Universidad Véritas

Escuela de Diseño de Productos

Teoría I

Prof. Gabrio Zapelli

Artículo Teórico

La Influencia del Op Art en la Moda del Siglo XX: De las salas de

exhibición a la pasarela

Roberto Berrocal Pujol - 200910237

San José, Costa Rica, 29 de junio del 2011

Título:

La influencia del Op Art en la Moda del Siglo XX

Subtitulo:

De las salas de exhibición a la Pasarela

Estado de la cuestión

Sabemos que se ha escrito e investigado mucho con respecto al Op Art como propuesta artística. En muchos libros existen capítulos dedicados a esta tendencia, no obstante dichos capítulos son cortos, por lo que he tenido que consultar varias fuentes. Las fuentes consultadas demuestran que los orígenes del Op Art se remontan al siglo XIX y principios del siglo XX en Europa, específicamente en Francia con artistas como Seurat y Delaunay.

“El polo opuesto al pop art lo constituye el arte óptico u op art, que se inspiró en Albers y, remontándose en el tiempo, en el puntillismo de Seurat y el orfismo de Delaunay. Recordemos que los patrones de puntos de Seurat en los colores del espectro hacían que el ojo del espectador los agrupara para condensar los puntos en colores y formas compositivas. Era una experiencia perceptual compleja y exigente, en especial cuando sus obras transmitían una dicotomía entre una superficie de partículas de color finitas y una composición lineal de armonía realmente clásica. Delaunay fue más allá con sus “contrastes simultáneos” de color, y con una simultaneidad de formas estáticas y dinámicas, cuyo “movimiento sincrónico” representaba para él el “drama del universo”.” (Ruhrberg, K. 2005, Tomo I. Pág. 345)

Así mismo encontramos en otros autores referencias en cuanto a la evolución propia de las estructuras artísticas, en las que se menciona por ejemplo el neoimpresionismo y su interés en el uso sistemático del color y las micro estructuras de repetición. Así como la aparición de formas geométricas planas en el óptico se debe a la influencia suprematista de Malewitsch, así como la simplicidad de los medios re remonta a Mondrian.

Del fragmento anterior obtenemos los orígenes más antiguos del Op-art, sin embargo encontramos también referentes en las propuestas del constructivismo ruso y la Bauhaus en un artista muy importante dentro de este movimiento, como lo fue Victor Vasarely:

“Victor Vasarely estudió con Bortnyik en la Bauhaus de Budapest… intentó dar a sus experiencias artísticas, que fundamentalmente derivan del constructivismo, una base exacta, científica y teórica.” (Ruhrberg, K. 2005, Tomo I. Pág. 346)

Después de investigar los orígenes del Op Art, nos enfocamos en los objetivos que los artistas de esta tendencia se habían planteado, encontrando que todos ellos convergen en ciertos puntos:

“Lo que todos los artistas op tiene en común es la renuncia a todo punto de vista fijado por parte del espectador, aspecto que, junto con una composición multifocal, obliga al ojo a una percepción siempre nueva. Esto queda subrayado por la eliminación del toque personal del artista, en un intento de concentrarse solamente en el acontecimiento óptico objetivo que se produce en la superficie. La inquietud visual del op art refleja un deseo no sólo de mantener al ojo en movimiento, sino también a la propia obra. Este proceso, que desembocó en el arte cinético, se puede observar en el desarrollo de la obra de Heinz Marck” (Ruhrberg, K. 2005, Tomo I. Pág. 347)

Históricamente es importante mencionar los eventos que definieron el movimiento del Op Art, como exposiciones y subsecuentes artículos que le hicieron nombre en la escena artística a dicho movimiento.

“El op art tiene historia y además ha estado de moda a mediados del la década de 1960. Esas dos épocas, el pasado histórico que converge hacia el presente que converge hacia el presente para darle ecos y continuidad, y el presente que es como una fiesta maravillosa, no se ha podido encontrar jamás. Una explicación de ese doble enfoque, del efecto de dos mundos simultáneos inaccesibles el uno del otro debido a épocas distintas, implica un problema de la cultura de medio siglo. William Seitz, cuya exposición “The Resposive Eye” (“El ojo que responde”) en el Museo de Arte Moderno popularizó el op art, pospuso un estudio histórico para fecha ulterior y se sometió, al parecer con muy poca satisfacción, a lo que él llamó “las exigencias del presente”.” (Mosquera, G. 1993, pag. 128)

Luego de esto se dieron las primeras apariciones del Op Art en los medios de comunicación.

“El éxito de la expresión op art, impresa primeramente en Time, fue extraordinario. Durante 1965 fue de uso corriente en arte, moda, revistas humorísticas y periódicos... Harper’s Bazaar encabezó con la expresión op scene (escenario op) descripciones de vestidos tales como: “motas negras y marrones en un piqué blanco plisado (todo estriba en la forma en la que usted lo mire)”. Vogue volvió al op art con una portada que ostentaba un dibujo de muaré sobrepuesto a la cabeza de un modelo: “Puf! El arte es op. La moda es op.”

El op art no se quedó en las revistas de moda, sino que pronto apareció en las revistas para adolescentes.” (Mosquera, G. 1993, pag. 128)

Uno de los fenómenos innegables referentes al Op Art es su fuerte vinculación con el Pop Art, que entre 1965 y 1968 estaba en apogeo, que fue fuertemente criticado por Thomas B. Hess.

“...la vinculación del pop art y el op art se extendió por todos lados: Scientific american observó que op (por óptico) ha aventajado a pop (por popular) como arte de moda en las galerías de 1965... Thomas B. Hess siguió el movimiento de las revistas de modas para adolescentes y humorísticas que unían el pop art y el op art: “el contenido de ambos... es publicitario” (o dicho de otro modo: el contenido de ninguno de ellos es pintura de acción). La pintura de verdad, anunciaba Hess, es “difícil. Sería remota, aristocrática”, por lo tanto hay que separar al op art del arte auténtico porque es “un revoltijo de la moda a la mode”, y observaba “el establishment ha reaccionado... con calor a esas imágenes”.” (Mosquera, G. 1993, pag. 129)

El Op Art fue un fenómeno artístico que fue muy lucrativo para la industria gráfica y de moda, pero a diferencia de todos los movimientos que le antecedieron este no fue diseminado como normalmente sucede.

“Lo que sucedió con el op art es que se hizo famosos con todas las revistas excepto las de arte. Fue arrojado al dominio público de Estados Unidos, sin el procedimiento habitual de filtración y preparación en las revistas especializadas que han acompañado a los movimientos artísticos anteriores durante el siglo XX... El único crítico de arte norteamericano que escribió acerca de la exposición “the Responsive Eye” como si realmente se encerrara algo de arte, y que consideró que podría ser contemplada aprovechando fuentes literarias, experiencia visual e ideas personales fue Sidney Tillim.” (Mosquera, G. 1993, pag. 130)

A pesar del éxito que tuvo el Op Art entre el público en general y la industria de moda , gráfica y mediática algunos artistas sintieron que vulgarizaron sus obras sobre todo en la industria de la moda.

“Briget Riley, una de las artistas llamadas op, fue aplaudida, pero, lo mismo que el señor Seitz, se sintió molesta al ver las interpretaciones inesperadas y el uso imprevisto a que era sometida su obra. Poco después de su éxitoescribió: “mi obra ha sido... vulgarizada en el

negocio de los trapos” (procesó al que lo hizo) y prosigió diciendo que las verdaderas “cualidades habían sido opacadas por una exposición de comercialismo, circo y sensacionalismo histérico. (Mosquera, G. 1993, pag. 129)

Finalmente tenemos la opinión de Lawrence Alloway, quién escribió el artículo que he citado en este último segmento, llamado “Apuntes de Op Art”.

“Las formas uniformes y los sistemas estipulados hacen posible un arte que no iguala forzosamente a la actividad individual. Los puntos de referencia para la memoria están cerrados en lo posible por formas regulares y los valores de inspiración y seguridad (tan fuertes en la pintura de postguerra) están reducidos en forma crítica. Básicamente, el op art forma parte del uso general de formas más sistemáticas de las que habían adoptado anteriormente, los artistas comprometidos. Considerandoes esta formas, el op art en sí no es un estilo sino una técnica, uno de los medios para lograr ciertos efectos. Aislar los elementos ópticos a expensas de otros factores es lo mismo que estudiar la pintura de paisajes como arte de perspectiva del punto de fuga.

Sidney Tillin ha sugerido que los enrejados son un signo de la “orientación geométrica tradicional del arte europeo”, pero cuando un enrejado se ha convertido en campo de puntos, despliegue total de énfasis igual, deja de poderse reconocer su sentido geométrico. Es evidente que el arte geométrico exige figuras diversificadas; cuando éstas se encuentran, como quién dice, pulverizadas en una densa complicación de pequeñas unidades, vemos otra cosa. Hay una textura visual que aun cuando puede encerrar intensificaciones agrupadas, no resulta diferenciada sino homogénea. El control se logra por medio de agrupaciones, densidad, flujo, textura y trama, es decir factores que afectan igualmente toda la pintura como un simple sistema en vez de equilibrios de formas separadas. De hecho, quizá no sea el enrejado el elemento crucial sino el punto, la mota, la unidad regular y repetitiva...” (Mosquera, G. 1993, pag. 131 y 132)

Objeto de Estudio:

La moda de mediados de los años 60 y mediados de los años 70, que fue influenciada por el Op Art.

Marco Teórico:

El Op-Art, o Arte Óptico fue un movimiento pictórico nacido en Estados Unidos en el año de 1958. Paralelamente, en Europa, se desarrollaba un movimiento llamado nueva tendencia, que tenía bastantes aspectos similares al movimiento norteamericano.

El término Op-Art se acuñó por un artículo publicado en 1964 por la revista Time, sobre un grupo de artistas que pretendían crear ilusiones ópticas en sus obras. Después de esto el término se adoptó como el nombre oficial de este movimiento.

En 1965, el MoMA organizó una exposición llamada The Responsive Eye en el cual varios artistas representantes de este movimiento, como Victor Vasarely, Bridget Riley, Frank Stella, Josef Albers, Lawrence Poons, Kenneth Noland y Richard Anuszkiewicz; mostraron sus obras, quedando completamente definido este nuevo estilo.

Las mayores influencias artísticas de este movimiento son el suprematismo, el constructivismo, el De Stijl o neoplasticismo y el Bauhaus. Además de tener importantes influencias intelectuales, psicológicas y científicas sobre la fisiología y la percepción.

El Op-Art se caracteriza por varios aspectos:

La ausencia total del movimiento real, todas sus obras son físicamente estáticas, lo cual lo diferencia del Arte cinético.Se pretende crear efectos visuales tales como movimiento aparente, vibración, parpadeo o difuminación.Usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea poli o bicromáticos, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición de formas y figuras, entre otros recursos ópticos. Usa también figuras geométricas simples, como rectángulos, triángulos y circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones complejas.En muchos casos el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente.Se usa el acrílico para obtener superficies lisas, limpias y muy bien definidas.El artista del Op-Art no pretende plasmar en su obra sensaciones o situaciones, no existe ningún aspecto emocional en la obra.

Arte Óptico

Este movimiento plástico surgido a fines de la década de 1950 busca producir la ilusión de movimiento en la superficie de un cuadro a través del uso de colores, luces y sombras. Victor Vasarely, Bridget Riley, Frank Stella y Josef Albers son algunos de sus más destacados representantes.

El Op Art surge a finales de la década de los '50, para asentarse en los años '60. Su finalidad es la de producir la ilusión de vibración o movimiento en la superficie del cuadro. Se diferencia del arte cinético por la total ausencia de movimiento real.Fue rápidamente aceptado por el público por su estudiadas formas, que influyeron en otras áreas del arte como la publicidad, la gráfica y la moda.

Mediante la repetición de formas simples y un habilidoso uso de colores, luces y sombras, los artistas ópticos lograban en sus obras amplios efectos de movimiento, brindándole total dinamismo a superficies planas, las cuales terminaban siendo ante el ojo humano espacios tridimensionales llenos de vibración, movimiento y oscilación.

A mediados del siglo XX varios artistas como Josef Albers, Victor Vasarely y M.C. Escher empezaron a explorar en sus obras distintas formas de confundir al ojo. En los sesenta se inventó el término arte óptico para nombrar ese tipo de trabajo, ya que cada vez más artistas abstractos escogían ese estilo.

Los artistas ópticos no estaban interesados en pintar los objetos de la vida cotidiana como los artistas Pop, que eran sus contemporáneos. El movimiento quedó definido a partir de una exposición celebrada en 1965 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York titulada The Responsive Eye, que agrupaba a una serie de artistas de distintas nacionalidades seguidores de esta tendencia.

Entre sus principales representantes estaban la británica Bridget Riley y los estadounidenses Ellsworth Kelly y Kenneth Noland. También se inscriben dentro de esta corriente el español Eusebio Sempere y el colombiano Omar Rayo.

Las cuidadas formas del Op Art gozaron de una rápida y entusiasta aceptación por parte de la crítica y del público y pronto se convirtió en punto de inspiración para modistas, publicistas y gente de las artes gráficas.

Además, el arte óptico o cinético (como muchos lo llaman) es uno de los movimientos artísticos que más se relacionan con la investigación científica, al estudiar el color, la influencia de la luz y el movimiento en los cambios cromáticos y su percepción en la retina humana.

Destacaron entre los representantes del Op Art: Victor Vasarely, Bridget Riley, Frank Stella, Josef Albers, Lawrence Poons, Kenneth Noland y Richard Anuszkiewicz.

Problema Investigativo:

¿Cuál es la influencia del Op Art en el diseño de modas del siglo XX?

Hipótesis:

Demostrar la influencia del Op Art en la Moda del siglo XX

Objetivos:

1. Explicar lo que es en esencia el Op Art.

2. Demostrar el alcance del Op Art como movimiento artístico, en el diseño de modas del siglo XX.

3. Demostrar cómo y porqué el Op Art saltó del formato de exhibición a la moda en el siglo XX.

Cuerpo del Artículo:

A mediados de siglo, el mundo era otro. La píldora anticonceptiva, la muerte de Marilyn Monroe y James Dean, Vietnam, los asesinatos de Kennedy y Luther King… El ambiente estaba movilizado y el mundo entero era parte de eso. Se empezó a hablar de la sociedad de masas. El consumismo y la producción en serie ponían todo al alcance de todos.

Andy Warhol y el Pop Art utilizaron elementos cotidianos para transformarlos en arte. Pintaron latas de tomates como las del súper, celebridades como las de la televisión, y pusieron eso en los museos. El aura de la “obra única” desapareció, tanto para un cuadro como para un vestido.

Cada vez más personas iban vestidas a la moda, independientemente de su situación económica. La ropa había dejado de ser un lujo: se compraba y consumía compulsivamente, y del mismo modo se desechaba para sustituirla por una nueva. Aparecen secciones de ropa en los almacenes, y surgen las boutiques, una a la vuelta de cada esquina.

El movimiento también llegó a la alta costura de la mano de Y ves Saint Laurent con su colección “Pop Art” de 1966, inspirada en los trabajos de Warhol, Wesselman y Liechtenstein. El diseñador francés también es responsable del vestido Mondrian, que causó furor llevando los cuadros de colores primarios del neoplasticista a las vidrieras.

Paralelamente, surge una línea de arte abstracto con formas y efectos hipnóticos. El Op Art engañaba a la vista del espectador con ilusiones ópticas. Derivado del racionalismo de la Bauhaus y el uso del color del Suprematismo, se aplicó no sólo en pintura sino también en diseño gráfico, fotografía e indumentaria.

Las tramas alucinatorias se trasladaron rápidamente a estampados psicodélicos que adornaban la mayoría de los vestidos y minifaldas a fines de los años 60. Los más destacados diseñadores que incursionaron en el movimiento son Mary Quan t , Geoffrey Beene y, principalmente, Pucci.

Este punteo es un escueto recorrido por algunos movimientos del siglo XX, que no hace más que corroborar que la moda se ha ganado un importante lugar dentro de la sociedad como medio expresivo. Si bien un jean no es un objeto de museo (por ahora…), también habla de un momento histórico y lo que ahí sucedía. Aunque no tenga un marco dorado a la hoja, ni esté valuado en millones.

Como se ha demostrado en lo desarrollado anteriormente el Op Art es un estilo que nace en los años 60 y crece paralelo al Pop Art. El efecto buscado es que el ojo logre captar efectos, movimientos con las imágenes que crean las figuras. En la moda entro con mucha aceptación los cuadriculados y tridimensionales, con gran presencia el contraste blanco-negro aplicado a toda pieza de uso femenino.

La idea es que se logre vitalidad, energía,alegría y romper con lo purista. Además se pierden las combinaciones armónicas y se mezcla en esas combinaciones colores que serían imposibles encontrar en otro estilo: rosas y rojos, fucsias y amarillos. Los vestidos muy cortos, y chaquetas más largas. Mucho satén, gasas y algodón fino. Otra de las combinaciones que surge de este estilo es el charol, que hoy lo vemos en varios tonos.

La moda Op Art se destacada por sus estampados en los que seguramente encontrarás figuras geométricas.

Por su parte, los diseñadores textiles y de moda de la década de los sesenta no tardaron en asimilar estos movimientos artísticos y aplicarlos en el vestir. Lograron así que el buen diseño fuera una realidad al alcance de muchos, de fácil acceso para las grandes masas de clase media.

Idearon modelos "frescos", que reflejaran alegría y vitalidad, renovando las texturas, los estilos y también la combinación de colores, uniendo sin temor colores como el fucsia con el rosado o amarillo, que antes a primera vista "no combinaban".

El Op Art entró a la moda con sus diseños cuadriculados y tridimensionales, con gran presencia de contrastes blanco y negro aplicado en vestidos, dos piezas, zapatos y accesorios. Twiggy, la famélica modelo inglesa, fue una de las más famosas exponentes del Op Art en el vestir. Ella es considerada como un exponente del Op Art en el arte de la moda, en la forma moderna de vestir. En los finales de los 60, incluso en los principios de los 80, en la moda se impuso, dentro de lo ecléctico de la misma, el vestir combinando el negro y el blanco, la moda op art.

Conclusiones:

El Op Art es un movimiento estilístico, considerado por algunos como un técnica. En lo personal lo encuentro fascinante por la forma en la que engaña al ojo y genera movimiento , aunque uno se esfuerce por no verlo, donde sólo hay bidimensionalidad. La aplicación de esta en la moda fue algo inevitable por dos factores muy importantes, la cultura de masas y los medios industriales de masificación de estampados, lo que pusieron al alcance de todos la moda Op Art, al igual que la moda Pop Art. Las ilusiones que genera en el formato bidimensional, a mi juicio, es la explicación de porqué no tuvo un proceso de filtración como normalmente lo han tenido otros movimientos artísticos del siglo XX, las revista especializadas de arte no fueron quienes diseminaron el Op Art, sino las revistas de moda y de adolescentes y los periódicos. El Op Art se hizo muy popular, muy rápidamente por que atrae la vista, es algo que aún hoy es fascinante y se sigue utilizando en la industria de la moda y la industria gráfica, y probablemente se siga utilizando por mucho tiempo más.

Referencias Bibliográficas:

Mosquera, G. 1993. Del Pop al Post. Cuba. Arte y literatura ciudad de la Habana

Ruhrberg, K. et al. (2005) Arte del siglo XX. Volumen I y II. India, Taschen.

http://www.profesorenlinea.cl/artes/OpArt.htm, fecha de realización: no disponible, fecha cuando se subió a la página: No disponible, “Op Art”, fecha de consulta: 28 de junio del 2011

http://www.mujertips.com/2007/10/estilo-op-art.html, fecha de realización: no disponible, fecha cuando se subió a la página: No disponible, “Estilo Op Art”, fecha de consulta: 28 de junio del 2011

http://www.actuallynotes.com/Op-Art.html, fecha de realización: no disponible, fecha cuando se subió a la página: No disponible, Ana Bladovski, “Op Art, la moda Op Art”, fecha de consulta: 28 de junio del 2011

http://www.suite101.net/content/el-arte-y-la-moda-en-el-siglo-xx-a9554, fecha de realización: 26 de enero del 2010, fecha cuando se subió a la página: No disponible, Fernando Diez, “El Arte y la moda en el siglo XX”, fecha de consulta: 28 de junio del 2011