, cuando menos, terriblemente ingenuos. La educación artística profesional en Tijuana era una de dos co-sas: contraproducente o una mala broma. Yo aposté a que podía valer la pena. El ímpetu del director de este extraño proyecto independiente me dio la confianza de que algo aquí era distinto e importante.

Así la situación, aquel verano, y a dos semanas de inicio de clases, llegó el 11 de septiembre del 2001 y el mun-

do ya no se reconocía como el mismo. La incertidumbre era la moneda de cambio. Mi im-aginación daba para cualquier cantidad de escenarios trági-cos, donde mi recién estrena-da escuela era lo primero que

desaparecía. La clarividencia afortunadamente no es un don que poseo. La escuela nun-ca fue bombardeada ni Baja California se hundió en el mar que se alcanzaba a ver desde las aulas. Si, los siguientes 5 años fueron difíciles (especial-mente durante los inviernos), pero fueron increíblemente emocionantes y los manten-go como un período de crec-imiento personal que le debe todo al conocimiento que al-guien tuvo a bien compartir de manera formal, erigiendo un proyecto educativo tan am-bicioso como real. A la par de las clases, me involucré en lainvestigación de su director Jaime Cuanalo, misma que se formalizó en lo que ahora es la Arsología y la Teoría Gen-eral de Arte, que durante un tiempo correría una suerte de descreimiento parecida a la de la propia escuela, y que sobra decir cimbraría las cabezas de cualquiera que se tomara el tiempo de prestarle atención.

Las cosas han cambiado, los nuevos aspirantes a artistas ya

dan por hecho que es normal ir a la escuela de arte si arte se quiere hacer, pues nada de particular tiene respecto de los otros campos profesionales. Tienen incluso varias

mo aniversar ioDE LA ESCUELA SUPERIOR DE ARTES VISUALES

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opciones, aunque les dé lo mismo. No los culpo, pues yo pensaba igual o peor. Sin em-bargo, no hay afi rmación mas certera que pueda yo hacer, que asegurar que NO es lo mismo que cualquier otra es-cuela. Por todas las buenas razones. Viene al caso men-cionar que el sistema educa-tivo mexicano está dirigido por personajes indignos y cortos de visión, que repiten modelos obsoletos por ignorancia o por lo que no puedo interpretar de otra manera que mera maldad. Está claro que hay muchas cosas que hacer por el mun-do, y citando a un amigo que defi ne a los seres humanos como “la especie que educa a sus crías”, podemos empezar por la educación, y creo que una de las apuestas impor-tantes está en la educación independiente, del tipo que mi escuela es el mejor ejemplo.

Pareciera que todo en la frontera sucede antes, como bien lo dijera el maes-tro Cuanalo: “la frontera, como cualquier zona limítrofe, con-densa la información rele-vante de aquello que separa” . Predice lo que viene -para bien o para mal- en la distan-cia y en el tiempo. Lo signifi ca-

tivo, lo que le da sentido a la historia, lo que genera nuevas posibilidades, todo eso está en las zonas de transición, en los contrastes, en los pioneros, y La Escuela Superior de Ar-tes Visuales en Tijuana marcó hace ya casi 10 años una línea en la historia de la educación artística en México que será cada vez mas difícil ignorar. Con sus complicaciones y contra toda opinión conocida, al fi nal obtuve un documento que me acreditaba como licen-ciado. Lo mejor es que fue lo menos importante. Me quedé con el conocimiento que to-dos y cada uno de mis días encuentra alguna aplicación signifi cativa para mí y los que me rodean. Ahora aquella es-cena artística defi nitoria devino en fragmentos, en talentos que siguen haciendo un trabajo muy valioso -en Tijuana o lejos de ella- pero separados. La Es-cuela Superior de Artes Visu-ales, sigue en pie y marcando pautas a discreción. En Tijuana o lejos de ella, los que hemos pasado por mi escuela, com-partimos el honor constituido de un proyecto transformador.

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Recientemente se dio por inaugurado el mural titulado ‘Ultimo día azul’ del artista Tijuan-ense David Aleman, como parte del proyecto artístico del andador o malecón de Playas de Ti-juana, promovido por Cesar Borja y Claudia Al-amina. El maestro Aleman es más conocido por su trabajo como fotógrafo, siendo un pionero en la fotografía publicitaria del noroeste y es uno de los catedráticos de fotografía en la Escuela

Superior de Artes Visuales, pero también por su trabajo como ilustrador del genero ‘cómics’ o historieta. A continuación transcribimos parte de una entrevista que nos concedió el maestro:

“Paseando por el nuevo malecón de Pla-yas de Tijuana, había ido a conocerlo porque me dijeron que quedó muy bonito; comen-cé a observar los murales que varios artistas

ÚLTIMO DÍA AZUL Entrevista a David Aleman por Krmn Contreras.

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estaban realizando a lo largo del andador y me encontré con los organizadores de este trabajo, Cesar y Claudia, que me invitaron a participar con un mural. También me dijeron que se trataba de plasmar temas relacionados con las cosas buenas de Baja California, como los atractivos turísticos y cosas así, por lo que pensé en pintar un paisaje, pero alguien me sugirió que aprovechara para plasmar la his-torieta que llevo varios años trabajando y que para estas fechas ya alcanza las 6 páginas.

Respeté el tema original de la histo-

rieta sin hacerle cambios para adaptarlo al proyecto del malecón porque representa algo que considero importante que es la familia y, como he vivido toda mi vida en Tijuana, no deja de ser algo local. Lo que más dis-fruté del proceso fue escuchar los comen-tarios de la gente mientras estaba trabajando y llegar a conocer a muchos de los person-ajes de la ‘fauna local’ de la que soy parte.

El proceso fue largo porque no tenía experiencia en murales al aire libre, así que comencé a dibujar con lápiz, pero luego me

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aconsejaron que no lo hiciera para no manchar la pintura, por lo que tuve que borrarlo y volverlo a hacer con marcador. Luego inicie el proceso de pintura con un material que era fácil de lim-piar, pero resultó que la lluvia se lo llevó y tuve que volverlo a pintar con otro tipo de material. En fin, que el proceso se alargo varios meses.

La historia se desarrolla en un avión, pero yo le veo una analogía con la familia: El piloto representa al padre que debe llevar a la familia a buen puerto, el copiloto es como el gobierno que debe ayudar cuando el piloto tiene un problema, la tripulación representa para mí a la madre y el

niño que es el personaje principal de la histo-rieta nos representa a cada uno de nosotros.”

El maestro Aleman nos comentó que su interés por los aviones nació por su deseo de ser piloto, pero que dado a su daltonismo no pu-ede reconocer el color rojo, lo que es un asunto de seguridad que le impidió seguir esa carrera.

Curiosamente, el maestro ha en-contrado técnicas y habilidades que le per-miten obviar ese impedimento en su tra-bajo como fotógrafo y como ilustrador.

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Por Luisa Orduño Cazares

Como trabajo final para la clase de Teoría del Arte III, se realiza la Crítica de una pieza, aplicando todos los pasos de la técnica de crítica del Arte de acuerdo a las bases cieníficas propuestas por J. J. Cu-analo. Estos son los resultados arrojados por la crítica a la pieza ‘Yo Soy Tú’ del ar-tista local ‘Nano’ (Luis Fernando García).

1.- Decodificación de la Pieza:

Para realizar este primer paso de la crítica, me enfrenté a ciertas pregun-tas para facilitar mi camino hacia la inter-pretación emotiva. Comencé con el cuadro vuelto hacia la pared para poder despejar mi mente sin prejuicios respecto de la pieza.

Primero que nada, despejé mi mente por completo, a lo que se llama disociación cultural, con la intención de que se pueda empezar desde cero para apreciar la pieza.

A partir de esto, cuando me sentí pre-parada y lista para empezar, le di la vuelta al cuadro y comencé a observar y sentir la pieza.

Para sentir la pieza, me hice las sigu-ientes preguntas: ¿Qué es lo que parece? ¿Cómo me parece? ¿Qué me parece significa-tivo? Estas preguntas corresponden a la etapa de Espontaneidad dentro de la técnica crítica; dejarse llevar por los estímulos y seguir los im-pulsos de escribir lo primero que se te venga a la mente ante la pieza. Ya realizado esto, mis primeras notas fueron como sigue: “Confusión, movimiento, color, rojo, grande, luminoso, sat-urado, humano, cuestión, acusado, negación, encontrar, me recuerda a un cuento, un gi-gante, un pequeño, un muchacho, parece un gigante hablando con un pequeño igual a él”

YO soy tú

Al leer mis primeras impresiones, sien-to que la pieza me recuerda a algún tipo de cuento de la infancia, es un humano pequeño que acusa a una persona que es igual a él pero de tamaño relativamente normal, a un humano que está alterado y confundido ante la situación, siento un ambiente de confusión.

Recorrido Visual

Mi recorrido visual comenzó de arriba a abajo, generando un recorrido en forma de zigzag terminando de regreso arriba. Lo prim-ero que vi fue el rostro de la primera figura, pasando a la mano, donde noté la segunda figura; luego a la camisa, la mano, los pan-talones verdes, la firma y por último me re-greso al ovalo rojo que hay sobre la cabeza.

Analizando mis primeras impresiones, me contesto la siguiente pregunta: Cada sig-nificado que yo encontré en la pieza, ¿dónde lo veo? ¿Cuáles son las relaciones formales que me hacen verlo? ¿Cómo esta codificada la pieza? Entre mis primeras anotaciones apunté confusión; esto lo encuentro en el fondo: En-cuentro movimiento en la textura de las pince-ladas y no pude evitar relacionarlo con la ex-presión en la cara de la primera figura. También apunté acusación, culpa, negación; eso lo en-cuentro en la relación que mantienen las figu-ras: Algo está pasando, siento que el mucha-cho pequeño discute-con o culpa al otro; al otro lo siento como que está negando y se siente acusado. ¿Cómo es la pieza? Es una pintura con colores muy saturados; los colores cálidos se encuentran en el fondo y colores fríos en la figura, provocando así que la figura se se-pare más del fondo y generando una mayor profundidad y contraste. También el fondo tiene colores sucios, pero bien matizados; lo que me parece más destacado en el fondo es el trazo rojo que delinea la figura, que también es un elemento importante para la composición de la pieza ya que provoca que hagas tu recorrido visual de arriba hacia abajo y que regreses a la parte de arriba. La figura es el muchacho con el

muchacho pequeño que sostiene en su mano, a diferencia del fondo, cuenta con colores más limpios y luminosos, siendo el azul y el verde muy saturados pero con tonalidades en blanco. La pieza cuenta con 2 colores complementa-rios acomodados en la proporcion llamada ‘Pi’ o ‘Regla de Oro’; la zona verde contrastada con el rojo te genera un descanso visual en la pieza.

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Con estas dos imágenes, podemos notar la diferencia de tonos; como los colores cálidos que se encuentran al fondo se separan de la figura que tiene colores más fríos. Con la imagen en blanco y negro podemos notar estas tonalidades. Un de-talle importante es que no hay mucha diferencia de tono entre el ‘halo’ rojo y el fondo ama-rillo, lo que inconscientemente intensifica la sensación de inestabilidad o confusión.

Para terminar con la decodi-ficación de la pieza, observan-do mis anotaciones y análisis, generamos una hipótesis acer-ca del tema que trata la pieza. Mi hipótesis es la siguiente:

Siento que la pieza trata acerca de un enfrentamiento a sí mismo; me recuerda cuando cometemos errores estando solos, hablando con nosotros mismos y nos enfrentamos a nuestra “vocecita interior”.

2.- Análisis Histórico: Para realizar el análisis histórico de esta pieza, necesi-tamos hacer una investigación acerca del autor de la pieza. Él se llama Luis Fernando García, joven estudiante de la Escue-

la Superior de Artes Visuales; radica en Tijuana, Baja California. Entre los comentarios del ar-tista acerca de su pieza, mencionó que esta fue pieza fue realizada entre el año 2007-2008, siendo esta la primera pieza libre realizada en el taller de pintura, impartido por Jaime Cuana-lo, con esta pintura empezó a explorar ese trazo que ahora es tan reconocible en su trabajo.

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El artista menciono:

“Salió del caos totalmente, es una de esas que le vas buscando forma, comencé con puras chorreadas de pintura, me fue divertido, aun no sabía lo que buscaba, y de pronto vi al monito como viéndose la mano... y no sabia que ponerle, hasta que se me ocurrió, hacer un personaje igual al que se estaba viendo la mano, y me pareció haber encontrado algún tipo de significado”

El artista agregó:

“ me recuerda como cuando a vec-es voy en el carro manejando y me re-gaño yo solo, por eso me parece que vi el monito como acusándolo, uno que-da desprotegido ante ese pequeño “uno mismo”, no hacerle caso, es engañarte”.

Aquí agrego dos obras del artista, donde podemos observar la continuidad de su estilo, después de la creación de la pieza analizada.

Ahora le aplicaremos a la pieza los criterios con los que poder emitir un juicio. La manera de puntaje será en escala del 1 al 5, siendo 1 el más bajo y 5 el más alto.

Efectividad: ¿Es la obra capaz de pro-ducir sus efectos sobre el público? En lo par-ticular, no me fue posible evaluar si la obra era capaz de capturar la atención del público, ya que no la he visto expuesta ante algún públi-co, pero aun así me parece que por la gama de colores y textura que contiene , es difícil

que pase de desapercibida, siento que sí captura la atención del público y que es fácil de reconocer lo que esta pasando, ya que con-tiene elementos que como humanos, siempre nos vamos a fijar como lo es por la cara, ojos y la boca. Con esto mencionado, me parece que sí contiene lo necesario para producir sus efectos sobre el público, por lo tanto tiene 5/5.

Claridad: En este punto, nos pre-guntamos lo siguiente, ¿Qué tan claras son las relaciones formales significativas de los

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elementos formales con los conceptuales? En este punto, al igual que el pasado, es importante que no sea evaluado a través de la apreciación del crítico, sino del público, aun así me parece que el contenido conceptual de la pieza, es bastante claro y conciso, por lo tanto tiene 5/5.

Parsimonia: En este criterio, nos pre-guntamos si la obra tiene elementos de más o de menos A mí me parece que no tiene múl-tiples temas, sino tiene un solo tema que se representa de manera que es fácil de com-prender. No me parece que le falte algo o le sobre algo, siendo así que le doy otro 5/5.

Impacto: ¿qué tan viable es que las ob-servaciones de múltiples individuos, realizadas en distintos lugares y momentos, terminen por interactuar entre sí? Es importante que para que este criterio se cumpla, la obra haya sido expuesta y presentada ante el público varias veces, no tengo registro de que la obra haya sido expuesta o presentada, aun así me parece que la obra logra causar impacto, que los “no-expertos” pueden tener una idea de que tema aborda la obra, ya que no es compleja. En este criterio tendré que darle un pontaje de 4/5.

Utilidad: Aquí nos contestamos la pregunta más importante de todas, ¿Qué tan importante es para la sociedad el tema abordado en la obra? En lo particular, me parece relevante el tema que aborda el ar-tista, ya que cumple su función de represen-tar una emoción importante para la socie-dad. En este criterio, también recibe un 5/5.

Contestadas ya las preguntas, sumando los puntos obtiene un 24/ 25, a partir de esto podemos concluir que estamos ante una obra de arte, que cumplirá la función de causar un impacto poderoso tanto en el público y la so-ciedad. Esperemos que así, mediante los re-sultados obtenidos, se haya facilitado la com-presión de la pieza y su significado, y se haya logrado facilitar la apreciación de la misma.

Pareciera que en Tijuana poco sabe-mos de arte y menos de como presentar sus obras ante un público; digo esto porque las exposiciones que nos presentan las institu-ciones de cultura suelen tener no solamente poca asistencia del público en general, sino que normalmente no cuentan con una inver-sión adecuada en su producción, lo que proba-blemente explica la ausencia de este público.

En nuestra comunidad contamos con espacios de exhibición administrados por las instituciones; algunos que dependen de fondos del gobierno y otros de iniciativas independi-entes. El instituto de cultura municipal de Tijua-na (IMAC), por ejemplo, cuenta con espacios de exhibición en diferentes puntos de la ciudad, ad-ministrados por el instituto y coordinados por un departamento de museografía. En estos espa-cios son expuestas piezas de arte, en su mayor-ía de artistas de la localidad y artistas invitados de otras entidades; estos espacios llamados galerías son abiertos al público y en algunos su costo es nulo. La función de estos espacios es entonces, que todo el público en general dis-frute y aproveche la producción artística, y no solamente el llamado ‘público especializado’.

Sin embargo, para que el público en gen-eral pueda admirar una obra de arte, y así estas instituciones cumplan con su función, es nec-esario generar un discurso museográfico. Esto es, un acomodo de las piezas y una serie de documentos e informaciones que nos facilitan comprender lo que se nos está mostrando. Lue-go entonces, para ser útil y para que estas in-stituciones puedan cumplir con la función para la cual les damos su presupuesto, todas las ex-posiciones que nos presentan se deben auxiliar de textos, secuencias, presentación de la obra (enmarcado), montaje, iluminación, promoción y un evento de inauguración de la exposición.

En la Casa de la Cultura del Cortijo San José se presentó recientemente la exposición “Rendijas de Luz”, del fotógrafo Juan Kress, que consta de una serie de 18 fotos tamaño 8” x 10” en color y blanco y negro, montadas con “María Luisa” negra y un vidrio, engrapa-das sobre la pared. Estas fotos se encuentran acompañadas de una pequeña cédula o ficha técnica que nos indica el título, medidas y téc-nica de cada pieza y, por otra parte, un texto colocado a la entrada de la exposición que nos hablaba sobre el concepto de rendija, que era precisamente el título de la exhibición.

ESPACIO VISUALPor Martha Soto.

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Ahora bien, los contenidos escritos dentro de una exposición son un elemento importante porque nos ayudan a entender mejor lo que ve-mos. Dentro de los textos tenemos diferentes niveles de lectura, el primer nivel son títulos y subtítulos; en el caso de esta exposición, se uti-lizó para estos una letra de tipo Avant Garde, una tipografía clara y de fácil lectura que nos ayudan a retener la información de lo que se presenta, lo que denota un buen trabajo del museógrafo.

Dentro de una exposición tenemos tam-bién un segundo nivel de lectura, donde se nos presentan cédulas introductorias o informativas, que son textos breves que nos permiten entend-er cual es la propuesta de la exposición. Para lograr esto, los textos deben estar presentados en una letra clara y de fácil lectura, pero además en un lenguaje accesible y con un contenido cla-ro e informativo, escrito por un experto en inter-pretación de la obra. La elección de materiales, colores y tamaños para la impresión de estos textos es fundamental para que la exposición sea realmente de utilidad para el público.

Desafortunadamente, el texto que se nos presenta en esta exposición es pobre, ya que maneja un lenguaje poco claro, la tipografía es tipo Avant Garde en color blanco sobre fondo color café, una combinación que no resulta có-moda y es poco estimulante para el espectador y que, combinada con el contenido, se vuelve confusa. El tamaño del texto si nos funciona porque es adecuado al espacio, ya que el es-pectador se encuentra a una distancia de 1.10 m mínimo y 2 metros máximo, por lo que les es fácil leerla. Quizás aunque el diseño tiene

algunos aciertos, el texto no funciona muy bien porque se encuentra impreso de manera muy pobre, en un tamaño demasiado pequeño, en un material inadecuado y con demasiado refle-jo, colocado sobre muros con malos acabados; todo indicación clara de la falta de presupuesto para la producción y montaje de la exposición.

El tercer nivel de lectura lo encontra-mos en las cédulas que deben identificar los objetos y que por lo regular están a un lado de las obras, dando información que sea rel-evante, como los nombres, tamaños o técnica en que se realizó cada pieza. Se debe utilizar la misma tipografía que los documentos ante-riores para no generar ‘ruido’ visual y distraer la atención de la obra; se debe usar un pun-taje que pueda ser observado desde 1.00 m de distancia. En esta exposición se utilizó una le-tra en tamaño de 36 puntos aproximadamente lo que fue también un acierto en el diseño.

Documentos realizados dentro de los parámetros, nos ayudan a aclarar la signifi-cación de los objetos exhibidos, pero estos parámetros no son exclusivamente de diseño, sino que también encontramos entre ellos las medidas antropométricas, que quiere decir que la museografía debe tomar en cuenta al ser humano que va a apreciar la obra, calcu-lando la distancia que guarda el espectador con los elementos visuales, y la relación de la altura con las dimensiones de las obras, para que ver la exposición no resulte incomodo.

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Las piezas deberán colocarse a la altura promedio del espectados, medida desde el piso hasta el nivel de los ojos. De acuerdo a las ultimas estadísticas, para Latinoamé-rica esto es a 1.60 al centro y que, de acuerdo a los estu-dios que hemos realizado en la Escuela Superior de Artes Visuales sobre la población lo-cal, debe ser de 1.62 m. Esta exposición, sin embargo, tiene la obra colocada por debajo de este estándar, siguiendo el antiguo estándar Latinoameri-cano que era de 1.5 m pero

hace mucho resulta obsoleto, lo que provoca incomodidad en la observación de la obra y esto, sumado a los tex-tos confusos y poco legibles, hace más inaccesible la com-prensión de esta exposición.

Las imágenes presen-tadas carecen de un orden: no están ordenadas ni por tema, ni por técnica, ni por un criterio formal. Es más bien una dis-tribución al azar y esto hace que el espectador se desin-terese rápidamente ya que, como la información es desor-

denada, es difícil que entienda la intención de la muestra. Si a esto le sumamos que todo el espacio de exposición man-tiene una iluminación uniforme con lámparas inadecuadas, que no ayuda a separar o se-ñalar visualmente las piezas, aumenta en el espectador la desconexión con lo que se expone, lo que una vez más es factor para que un hipo-tético miembro del público general que pudiera visitar la muestra, probablemente no vuelva a interesarse en asi-stir a otra exposición de arte.

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De el anterior análisis resulta claro, creo yo, que las instituciones de cultura que, como IMAC, tienen la misión de acercar el arte al público en general, deberían establecer convenios con institu-ciones como la Escuela Superior de Artes Visuales para que, a través de su departamento de museo-grafía y el de teoría del arte, se capacite a su per-sonal. Sin embargo esto no será suficiente si las instituciones insisten en producir sus exposiciones como una especie de ‘limosna’ para el artista, a quien le hacen ‘el favor’ de dejarlo exponer y cubrir lo que en realidad son obligaciones de la institución.

Es urgente que las instituciones que pretend-en ofrecer exposiciones de artes visuales al público en general, inviertan más en la producción decoro-sa de esas exposiciones con las que se justifican en sus informes, que en sus procesos administra-tivos. Paredes sucias y dañadas, iluminación pobre, falta de sistemas para colgar la obra, documentos informativos impresos en un material y un tamaño indecorosos y textos que no son redactados por profesionales pagados para ello, son obstáculos sin cuya solución la calidad de las exposiciones no podrá ser nunca la que nuestra gente se merece.

Por lo pronto podemos decir que el departa-mento de museografía de IMAC hace milagros con los pobrísimos recursos de que parece estar dotado y bien se merecen, para beneficio de toda la ciudadanía, un presupuesto digno para la producción museográfica, así como una capacitación y actualización continuas.

*La autora es catedrática de Museo-grafía en la Escuela Superior de Artes Visuales desde 2002 y actualmente se encuentra en pro-ceso de publicación de su libro “Manual de Mu-seografía” por esta misma editorial Zona Límite.

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CONVOCATORIAS

PROGRAMA DE ESTÍMULOS A LA CREACIÓN Y AL DESARROLLO ARTÍSTICO DE BAJA CALIFORNIA.

EMISIÓN 2011-2012

Podrán participar: Artistas que demues-tren una residencia continua de los úl-timos 3 (tres) años en la entidad, en la categorías de estímulos para: jóvenes cr-eadores, Creadores con trayectoria, De-sarrollo artístico individual, Grupos artís-ticos, Grupos artísticos en producciones infantiles, Investigación sobre arte en Baja California, Difusión del patrimonio cultural y Reconocimiento al creador emérito.

Convoca: el Gobierno del Estado de Baja California, a través del In-stituto de Cultura de Baja California (ICBC), y el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (CONACULTA).

Fecha límite de recepción de trabajos: vier-nes 1 de abril de 2011, hasta las 17:00 horas.

Mayores informes: Oficinas del ICBC en cualquiera de los muni-cipios del estado o escribir al correo electrónico fondosicbc@hotmail.com

PREMIO BINACIONAL DE NOVELA JOVEN 2011

Convoca: El programa Cultural Tierra Aden-tro del Conaculta, el Centro Cultural Tijuana y la Secretaría de Relaciones Exteriores.

Premio: Se otorgara un premio único e indivisible de $50,000.00 pesos en efectivo, diploma y la publicación del li-bro en el Fondo Editorial Tierra Adentro.

Fecha límite para la recepción de trabajos: 25 de febrero de 2011.Mayores informes: Centro Cultur-al Tijuana, literatura@cecut.gob.mx

T. 01 (664) 6879 649

El pasado mes de enero, Yonathan Pérez tomó posesión del cargo de coordinador del área de Arquitectura de Interiores del Colectivo UAN, sus-tituye en el cargo a la coordinadora sa-liente Paola Cárdenas, quien realizó en su momento un gran desempeño, frente al que, tenemos confi anza, Yonathan no va a desmerecer. Su dinamis-mo, creatividad y liderazgo nos dan agradables expectativas de que pronto veremos nuevos y muy interesantes proyectos en esta área del colectivo.

Información Personal

MexicanoNacio el 28 de Noviembre de 1984en Acapulco Guerrero, México.

Docente Escuela Superior de Artes Visu-ales, Imparte clases a nivel licenciatura en Arquitectura de Interiores. Materias impartidas Proyectos IIIDiseño de Mueble I

Diseñador Gráfi co, Tijuana, B.C. 2009-2010 Diseño de Publicidad para Hotel-ería. The Fairmont Acapulco Prin-cess Hotel, The Fairmont Pierre Marques, Acapulco, Gro., Fairmont Mayakoba, Playa del Carmen, Q. Roo. Fairmont Hotel & Resorts, Mexico, D.F.

Empleo a distancia por Web, propuestas de diseño de publicidad impresa para periódicos, revistas, anun-cios, fl yers, banners, mailing, etc. Para diferentes me-dios publicitarios y publicidad interna en los hoteles.

YONATHAN ES NOMBRADO EL NUEVO COORDINADOR DE ARQUITECTURA DE INTERIORES DEL

COLECTIVOUAN

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C O N V E N I O Sentre Instituciones CIERRAN PUERTAS a recien Egresados

El pasado 26 de Enero fui por mi hoja que pondría fin a mi búsqueda por lib-erar completamente mis prácticas profesion-ales. Esto fue, en las instalaciones del CBTis 116, ubicado entre la Av. Alejandro Von Hum-boldt y el Blvd. Industrial en la Mesa de Otay.

La profesora “Paty”, encargada del De-partamento de Vinculación, muy amablemente me atendió y en unos 20 minutos me entregó mis documentos sellados y firmados; después de agradecerle sus atenciones y despedirme, vino a mi cabeza un recuerdo de hace aproxi-madamente un año y medio, cuando inicié mis prácticas profesionales en dicho plantel: es so-bre el profesor Arce (Coordinador de Difusión Cultural), bajo el cual iba a estar supervisada. Si no me falla la memoria, este profesor tenía mucho interés en saber si ya me había gradu-ado y titulado (obviamente en ese momento estaba muy lejos de dicho objetivo), contesté a su pregunta con una negativa pero me dijo que una vez que me titulara, llevara mis papeles y “a ver” que se podía hacer para trabajar con el-los y ser el titular del taller de Artes Plásticas.

Mis clases comenzaron casi de inme-diato, después de que solicité trabajar como practicante. Pero tengo que decir que, aunque las clases avanzaban, el profesor Arce pocas veces se presentó en mi clase y obviamente di

por hecho que mi programa de estudios esta-ba bien como lo diseñé. Para mi segundo se-mestre con ellos, pulí un poco el programa de Pintura y traté de hacerlo más entretenido. Esta vez el profesor se presentó unas dos veces en el curso. Sinceramente no lo vi como un prob-lema, sólo que tenía que rascarme con mis pro-pias uñas y hacer lo que había aprendido en la clase de Pedagogía, en ese momento impartida por Jaime Cuanalo, actual Director de la ESAV.

Por Lourdes Tejeda

NO TE VAMOS A CONTRATAR

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Después de eso tuve que buscar tra-bajo urgentemente, por que a los practicantes no se nos paga ni un centavo (incluso en cen-tros de gobierno como IMAC), así que no pude quedarme más. Perdí contacto con ellos por un tiempo pero hasta hace unos días fui a lib-erar las horas que realice ahí, las que hayan sido. En cualquier caso, debo regresar al pun-to que me trajo a esta historia: Regresé para hablar con la Coordinadora de Vinculación y le pregunté: “Una vez que me titule, ¿Cuál es la posibilidad de que pueda trabajar con ust-edes como profesora del Taller de Artes Plás-ticas?” Y aquí viene la explicación que me dio:

“Umm… Mira, ahorita ese puesto ya esta lleno; tenemos una alumna que llegó para re-alizar sus practicas profesionales y, con ella, la UABC nos está aportando los materiales nec-esarios para una clase de acuarela…” y con-tinúa “Tenemos un convenio con la UABC y ellos nos van a estar mandando practicantes constantemente; así que ese puesto ya no está vacante… pero puedes ir a pedir trabajo al ICBC, ellos te mandan a escuelas de esca-sos recursos y zonas, que bueno… son un poco peligrosas… para dar clases de Arte o el taller que tu quieras impartir… Lo sentimos mucho.”

NO TE VAMOS A CONTRATAR, eso es lo que vi con letras grandes y en negri-tas subrayadas en mi cabeza. Di por perdida mi oportunidad, pensé en que había dejado pasar demasiado tiempo y que tal vez no les gustó mi forma de trabajar. Pero las revela-ciones nunca te llegan hasta que personas con muchísima mas experiencia te dicen y, prác-ticamente te ponen frente a la cruda realidad:

“Lo más importante no es sólo este hecho…”, me dijo Jaime Cuanalo, “…Sino, ¿Cómo es posible que le cierren las fuentes de trabajo a personas que están tituladas o a punto de titularse, sustituyéndolos con practicantes?”. En este caso, el problema mayor es el conve-nio que se viene formando desde hace un se-mestre entre CBTis 116 y UABC que, por un

lado ofrece licenciaturas en áreas artísticas y, por otro lado le cierra las puertas a sus egresa-dos fomentando que las instituciones públicas bajen el perfil de su personal. “En el caso de un hospital, ¿Cómo seria si corrieras a todos los doctores titulares y calificados, para lle-nar las instalaciones con puros practicantes?”

Ahora agreguemos otra incógnita: Evi-dentemente no se les paga a los practicantes, y si el puesto de profesor jamás será ocupa-do ¿A dónde va a parar el dinero que se le debería pagar a este titular? Por que, debe haber alguien que esté cobrando por esa ma-teria y si no lo hay ¿Por qué se permite a la escuela cubrir las clases con personal que no tiene el perfil? ¿Acaso eso es valido en otras materias, contratar personas sin licenciatura como titulares de matemáticas, física, etcétera?

La escuela UABC, está pasando a afec-tar a profesionales de las Artes, recién egresa-dos de licenciatura, así como a Artistas con trayectoria, e incluso a sus propios alumnos, quitándoles la oportunidad de desarrollarse profesionalmente en el área para la cual se prepararon. Al aceptar que sus alumnos en for-mación se hagan cargo de una materia sin su-pervisión de una persona titulada van en contra del sentido de las prácticas profesionales, que son útiles precisamente porque trabaja el es-tudiante bajo la guía de un experto, de modo que se convierten en simple explotación labo-ral de gente no suficientemente calificada. Pero sobre todo, están mandando el mensaje a los potenciales empleadores de sus egresados de que no es necesario contratar a profesionales titulados, sino que basta con cualquiera que tenga alguna formación parcial, lo que de he-cho es contrario al espíritu universitario y sola-mente sirve para cerrar las escasas puertas aun abiertas para los profesionistas titulados; por lo menos para mí, esa puerta esta cerrada.

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Este mes de Enero, se cerró la convocatoria para participar en ‘DIMUEBLE Concurso Na-cional de Diseño de Muebles’, que se llevó a cabo este mes de Febrero en la ciudad de Guada-lajara, Jalisco. Dicho concurso, se realiza exitosamente por cuarta ocasión, convocando alumnos de todo el país en licenciaturas tales como: Arquitectura, Diseño Industrial y de Interiores. Este evento se ha convertido en escaparate nacional, mostrando el mejor nivel de competencia entre los alumnos de las diversas instituciones del ramo, sirviendo también como herramienta para un mejor aprendizaje, que es la clave del éxito de la formación profesional del estudiante actualmente.

En esta edición, nos sentimos muy orgullos de los alumnos de la licenciatu-ra de Arquitectura de Interiores, Lizeth de la Vega Chávez y German Huerta, quienes participaron en este evento con el envío de sus propuestas de diseño de mueble. Los alumnos antes mencionados, forman parte de la Escuela Superior de Artes Visu-ales, y esta vez se encuentran representando a la institución en este evento de rele-vancia nacional como resultado de un concurso interno realizado a manera de ‘repen-tina’; esto es, a los alumnos que cursan la materia de diseño de mueble, dentro de la licenciatura de Arquitectura de Interiores, se les informó sobre este concurso y se les dio un tiempo muy limitado para presentar sus propuestas, de entre las cuales se eligieron las mejores.

Cabe resaltar la calidad y profesionalismo mostrado por ellos para la realización de este diseño, ya que con el poco tiempo que se les dio en la repentina, llevaron a cabo este ejercicio donde lograron mostrar un alto desempeño, conocimientos y la práctica adquiridos durante su etapa de formación académica.

Por Yonathan Pérez

El compromiso de la institución es formar profesionales de la arquitectura y el arte a un nivel de competencia real. Por ello la importancia de este tipo de eventos, en los cuales tenemos que estar presentes ya que el alumno, por su parte, manifiesta su calidad en el dominio de circun-stancias reales y ejecutables. Actualmente la institución se encuentra en etapa de implemen-tación de un modelo educativo por competen-cias, buscando así lograr un mejor rendimien-to académico y percibiendo las necesidades tanto sociales como económicas de la región.

Regresando a los proyectos realiza-dos por los estudiantes; en la silla denomi-nada ‘Lithuan Lounge’, por Germán Huerta, el alumno nos hace mención de lo siguiente:

“este mueble cuenta con un dinamismo que crea una composición de formas orgánicas, dando soporte a la estructura proyecta-da y brindando ergonomía y elegancia.”

Por su parte, respecto de la mesa nombrada como ‘sKama’, por Lizeth de la Vega, ella nos comenta:

“En estos tiempos de tanto consumo y desperdicio, podemos transformar lo que para algunos son desechos en ma-

terial para la creación de mobiliario. El producto fue creado con la finalidad de generar productos nuevos dentro del mer-cado sustentable, con una forma mod-erna, única y con un atractivo estético.”

Para finalizar, el resultado obtenido de este ejercicio fue muy enriquecedor, ya que nos pudimos dar cuenta de la capacidad logra-da por nuestros alumnos para desempeñarse en este tipo de ejercicios, así como la actitud de respuesta de los alumnos ante este tipo de retos. Todo esto además de la oportunidad de poner en práctica los conocimientos adquiri-dos dentro del aula y llevados a la ejecución real. Ahora nos resta esperar que cada vez más aumente la participación de nuestros jóvenes arquitectos en este tipo de eventos y esta-mos seguros de que cada vez se darán más a notar. Desde ya estamos orgullosos de el-los y les deseamos lo mejor en sus nacientes y muy prometedoras carreras profesionales.

Es un producto originalmente diseñado en dos piezas el cual forma parte de la familia de Chaise lounge, este mueble cuenta con un dinamismo que crea una composición de for-mas orgánicas, dando soporte a la estructura proyectada y brindando ergonomía y elegancia .

Este mueble va dirigido al público con gustos más exigentes y selectos. Ya que es creado a mano por artesanos califi-cados en la herrería. La colchoneta de cu-ero blanco eleva la calidad del mueble. L i t h u a n Lounge fue diseña para permitir dos opciones de produc-ción tanto la artesanal, como la producción en serie, si se sustituye el trabajo de her-

rería artesanal por moldes de aluminio .

Este mueble está formado por un es-queleto de tubulares de 1 pulgada, dicha es-tructura es de 7 piezas repetidas para conformar una mismo esqueleto diseñado ergonómica-mente para que sea funcional y cómoda. Entre el cuerpo del mueble y la colchoneta se encuen-tran soleras en cada una de de las 7 piezas don-de descansa un colchón elástico, esto sirve para darle una forma más interesante a su apariencia. La colchoneta esta tapizada en piel blanca que puede ser modificada de acuerdo al gusto del cliente. Este mueble cuenta con un descansa-pies con las mismas características que el sillón.

L i t h u a n Lounge

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sKama es un diseño creado a través de una forma original, reutilizando recursos naturales reciclados, tales como la madera. En estos tiempos de tanto consumo y des-perdicio, podemos transformar lo que para algunos son desechos en material para la creación de mobiliario. El modelo a presen-tar es un diseño moderno, sencillo, y mul-ti-funcional, además de ser sustentable.

La ventaja de esta mesa es que el cli-ente tiene la libertad de usarlo, además de como mesita, como accesorio de iluminación, dado que su interior enciende en una gama de distintos colores opcionales, o puede el-egir usarla también como pequeño Asiento

sKama está al alcance de todo público, Gracias a sus materiales. Uti-lizándose para cualquier tipo de espacio.

El producto fue creado con la finali-dad de generar productos nuevos dentro

del mercado sustentable, con una forma moderna, única y con un atractivo estético.

El interior del esqueleto es de madera forrado por polipropileno el cual refleja luz de colores controlada por un regulador de luz.

Su cubierta está formada por un aparente trenzado de mad-era tratada pintada en color negro. Logrando una armonía entre colores y materiales.

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y Dora Villarino

Dora Villarino León, licenciada en turismo, em-presaria, madre y promo-tora turística; nominada al mérito turístico en más de una ocasión, gracias a su labor como promotora turís-tica. Con más de 20 años de labor turística, es propi-etaria de la empresa Baja Wine Tours, a la fecha la empresa numero uno en tours de Baja California.

Entrevista realizada por Krmn Contreras (K. C.) a Dora Villarino (D. V.):

y Dora VillarinoK. C: ¿Qué piensas del la relación entre el vino y la cultura?

D. V: La relación entre el vino y la cultura es muy antigua y están íntimamente relacio-nadas, ya que desde las sociedades antiguas se creó esta relación, pues desde el descu-brimiento de la fermentación para hacer vino han nacido varios factores que lo relacionan, como el conocer y disfrutar un vino y cataloga-rlo como bueno o malo, así como también la relación del vino con la gastronomía es un fac-tor de cultura; saber hacer vino, catarlo y de-gustarlo es todo un cocktail que forma parte de nuestra cultura de vida, involucra nuestro pasado y a la fecha nuestra tierra , nues-tro clima nuestra ubicación nos ha dado una gran riqueza a nuestra gente y todavía puede dar mucho , más allá del comer y el beber.

K. C: ¿Qué opinas del arte como factor para el turismo.

D. V: El arte ocupa un lugar impor-tantísimo para el desplazamiento de turis-mo ya que, a través del arte, al turista visi-tante se le permite conocer las costumbres y tradiciones de un pueblo que experimenta a través de sus obras artesanales, musi-cales, folklóricas, teatrales, museos de arte e históricos, y así le permitirán enriquecerse más, que es la finalidad por la cual viajan.

K. C: ¿Qué te gustaría ver en materia de turismo en el futuro cercano de Baja Cali-fornia.

D. V: Me gustaría ver más infraestructu-

ra para el visitante que viene a Baja California; con esto me refiero a más información. Me re-fiero a que se hicieran campañas publicitarias, encaminadas principalmente hacia nuestra gente local, sobre el valor de nuestros atrac-tivos turísticos, de lo importantes y únicos que son; para que así ellos puedan transmitirlos a sus familias y amigos que los visitan, con-virtiéndose cada habitante en un promotor turístico. Así mismo capacitaciones dirigidas a los organismos involucrados en el turismo, para que realicen campañas promociónales en el interior del país, en las que muestren nues-tra verdadera imagen de gente honesta, traba-jadora y, sobre todo, de excelentes anfitriones .

En resumen, me gustaría que contáramos con una muy buena infraestructura inmobiliaria, informativa y de comunicación, entre otras, que provocara que turistas, empresas y em-presarios motivados, decidan visitarnos o realizar sus congresos y convenciones aquí, pues esto es algo que nos hace tanta falta en todos los municipios de nuestro Estado.

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ESAV

por e

l mun

do Durante la mayor parte de mi vida, he sentido el interés de querer vivir en Europa, de alguna manera esto se relaciona con la educación que recibí a través del Colegio Alemán, con mi fa-milia, con mis amigos, con las personas que he conocido durante mis viajes a Europa. Después de varios viajes e intentos de ve-nir a estudiar por acá, a mediados del 2010 y ya a mitad de mi carrera de Licenciada en Artes Visuales en la ESAV, decidí partir con o sin haber encontrado una escuela para estudiar durante mi viaje en Europa; simplemente sentía que era el momento de hac-erlo y no podía dejar que más tiempo se me fuera de mis manos.

Tras aplicar a varias escuelas y conocer el método de se-lección de estudiantes en las escuelas europeas; en diciembre del 2010, obtengo una respuesta! Die Neue Schule fur Fotografie (La Nueva Escuela de Fotografía) me invita a una entrevista en Ber-lín; aun cuando no era seguro de que podría estudiar ahí, hice mis maletas, preparé todo y me mudé a Berlín, tomando los ries-gos necesarios para lograr lo que siempre he querido. Después de haber perdido un avión, varios trenes y correr por todos lados, siendo esto toda una travesía, con todos los nervios del mun-do y “back-up plans” en mente, llegué a tiempo a la entrevista.

Luisa Orduño en alguna parte de Europa

Die Neue Schule fur Fotografie (La Nueva Escuela de Fotografía)

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Sentí gran alivio cuando mencioné que era mexicana y recibí una expresión acogedora y positiva de sorpresa. Al final de la entrevista, me dijeron que en dos semanas me darían una respuesta. Sin embargo, a los tres días recibí en mi “Inbox” la noticia de que, a partir del 2 marzo del 2011, seré parte del alumnado de Die Neue Schule fur Fotografie, convirtiéndome así en la primera alumna mexicana y con la op-ción de realizar toda mi carrera de Fotografía.

A partir de esto espero que, con todo lo que pretendo exprimir de la enseñanza de esta escuela, pueda complementar toda la prepar-ación que he recibido en la Escuela Superior

de Artes Visuales, guiándome siempre por el método Arsológico, para así seguir con la ca-dena de transmisión cultural, innovando con lo que sabemos hacer en Tijuana y abrien-do puertas hacia nuevas oportunidades.

Luisa Orduño

Fotografías: Luisa Orduño

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SOBR

EMES

A

K o m a s a

Esta ocasión quiero platicarles sobre mi visita al restaurante de comida japone-sa con mayor tradición en Ti-juana. Esta fue una experiencia especial porque, después de pasar alrededor de dos años en Japón, he encontrado que ya no suelen gustarme los restaurantes “japoneses” que visito en Tijuana. Mayormente adaptados al gusto local, la comida en la mayoría de esos establecimientos no tiene prácticamente ningún parecido con la comida que conocí y amé mientras viví en Japón y, en general, la exageración en la composición de los platillos tiene como resultado un es-

tilo ‘barroco’ que es, de hecho, todo lo contrario a la elegante simplicidad de la cocina nipona.

Debo decir que Ko-masa fue una agradable sor-presa por varias razones. De entrada las mesas de Tepan Yaki, me hicieron sentir un ambiente más cercano al que recuerdo, aunque claro en Japón no se estila que halla un cocinero en la mesa, sino que más bien la cocina propor-ciona los ingredientes listos para que cada quien los co-cine en su mesa personal equ-ipada con un ‘Tepan’ o comal.

Independientemente de la ligera variación en el formato, el resultado fue muy

agradable, pues mi ‘Tepanya-ki Tori’ (pollo acompañado de verduras a la plancha) respeta-ba el autentico sazón japonés. A diferencia de el exceso de condimento y la sobre-cocción que he encontrado en la may-oría de los establecimientos locales, aquí la verdura estaba crujiente, el pollo bien cocido y todo deliciosamente condi-mentado. Mi única sugeren-cia al chef, incluir los hongos Shiitake cuyo sabor y aroma hacen una gran diferencia y que, aunque el público local probablemente no los pida, se-guramente los encontrarán de-liciosos ayudando así Komasa a promover una mayor cultura astronómica en nuestra ciudad.

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Detalles muy agrada-bles fueron una sopa Miso Shiro que también represen-taba el autentico sabor co-tidiano del Japón, así como una deliciosa y helada cer-veza Yebisu Malt, que me trajeron gratos recuerdos. La tabla de Sushi surtido estuvo bastante bien, incluyendo al-gunos detalles agradables e inusuales como el Ikura (hueva de salmón) o el Uni (erizo de mar) y una selec-ción razonable de peces. En lo particular hubiera apre-ciado un poco más de peces y un poco menos de cosas como el Sushi de huevo �

La única crítica seria que tengo para Komasa es respecto del corte de atún, del cual pedí por separado dos piezas ‘de lo mejor que tengan’ y recibí un par de cor-tes con vetas blancas trans-versales (nervios) que defi ni-tivamente no deberían estar en un buen corte de ‘panza’. Esto hace que la pieza no se deshaga en la boca como mantequilla (yummmm), sino que halla que trabajarla con los dientes, restando calidad a la experiencia total de la co-mida. Un buen corte de atún es una de las principales ra-zones por las cuales decido ir a un lugar de Sushi y es algo que me hace regresar a lu-gares a veces más modestos pero más auténticos como el supermercado japonés Mit-suwa, en la zona de Kearny Mesa en la vecina ciudad de San Diego. Quizás el chef de Komasa piense que su clien-

tela no es muy exigente en ese respecto, pero apegarse a las reglas de calidad de su arte es un compromiso que debe asumir y que no solamente agradeceremos los afi ciona-dos a estos platos, sino que ayuda a levantar el estándar de la cocina japonesa local.

A fi nal de cuentas Ko-masa queda como el único restaurante japonés en Ti-juana que puedo recomendar hasta ahora y quiero agrade-cer las otras sutilezas en las que el cuidado de la cocina hace la diferencia. El arroz que sirve de base a los pla-tillos como el Sushi en Ko-masa fue por fi n como debe ser siempre: ‘del día’ y jamás aguado ni reseco por las re-calentadas, como desafortu-nadamente he encontrado en otros restaurantes de la local-idad. La comida japonesa es simple, elegante y exquisita, el secreto siempre está en la calidad de los ingredientes y Komasa se lleva una buena nota por el pescado fresco, un par de trocitos de atún bien cortado habrían hecho la diferencia entre bueno y exce-lente, pero si vas a comer co-mida en japonesa en Tijuana, defi nitivamente vale la pena probar este establecimiento.

Yo Merito!

GA

ST

RO

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Una de las propuestas recientes en el taller de Proyectos de Interiores nos sorprendió por su intima relación con el tema de la gas-tronomía. Un equipo liderado por la maes-tra Alexandra Obando, diseñadora egresada de la Woodbury University y catedrática de interiorismo en la Escuela Superior de Ar-tes Visuales, consiste en interpretar una se-rie de parámetros del sabor y de otras carac-terísticas de ciertos platillos, para lograr un diseño de interiores que conecte con estos.

El proyecto arrancó de una se-rie de preguntas como, por ejemplo:

¿De que color es el sabor agridulce?¿Qué volumen de espacio arquitectónico tendrá el olor del chile?¿Qué textura tiene la temperatura fría de un platillo?

De acuerdo con la maestra Obando: “La arqui-tectura inspirada por el proceso gastronomito es una propuesta donde resaltan los espacios

creativos y acabados interesantes.” Además agregó: “En esta etapa del Curso de Proyectos se van a enfocar en diseñar un hotel estilo ‘Bed & Breakfast’. Es fácil diseñar un interior copiando un estilo del presente o del pasado, pero encon-trar metas y diseños que reflejan algo creativo, individual e interesante, se necesita desarrollar conceptos de diseño y herramientas como el armado de croquis. En este proyecto, los alum-nos se van a inspirar con todos los sentidos”.

La implementación del proyecto cuenta con una mecánica que inició con cada miembro del equipo creando un menú a su gusto, mis-mo que debió elaborar y comer para inspirar su proceso de diseño. Este menú debía con-tar con un bocadillo o aperitivo, una guarnición, un plato fuerte, un trago o bebida y un postre.

Por Yo Merito!

A partir del momento en que degustan su menú, cada diseñador comienza el traba-jo de bocetaje, correlacionando los elemen-

tos del menú con los espacios estándar de un ‘Bed & Breakfas’, de la siguiente manera:

1. Lobby – bocadillo.2. Suite estándar – guarnición.3. Suite de lujo – plato fuerte4. Boutique – trago5. Cocina / comedor – postre

De acuerdo con la maestra Obando, lo que se espera es que: “En el proceso de de-sarrollar y diseñar inspirado por el proceso gastronomito, los olores, los sabores, las tex-turas y las formas de los platillos sirvan como un dialogo arquitectónico con sustancia y creatividad.” Hasta el momento, cada dis-eñador ha definido ya su menú y se encuen-tra en el proceso de elaborar y comer los pla-tillos a fin de iniciar su trabajo arquitectónico.

Por nuestra parte, esperamos que nos inviten pronto a probar sus platillos du-rante la presentación de sus respectivos diseños. En el próximo numero de esta re-vista daremos a conocer los menús y los diseños de cada miembro del equipo.

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