Arte al dia Mexico Ed58

1www. artealdiamexico.com

Arte modernoy contemporáneo

Periodismo cultural e independiente

año 9 / septiembre - octubre / 2012

edición

5.8Cultural and independent journalism 10,000 ejemplares

MN $55 / USD $6

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da

• Reporte especial •Artistas invitados •Crítica opinión y ensayo

artealdiamexico.comartealdiamexico.com

Internacional Bienales en Brasil Tania CANDIANI

Ma. José ROMERO Luis GRANDAEspacios expositivos e industrias culturales

Nacional Monotipo y pintura

Ricardo ATL

2 www. artealdiamexico.com


Editorial 5 .8Editorial 5 .8El arte como un motor de desarrollo integral

Por / by Iván Sanchezblas

artealdía • méxico

Coincido con Ernesto Piedras cuando en nuestra sección Crítica, opinión y ensayo menciona: “Si tenemos buena información po-demos aspirar a tener buen análisis para diseñar una política pú-

blica y evaluar si lo hicimos bien; si hay una mala política cultural, hay mala gestión de recursos.” Pero en materia de artes visuales, a qué tipo de información es a la que se refiere este autor.

Arte al día México en su trayectoria se ha dado a la tarea de construir un marco de referencia para la información especializada que genera el sector profesional del arte en nuestro país. El resultado, en cada edición ejercemos un modelo editorial basado en tres premisas: 1) oferta artística 2) mercado de arte y 3) perspectiva académica. Bajo estos tres ejes nuestro contenido sistematiza y comparte la pulsión vital de un sector productivo, el sector cultural, que representa el 7% del PIB a nivel nacional.

En una economía basada en la creatividad, las artes visuales son ejemplo de un proceso económico cuyo primer eslabón, el que detona todo y sin el cual no existe el proceso eco-nómico del arte, se llama obra. A partir de la misma es que nuestra información construye una identidad visual contemporánea con información que tiene, simultáneamente, compo-nentes de valor económico, estético, social y cultural simultáneos, cuya suma se traduce en un motor de desarrollo integral. De ahí la necesidad de construir un marco de referencia para la información especializada que genera el sector y por lo tanto queda preguntarse, ¿qué grado de profesionalización necesitamos en la prensa y los medios, qué recursos de información para transmitir el contenido que genera este pilar del sector cultural en el país?

En la presente edición nos interesó ejercer una perspectiva amplia de estas ideas a través de lo escrito, por ejemplo, sobre las bienales de São Paulo o del Mercosur, texto que eviden-cia como las periferias del arte cada vez están más interconectada regionalmente pero al mismo son cada vez más distantes del resto del mundo; pues son incapaces de rebasar sus restrictivas estrategias y políticas locales; aspecto clave para revelar cómo los artistas han dejado de ser creadores especializados de conocimientos artísticos para devenir en meras piezas políticas intercambiables.

Otro ejemplo dentro de la economía del arte regional es la gestión de Artpace San Antonio, pionero de las artes visuales en Texas, el cual pone el ejemplo elevando los niveles de la producción del arte contemporáneo experimental y emergente, sin descuidar su atención hacia el arte local. Debido a la alternancia de su programa de residencias artísticas, está al tanto simultáneamente de la obra de 3 artistas de 3 lugares distintos (uno de origen inter-nacional, otro de EUA y un Texano) seleccionados por un curador invitado 4 veces al año.

Paralelo a este tipo de estrategias institucionales están aquellas de carácter privado las cuales buscan promover y sustentar a los productores de arte. Ejemplo de ello es el trabajo que hace la galería Aldama Fine Art al compilar artistas bajo un mismo estilo para su comer-cialización. O bien, el trabajo realizado por el Taller Archivo Gráfico del maestro impresor Felipe Cortés, espacio donde la técnica del monotipo abre su conocimiento para aportarlo a la técnica pictórica pues la construye y la motiva.

Esta reflexión devuelve el valor a la obra de arte antes que ésta entre al circuito de su co-mercialización. La aportación estética de los artistas invitados en esta edición (Héctor De Anda, María José Romero, Luis Granda, Tania Candiani, Ricardo Atl) es tan necesaria reco-nocerla como su presencia y función dentro de nuestro mercado artístico.Como prueba de ello está Ana Mercedes Hoyos, artista colombiana cuya obra permite entender el proceso de hibridación de la identidad y economía del arte de nuestra región cultural. Su exposición en el Museo de arte de la SHCP ejemplifica el proceso económico del arte proponiendo una identidad visual contemporánea componentes de valor económico, estético, social y cultu-ral cuya suma proyecta el valor del arte como un motor de desarrollo integral.

Finalmente, a través de nuestras secciones Imperdibles y Sugerencias invitamos a nues-tros lectores a ser beneficiarios de este proceso económico y convertirse en consumidores culturales de los productos y valores artísticos ofertados por las instituciones tales como galerías y museos en todo el país.

Arte al día México publicación bimestral. Editor responsable: Iván Gregory Antony Sanchezblas Sánchez. No. Certificado de Reserva otorgado por el Instituto nacional del Derecho de Autor: 04-2010-040710354000-101. No. Certificado de licitud y contenido: 14810, expedido por la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas el 11 de mayo de 2010. Domicilio: Álvaro Obregón 189 - Mezanine, Col. Roma, cp. 06700, México, D.F. Tel. 2876 2854. DISTRIBUCIÓN: Arte al día México A. Obregón 189, col. Roma, DF. IMPRESIÓN: Servicios editoriales ESTAMPA Artes gráficas Priv. de Dr. Márquez 53, Col Doctores. México, D.F.

Art as an engine of integral development

MÉXICOArte al DíaPág. 4 IMPERDIBLES

Pág. 6 SUGERENCIAS D.F.

Pág. 9 RESEÑA NACIONAL Ana Mercedes Hoyos. Oro negro por Mireille Torres

Pág. 10 SUGERENCIAS ESTADOS

Pág. 12 CORREDOR NORTE

Pág. 14 - 15 GESTIÓN EN LAS ARTES Artpace San Antonio, Texas por Leslie Moody Castro

Pág. 16 - 17 GESTIÓN EN LAS ARTES Neofigurativismo, México DF por José Ignacio Aldama

Pag. 19 - 21 Héctor DE ANDACaminar contando los pasos por Helena Braunstajn

Pág. 22 - 23 María José ROMERO Transformación y belleza infinita por Karen Huber

Pág. 24 / 25 Luis GRANDA Entre líneas por Luis Carlos Emerich

Fundador José Costa-Peuser

Director Iván Sanchezblas • [email protected]

Marketing cultural Sofía Llorente • [email protected]

Asistente de Dirección Marielle Huttich • [email protected]

Editor asociadoEduardo Egea •[email protected]

Webmaster Jacqueline Benitez •[email protected]

Representante MONTERREY Domitila Castañeda • [email protected]

Representante OAXACA Gabriel Mendoza • [email protected]

Diseño Martín Sánchez Álvarez

Distribución: Roberto Romero

Pág. 26 / 27 Tania CANDIANILo femenino y la expansión del arte por Eduardo Egea

Pág. 26 / 27 Ricardo ATL La nada por Nelson Hernández

Pág. 28 REPORTE ESPECIAL / Nacional Monotipo y pintura por Ana López Montes

Pág. 28 REPORTE ESPECIAL / InternacionalDos bienales: de Sao Paulo a Mercosur por Eduardo Egea

Pág. 29 / 30 CRÍTICA, OPINIÓN Y ENSAYO Espacios expositivos e industrias culturalespor Ernesto Piedras

Actualizando el pensamiento

Portada Sin título (Who am I?) 2012

De la serie Hipótesis de la conversación © Héctor De Anda

In its history, Arte al día Mexico has taken on the task of building a framework for the specialized information generated by the professional arts sector in our country. The result, in each issue we exercise an editorial model based on three premises: 1) artistic offer 2) art market and 3) academ-ic perspective. Under these three axes our content shares and systematizes the vital pulse of the productive cultural sector, one which accounts for 7% of the national Gross Domestic Product.

In an economy based on creativity, visual arts are an example of an economic process whose first link, the one that detonates everything and without which there is no economic process of art is the artwork. From it our information that builds a contemporary visual identity that has, simulta-neously, components of economic, aesthetic, social and cultural whose sum translates visual arts into an engine of social development.


I M P E R D I B L E SMARCO Museo de Arte Contemporáneo

Museo de Arte de la SHCP

X Bienal Monterrey FEMSA Hasta octubre 21

Ana Mercedes HoyosOro negroHasta octubre 14

Constituida en 1992, la Bienal Monterrey FEMSA se ha conso-lidado a través de los años como el certamen de artes visuales más importante del país al otorgar más de $600,000.00 pesos en premios. A lo largo de su trayectoria, ha recibido la participa-ción de 8640 artistas con 21 085 obras registradas. La Bienal se ha presentado en distintas sedes en ciudades como Monterrey, Ciudad de México, Chihuahua, Guadalajara, Hermosillo, León, Ti-juana y Puebla, siendo apreciada por más de 400 000 personas. En esta edición de aniversario, la exposición que se presenta en MARCO se encuentra conformada por tres ejes principales: Obras seleccionadas en la X edición; Obras ganadoras de la I a la IX edi-ción, y Sextaniqatsi: desorden habitable, una exposición curada por José Roca que reúne a 11 artistas invitados procedentes de nueve países de América Latina: Argentina, Brasil, Colombia, Costa Rica, Guatemala, México, Nicaragua, Panamá y Venezuela.

“Nunca he coincidido con las modas en el arte, la moda y yo siem-pre hemos estado en lados opuestos; entonces, puedo estar tran-quila y segura de que mi obra nunca va a pasar de moda porque, de hecho y afortunadamente, nunca lo ha estado”. Ese es el juego de palabras que pronuncia la artista colombiana Ana Mercedes Hoyos cada vez que habla de su interés en el arte atemporal; es decir, en aquel que perdura por lo que rescata o aporta, mas no por su éxito en el mercado ni por el gusto imperante de un sec-tor del público; probablemente ese sentido de atemporalidad ha permitido que su obra cobre cada vez mayor vigencia. La artista plástica colombiana Ana Mercedes Hoyos explora el comercio de esclavos de África a América con más de 50 obras que exploran la riqueza cultural y valores que estos trajeron hacia América. La muestra se titula Oro negro, que alude a la forma como se de-nominó a los esclavos en tiempos de la colonia, pues el comercio de estos hombres resultaba aun más lucrativo que ese metal pre-cioso.

Moneda 4, Centro Histórico

Museo de Arte Moderno

Museo Tamayo Arte Contemporáneo

Museo Universitario de Arte Contemporáneo

MACAY Museo de Arte Contemporáneo

ColectivaSurrealismo de mujeres artistas en México y Estados UnidosHasta diciembre

Rufino TamayoTamayo/TrayectosHasta noviembre de 2012

Teresa MargollesLa PromesaHasta enero 6

Ateneo de Yucatán Leonardo NiermanEscultura del tercer milenioHasta septiembre 30

Esta exposición es el resultado de la colaboración entre el MAM, Museo de Arte Moderno del INBA de la Ciudad de México y Los Angeles County Museum of Art, LACMA. La muestra ofrece un primer acercamiento a la obra de artistas mujeres residentes en México y Estados Unidos entre las décadas de 1930 y 1970, vinculadas al surrealismo y los procesos transculturales que po-sibilitaron la creación de piezas artísticas en el continente ame-ricano con actitudes y características afines a este movimiento Europeo. Es así que a partir de la propia expresividad de las obras se pretende dar cuenta de las implicaciones surrealistas del arte en América.

Curaduría: Ilene Fort y Teresa Arcq

Paseo de la Reforma y Campo Marte S/N Polancowww.mam.org.mx

Esta es una exposición retrospectiva que muestra las diversas maneras en las que el artista oaxaqueño abordó a lo largo de su trayectoria artística algunos temas clásicos de la historia del arte como el paisaje, la naturaleza muerta, el retrato, el desnudo femenino y las escenas de género, así como su incursión en los movimientos indigenista y surrealista. La muestra comprende 60 pinturas, entre las que destacan seis obras inéditas y poco vistas. La selección tiene un interés temático más que cronológico, el cual busca evidenciar el desarrollo del artista y sus aportacio-nes estéticas al campo de la pintura a lo largo de siete décadas (1920–1990).

Paseo de la Reforma y Gandhi s/n, Bosque de Chapultepecwww.museotamayo.orgwww.rufino.mx

La obra de Teresa Margolles está marcada por su interés en el contexto social y político de México y la forma cómo este de-termina al individuo. La Promesa se inscribe dentro de un largo proyecto de investigación que la artista inició en Ciudad Juárez años atrás, lugar que con la llegada de las maquiladoras se fue convirtiendo en un centro de reales oportunidades que generó grandes expectativas en miles de migrantes. En los últimos años, las nuevas comunidades que a la par de crear vínculos labora-les y económicos, tejieron lazos afectivos y sociales, se vieron directamente afectadas por la crisis económica, el impacto del narcotráfico y la creciente y asoladora ola de violencia que estos fenómenos han generado. El desenraizamiento forzado de las personas y su errancia, son el testimonio de una Promesa incon-clusa que se manifiesta a través de miles de casas deshabitadas, abandonadas y vandalizadas que desdibujan el paisaje de una ciudad que anuncia la derrota de un proyecto de país.

Insurgentes Sur 3000 www.muac.unam.mx

Celebrando junto con el Mu-seo Macay su décimo octavo aniversario, Leonardo Nierman presenta esta gran exposición de quince piezas, conjunto a través del cual se puede cons-tatar la aportación al lenguaje de las tres dimensiones que ha hecho Nierman a lo largo de más de cinco décadas de tra-bajo. Este universo de formas y volúmenes da paso a la apari-ción de aves, ángeles, victorias aladas, flamas e instrumentos musicales realizados en múlti-ples dimensiones. Nierman es un artista mexicano que ha ex-puesto en más de 100 ocasio-nes en América, Asia, Australia y Europa. Pasaje de la Revolución entre 58 y 60 www.macay.org

Zuazua y Jardón S/N, Centrowww.marco.org.mx

Vista de la Bienal FEMSA en el MARCO de Monterrey. Imagen cortesía de este museo

Imagen cortesía del MAM

Teresa Margolles. La Promesa, 2012, Imagen cortesía del MUAC

Ma fruta ata freko, 2006-2012, Óleo sobre lienzo, Tríptico. (detalle)

Imagen cortesía del Museo Tamayo Arte Contemporáneo.

Rosa de los vientos, acero inoxidable, 264 x 79 x 70 cm. Imagen cortesía

del MACAY


SUG E R E N C I AS D. F.Museo de Arte ModernoFernando García PonceUn impulso constructivoHasta noviembre 4

Arte Hoy Galería Jorge Yázpik Hasta octubre 18

Galería EjeJosé GrinbergCanto en la energía del caosHasta noviembre 30

Museo Nacional de ArteRubén HerreraTrazo y volumenHasta septiembre 23

Galería OMRRubén Ortiz TorresRetrospectiva en un minutoHasta mediados de octubre

Esta exposición de Fernando García Ponce (1933-1987) reúne más de 45 obras entre acuarela, collage, pintura y proyecciones de las construcciones que realizó durante su etapa como arqui-tecto tanto en Mérida, Yucatán como en la Ciudad de México. En el marco del 25 aniversario de su fallecimiento se rinde homenaje a este pintor abstracto a través de una selección retrospectiva en la que se intentará mostrar cómo en su producción existió un constante diálogo entre disciplinas y prácticas como la pintura, la arquitectura y el collage. Poco se conoce de su producción como arquitecto ya que la mayor parte de sus construcciones fueron residencias particulares, y sus obras de collage, han recibido escasa atención crítica, especialmente si se comparan con las numerosas revisiones que ha tenido su obra pictórica

Curaduría: Daniel Garza Usabiaga

Paseo de la Reforma y Campo Marte SN Polanco

www.mam.org.mx

En las esculturas que confor-man esta exhibición, se obser-va el equilibrio de los elementos y la unión de los materiales, su espacio, forma y esencia. En su obra se percibe la inmortalidad del vacío y el papel de la materia como contenedor de lo inmate-rial. Cada una de las piezas de este artista posee una historia evolutiva a partir de su forma original.

Jorge Yázpik es un reconocido y talentoso escultor que nació en la Ciudad de México en 1955, ha tenido relevantes exposiciones en instituciones como: El Mu-seo de Arte Moderno, el Museo

Esta es una muestra que pone en duda si el nombre de José Grin-berg, trascenderá en el tiempo como el afamado arquitecto que ya es, o como el prometedor artista plástico que aquí se mani-fiesta. En su séptima década de vida, cuando inyecta estridente color a los años, Grinberg se reescribe y renace. Dice que siempre ha pintado, que fue la pintura lo que determinó su ocio cuando las computadoras no habían irrumpido y el talento de un arquitecto se determinaba por la calidad de sus trazos e inventiva. Su forma-ción en Ciudad Universitaria en 1960 validó su vocación, el pro-grama de estudios de Arquitectura de la UNAM se enfocaba en las visiones artísticas de Mies van der Rohe, Frank Lloyd Wright y Le Corbusier; Grinberg pintaba ya desde entonces con pasión. Fue alumno de Arnold Belkin, aprendió a experimentar con técnicas, a dibujar con precisión y a manejar con destreza el color.

Eje Central Lázaro Cárdenas 425www.e-j-e.com.mx

La muestra reúne cerca de 70 obras representativas de la pro-ducción pictórica y dibujística del maestro Herrera durante su formación académica, su estadía en Italia y posterior retorno a México. Las piezas proceden del Museo “Rubén Herrera” en la ciudad de Saltillo, Coahuila, de la Pinacoteca del Ateneo Fuente de la Universidad Autónoma de Coahuila, y de colecciones priva-das, entre sus obras sobresalen retratos, bodegones y bocetos de gran formato.

Calle de Tacuba 8 Centro Históricowww.munal.com.mx

Ortiz Torres es un artista con un pie firmemente puesto en cada lado de la frontera entre México y Estados Unidos, com-bina ideas y culturas para crear significados híbridos, permi-tiéndonos ver el mundo que co-nocemos desde una perspecti-va nueva y diferente. A primera vista sus esculturas y pinturas termo-sensibles parecen alu-dir simplemente a una versión contemporánea del modernis-mo abstracto, pero detrás de

Museo de la SHCPLuis ArgudinAfinidades selectivasHasta septiembre 23

Hoy, como ayer, Argudín permanece fiel a sí mismo. ¿Acaso nada hay que lo haga cambiar de rumbo narrativo o de valores esté-ticos? El andamiaje de su lenguaje está ya sólidamente armado en repertorios iconográficos y en panoplias simbólicas que este artista ha ido ensamblando de manera que no podrían haber sido hechas por otro autor. Una exposición de Argudín equivale siempre a una suma, un epítome de la extensa y constante pro-ducción de cuadros con que ha certificado su rango en la escena plástica mexicana. La lógica de Argudín articula el amor al canon del retrato y la naturaleza muerta, y la postura del pintor clásico: No sólo por su apego a la figuración o para con argumentos de la historia del arte y la iconografía sacra, sino por la apetencia de lo bello y lo armónico o el desnudo femenino concebido como un paisaje.

Moneda 4, Centro Histórico

Composicion sobre Azul, 1981, (imagen cortesía del MAM)

Autorretrato Ruben Rerrera, (imagen cortesía del museo)

Imagen cortesia del museo de la SCHP

Imagen cortesía de Arte Hoy galería

Tamayo, el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, el Museo de Antropología, INAH, en la Galería José Luis Benlluire, además de la Facultad de Arquitectura de la UNAM y la Universidad Ibero-americana.

Presidente Carranza 176, Coyoacánwww.artehoy.com.mx

las múltiples capas de pintura industrial automotriz, se encuen-tran varios niveles narrativos que crean una nueva aproximación. La estética seductora de sus obras invita al espectador a tocar o a sentarse en ellas, dejando marcas visibles. Como resultado de esta interacción, no solamente las obras cambian físicamen-te, también se transforma su espacio y sentido cultural. El rol del espectador cambia al de participante, alterando la dinámica de la galería o el museo, donde tradicionalmente se mira pasivamente en lugar de actuar activamente.

Plaza Río de Janeiro, 54, col. Romawww.galeriaomr.com

Sin Titulo, 1990 Ólep sobre triplay. Cor-tesía del artista y de Galería OMR, México.

Imágenes cortesía de la galería eje


adv TBa arte al dia mex 24 x 11_9 cm_2.pdf 1 8/29/12 2:19 PM

www.arte-contemporaneo.com.mx Facebook: Arte Contemporaneo Sma · Twitter: @arte_contempo

Sollano No. 13, Centro

San Miguel de AllendeJordi Boldó · Alberto Castro Leñero · Vladimir Cora · Yvonne

Domenge · José García Ocejo · Manuela Generali · Luis Granda ·

Rubén Maya · Flor Minor · Nunik Sauret · Jose�na Temín · Beverley

Ashe · Eduardo Beristain · Alfonso Chimal · Héctor Ornelas · Joaquín

Piñeiro · Fernando Tamés · Esmeralda Torres · Gabriel Vergara ·

Theriuss Allan Zaragoza

Manuela Generali, El canto de la sirena , 2006. Acrílico sobre tela, (detalle)

COLIMA 179 COL. ROMA ENTRE JALAPA Y ORIZABAwww.traeger-pinto.com

Emilio Said

Patrick Pettersson

Claire Becker

Fernando Pizarro

Xochitl Rivera

Bradley Narduzzi


Ana Mercedes Hoyos (1942. Cartagena, Colombia) presenta en el Museo de la SHCP la exposición re-trospectiva llamada Oro negro, ca. 1502 curada por

Rafael Alfonso Pérez y Pérez, que incluye obras realizadas en esta última década principalmente.

Desde hace ya varios años, la temática de Hoyos ha sido el comercio de negros de África a América que comenzó a principios del siglo XVI. En sus obras hay claramente una intención de vindicar la condición de la raza negra frente a la discriminación etnocentrista y la explotación que data de tiempos de la colonia.

Ana Mercedes Hoyos tuvo la oportunidad de trabajar en el taller de Andy Warhol y el de Rupert Smith en Nueva York poco antes de que ambos murieran, de ahí que podamos ver cierta influencia del lenguaje formal del pop art en sus obras, sin embargo, la artis-

Por / By Mireille Torres

AnA Mercedes Hoyos oro negro Museo de sHcP (Ago-oct 2012)

1 El pueblo fue fundado por esclavos fugados de Cartagena de Indias en el siglo XVI . Han desarrollado una lengua criolla y características únicas en su formación y cultura, por lo que han sido considerados Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.

Reseña de exposición Ciudad de México / México

En esta consecución encontramos la línea como eje conductor de las obras de Hoyos. Es decir, a pesar de que es una artista contemporánea, su forma de trabajo remite a metodologías clásicas, en las que se parte del dibujo, para seguir con la li-tografía, continuar con el relieve y culminar con la escultura.

En este sentido, sus obras no llegan a dislocar la metodología creativa, pues es el producto lo que tiene mayor relevancia y no el proceso. No obstante, hay en el arte de Ana Mercedes Hoyos una resistencia al canon estético establecido, que se manifiesta en una re/escritura del costumbrismo y del arte pop.

En sus obras vemos la muerte de las metanarrativas en una apuesta hacia una reconstrucción de la subjetividad, un proyecto de transformación social para unirse a las filas de artistas, críticos y filósofos que provocan al espectador a pensar el mundo en y desde las periferias.

En la serie “Vara de Premio” (2008) podemos ver el interés de Hoyos por el relieve, nuevamente, en materiales clásicos como el bronce. Para Hoyos el mantener vivo el oficio es sumamente importante, de ahí que no esté interesada en experimentar con otras técnicas como el video o la fotografía. Si bien Hoyos tiene un archivo fotográfico y de video sobre su relación con la comunidad negra de San Basilio de Palenque -primer pueblo liberado de la esclavitud en América en 1713 1- principalmente, para ella esto es sólo documentación y no piezas artísticas.

En estos relieves podemos apreciar una narrativa local de un jue-go conocido en otros lados como el palo encebado, que consiste en escalar un poste largo embadurnado de cera sólo con la ayuda de pies y manos. Se trata de una narrativa que surge de la vida cotidiana de las zonas rurales europeas y que con la colonización llegó a América Latina convirtiéndose en parte de las costumbres de muchos pueblos.

La obra Ma fruta ata freko (2012) es un óleo sobre lienzo que ha llegado a México para quedarse. Se trata de un tríptico de propor-ciones colosales que bien podría evocar los murales de Diego Ri-vera. En él podemos ver representadas a las palenqueras vestidas de colores intensos al lado de sus frutas. Nuevamente, el costum-brismo está presente, sin embargo, lejos de tratarse de retratos fieles, las imágenes de Hoyos parten de escenarios locales que se transforman, desde la mirada de la artista, en idealizaciones universales de la raza negra.

Partiendo de los tres ejemplos anteriores, podemos decir que hay en Hoyos una consecución que va del hiperrealismo a una abstracción sintética, pasando por una configuración formal que hace referencia al arte pop y al costumbrismo naif planteado por los primitivistas europeos de principios del siglo XX.

ta, lejos de manejar el discurso de la sociedad de consumo, se vuelca más a la relación del hu-mano con la naturaleza.

Es así que en “Pink Knife” (2005) podemos articular una obvia referencia a los cuchillos serigrafiados de Warhol. Si para Warhol estos cuchillos representan a una sociedad decadente en la que la taza de crímenes aumenta durante la década de los ochenta, para Hoyos estos cuchillos repre-sentan aún en este nuevo siglo.

Representa a las palenque-ras, mujeres de Colombia que mantienen la tradición de ven-der frutas y que tienen como herramienta el cuchillo para cortar dichas frutas y adornar las palanganas coloridamente.

Por otra parte, Warhol partía de la fotografía Polaroid en el caso específico de ls cuchillos y de las noticias de periódicos para lleva a cabo sus serigrafías, mientras que Hoyos parte de la litografía para después pasar a la tridimensionalidad del cuchillo en una escultura de bronce.

Imágenes © Ana Mercedes Hoyos

Pink knife 2005. Litografía sobre papel guarro, 76 x 56 cm

Bodegón De la serie Pink knife. 2010. Escultura en bronce, pátina de color. 8 x 96 x 12 cm Imagen de archivo Ana Mercedes Hoyos de la serie Vara de premio

Ma fruta ata fresko I y II Óleo sobre lienzo , 60 x 60 cms, 2011


SUG E R E N C I AS E D OS.GuadalajaraDiéresis. Centro de cultura contemporáneaCábula razaFrancisco Morales y Pedro AndrésHasta septiembre 14

¿Quién dijo que el arte tiene que llegar hasta el final? En el proce-so suelen improvisarse piezas que también son dignas de expo-nerse. Hay artistas como Morales que han llevado este concepto más allá al crear todo un laboratorio para concretar una propues-ta de arte contemporáneo. Con alrededor de 50 piezas, la idea de esta muestra surgió cuando Francisco Morales en su trabajo como arquitecto llegó a una obra en construcción una mañana de sábado y un albañil le dijo a otro que se levantara la camisa y le enseñara el tatuaje de una pistola; días después, al volver a char-lar con él, Morales le notó otra imagen. “Era una forma un poco endeble, grisácea y yo le pregunté ‘¿Por qué no te lo retocas?’, me contestó: ‘¿Qué pasó, arquí? Este es un tatuaje penalero’. A partir de entonces quedo claro que el talento de este hombre para el di-bujo también puede ser usado como estrategia de supervivencia en la cárcel, circunstancia que le dio a Morales inspiración para arrancar este intenso proyecto artístico.

TijuanaCentro Cultural Tijuana Xawery WolskyMateria de deseoHasta diciembre 31

Una ciudad que inspira a crear, es lo que el artista polaco Xawery Wolski expresó sobre Tijuana durante la inauguración de esta exposición, la cual es una ambiciosa recopilación de obras producidas en los últi-mos 20 años de trabajo. Por primera vez están reunidas pie-zas que, aunque han nacido del mismo autor, no habían convi-vido bajo el mismo recinto.

El trabajo de Wolsky tiene al-cances importantes en tanto que ha creado una estética pro-pia: Todo ha nacido en el barro,

ZapopanGalería Curro y PonchoGabriel Rico JiménezLo que me da forma…lo que me contieneHasta octubre 26

Gabriel Rico Jiménez cursó La licenciatura en Arquitectura en la ciudad de Guadalajara. Ha colaborado en proyectos indepen-dientes como Urbanizarte, Turista y el proyecto Liga, del cual es co-fundador. Desde el año 2004 su trayectoria como artista se ha consolidado en paralelo a su labor como promotor cultural y detonador de proyectos de arte; actualmente, Gabriel Rico se encuentra enriqueciendo un cuerpo de obra cada vez mas pro-positivo que frecuentemente salta y algunas veces se detiene en la línea divisoria entre el arte y el diseño, creando lámparas que coquetean con la instalación, las cuales son visualmente intrigan-tes y cautivadoras.

OaxacaGalería QuetzalliSabino GuisuDead HoneyHasta octubre

Pensar a la miel como algo muerto, es una ironía, porque la miel no muere ni se pudre, a veces se cristaliza, pero no se descom-pone, solo se transforma pero la metáfora va más allá, es el título de la primera exposición que el juchiteco Sabino Guisu tendrá en esta galería. Para este artista, la miel es mística y a través de ella encontró la conexión con el humo es utilizado por los humadores de los apiarios. Esta exposición la conforman piezas en gran for-mato trabajadas con humo, polen y ceras, así como una instala-ción en la entrada con estrellas de madera, una panal de abejas y un cráneo hecho con celdas creadas por este himenóptero que el manipuló para formar una representación de la muerte. Para Gui-su la naturaleza misma es una obra de arte y acepta que extrae un poco de ella para utilizarla en su propia creación.

Constitución 104-1, Centro Históricowww.galeriaquetzalli.com

OaxacaTransverso Arte ContemporáneoColectivaTRANSITORIOHasta Octubre 9

La exposición aborda lo transitorio no sólo desde su hecho natural e irrevocable, sino desde una dialéctica que actualmente cobra una mayor relevancia por la velocidad en la que viajan las ideas y las imágenes, los sentimientos y las emociones. Es factible que ya no haya vuelta atrás ahora que se percibe al mundo de ma-nera efímera, un mundo lleno de imágenes desechable y fáciles, productos que no duran, relaciones humanas individualizadas y egoístas y todo un universo globalizado, engañosamente abierto y a la vez, fronterizo y perversamente seductor. En esta exhibición lo transitorio ha estado siempre allí, advirtiéndonos que la vida es al menos una ilusión transferible, manipulada y efímera. Desde la fotografía, la instalación y el vídeo, los artistas aquí expuestos conforman sus planteamientos desde distintos puntos de vista, atendiendo siempre a ese paisaje veloz en el que transcurre nues-tro devenir.

Avenida Independencia 1310, Altos / Centrowww.transversoartemexicoguate.blogspot.mx

en el dibujo, en la piedra rayada y en el cuerpo ficcionado, ahora cada objeto es una referencia simbólica de aquello que le inspiró.

Entre cada uno de ellos, se tejen historias similares, aunque con-tadas de distintas maneras.

Xawery Wolski, collar, 2005 101.6x50.8x7.6cm

The Winners Take All, 2011, letras de madera, 80 x 30 cm

Dedos en Dos, 351 piezas de papel per-gamenta recortadas a mano. El montaje de esta pieza les llevó a los artistas 5 días de trabajo. (Imágenes cortesía de la galería Diéresis)

El artista con su obra, imagen cortesía de la galería Quetzalli

Vista de la exposición, Imagen cortesia de Arte Transverso

Blvd. Puerta de Hierro 5210-13B www.curroyponcho.com

Av. Hidalgo 1228, Col. Americanawww.dieresis.com

San Luis PotosíMuseo de arte contemporáneoPhil KellyLa línea desnudaDesde septiembre 20 hasta diciembre 2

La línea desnuda incluye la última producción del artista Phil Kelly (Dublín, 1950 - México D.F. 2010). Con más de 50 obras al óleo, tinta y carbón sobre papel, éstas contribuyen a que el efecto plástico sea más completo y agradable, siendo su estilo pictórico una forma de presentar el expresionismo abstracto.

Curaduría: Jimena Espejo

Morelos No. 235, Zona Centro www.macsanluispotosi.com

Pink Nude I Mixta/papel I 62 x 21.5 cm I 2003

Paseo de Los Héroes 9350, Zona Ríowww.cecut.gob.mx


C O R R E D O R N O R T E

San FranciscoSan Francisco Museum of Modern ArtCindy ShermanHasta octubre 8

Los AngelesThe Museum of Contemporary ArtColectivaDestroy the Picture: Painting the Void, 1949–1962Hasta enero 7, 2013

Cindy Sherman, es una de las artistas más influyente de nuestro tiempo, crea fotogra-fías provocadoras que exploran una amplia gama de temas sobre la identidad y la repre-sentación. Trabaja utilizándose a sí misma como modelo, para hábilmente transformar su apariencia utilizando pelucas, disfraces, maquillaje, prótesis y accesorios para recrear per-sonajes inspirados en películas, televisión, revistas o la historia del arte.

Esta gran retrospectiva reúne más de 150 fotografías reali-zadas desde mediados de los años setenta hasta el presente. 151 Third Street www.sfmoma.org

Esta exhibición se centra en la destrucción como uno de los modos de producción en la pintura internacional de posguerra. La exposición pre-senta 100 obras de 25 artistas procedentes de ocho países, quienes literalmente asaltaron al plano pictórico a través de experimentos tempranos de gestualidad matérica, como lo fue el romper, quemar, cortar o fijar objetos, recursos con los que se puso énfasis a la desapa-

San DiegoMuseum of Contemporary Art San DiegoColectiva Behold America! Art of the United States from three San Diego MuseumsHasta Feb 10, 2013

Esta exposición es una dinámica colaboración entre tres de las instituciones de arte más importantes de San Diego: El Museum of Contemporary Art San Diego (MCASD), el San Diego Museum of Art y el Timken Museum of Art. Al reunir a las mejores obras de arte norteamericano de estas instituciones, esta exposición ofrece al público la oportunidad de presenciar los cambios radicales en el arte creado en los Estados Unidos a través de tres siglos. La mues-tra presenta una rica variedad de pinturas, esculturas y fotografías, la mayoría de los cuales no habían sido reunidas con anterioridad. Esta muestra en el MCASD se encuentra dividida en tres secciones principales: Fronteras, Figuras y Formas, siendo que en cada uno de estos museos se muestran obras de las tres colecciones.

700 Prospect Street La Jollawww.mcasd.org

San Antonio TexasMc Nay Art Museum ColectivaEstampas de la RazaHasta enero 27, 2013

Esta histórica exposición reúne artistas chicanos, latinos, mexi-canos y norteamericanos por igual, esfuerzo que celebra la más reciente donación hecha al McNay de obras de la colección de Harriett y Ricardo Romo. Temas como la identidad, la lucha, la tradición, la cultura, la memoria y los iconos se manifiestan en monumentales serigrafías y litografías a color de artistas como Rolando Briseño, Sam Coronado, Richard Duardo, Ester Hernán-dez, Luis A. Jiménez Jr., César A. Martínez, Malaquías Montoya, Sonia Romero, Alex Rubio y Vicente Valdez.

6000 North New Braunfels Avenue www.mcnayart.org

TexasEl Paso Art MuseumMargarita CabreraHasta agosto 4, 2013

Margarita Cabrera es una artista de Monterrey, Nuevo León, que vive y trabaja en El Paso, quien presenta en esta exposición once piezas producidas en los últimos diez años. Esta artista comenzó a ser conocida por sus esculturas blandas de productos comer-ciales como cafeteras y licuadoras de marcas estadounidenses pero maquiladas en México y las cuales sirven como recordatorio de la mano de obra migrante. La preocupación de Cabrera por el papel de los trabajadores que maquilan estos productos fuera de su país, superó a su interés por los objetos en sí mismos, ya que esta artista comenzó a organizar proyectos que involucran el trabajo de artesanos de las comunidades de inmigrantes. Esta perspectiva transcultural de Cabrera ha permitido a su práctica artística involucrar aspectos políticos, sociales y emocionales de dos culturas distintas.

One Arts Festival Plz www.elpasoartmuseum.org

MiamiBass Museum of artColectivaUnnaturalHasta noviembre 4

El concepto de la naturaleza ha adquirido una nueva relevancia en la era de lo tecnológico, lo que lleva a muchos artistas a reflexionar sobre los ambientes artificiales, donde uno es incapaz de confiar en lo que es real y lo que no lo es. Los artistas seleccionados para UNNATURAL provienen de diversos orígenes culturales y traba-jan en una amplia gama de medios, incluyendo vídeo, fotografía, escultura o instalación, recursos con los que se abordaran con-cepciones científicas, románticas, conceptuales, poéticas, sen-suales o ecológicas de la naturaleza a través de una variedad de estrategias que reflejan los avances en la tecnología del siglo XXI. UNNATURAL representa la inverosímil fusión entre la realidad, la fantasía y la ficción, reflejando simultáneamente la libertad de la imaginación y las maravillas de la tecnología de simulación.

2100 Collins Avenue www.bassmuseum.org

rición de límites entre la bi y la tridimensionalidad; esta expansión del medio pronosticó el uso en el arte del espacio y el tiempo, y puso de relieve un tipo de sensibilidad artística que tomó forma en el contexto mundial de la post-guerra.

250 South Grand Avenue www.moca.org

Boaz AharonovitchDark Matter, 2010-2012Archival Pigment Print (Cuatro impresiones Giclée)122 x 122 cm cada una.imagen cortesía del Bass Museum of Art

Margarita Cabrera (EU, 1973) Arbol de la Vida: John Deere Model 790, 2007 Cerámica, pintura y herrajes de acero. Imagen cortesía de El Paso Museum

Richard Duardo, Four Fridas (detalle), 2003. Serigrafía. Imagen cortesia del Mc Nay Art Museum

Sergio De La Torre Thinking About Expansion, 2003 Fotografía digital, Imagen cortesía del MCASD

Alberto Burri, Combustione Plastica, 1958, Plástico, Acrílico y quemaduras sobre tela (98 x 84 cm). Imagen cortesía MOCA.

Cindy Sherman, Untitled #193, 1989.

Cindy Sherman, Untitled #458, 2007-08.(Imágenes cortesía del San Francisco

Museum of Modern Art)


Houston es actualmente reconocida como una gema cultural en Estados Unidos. Hogar de grandes museos, una floreciente escena de galerías y una fuerte base de apasionados coleccionistas; su feria anual, la Houston Fine Art Fair regresa con su

segunda edición como un evento muy esperado. El año pasado, 10,500 entusiastas explora-ron las ofertas de 83 corredores de arte logrando un éxito de asistencia y ventas.

En esta edición la feria aspira reflejar las diversas y sofisticadas practicas de los coleccionistas en Houston con una gran selección internacional de trabajos de todas las formas; desde la post-guerra hasta el presente. Más de 65 galerías que representan aproximadamente 10 países y 24 ciudades han establecido a Houston Fine Art Fair como la más grande en la región suroeste de EUA.

Como el tercer mercado de arte más grande de USA, Houston Fine Art Fair mostrará sus nuevas plataformas: HFAF Fahrenheit, que muestra galerías que tienen menos de cinco años. Los asisten-tes podrán explorar y descubrir estos lugares que esta redefiniendo el arte contemporáneo. HFAF Foto presenta lo mejor en fotografía contemporánea y clásica dando mayor perspectiva a la visión y mensaje de los artistas. Otra interesante adición es MFAH Core Factor, una exhibición curada por los coleccionistas y benefactores Brad Bucher y Victoria Lightman.

El evento también tendrá memorables instalaciones, proyectos especiales y un vigorizante programa de paneles de discusión diseñados tanto para coleccionistas novatos como para experimentados. “Este año nos concentramos en los artistas y coleccionistas de Texas, como un generador para la cultura de nuestras artes. Los paneles, los eventos y la programación dejan ver la única y sofisticada perspectiva de Houston en el mercado de Arte Internacional. Houston Fine Art Fair reflejara la vitali-dad y diversidad de la ciudad, nuestro estado y nuestra región” dice Grobmyer, consultora de la feria.

Igual que el año pasado, la feria tendrá una gran influencia latina con galerías de arte como: Antena Estu-dio, Beatriz Esguerra Arte, Concorsio de Arte, Drexel Galería, Galería Alfredo Ginocchio, González y Gon-zález, La Casona, Pan American Art Projects, Patricia Conde Galería, Salar Galería de Arte y Toca Galería.

www.houstonfineartfair.com

La Feria de Arte de San Diego regresa este año con su cuarta edición. Hace un año recibió una asistencia record de más de 8,000 coleccionistas, curadores, directores de museos y entusiastas del arte. Grandes ventas fueron reportadas por las galerías

y la feria recibió mucha atención convirtiéndose así en uno de los eventos culturales más visitados de la ciudad.

El tema de la Art San Diego 2012 es “New Art City”, la cual sugiere una nueva forma de expresar esta feria. Cuatro plataformas serán dedicadas a diferentes disciplinas, cada una con su propio carácter y lugar permitiendo una nueva interacción entre artistas, corredores y el público. Las cuatro plata-formas son: arte contemporáneo, productos contemporáneos/ diseño de muebles, arte moderno/ arte de la mitad del siglo y pabellones únicos de artistas.

El escenario en el que se desarrollara la feria de San Diego New Art City es el parque Balboa, un oasis cultural y recreacional de 1,200 acres en el corazón de San Diego, el parque urbano mas único de América que recibe más de 12 millones de visitantes anualmente.

Con esta Feria Art San Diego 2012 se inserta como un actor principal en el mercado de arte, y nutre y fortalece la escena de arte con una agenda dinámica.

www. artsandiego2012.com

Art sAn diego

Houston Fine Art FAir

14 www. artealdiamexico.com14

Como pionero de las artes visuales en Texas, Artpace San Antonio ha puesto el ejemplo y elevado los nive-les de la producción del arte contemporáneo experi-

mental y emergente, sin descuidar por ello su atención hacia el arte local.

Debido a la alternancia de su programa de residencias artísticas, San Antonio está al tanto simultáneamente de la obra de tres ar-tistas de tres lugares distintos (uno de origen internacional, otro de los Estados Unidos y un Texano) quienes son seleccionados por un curador invitado cuatro veces al año.

Tuve el placer de sentarme con Mary Heathcott, subdirectora de Artpace para platicar sobre el rol de esta institución tanto en Texas como internacionalmente.

Leslie Moody Castro (LMC): A lo largo de 17 años de historia, Ar-tpace se ha vuelto un espacio respetable, manteniéndose desde el principio fiel a su misión, conservando tanto su espíritu experi-mental, como dando importancia a los aspectos educativos y fa-cilitando apoyo a los artistas actuales. ¿Cómo crees que Artpace ha logrado mantener esa integridad?

Por / By Leslie Moody Castro

Mary Heathcott (MH): Creo que es por la prioridad que se le da a los artistas. Estamos realmente dejando al artista tomar las deci-siones sin tener un control absoluto, especialmente en el progra-ma de residencias permitimos que el artista nos guíe. Evitamos la política de decir no. Uno de los aspectos principales del programa es el poder darle al artista la libertad de arriesgarse, y creo que eso nos impulsa hacia adelante y nos mantiene frescos. El flujo de artistas siempre está cambiando cada cuatro meses, por lo tanto, la perspectiva siempre es distinta, del mismo modo que el programa curatorial que selecciona a esos artistas también está continuamente siendo modificado. La naturaleza de ese tipo de programa es grandiosamente maleable y flexible, ya que permite ser ajustada y guiada por el artista.

LMC: Artpace también ha logrado obtener una importante posi-ción en el mundo del arte contemporáneo. ¿Cómo ha determina-do esto el lugar de Artpace en Texas y en San Antonio? Al parecer, mantener su interés en la comunidad y estar conectados con ella parece ser algo muy importante para ustedes.

MH: Sí en realidad lo es. Esto proviene de la visión de nuestra fundadora Linda Pace, la cual inspiró la idea para iniciar Artpace.

San Antonio era su ciudad na-tal, pero es una de las tantas urbes en las que residió. Ella hubiera podido fácilmente fundarla en Nueva York o Lon-dres, pero tomó la consciente decisión de ubicarla en San Antonio. Creo que esto en gran medida tenía como finalidad dar a su comunidad – y esto era muy importante para ella – acceso a lo mejor que se produzca en el arte contemporáneo hoy en día. Además, también tenemos la posibilidad de encontrar financiamiento y recursos para los ar-tistas; de tal modo que sí estuviéramos ubicados en Nueva York, no estoy segura de que pudiéramos hacerlo, debido a las grandes diferencias económicas de ambos sitios.

La ubicación de Artpace aquí en San Antonio fue algo muy bien pensado, pues sentimos un compromiso muy especial con nues-tra comunidad de artistas. Al incluir artistas de Texas como parte del programa de residencias, es una manera de también devol-verle algo a nuestro público local. Cuando los curadores del pro-

Gestión en las artes San Antonio / Texas


Inauguración: 27 de septiembre, 2012

Museo Reyes MezaCentro Cultural Nuevo Laredo

Tamaulipas

Permanencia: Enero 2013

As a pioneer in the visual arts in Texas, Artpace San Antonio has continually set the stage and raised the bar for the production of fresh and experimental

contemporary art production, while also staying focused on the community around them. With its rotating residency program, San Antonio is privy to the work of three artists from three different locations (international, from the United States, and one from Texas) four times a year who are chosen by a guest curator. Through-out its 17 year history, Artpace has become a well respected place while also stay-ing true to its mission: remaining experimental, staying grounded in education and really supporting contemporary artists.

In conversations with Mary Heathcott, Artpace’s Deputy Director we highlighted the concern of the center to have a connection with its community, the interest it has with starting new projects with Mexican curators and artists, and always main-taining the center´s integrity. www.artpace.org

grama de residencias vienen a hacer sus selecciones con un año o año y medio de anticipación, algunos de ellos no resultan estar familiarizados con lo que se está haciendo aquí en San Antonio, en Houston, en Austin o en cualquiera de las ciudades o pequeños pueblos que se encuentran dentro de los límites de Texas; y así que le damos una oportunidad a esos artistas en mostrar su trabajo a curadores que vienen de todas partes. También creo que un aspecto importante del programa es que los artistas quedan a consideración de estos curadores visitantes, sin importar si los es-cogieron o no para la residencia, ya que con regularidad se les suelen dar oportunidades fuera de Artpace. Y como tanto los programas de residencias como los de exposiciones giran alrededor de los artistas, es importante para nosotros contar con el apoyo de la comunidad de artistas locales.

LMC: En abril de este año vinieron a la feria ZONA MACO. ¿Por qué el interés de visitar México?

MH: Pues es que es inevitable. Debido a la locación geográfica de San Antonio resultamos ser veci-nos, y por lo tanto, debemos tener una relación cercana. Hay una gran parte de nuestro público que cada vez más viaja a México, ya sea por negocios, placer o porque tienen casas allá. Hay un creciente diálogo entre nuestras comunidades y creo que podemos hacer más a través del intercambio de ideas y arte reciente producido en estos lugares. También pienso que es bueno contar con otras fe-rias de arte que se encuentren a nuestro alcance. Todo el mundo más o menos se ha acostumbrado a ir a Art Basel Miami Beach, pero visitar otras ferias que estén más allá de este circuito y que a su vez muestren arte increíble es refrescante; sin mencionar que además está muy cerca. Esa fue la motivación inicial; simplemente trabajar con México y desear una relación más cercana.

LMC: ¿Cómo ves que se desenvuelve esta relación internacional, especialmente en lo que respecta a la misión de Artpace y el contexto de San Antonio?

MH: Lo más inmediato y que también implica un buen comienzo es nuestro plan para el Hudson Showroom en el 2013. Espero ver más involucrados a coleccionistas que conocimos en ZONA MACO, ya sean estos de todo México o de la Ciudad de México y quienes también mostraron interés en los artistas internacionales que han participado en nuestro programa. También veo la posibilidad de que más curadores mexicanos sean invitados a participar. Patrick Charpenel de Jumex es, por ejemplo, uno de nuestros alumnos. También para darnos más oportunidad de invitar curadores y artistas que participen en nuestras exhibiciones y programas.

LMC: ¿Cómo crees que esto repercuta en la comunidad San Antonio? ¿Cuál crees que pueda ser el beneficio educacional para la comunidad y cómo Artpace puede ser el vínculo para que algo así suceda?

MH: Bueno, pienso que en el caso de Artpace estaríamos mostrando la actualidad de lo que sucede en al arte contemporáneo de México, creo además que nuestras instituciones y socios en San An-tonio están bastante abiertos a ello. Organizaciones como el Instituto Cultural de México, el Centro Cultural de Guadalupe y la Academia Henry Ford de La Alameda intercambiarían ideas para traer artistas Mexicanos recientes y mostrar más de su obra. Creo que esto sería muy bien recibido por la comunidad. Hay un gran interés en México y si el arte contemporáneo tiene la función de responder a las nuevas ideas y políticas de hoy, entonces este otro medio de expresión es realmente una parte importante del diálogo, y justo demuestra como todo esto se expresa en las artes visuales y creo que esto sería bienvenido por nuestra comunidad. Como si fuera el otro lado de la historia.

LMC : Y esa historia, s¡ necesita ser mostrada!

Arts management San Antonio / Texas


Una revisión de la pintura mexicana contemporánea nos invita a reflexionar sobre las inquietudes e inte-reses actuales de nuestros creadores. ¿Qué desean

plasmar en sus cuadros? ¿A cuáles tendencias se apegan? Basta con atender a una pequeña muestra de exposiciones y concursos para darnos cuenta de que hoy conviven numero-sas corrientes, que van desde las propuestas más abstrac-tas y las revisiones de los “ismos” de los siglos XIX y XX (con todas las mezclas posibles), hasta propuestas figurativas como el paisaje, el retrato, la naturaleza muerta o cualquier variante de la pintura representacional.

Por un momento se pretendió hacernos creer que la pintura sucumbía ante el éxito de los nuevos medios y plataformas que consiguieron despertar la atención del espectador a través de la sorpresa y la perturbación, identificando a la novedad como valor supremo de la creación artística. Sin embargo, después de haber visto transcurrir tales creaciones de interés perecedero, la pintura se consolida una vez más como el medio creativo por antonoma-sia. Hoy encontramos una cantidad de pintores sin precedente, un creciente número de exposiciones y un mundo del arte con el mayor dinamismo de todos los tiempos, repleto de museos, instituciones, muestras públicas, concursos, estímulos y publi-caciones. También hallamos un mercado donde coexisten ferias, subastas, ventas altruistas, exposiciones privadas y demás mani-festaciones que comprueban que la pintura está muy presente en el gusto de los espectadores y de los coleccionistas desilusiona-dos de las propuestas tan novedosas como momentáneas a que hemos hecho mención.

El regreso del oficio

No crea el lector, sin embargo, que toda la pintura por el mero hecho de serla, debe considerarse obra de arte. ¿Qué hacer ante la escasez de una crítica especializada que nos oriente? Para lo-grar la indispensable diferenciación resulta imprescindible que el espectador exija lo mejor de los creadores y se forme un criterio propio con base en el estudio y la contemplación.

El “regreso” de la pintura, como hemos visto, se ha dado desde la pintura figurativa, aquella que tiene un mayor grado de semejanza con lo real y nos exige, como espectadores, un juicio de valor estético inmediato, que nos hace críticos pues podemos conectarnos en un plano consciente con lo que el autor intenta comunicar en su creación. No dejo a un lado a la pintura abstracta, que nos hace reaccionar en

un plano inconsciente, pero la figurativa se abre camino de manera patente, aparece cada vez más en las selecciones de los concursos, en los museos, las galerías y los gustos del público. Son creaciones en las que el factor fortuito o casual deja de desempeñar un papel primordial para que la técnica y el oficio pictórico se conjuguen con la responsa-bilidad y el respeto a materiales y soportes.

Por / By José Ignacio Aldama

reFlexiones sobre lA nuevA PinturA FigurAtivA

en México

Héctor Javier Ramírez. Migraña - 2011 - óleo sobre tela - 149 x 120 cm.José Antonio Farrera. La niña con la mano en el pecho - 2010 - óleo sobre tela - 140 x 120 cm.

Gestión en las artes Ciudad de México / México


¿Qué pintan hoy nuestros creadores figurativos? Muchos han regresado a una búsqueda interior, a mirar a su alrededor, a despreocuparse por las vanguardias y a representar su entorno, sus calles, su gente, sin pretensiones de sorprender, perturbar o innovar como si éstos fueran requisitos indispensables. Buscan la manera de conectarse con sus influencias a través de la intros-pección. En ellos el impacto de autores anteriores es definitivo (a través de la tecnología lo han visto todo, pero no se asumen here-deros de nada). Si bien el fenómeno no es privativo de México, en nuestro país existen enormes coincidencias entre artistas que no se conocen pero tienen intenciones similares. Los diferencian, en-tre otras cuestiones, los intereses, los temas, el tratamiento de la pintura, la técnica, la paleta y el estilo. Sin embargo, todos buscan conmover al espectador y conectarse con él para cerrar el ciclo de la obra de arte. Quizá se alegre o se entristezca, tal vez se sienta complacido o disgustado; quizá se cuestione o se vea reflejado en las obras, pero nunca permanecerá indiferente ante ellas.

Cuatro autores representativos. La dinámica expuesta aquí se ejemplifica en cuatro artistas cuyos trabajos he revisado, presentado y reseñado en los últimos años. José Antonio Fa-rrera (1964), ha sobresalido con distinciones como el ingreso al Sistema Nacional de Creadores de Arte (2010), la doble Mención Honorífica en la Primera Bienal de Pintura Gómez Palacio (2008), la Mención Honorífica en la Bienal de Pintura Julio Castillo (2008), el Premio de Adquisición en la Primera Bienal de Pintura Pedro Coronel (2008) y la Mención Honorífica en la Segunda Bienal Na-cional Alfredo Zalce (1999), entre otras. Su trabajo se centra en la figura humana como elemento trascendente. Sus retratos no representan a personas bien identificadas: son meros personajes anónimos en los cuales el espectador puede proyectarse o refle-jarse. Miguel Ángel Garrido (1982) ha obtenido en dos ocasio-nes la Beca Jóvenes Creadores que otorga el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes. Después de tres exposiciones presentadas en Aldama Fine Art en las que exploró la imagen fotográfica de

escenas cotidianas y familiares y la forma de llevarlas al lienzo, dio forma a un cuerpo de obra compuesto por un centenar de piezas conmovedoras y fascinantes que plasman el transcurrir de la vida diaria en una indagación constante de la luz, el color y el movimiento. Héctor Javier Ramírez (1977), ha sido reconocido con más de una docena de premios y distinciones, entre los que sobresalen el Primer Lugar y la Mención Honorífica en Dibujo en el Tercer Encuentro Estatal de Arte Jalisco Joven, en Guadalajara (1998) o la selección en la II, IV, V y VI ediciones de la Bienal Na-cional de Pintura y Grabado Alfredo Zalce, en Michoacán. Sugiere sus intenciones a través del título, en el que trata con ironía y sar-casmo ciertos temas oscuros quizá para defendernos del dolor, la injusticia o lo inevitable de la muerte. La aportación intelectual del espectador es un factor clave que dinamiza el contenido de sus obras. Tomás Gómez Robledo (1952) cuenta con una so-bresaliente trayectoria de varias décadas en las que se ha forjado un oficio pictórico sin par. Incontables son los reconocimientos y distinciones que ha recibido. El espectador se reconoce en sus lienzos gracias a situaciones que reflejan su devenir. Sus cuadros detienen el tiempo pero a la vez plantean el dinamismo de su transcurrir en el mundo de hoy: momentos que no regresan y que el autor traza sin prisa para recordarnos nuestra finitud.

Miguel Ángel Garrido. Sirviendo refresco - 2011 - óleo sobre tela - 79 x 105 cm

Tomás Gómez Robledo. En el puerto - 2011 - Acrílico sobre tela - 120 x 180 cm.

Today various trends coexist in painting, from ab-stract works and trends from XIX and XX centuries,

to figurative proposals like portraits, landscapes, dead nature and any other variation of representational painting.

The “return” of painting, is shown through figurative painting, which is a lot more similar to whats real and demmands us as spectators to have an immediate aesthetic judgement, which allows us as critics to be able to connect in a concious way to what the author is trying to communicate. Lets not displace abstract painting, that makes us react in unconscious ways, but figurative painting is opening its path to be seen more and more regularly in contests, museums, galleries and choices of the public. These are creations where the accidental factor stops acting as the main element, and technique and pictorial skills become the most impor-tant thing.

Our Figurative creators have returned to an inner search, by looking to their surroundings, not worrying about trends and representing their environment, their streets, their people, without searching for surprise, in-novation or disturbance and treating these reactions as dispensable requirements. They look for a way of con-necting with their influences through introspection.

www.aldama.com

About the New Figurative Painting

in Mexico

Arts management Mexico city / Mexico

La selección ofrecida por Aldama Fine Art con ocasión de la Affordable Art Fair concentra una muestra representativa de la dinámica expuesta en estas líneas; el trabajo de cuatro creadores que, en pleno dominio de su oficio, con una visión conectada por nítidos vasos comunicantes pero independiente en sus medios expresivos celebran el regreso de la buena pintura y, desde el lienzo, desafían y conmueven al espectador.


galería de artesdanzateatrotienda de autor

atlixco 1/veracruz 97condesa, d.f. méxico(5255) 5211 8671 y 74xespaciodearte.com

un espacio para todos


α . Inicio, 1. “Me gustan estas puer-

tas intervenidas” (1996), comenté a Héctor De Anda mientras conversábamos en su taller sobre sus obras. Estos umbrales que se inde-pendizan de sus casas y se multiplican y sobreponen en la memoria; como si fueran entradas-salidas a otro tipo de construcciones hechas de recuerdos, tal vez de abismos o ausencias acumu-ladas que se hacen presen-tes tan sólo en imágenes. Se yuxtaponen, sí, y entonces empiezan a fluir las evoca-ciones del artista: el umbral de la espera, el niño sentado en el escalón; o la puerta de alguna partida inevitable, una espalda que se aleja.

Las capas de la materia, como las de la memoria, simultánea-mente dejan ver y encubren. Estas puertas y su historia con-densada en los recubrimientos de pintura, en las estrías y las grietas de madera; parecen una metáfora de la memoria que da acceso a sinsentidos, transformaciones, usos y afec-tos, núcleos de resistencia al olvido. Al mismo tiempo, oculta las claves de lectura, impide la coherencia narrativa, introduce todo tipo de interferencias: ex-cesos ocasionales y solitarios, aglomeraciones de informa-ción que se interrumpen con un repentino campo en blanco: silencio, pausa.

Por / By Helena Braunštajn

Héctor de Anda Caminar contando los pasos

Artista invitado / Portada Ciudad de México / México

¿Como encuadrar un perfume?

J. Derrida

Origenes Paralelos. 2011 Políptico en blanco con Héctor de Anda

Estos umbrales... construcciones

hechas de recuerdos, tal vez de abismos

o ausencias acumuladas que se hacen presentes tan

sólo en imágenes


Entonces, lijar las puertas y explorar sus capas, añadir sus pro-pias marcas, es poner en circulación los recuerdos de la infancia, movilizar los umbrales y relativizar las distancias o inconexiones entre los fragmentos. También, recopilar, reciclar, imprimir, cami-nar contando pasos, soñar fórmulas matemáticas imposibles, (re)ordenar series numéricas: son otras tantas acciones de los trans-cursos de creación de Héctor De Anda.

Paréntesis: el apartado α es un discurrir sobre los lazos, no siempre ordenados, no siempre lógicos; lo que entrelaza el aden-tro y el afuera; atravesar el lienzo, dislocar, o mejor, reflexionar las locaciones: ¿dónde está el lugar de la obra?; no el origen, no las finalidades, sino su sitio más allá de lo material. Narrar estas obras: es mi deseo. Por eso la numeración, los subtítulos que in-tentan contener, el intento del inicio y la difusa aprehensión de las ramificaciones…

β. Seguimiento, 2. “Me gusta el movimiento del número 2” dice Héctor. Ahora sigue el asunto de los desdoblamientos, las series y las repeticiones: puertas, bosques, bolsas de plástico, retículas, signos, números y alfabetos. Las diferentes técnicas y soportes de cada obra se cruzan y se complementan mutuamen-te potenciando la existencia de cada una en relación con el resto. Su perspectiva es de la memoria que puede desplegar todo en un mismo plano de importancia y, a la vez, confundir los orígenes profundos que prescinden de un arriba-abajo real.

Como en un bosque: la alusión al espacio infinito creado por la re-petición de series de elementos con sus variaciones, para saturar las extensiones, oscurecer las claridades.

En “Bosque petrificado” (2007) el artista reflexiona: si se acabara la memoria, si se acabaran los árboles, quedaría la posibilidad de imaginarlos y volver a crearlos, para, una vez más, perderse en ellos y lograr un claro del bosque: espacio de meditación y silencio. La instalación de 70 esculturas verticales y muros del recinto re-cubiertos con placas rectangulares que albergan distintas formas y texturas; la materia prima de terracota, madera, alambre, papel, piel; son los elementos que densifican y ensombrecen el espacio… Y de pronto ¡un árbol dorado, o unos cuantos blancos, luminosos!

En otros casos, en aquellos bosques de texto, lo único que nos indica alguna dirección (arriba-abajo, izquierda-derecha) son los

tipos gráficos que no están de cabeza, y tal vez, ésta sería la única apelación a la convención de lectura. La obsesión por los números y los rituales personales que ellos detonan hacen que el artista disponga las letras y números en redes y relaciones que sugieren, no las lecturas horizontales de la sintaxis, sino la infinidad combi-natoria de los sentidos,

Olvidé preguntarle: ¿en qué momento es suficiente generar las re-peticiones, cuándo la obra está terminada y entonces es preciso hacer otra…?

γ. Multiplicación de marcos, 3. “Creo en las pausas y en el silencio”, dice Héctor. El infinito no se comprende, se intuye. ¿Dón-de empiezan o terminan nuestras construcciones –puertas de entrada, de espera o partida- para temporalizar y darle forma con-creta a lo inaprensible? Los intervalos de signos gráficos que se

Espectacular. De la serie Fósiles urbanos. 2002

Voyeur Eternum. De la serie Umbrales. Mixta sobre madera, 1996

Bosque Petrificado. Medidas variables. Terracota y metal, 2007

Ríos de plástico . Instalación, medidas variables, 2009

Estas puertas y su historia condensada en los recubrimientos de pintura, en las estrías y las grietas de madera; parecen

una metáfora de la memoria

Artista invitado / Reconocimiento a trayectoria Ciudad de México / México


propagan independientemente del marco, de la barda de “Un río de plástico” (2009), de los muros del museo, están organizados siguiendo la economía de pausas y la variación silencio-sonido. La proliferación rítmica de retículas que siempre enmarcan algo es una paradójica, repentinamente intuida presencia del infinito en las formas delimitadas.

Ya lo he dicho, todo esto rebasa los muros del museo, este autén-tico marco que da lugar al arte.

En “Fósiles urbanos” (2002) De Anda emprende una serie de in-tervenciones en los espectaculares del espacio público: sobre su superficie incorpora “Esto es una obra de arte” y su firma, acto que desvía el mensaje publicitario original el cual, al repetirse, conecta cada una de las intervenciones con el resto de la serie. Él es un tejedor: enlaza distintos niveles espaciales y semánticos que siguen generando series. Tal como lo comenta “con la idea de crear una red similar a la invasión vira”l.

Las puertas con sus figuraciones insinuadas, abiertas al inicio de este texto, con el tiempo se han vuelto más abstractas y ahora se han tornado puros lenguajes reordenados, códigos persona-les: campos rectangulares que encierran letras u ojos-pantallas (“Campo de miradas”, 2011), que al despojarse de sus rostros, aparecen como signos de una muchedumbre de miradas.

δ. Códigos, 4. Una serie más: “Hipótesis de la conversación” (2012) de pronto hace emerger un 5 negro sobre la superficie po-blada por números y letras grises tan solo sugeridos; luego un 8 o un 2 (“me gusta su movimiento”) o una g mayúscula. Los recortes de periódicos de fondo, las manchas o las ligeras variaciones del color, densifican el campo, generando ruidos de información que contrastan con el orden de filas y columnas de textos que no son palabras ni frases.

Estos textos personales, los tejidos del artista, confrontan al es-pectador con su condicionamiento de buscar sintaxis y lecturas lineales. El primer intento de lectura habitual fracasa y luego se empiezan a percibir los niveles y capas, que invitan a una interpre-tación hacia lo profundo, hacia el interior opaco de la compren-sión; una interpretación que intente conexiones entre la superfi-cie de la apariencia y la hondura cuya fuerza de gravedad atrae hacia los significados últimos que hay que descifrar, como si de sagradas escrituras se tratara. Una vez más se rebasa el marco: las formas gráficas perforan las superficies y se expanden hasta la profundidad infinita del sentido.

By Working with doors (and other recicled materials and objects), exploring their layers and adding his

own marks, Hector de Anda restores the fragments and distances of childhood memories. What he aims to do is making intuiton talk, translating the evocation of shapes. These doors with their insinuated shapes, have become more and more abstract with time, and now they are reordered languages, personal codes.

The obsession for numbers and personal rituals that Hector de Anda`s work achieve, make the artist talk about the boundless combination of the senses, the rhythms that can keep developing beyond the frame of the paint-ing; inviting the spectator to a profound and endless interpretation of conciousness.

Héctor de Anda Walking counting steps

Artista recomendación de Arte al día Méxicowww.hectordeanda.com Hipótesis de la conversación. Obras diversas. Imagenes cortesía del artista

Hipótesis de la conversación. Obras diversas. Imagenes cortesía del artista

Guest artist / Career acknowledgment Mexico city / Mexico


Por/by Karen Huber

María José RomeroTransformación y belleza infinita

Artista invitado Ciudad de México / México

La pintura de María José Romero se traduce como un ejercicio donde lejana a la ver-balidad y usando su cuerpo como un conductor, materializa los códigos sensoriales y registra los estados impulsivos.

En sus trazos, una mujer con fuerza y furia derrocha recuerdos, pensamientos y sobre todo emo-ciones que viven y recorren su cuerpo con la misma intensidad y energía que expresa en sus pin-turas. María José desafía la geometría creando figuras que sin tener un forma ó significado real, una vez decodificadas, vuelven el instinto animal y su energía un lugar habitable, confortable para ella. Trabajar con una mujer tan viva y tan llena de fuerza es como dejarse llevar por las vibraciones de la luna llena.

En Infarto, la última serie de producciones pictóricas de intenso trabajo de dos años, María José se acerca a la anatomía de la vida, a la danza entre dos seres dónde Eros y Tánatos se presentan en su plenitud; una vena acecha a la otra, la percibe y reacciona; se tocan, bailan, se besan y entonces dos seres se convierten en uno. Sin aviso alguno, un torbellino que emprende con fuerza animal

los desnuda y deja completamente lejos de sí, en un intento por buscar el ritmo del otro, el intento es fallido, sin embargo encuentra su propio corazón en los pedazos esparcidos por el universo; la-tiendo, anunciando su vida y ganas de vivir, realmente vivir. Cae la lluvia con las lágrimas y la razón, con la neblina se pierde el otro, se despide a través de los recuerdos y emociones compartidas. La brocha negra de Tánatos quiebra escabrosamente el acuerdo.

María José pinta la muerte, una parte de su corazón ha muerto y es inevitable negarlo. Pinta la vida restaurando la negrura, celebrando el latir de su corazón regresa de las cenizas como Ave Fénix y vuelve a sonreír. A través de los ojos y sensibilidad de la artista, la representación pictórica de una ruptura abrupta en el amor es un Infarto.

Bajo la coraza de esta mujer y artista descansa la confianza y el amor absoluto por la vida, el mundo y todo lo que en él vive. Para entender que hay mundo bajo el mundo, hace falta mirar la luna sentir su esplendor y magnificencia. Contemplar la pintura de María José, pararse frente a sus obras y sentir desvanecer en otra dimensión, una recorrida por ella con ritmo seguro y efervescente.

Casa 7, 2012. Mixta sobre tela, 420 x 300 cm


Guest artist Mexico city / Mexico

In Infarto the last series of pictorial productions that took an intense two year labor by Maria Jose, we come close to the anatomy of life, to the

dance between two beings where Eros and Tanatos present themselves fully, they touch, dance, kiss, and two beings become as one.

Without any notice a whirlwind with incredible strength rips out their clothes and leaves them far from each other, in an attempt for finding each others beats they find only failure, but nonetheless they find their own hearts in little pieces scattered around the universe. The rain falls down mixed with tears and they lose each other in the mist, they say goodbye through shared memories and emotions. Tanatos then breaks the agree-ment with his black brush.

María José Romero

Artista recomendación de Arte al Día México www. mariajoseromero.comINFARTO - Septiembre 27 hasta octubre 7 -

Infarto, 2012. Mixta sobre tela 95 x 190 cm

Membrana, 2012. Mixta sobre tela, 150 x 135 cm

Electro, 2012. Mixta sobre tela, 100 x 120 cm (díptico)

Endless Beauty and Transformation


h

Luis Granda

“Mi trabajo en el lienzo es de adentro hacia fuera. La figura huma-

na es interiorizada, desdo-blada y expuesta, transfor-mándose en un pretexto para expresar un concepto básicamente orgánico, cer-cano al orden establecido por la naturaleza”. * La constante redefinición for-mal de la obra plástica de Luis Granda ha obedecido a su ne-cesidad de ahondar cada vez más en su temática, la cual se podría definir como la inmanen-cia de los mitos primordiales a los rituales contemporáneos.

En este conjunto de pinturas, Granda ha dado un giro a su característico tratamiento pri-mitivo de la figura humana en interacción dinámica con un entorno poblado de animales, plantas, idolillos, símbolos y signos, que podrían conside-rarse como ramificaciones de su ser, para trasponerlo a una indeterminada urbe actual y mostrar que el ser humano, a pesar de sus sofisticados atavíos y su consecuente auto indulgencia, requiere aún del rito para autoafirmarse, ma-yormente hoy ante el amago globalizador de su identidad individual.

Luis Granda nació en Madrid, España. Llegó a México en 1954. Estudió arquitectura en la UNAM, profesión que ejerció al mismo tiempo que el de la pintura. Pertenece a una generación posterior a la de los pintores españoles tras terrados a México (como Cli-ment, Souto, Rodríguez Luna, Bartolí, Peláez, Peyrí, Gandía y Rojo), pero como cada uno de ellos, ha desarrollado un lenguaje y una temática estric-tamente personales también posteriores al surgimiento de la denominada Ruptura.

Entre líneas

Su independencia le ha permitió iniciar una trayectoria ajena a toda tendencia du-rante más de tres décadas. El eje temático de su obra ha sido lo esencial humano manifiesto en los modos de satisfacer sus necesidades primordiales regido por los instintos y a merced de las fuerzas naturales, considerando al devenir civiliza-torio como un creciente sucesión de restricciones de su libertad. De allí que, para

Granda, el mito y sus rituales sean la realidad misma y no alegorías, así como también el lenguaje del pintor primitivo es el único capaz de expresar sus motivaciones más profundas. Esto, confrontado con la actual hiper-intelectualización del arte, significa la afirmación de un lirismo pictórico que deviene autorrealizatorio al entablar con el espectador una comunicación afectiva.

Equilibrio, 2012, Mixta sobre tela, 190 x 165 cm



Guest artist Mexico city / Mexico

Luis Granda was born in Madrid, Spain. He arrived in Mexico in 1954. He studied architecture at UNAM, pro-

fession who served at the same time as the painting. Be-longs to a generation after the Spanish painters expelled to Mexico (as Climent, Souto, Rodríguez Luna, Bartoli, Pelaez, Peyri, Gandia and Rojo), but as each one of them, has developed a strictly personal language and thematic also after the emergence of the so-called Ruptura.

Its independence has allowed us to begin a path free from all tendencies for over three decades. The central theme of his work has been shown in human essence modes to meet their basic needs and instincts governed by the mercy of natural forces, considering the future of civiliza-tion as a succession of increasing restrictions on their freedom.

Hence, for Granda, the myth and its rituals are reality itself and not allegories, as well as the language of the primitive painter is uniquely able to express their deepest motivations. This, confronted with the present hyper in-tellectualization of art, means the assertion of a pictorial lyricism that becomes self-fulfilling to engage an affective communication with the viewer.

Artista representado por Galería Óscar Roman www.galeriaoscarroman.com.mx

Luis GrandaBetween the lines

El salto, 2012, Mixta sobre tela, 180 x 150 cm

Dos sillas y uno, 2012, Mixta sobre tela, 180 x 150 cm

Reposo sin reloj, 2012, Mixta sobre tela, 150 x 180 cm


Tania Candiani (Ciudad de México, 1974) presenta en el Laboratorio Arte Alameda Cinco variaciones de circunstancias fónicas y una pausa, exposición clave para esta artista, ya que a través de más de dos años y una intensa agenda interdisciplinaria

se crearon una serie de piezas que exploran el simultáneo uso del lenguaje, la tecnología, la comunicación, etc.; y lo cual implica la fusión de las políticas de género con el derrumbe de las fronteras entre las disciplinas del arte, pero ¿cómo se genera este complejo proceso en la obra de esta artista?

Encontrarse a si misma: De la literatura al lenguaje y la herencia feminista

Tania pertenece a una generación de artistas jóvenes que asumen su condición femenina en un contexto como el actual que tiende a ser mucho más incluyente y fluido respecto al que le tocó pelear a generaciones anteriores de mujeres hace treinta, cuarenta o cincuenta años. Aun así en algunas de sus obras, todavía puede encontrarse un combativo espíritu de género en series como “Tipos de gordura” (2004) donde asoció textos médicos a mullidos relieves en tela de mujeres obe-sas o en “Protección familiar” (2004) serie de fotografías donde transformó utensilios de cocina en protecciones corporales; o incluso, a través de un performance realizado junto a Regina José Galindo, “Battleground” (2008) en donde invitaron a estudiantes en diversos puntos de la frontera para crear armas con trastos de cocina.

En sus inicios, Tania Candiani estudió letras en la UNAM y fungió como edi-tora en Tijuana donde vivió cerca de quince años, lo cual explica la cons-tante referencia en su obra a la lite-ratura, impulso que persiste incluso en series recientes, como “Tales and Nightmares” (2009) donde se citan a autores como Marguerite Duras, Charles Bukowski, Ralph Ellison, Ray Bradbury, Milan Kundera, James Matthew Barrie, Albert Camus, etc. y la cual consistió en el bordado de frases literarias de estos autores que se asocian ambiguamente a sugerentes dibujos realistas.

La feminidad aplicada. Raciocinio e intuición simultánea

En los últimos años Tania ha pasado de asimilar la herencia del arte feminista militante o realizar ci-tas literarias a empatar su natural capacidad femenina de realizar diversas actividades simultánea-

Por / By Eduardo Egea


Tania CandianiLo femenino y la expansión del arte


Guest artist Mexico City / Mexico

mente , con la expansión del arte contemporáneo hacía cualquier cosa, material, disciplina o el vínculo del arte con la vida cotidiana. Como parte de esta capacidad de empalmar lo simultáneo con lo intuitivo, Candiani crea con regularidad transcripciones de una forma de representación a otra - por ejemplo, de la escritura a la escultura -, no para construir una narración literaria con una coherencia lineal predecible, sino para expandir el potencial de la interpretación intuitiva del lenguaje, los signos, los objetos, los materiales o el espacio público. Tres obras que ya definen a este proceder son el copiado con bordado de los graffitis de una pared exterior de un museo en Lituania, llevados a la misma pared, pero al interior del museo, obra con la que Candiani ganó la novena Kaunas Art Triennal (Lituania) en 2009; otra pieza que exploró la tensión entre las expresiones institucionales y las ilegales, fue la escritura por parte de graffiteros (writers) de los nombres de encumbrados escritores, pero en una ventana exterior de la biblioteca Vasconcelos en la Ciudad de México. Una intervención más del espacio público, fue la introducción al patio central de un hotel de una columna de bocinas en forma de corne-ta, donde el simultáneo sonido de 30 relojes de cuerda inundaba a las habitaciones cercanas.

Con su proyecto para el Laboratorio Arte Alameda, Candiani ha llegado incluso más lejos, ya que ha generado un proceso parale-lo a la sinestesia, efecto logrado por esta artista justo cuando al interconectar a sus seis proyectos, obtiene un resultado muy si-milar a cuando olemos colores o vemos sonidos: A partir de cinco pianolas mecánicas cuyas tarjetas son leídas digitalmente, Tania unifica la historia de esta ciencia con la producción sistemática de sonido; los cuales a su vez son emitidos en otra obra de manera incidental, para producir a la manera de los sonidistas del cine antiguo, una narración de imágenes puramente mentales; este sentido de la narración, es trastocado en un vídeo donde diversos escritores dictan oralmente su literatura, la cual es reinventada por un copista y su máquina de escribir; aparato utilizado en otra obra como teclado de un órgano monumental con el cual trans-formamos nuestra escritura en voces, o paralelamente, al pulsar otro teclado musical no para producir notas, sino sílabas y las cua-les son eco de las bocinas instaladas en el campanario del LAA, que a través de una compleja composición coral, y una réplica de esta torre en el barrio de Coyoacán, desdibujan los límites entre el espacio sagrado y el profano.

El desarrollo creativo de una artista como Tania Candiani, de-muestra como la fluida confluencia de distintas características tanto personales, sociales y culturales, produce arte que no po-dría haber sido hecho sino por una persona o grupo en un entorno específico, y lo cual al ser sumado a esa rica, compleja y diversa cultura que es el arte contemporáneo, coopera a derrumbar el prejuicio paternalista de que el arte producido desde la raza, el género, la cultura o la posición social es un arte de minorías.

Artista recomendación de Arte al Día México www.taniacandiani.com

5 variaciones de circunstancias fónicas y una pausa - A partir de octubre 2012 -

Tania CandianiThe Femenine

and the expansion of art

Tania Candiani presents in the Alameda Art Labo-ratory: Five Variations of Phonic Circumstances

and a pause, key exhibit for the artist, in view of the work she has been doing for more than two years, a series of art pieces that explore the simultaneous use of language, technology, communication, etc.

Tania has spent the last years assimilating the politi-cally active feminism in art heritage or creating literary quotes, and transcriptions from a representation form to another -for example, from writing to sculpting-, not to construct a literary predictable narration, but to expand the intuitive interpretation of language, ob-jects, materials and public space.

With her recent project for Laboratori Arte Alameda has gotten even further, by connecting the six pre-sented works not only on a sensorial form but on a conceptual one, she has accomplished an effect very similar to synesthesia, where it seems that we can smell colors or see sounds; but above all Tania Candiani´s creative development demonstrates the convergence of what’s feminine and what’s collective, when it is summed up to the culture of contemporary art, and she cooperates to pull down the prejudice that involves the process of art making with race, gen-der, culture or social position.

En esta serie de imágenes (inferior en página anterior y toda esta página) se aprecia desde el acercamiento a un circuito integrado y las trompetas del órgano, hasta diferentes detalles: La trascripción del dictado de los literatos (arriba), una tableta ya montada, un detalle de los rodamientos de las pianolas, una gráfica de las historias sonoras contadas por los sonidistas y hasta los dos teclados utilizados en el órgano, la maquina de escribir y el sintetizador (abajo). Imágenes cortesia del Laboratorio Arte Alameda


El vacío se llena con lo que cada quien quiera. La pre-gunta del vacío produce la respuesta que lo llenará después. No puede ser de otra forma. Se trata de la

creación de un nombre propio. Y todos los nombres propios vienen del futuro.

¿Cuánto tiempo puedes regodearte de vacío? ¿Cuánta nada puedes acumular? Lo que necesite lo real para ser producido. Un llamado del exterior al centro de la nada lo termina por llenar. Un grito de euxilio hacia ese vacío que no será más. La realidad toca. El vacío produce cuando es tocado por fuera. Nada que no sea vacío será producido desde dentro. Y Ricardo Atl es consciente de esto.

El trabajo de este “escultor joven de segunda del tercer mundo”, proviene de la nada. De la pregunta de la nada y el vacío, de lo oscuro. De lo nocturno. Es un trabajo de años atrás donde la realidad estaba contenida en un cubocabeza chocando contra ella. El vacío no la dejaba pasar. Las preguntas sobre el tiempo, el silencio, la inmovilidad, son todas la misma pregunta sobre la muerte. Obsesividad hecha obra. Sublimación que arroja hacia la vida. Tiempo después. Lo imaginario, podrá imaginar todo lo que quiera. La vida quiebra. Saturno a la alza. Llegó lo real.

Se escogerá de esta manera la vida que desees. ¿Cuántas perso-nas has querido ser? Cuantas personas mismas te hayas creado. Al final eres el mismo. No por que exista la esencia. Sino por que existe la diferencia. Es decir la unidad. El autorretrato que Ricardo se hace a sí mismo, es la multiplicidad hecha identidad. El eterno retorno de lo mismo. Lo que se repite es lo diferente. Pero la pregunta deja de tener sentido cuando se está a la hora del mundo. En ese momento no hay metáfora que pueda conte-ner la irrupción del carbón que prende. La respuesta no llega nunca, de esto hay que estar protegidos. El vacío se llena sólo para vaciarse.

Posiblemente sea sólo un mo-mento de cambio. Un particular momento ajeno al vacío pero producido por él, en el trans-curso de obra de largos años en los que ha sido invocado por Atl. De cualquier manera, hay una advertencia: no es valorable pensar solamente en lo lleno. La nada está detrás, cuando se enciende la primera pieza.

Por / By Nelson Hernández

Ricardo ATLArtista invitado Ciudad de México / México

La nada, de donde provienen todas las fuerzas transgresoras

The void is filled with what each one of us wants. The questioning of the void produc-es the answer that will fill it afterwards. How much time can you gloat over the void?

Whatever it takes for reality to be produced.The work of this young sculptor comes from the void, from the night. This work goes back several years where reality was contained in a block-head. The void did not let it through. The questions about time, silence, im-mobility, are all the same question about dead.

The void is filled only to empty itself. Possibly it`s just a moment of change. A particular moment beyond the void but produced by it, in the course of long years of work invoked by Atl. Whichever way there is a warning: there is no value on thinking only about what`s full. The void is behind it, when you see the first art piece.

Ricardo ATL The VOID

Izquierda a derecha: Campana Sorda, 2012, Carbón y Plomo, medidas variables. La Creación, 2012, Plomo sobre Carbón, 150 x 90 cm. Caja, 2012, Plomo sobre Carbón, 160 x 60 cm

S/T (De la Serie Alambre), 2012 Plomo sobre Carbón, 90 x 155 cms.

Autorretrato (De la Serie, Aproximaciones al Cubo), 2008

Plomo sobre Carbón, 20 x 17 x 17 cms.

Autorretrato (De la Serie, Aproximaciones al Cubo), 2008, Plomo sobre Carbón, 20 x 17 x 17 cms. (detalle)

Sol negro, 2012. Carbón, 40 x 35 x 35 cms.

Artista representado por Galería Garash www.garashgaleria.com


Izquierda a derecha: Campana Sorda, 2012, Carbón y Plomo, medidas variables. La Creación, 2012, Plomo sobre Carbón, 150 x 90 cm. Caja, 2012, Plomo sobre Carbón, 160 x 60 cm


En mi carrera de artes plásticas aprendí, esencialmente, a producir arte conceptual. Una ideología promocionada por escuelas de vanguardia que, hasta ahora, está al frente del arte contemporáneo. Mis esfuerzos los supe dirigir hacia aquello que era la

tendencia en mi escuela, mas que dirigirlos hacia lo que realmente me pedían mis manos. Mi llamado era diferente.

Empecé con la técnica de monotipo pensando que dibujaba con color. Su inmediatez despejaba el pensa-miento y me abría las puertas a la intuición. Las posibilidades las sentía infinitas; veía el color como parte esencial de la composición, y lo más importante, veía mis ma-nos trabajar. Su práctica respeta la disposición de las manos a continuar trabajando y la constancia calma su necesidad. Pero faltaba algo en el cuerpo de mi trabajo... el monotipo se quedaba aislado del resto de mi obra; y ahora, en retrospectiva, la expe-riencia en el taller me llevó a presentarme una vez más frente a la pintura con un nuevo lenguaje desde ahí aprendido.

¿Como manifestar la inquietud de crecer pictóricamente en el arte contemporáneo? ¿Como dejar a un lado la memoria de las manos por la búsqueda de transmitir eficazmente un concep-to? Las ideas favorecen el avance en el camino del artista y el sentido de las manos se pierde. Ellas buscan la misma disciplina que tiene un buen impresor, el oficio, e imponen a las ideas, al mismo razonamiento, su practicidad.

Me gusta el carácter de grabado que conserva el monotipo. El aire, el bisel, la precisión, la limpieza, todo esto le da un sentir de formalidad y ofrece un terreno seguro y conocido al espec-tador. También me gusta trabajar con el impresor; busco que sea exacto, firme y valiente. Aquel que permite al trabajo lucirse en color, en movimiento y espontaneidad. Así las posibilidades aumentan y circulan alrededor de la longitud de mis brazos. El único límite que siento es aquel que el impresor sugiere solo por respetar a la técnica.

En el monotipo el enfoque queda en la experiencia de un conocimiento pictórico personal, le da carácter a las manos, las hace dóciles al trabajo y dirige su voluntad. Este crecimiento permanece en su memoria.

En la pintura, este crecer se manifiesta lentamente, se desenvuelve y luego queda presente en el objeto. En ella las manos liberan su experiencia. La pintura busca siempre un nuevo momento y continuar con el siguiente objeto. Pero el enfoque finalmente permanece en el objeto. Puedo decir entonces que en mi caso, el ejercicio del monotipo estudia a la pintura, la construye y la motiva.

Tanto el monotipo como la pintura son celosos de su técnica y exigen resultados afines. El monotipo sor-prende, la impresión casi siempre es diferente a la primera intención y esto me permite encontrar nuevos caminos. La pintura, aunque también sorprende por su esencia meditativa, se resuelve en momentos con relación al espacio. Es decir, al momento de abordar la pintura, el tiempo se fusiona con el espacio y lo expande. Se siente libertad pero en realidad es responsabilidad.

Seguramente, influenciado por artistas como Otto Bacher y Vicompte Lodovic Lepic quienes se carac-terizan por sus piezas en monotipo a finales del siglo XIX, Whistler (Estados Unidos, 1834-1903) mostró

interés en explorar el monotipo como una forma diferente y contemporánea de hacer grabado, que en ese entonces solo consistía en pincelar tinta directamente sobre una placa en blanco. A partir de entonces esta técnica ha logrado increíbles alcances en la expresión de ciertos artistas reconocidos quienes sostienen un dialogo interdisciplinario; uno de ellos Gerhard Ri-chter (Alemania, 1932) quien utilizó el monotipo en un momento temprano de su carrera y exploró sus posibilidades. En retros-pectiva, ese trabajo fue un presagio de piezas abstractas poste-riores donde maneja una sutileza envidiable entre la abstracción y el paisaje.

Asimismo encontramos a Jasper Johns (1930), neo-dadaista norteamericano quien al contrario del individualismo del Expre-sionismo Abstracto de su época, buscó dar un sentido solamen-te por el uso de símbolos convencionales. En 1983 hizo una serie de monotipos que vigila un patrón de movimiento de 5 paneles a lo largo de un plano horizontal. El movimiento se esconde debido a la repetición y el azar de la trama cruzada, pero el patrón logra exponerse. Un ejemplo más cercano a nosotros es el artista plástico Felipe Cortes (México, 1957), pintor y escultor quien ha incorporado paralelamente y de manera esencial al monotipo en su trabajo. Sus piezas conllevan más de 20 años de experiencia misma que transmite en su taller de monotipo, Archivo Grafico del cual es fundador, director y maestro impresor.

Estos ejemplos demuestran que el monotipo puede ser utilizado tanto conceptualmente (siguiendo una línea de trabajo como parte del lenguaje personal del artista) o como un método de exploración para cons-truir un cuerpo de trabajo pictórico. Tanto en el siglo XIX como en el siglo XX y hasta ahora, se considera como una técnica de grabado contemporáneo, es decir, es una forma a-temporal, actual y eficaz de trans-mitir el diálogo del artista con su obra; de cualquier forma esta técnica gráfica es y será un método de estudio que permite la búsqueda de nuevas formas además de ser una herramienta ideal para la evolución de una disciplina pictórica.

Por / By Ana López MontesEn reconocimiento y honor al maestro Felipe Cortes, Maestro Impresor del Taller Archivo Gráfico

MonotiPo y PinturAReporte especial / Nacional México


Desde hace varias décadas la legendaria Bienal de São Paulo ha experimentado un lento pero definitivo reposi-cionamiento en el circuito mundial de bienales, ya que al

haber sido fundada en 1951, se constituye como la segunda bienal de arte de mayor antigüedad, justo después de la Bienal de Ve-necia, fundada en 1895. Este aspecto situó directamente a São Paulo como el segundo evento del arte más importante en todo el mundo; sin embargo, esto ha cambiado radicalmente con la explosiva bienalización que ha experimentado el arte globalmen-te en los últimos veinte años y en particular, desde 1997 con la emergencia de la Bienal del Mercosur, la cual engloba a los países de Latinoamérica que forman parte de este ambicioso tratado económico.

En un momento en donde el arte cada vez está más interconecta-do globalmente ¿Cual es la función de ambos eventos en el esce-nario del arte latinoamericano?

Primer Movimiento: São Paulo

Según declaraba Ivo Mesquita en 1996, la bienal de São Paulo, ya había alcanzado sus objetivos al lograr consolidar y sostener un circuito artístico para la ciudad, insertar artistas brasileños en el escenario internacional y al mismo tiempo conservar la autono-mía del arte brasileño.

Con más de 13 mil artistas y 60,000 obras de arte provenientes de 160 países con más de siete millones de espectadores; enton-ces, ¿qué es lo que le queda por hacer a un evento de semejante magnitud cuando este evento ha sido restringido en su influencia global por la emergencia de cerca de ¡200 bienales más!, entre otras: La Habana, fundada en 1984, y la cual llegó en su momento a ser uno de los escaparates del arte periférico a nivel global, o las de Estambul, (1987) ó Gwangju (1995), que fungen como con-trapeso político y cultural respecto al primer mundo desde sus respectivas regiones.

Incluso Europa tiene su propia bienal de integración regional, Manifiesta (1996), además de la Bienal de Praga (2001), que es una especie de bienal de curadores, o la Bienal de Moscú (2003), donde predominan los artistas jóvenes.

Segundo Movimiento, La Bienal del Mercosur,

Bienales super especializadas como las anteriores, han diluido la influencia de la Documenta o viejas bienales como Venecia, Syd-ney (1973) o São Paulo; una de las características preponderan-

tes en estas bienales surgidas en los últimas dos o tres décadas, es que muchas de ellas responden a intereses políticos regionales en un paradójico mundo global. El más importante ejemplo desde Latinoamérica, es la Bienal de Mercosur:

El Mercosur, o Mercado Común del Sur, es el tratado de libre flujo de bienes, servicios y factores de producción formalizado en 1991 a través del Tratado de Asunción, que incluyó en sus inicios a Bra-sil, Argentina, Uruguay, Venezuela y Paraguay (este último país ha sido temporalmente suspendido), además de países asociados como, Chile, Colombia, Bolivia, Perú y Ecuador.

Como parte de este proceso de integración económica, se creó la Bienal del Mercosur en 1997, y la cual, si bien desde su primera edición ha contado con una preponderante presencia de artistas de estos países, paulatinamente ha incluido artistas de otras re-giones de Latinoamérica o el mundo, como en el caso de México, que ha participado con regularidad a partir de su cuarta edición, 2003, con muchos de sus más importantes artistas actuales, entre otros: Betsabeé Romero, Tercerunquinto, Teresa Margolles, Carlos Amorales, Manuel Rocha, Mariana Castillo Deball, Pablo Vargas Lugo, Francis Alÿs, Minerva Cuevas, Abraham Cruzville-gas, Marcela Armas, Gilberto Esparza, Pedro Reyes, Edgardo Ara-gón, Eduardo Abaroa, Melanie Smith, Sebastián Romo, Torolab, etc.

El anti-conocimiento y la invisible línea entre Bienales y Ferias de Arte

Hay dos fuerzas económicas en el mundo del arte, la de las ga-lerías, ferias de arte, subastas, etc. o lo que es propiamente el mercado del arte, y un mercado del arte paralelo regido sobre todo por el Estado o empresas patrocinadoras, las cuales a través de curadores y funcionarios adjudican concursos, residencias, simposios, etc., donde las bienales son importantes espacios de visibilidad y legitimación para todos sus partícipes.

El director de la octava Bienal del Mercosur, 2011, José Roca, describe en su texto, Bienalidades , como las bienales suelen ser caros eventos que se mimetizan con las ferias del arte, pero que sobre todo, al buscar generar turismo cultural para posicionar co-mercialmente a la ciudad en turno, mantienen una gran distancia con el público local.

Roca propone en este texto veinte puntos para conceptualizar a la curaduría de bienales, descartando que estos eventos sean, bibliotecas, archivos, escuelas, museos, enciclopedias, cineclubs y abre sus posibilidades educacionales a la intuición, de tal modo, que para este autor las bienales son sobre todo experiencias de vida avaladas por las instituciones y los patrocinadores y regidas por los curadores.

Lo hasta aquí escrito sobre las bienales de São Paulo o del Merco-sur, demuestra que las periferias cada vez están más interconec-tada regionalmente, pero también son cada vez más distantes del resto del mundo, ya que las bienales son incapaces de rebasar su única función especializada, y que es su influencia a través de restrictivas estrategias y políticas locales; y lo cual es clave para revelar cómo los artistas han dejado de ser creadores especiali-zados de conocimientos artísticos, para devenir en meras piezas políticas intercambiables.

dos bienAles: de são PAulo Al MercosurPor / By Eduardo Egea

Reporte especial / Internacional Brasil

Iñaki Bonillas A sombra e o brilho 2007. Imagen cortesía Bienal de São Paulo

José Arnaud Bello Proyecto Trabajos en el Cauce: Todas las formas de estar juntos 2008-2011 Galería OMR, México. Imagen cortesía Bienal de São Paulo


Ciudad de México / MéxicoCrítica, opinión y ensayo

Por / by Dr. Ernesto Piedraswww.nomismae.net

econoMíA de lA creAtividAd

El siguiente recuento es la transcripción editorial de la con-ferencia que presentó el Dr. Ernesto Pierdas el jueves 16 de agosto del 2012 en el Museo de la Ciudad de México en el marco de las Jornadas del 4to. Encuentro Nacional Conai-muc, dirigido por Mayté Cordeiro y cuyo tema fue “Espacios Expositivos: Museos, galerías, espacios alternativos y auto-gestivos”.

Aquí se reunieron los responsables de cultura a nivel local para intercambiar conocimientos que ayuden a gestionar, administrar y proyectar de mejor forma espacios de exposición obre los es-pacios expositivos. Participaron personalidades como Fernado Osorio, director de conservación de las colecciones fotográficas de la Colección Fotográfica de la Fundación Televisa, Eugenio Echeverría director del Centro Cultural Border, Gustavo Ramírez, director del Museo – Taller Erastro Cortés, MUTEC, Dolores Beis-tegui directora del Papalote Museo del Niño, Alma Rosa Jiménez, especialista en museística y vinculación de espacios en el entorno local, Samuel Morales, Jefe de Programas de Educación y Comu-nicación de la Colección / Fundación Jumex, Guillermo Santama-rina, director del Museo Universitario de Ciencias y Artes, MUCA ROMA, Othón Tellez, artista y promotor cultural independiente, Magdalena Zavala, Directora del Museo de Arte Moderno, MAM, Guillermo Fricke, director del Instituto de Arte Gráficas de Oaxa-ca, IAGO, Cristina Faesler, directora del Museo de la Ciudad de México o Ernesto Bejarano, Museógrafo del Antiguo Colegio de San Ildefonso, Natalia Rubinstein, especialista en interpretación del patrimonio del Uruguay y Carmen Villaseñor, coordinadora de exhibiciones del Museo Interactivo de Economía, MIDE.

Ernesto Piedras:“Este texto reflexiona sobre el entorno de los espacios de expositivos, ese eslabón que hay entre la creatividad, la producción, la generación de contenidos de carácter simbólico y la apropiación, desde lo que los economistas llamamos el lado de la demanda.

Mucho de lo que hacemos los economistas en la cultura es tra-tar de poner números, detonar esa dimensión cuantitativa de la cultura que a veces nos hace falta; un ejercicio que Mayte y yo he-mos llamado irreverentemente cuantificar, aunque como siempre digo, esa dimensión económica que para fines prácticos y reales es lo menos importante en la cultura, la cual – y no dejo de decirlo – vale por su contenido simbólico, social, de objeción.

Pero también hay una dimensión económica que atender, una generación de empleos, de producción, de exportaciones, de insumos, de inversión, de remuneraciones y es lo que a los eco-nomistas nos toca medir. Poner números es un poco la esencia de lo que nos toca a los economistas, pero cuando pensaba en economía y cultura, me refería a que hay que desmembrar los elementos, ¿cómo es cada uno?

La economía es una ciencia que analiza y atiende la escases, ya que son tantas las cosas que queremos hacer y relativamente pocos los elementos con los que contamos, y ahí se encuentran la oferta y la demanda: a una audiencia, a un espectador nosotros los economistas les llamamos demanda cultural; a un creador o artista le llamamos oferta cultural, tenemos la producción, el proceso de creación, tenemos los consumidores, la inversión, la infraestructura cultural, todo esto ¿como podemos hacerlo útil para el mundo de la cultura?

La economía le debe mucho a la cultura y la cultura también ha cerrado mucho las puertas y las ventanas a la economía; enton-ces, insisto en este maridaje necesario que hay entre economía y creatividad o cultura; todo este proceso de reproducción y transmisión de tradiciones, de contenidos, de valores simbólicos y cómo podemos intentar ese maridaje entre ambos ¿qué medi-mos en este proceso?

No existe algún acuerdo consensuado sobre qué es lo que vamos a medir; sin embargo, tenemos el componente de las industrias culturales o sector cultural al que le agregamos la perspectiva de lo tecnológico y llegamos a las industrias creativas que siguen más una tradición anglosajona con los británicos en la vanguardia de esta medición.

Sigo viendo muy limitada la utilización efectiva de los números, veo que son más los recursos que la utilización efectiva que ha-cen los gobiernos a nivel federal, estatal o municipal, para poder establecer una política publica de la creatividad.

Como economista no dejo de enfatizar que me siento muy incó-modo con la descripción de industria cultural; para mí lo indus-trial es un proceso mecánico, repetitivo, automatizable, y aquí estamos hablando de un sector que frecuentemente es todo lo opuesto. La industria puede ser una parte pero no lo es todo, lo cultural le toca a los sociólogos o antropólogos definirlo: Llegan los británicos y proponen “industrias creativas”, dicen: la creativi-dad como el insumo que detona procesos. Ahí, como economista me voy sintiendo mas cómodo. Luego llegan los gringos y dicen: la industria del entretenimiento, que hay que despreciarla a prio-ri, no es lo que queremos pero tampoco está totalmente alejada porque hay varios segmentos de esa industria que tocan a lo que hacemos nosotros.

En lo personal me quedo con la denominación “economía de la creatividad” economía basada en la creatividad, si el proceso económico es una cadena compuesta por eslabones, el primer eslabón que detona todo y sin el cual no existe el proceso com-pleto se llama creatividad, esa capacidad de flujo de inventiva, de generación de símbolos cotidianos, entonces me quedo con “economía basada en la creatividad”.

Algo que me encanta del sector cultural y la creatividad es que es el único que tiene, simultáneamente, componente de valor eco-nómico, generación de empleo, producción, todo este discurso económico y bienestar simultáneo, donde lo más importante es el bienestar; sin embargo están juntos. Es el único sector que si-multáneamente tiene los elementos para decir que se constituye como un sector de desarrollo integral, otros lo tienen desfasado, ejemplo la educación, un proceso de acumulación de capital humano con plazos muy largos (3 o 15 años). Si, en este caso, cuando ustedes emprenden proyectos, cuando ustedes apoyan proyectos culturales, son proyectos que generalmente tienen pe-riodos de maduración de tres, seis onueve meses; ¡muy rápido vemos el retorno económico! La cultura es el único sector que tiene esta dualidad de crecimiento y desarrollo simultáneos.

Pero cuanto valor económico genere este sector no está exento de los mismos problemas que padece el país y buena parte de ¿quién se queda con los beneficios? De ese 7% que la cultura y la creatividad representan para el Producto Interno Bruto, de todos los miles de servicios que producimos en el país en un año ¿quién se queda con ellos?

Si finalmente la creatividad es ese eslabón del inicio, ¿cómo hace-mos para tener una remuneración equitativa de sus beneficios?

Ernesto Piedras. Director de Nomismae Consulting, autor de diversos análisis de la economía basada en la creatividad; así como la instrumentación de políticas públicas nacionales, estatales y municipales. También es autor de diversos libros sobre la industria cultural y colaborador de diferentes periódicos como “el Economista”. Ha sido académico desde 1997 en el ITAM de la UDG, de la UNAM y de la Universidad Nacional de Córdoba Argentina.

También están la prensa y los medios .¿Qué grado de profesiona-lización necesitamos y qué recursos para transmitir ese conteni-do que es también es uno del sector cultural?

La parte académica ¿tenemos suficiente academia para la cul-tura? Desde el lado de las ciencias sociales yo diría que es insu-ficiente, desde el lado económico yo diría que es casi nula una aproximación a la economía de la cultura. Siempre insisto: presionemos, definamos de qué estamos ha-blando cuando decimos economía de la cultura o economía de la creatividad, industrias culturales o industrias creativas; todo esto tanto para construir políticas culturales como para cuantificar un proceso económico de la creatividad.

Crítica, opinión y ensayo Ciudad de México / México

Buena parte del trabajo le toca a este tipo de reuniones para hacer lo que nos toca desde la esfera pública, privada, acadé-mica, para hacer un repaso de información, indicadores, aná-lisis y políticas públicas.

Si tenemos buena informa-ción podemos aspirar a tener buen análisis para diseñar una política pública y evaluar si lo hicimos bien; si hay una mala política cultural, hay mala ges-tión de recursos.

A lot of what economist do in culture is trying to put numbers on it, But how can we quantify the

economic process of creativity? Ernesto Piedras talks and shows us about it when he points out that culture is the only sector that has creativity as the raw mate-rial that creates economic process, process that in-cludes job creations, production and social welfare, however although this “creativity based economics” generates almost 7% of the country economics, the cultural politics in Mexico still lack information and analysis in management of the resources, which is why it is really important to stop talking about culture in abstract terms and quantify it, What is it`s local and social impact?

What is the benefit it leaves to society? Regarding art, one of the proposed steps in the 4th Conaimuc National Encounter, is to bet on exhibition spaces, surely a lot of opinions will raise about this.

Economy of the creativity

Ernesto Piedras. Director of Nomismae Consulting, author of plenty analysis of the economy based in creativity; as well as the design and operation of national, statal and municipal public policies. He es author too of different books about the cultural industries and writer in news-papers as “El Economista” in Mexico. He has been academic since 1997 in the ITAM, UDG and UNAM in Mexico, as well of the Universidad Nacio-nal de Córdoba in Argentina.

Si no tenemos estos diagnósticos, no vamos a saber en dónde está el eslabón débil, en donde tenemos que enfocar los esfuer-zos.

Hace 10 años empecé a tomar fotos satelitales de la cultura y la economía en México y en otros países, hemos pasado de la foto satelital de carácter nacional hacia estudios de Ciudad en el Dis-trito Federal , Puebla y la pregunta es ¿y los estudios sectoriales? ¿Y en donde está el estudio de cuánto vale el mariachi? La eco-nomía del mariachi, de la religión, la marimba en Guatemala, ya se ha avanzado con la gastronomía, etc. Sin duda, necesitamos estudios más específicos

Pero, ¿qué papel tiene los espacios de exposición? Son un esla-bón necesario y vital entre la oferta y la demanda. Si el creador, el artista plástico produce y no exhibe se pierde de mucho.

El que quiere llegar a mayores públicos, necesita exhibir para lograr producir más obra, distribuirla, comercializarla y llegar a sus audiencias finales; entonces tenemos que dejar de hablar de cultura en términos abstractos y cuantificarla. ¿Cuál va ser su mayor impacto local, social y beneficio para la comunidad? Creo que es el enfoque al que nos conviene migrar y uno de esos pasos debe de ser la infraestructura, de la cual sin duda tendremos acuerdos y desacuerdos….

Si tenemos buena información podemos

aspirar a tener buen análisis para diseñar una

política pública y evaluar si lo hicimos bien;

si hay una mala política cultural, hay mala

gestión de recursos.

Dr. Ernesto Piedras. Foto: Santiago Hernández.

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*Autor: Cisco Jiménez

*Autor: Humberto Spíndola

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