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17/02 - 24/03/2011
I Concurso Internacional defotografíaGalería Cero
1st Galería Cero International Photography Prize
galeriacero.com
Desde Galería Cero queremos agradecer la participación en nuestro I CONCURSO INTERNACIONAL DE FOTOGRAFÍA GALERIA CERO y destacar la sorprendente
acogida que ha tenido con la participación de 1.404 artistas de 71 países diferentes.
En esta ocasión, el jurado ha estado compuesto por: José Guirao- Director de La Casa Encendida ,Mariano Navarro- Crítico de arte y comisario de exposiciones,
Eugenio Ampudia- Artista, Alicia Murria - Directora de la revista Artecontexto y comisaria de exposiciones, Ciuco Gutiérrez - Fotógrafo y Director del Master de
Efti y Agustín Pérez de Guzmán - Director de Galería Cero.
Debido a la alta calidad de propuestas recibidas, la labor del jurado ha sido muy complicada a la hora de seleccionar a los 20 finalistas que formarán parte de
la exposición colectiva que se inaugurará el próximo 17 de febrero en Galería Cero a las 20h .
CERO Gallery would like to thank all the participants in our FIRST INTERNATIONAL PHOTOGRAPHY CERO GALLERY PRIZE. We would like to emphasize the amazing
response that this has had. 1404 artists from 71 different countries have applied.
This time the jury has been composed of Alicia Murria (Director of Artecontexto Magazine and Art Curator), Ciuco Gutiérrez (Photographer and Director of Efti
International Master), Eugenio Ampudia (Artist), José Guirao (Director of La Casa Encendida), Mariano Navarro (Art Critic and Art Curator) and Agustín Pérez de
Guzmán (Director of Galería CERO).
Due to the quality of the applications received, the jury has had a very difficult task in selecting the last 20 finalists that will form part of the collective exhibition
that will be inaugurated on the 17th of February in Cero Gallery at 20 hours.
Ganadores Winners
Olivier Nord Francia
1º
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El conjunto de los cuadros presentados en este corpus ha sido realizado desde principios del año 2009 y forman parte de un proyecto que empecé en el año 2008 y que persigo este año como
artista residente de la Casa de Velázquez en Madrid.
Mis primeros trabajos de fotografía se centraron en los temas del paisaje y de la arquitectura. El uso de la cámara fotográfica gran formato fue lo que finalmente más me interesó ya que impone
una cierta reflexión previa a la toma y el formato del negativo permite hacer grandes ampliaciones. En una sola palabra, la noción pictórica que este proceso comportaba. La evolución de mi
trabajo también ha estado condicionado por la transición de la imagen captada sobre una película sensible a una imagen digital, haciendo evolucionar mi percepción del cuadro como “una
ventana sobre la realidad” hasta un conjunto de puntos maleables a los que llamamos comúnmente “píxeles”. Los programas de retoque digital de imágenes permiten cada día más tratar esta
“información” y es aquí donde nació la idea de que este proceso corrientemente llamado "post producción" podría ser llevado al límite, es decir, a la creación total de una nueva imagen fotográfica
que tomaría ahora el estatuto de "modelo" después de haber servido de soporte.
Desde entonces, la idea en la que se sostienen estas evoluciones es de intentar desarrollar un modo de representación inspirado en la pintura. Se trata de utilizar un documento digital constituido
de un conjunto de píxeles. Estos, utilizados como verdaderos pigmentos fijados sobre un lienzo, crean una imagen que sigue utilizando el mismo soporte que se utiliza en fotografía pero a la que
se le puede asociar un gesto pictural y una libertad creativa en la forma. De esta forma se crea una confusión: la imagen es lisa a pesar de la presencia de una pincelada que moldea la superficie
del papel fotográfico. Este proceso de fabricación ha sido posible gracias a las nuevas herramientas informáticas, especialmente la paleta gráfica que permite la prensión “sensible” de un lápiz
digital del mismo modo que utilizaríamos un pincel. Así, a partir de un documento vacío de toda información, todos los píxeles se aplican con pinceladas sucesivas para crear el motivo.
Por mi formación de fotógrafo, mi modo de representación de la realidad se hace por la imagen. Hoy en día considero mi trabajo constante de tomas de vista como una analogía a la práctica del
carnet de croquis. Esto me permite conservar los “dibujos” fotográficos que serán el soporte de las composiciones que podrán ser desarrolladas posteriormente. Como para la pintura, el objetivo
del proceso es poder apropiarse totalmente de cada uno de los píxeles producidos sobre la imagen instaurando una relación casi carnal con su puesta en práctica. Estos cuadros pueden suscitar
preguntas propias. Como “El pintor de la vida moderna” enunciado por C. Baudelaire en 1863 y retomado más tarde por Jeff Wall, yo intento traducir en mis composiciones ciertas lecturas de
nuestro mundo contemporáneo sin dejar de estar inscrito en una historia pictórica. Por contra, mis cuadros siempre se realizan a partir de fracciones de una realidad inmediata y se aislan por el
"momento decisivo". Me apoyo sobre una realidad disponible para crear otra. Esta surrealidad se convierte en una ficción que trata sobre una realidad transcendida. Este proceso me permite
trabajar solo, sin que ningún figurante tenga que intervenir. De esta forma puedo desarrollar libremente el potencial dramático percibido y después integrado en una escena, como una ilustración
de la dimensión narrativa de un posible cuadro.
Una vez la composición acabada, son las pinceladas las que dan finalmente cuerpo a esta visión. La realización de esta “pintura digital” se realiza con unas dimensiones fijas desde el principio
(como una pintura sobre un lienzo). Existe una reflexión entre las dimensiones del cuadro final y el tamaño del pincel utilizado y, en consecuencia, la verdadera escala de lectura de estas imagenes
sigue siendo la misma que la del objeto físico producido: el cuadro.
Olivier Nord, Abril 2010
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007 - La balsa - O.Nord - TABLEAUX - 150x300cm
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001 - La pausa - O.Nord - TABLEAUX - 80x100cm 002 - La habitacion verde - O.Nord - TABLEAUX - 80x100cm 009 - La barrera - O.Nord - TABLEAUX - 60x80cm
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004 - Lueur froide - O.Nord - TABLEAUX - 60x80cm
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005 - Ventana noche - O.Nord - TABLEAUX - 60x80cm
006 - Yacente - O.Nord - TABLEAUX - 80x100cm 008 - El Baño - O.Nord - TABLEAUX - 90x120cm
003 - El Festin - O.Nord - TABLEAUX - 120x160cm
María Alche Argentina
2º
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El trabajo fue realizado sobre el archivo de mis diapositivas familiares. En este anhelo por conservar la existencia, hecha de vacaciones, hogares, salidas, cumpleaños, momentos
comunes, viajes, empecé a observar que en muchas de ellas se repetían espacios vacíos; zonas del cuadro que esperaban ser ocupadas.
La mayoría de las personas de las diapositivas son mis familiares directos en edades en que no los conocí. Los lugares que aparecen los recuerdo borrosamente en mi memoria, o
los fui recreando muchas veces a partir de relatos que allí sucedieron. Entonces, ingreso a una suerte de memoria inventada. Podrían pensarse como fotos de ciencia ficción,
donde soy un alienígena en el pasado, perturbando el espacio y el tiempo.
María Alche
FALLAS
Diapositivas Familiares 1960-1986 : Fui a estar allí
(éramos esperados entonces sobre la tierra)
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7. 1980. Camino al Cristo Redentor con mi papá. Aún no conoce a mi mamá. Eramos esperados entonces sobre la tierra. (100 x 140 cm)
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1. Con mi papá en su cuarto. Aranguren 528 5to D. (80 x 120 cm)
2. Mar muerto: Sueño cumplido. (100 x 100 cm)
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3. Estoy llegando al subte en NY y mi mamá embarazada de mi, enero 1983. (80 x 120 cm)
4. Junto a mis abuelos en su primer viaje a Europa. Todavía no tienen hijos. (100 x 140 cm) 5. Estoy en Ezeiza, esa vez tampoco me caí. (80 x 110 cm)
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6. Mi abuela, embarazada de mi papá y yo. (80 x 110 cm)
8. Mi abuelo y yo, 1973. (80 x 120 cm)
9. Casamiento de Bencho, 1968. (89 x 120 cm)
10. Frente a la Isla del Fin del Mundo, 1965. (80 x 120 cm)
Finalistas Finalists
Ángela FariasBrasil
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OLVIDOproyecto fotográfico
La casa está vacía. Pero ¿qué es el morir? Lo que está es lo que ya no está. Silencioso. Ciego. Vacío.Abrigo de tanto vivir, pero ¿qué fue el vivir?Hay oscuridad en los espacios blancos.Al final -¡al final de todo!- sólo quedó el olvido… El olvido… Angela Farias
En el fondo el olvido (Rosana Acquaroni)
En el fondo el olvido es un gran simulacro repleto de fantasmas Mario Benedetti
Como un cuadro que ha sidodescolgado a destiempoy deja una marca gris en la pared vacía,mi cuerpo se desprende más allá del olvido,ocupa su lugar.
Lejos del paraíso,donde ya no es posibleenmascarar el sueño desencajadodel desaparecido,ni blanquear la mano atormentada del delito,ni difamar los labios en mitad de la piedra.
Como el escaladorque apoya todo el cuerpoen los resquicios del vacío,paso sin ser notada abriendo las compuertas borrando los caminos,con la boca nodriza y los ojos ausentes.
Rehén de la memoria, rememoro el olvido,ese gran simulacro repleto de fantasmasque arrastran su silencio hacia el abismo.
Como el ilusionistaque dibuja pañuelos en la seda del aire,me guardo inútilmente una palomaquebrada en las trincheras de la noche. De "Discordia de los dóciles"
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Olvido (Serie de fotografías en color- 8 copias + 2 P.A. de cada fotografía). 80x120cm.Impresión con tintas pigmentadas en papel de algodón Hahnemühle .Montada sobre dibond y moldura en madera wengué.
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Olvido (Serie de fotografías en color- 8 copias + 2 P.A. de cada fotografía). 80x120cm. Impresión con tintas pigmentadas en papel de algodón Hahnemühle Montada sobre dibond y moldura en madera wengué.
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Olvido (Serie de fotografías en color- 8 copias + 2 P.A. de cada fotografía). 80x120cm. Impresión con tintas pigmentadas en papel de algodón Hahnemühle Montada sobre dibond y moldura en madera wengué.
Daniel TouatiFrancia
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Lumi
Esta foto forma parte de una serie realizada en Finlandia durante el invierno.
Imágenes sacadas desde un barco entre Helsinki y Estonia, andando en el bosque o paseando por la frontera con Rusia donde las islas parecen flotar
sobre la nieve que cubre el mar helado. Fotos sacadas sin preparación, sin idea previa, solo con la voluntad de respetar las impresiones interiores y tan
prufundas que sientía frente a esos paisajes infinitos, sin buscar demasiadas explicaciones.
Daniel Touati
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Todas las fotos fueron sacadas con una camara reflex analógica de la marca Nikon y un objetivo 50mm. Componen una serie de 9 imagenes de tamaño 80cm x 120 cm, imprimidas sobre papel Lambda Mate pegado sobre dibon y enmarcadas en caja americana con bastidor de color blanco.
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Todas las fotos fueron sacadas con una camara reflex analógica de la marca Nikon y un objetivo 50mm.
Componen una serie de 9 imagenes de tamaño 80cm x 120 cm, imprimidas sobre papel Lambda Mate pegado
sobre dibon y enmarcadas en caja americana con bastidor de color blanco.
Edgar Dos SantosEspaña
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On
La mirada del hombre reconstruye el espacio en un nuevo concepto y lo convierte en algo concreto. Es entonces cuando la naturaleza, el entorno, deviene paisaje.
El paisaje, concepto eminentemente cultural, deviene visible y real a partir de la observación y su asimilación. No podemos separar al observador de aquello observado y nuestra observación
no solo altera la pureza del espacio sino que por nuestro bagaje cultural le asignamos un significado y una representación mental determinada. La luz se convierte en metafora de nuestra
mirada, algo artificial e impuesto que transforma el espacio.
Nuestra presencia altera el lugar, lo categorizamos y subjetivamos en función de nuestra experiencia, según sus cualidades, sus posibilidades y sobretodo la actitud del espectador. Como
dice el filosofo Jordi Pigem “... no somos solo espectadores, sino coautores, cocreadores de los paisajes que contemplamos y que nos acogen. Transformamos los paisajes ya antes de tocarlos,
los influenciamos con nuestra percepción, y esta percepción configura la que será nuestra actitud y nuestra acción para el paisaje”.
Edgar dos Santos
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09- Pla de la Selva. 2009. Inyección de tinta sobre papel de algodón, montada en marco de madera i metacrilato. 130 x 110 cm. Ed. 5 + 1 a/p.
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01- Santa Fe de Montseny. 2009. Inyección de tinta sobre papel de algodón, montada en
marco de madera i metacrilato. 130 x 110 cm. Ed. 5 + 1 a/p.
02- Bosque de Tort. 2009.Inyección de tinta sobre papel de algodón, montada en
marco de madera i metacrilato. 130 x 110 cm. Ed. 5 + 1 a/p.
03- Bosque de Burg. 2009.Inyección de tinta sobre papel de algodón, montada en
marco de madera i metacrilato. 130 x 110 cm. Ed. 5 + 1 a/p.
04- Bosque del Jerdar. 2009.Inyección de tinta sobre papel de algodón, montada en
marco de madera i metacrilato. 130 x 110 cm. Ed. 5 + 1 a/p.
05- Macizo del Garraf. 2010.Inyección de tinta sobre papel de algodón, montada en
marco de madera i metacrilato. 130 x 110 cm.Ed. 5 + 1 a/p.
06- Sierra del Montsant. 2010. Inyección de tinta sobre papel de algodón, montada en
marco de madera i metacrilato. 130 x 110 cm. Ed. 5 + 1 a/p.
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07- Delta del Ebro. 2010. Inyección de tinta sobre papel de algodón, montada en
marco de madera i metacrilato. 130 x 110 cm. Ed. 5 + 1 a/p.
08- Bosque de Comes de Rubió. 2009. Inyección de tinta sobre papel de algodón, montada en
marco de madera i metacrilato. 130 x 110 cm. Ed. 5 + 1 a/p.
10- Bosque de Virós. 2009. Inyección de tinta sobre papel de algodón, montada en
marco de madera i metacrilato. 130 x 110 cm. Ed. 5 + 1 a/p.
Eduardo CebolleroEspaña
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Kamagasaki: sombras de neón
A escasa distancia de la transitada calle Dotonbori, cuyos anuncios mecanizados y luces de neón atraen turistas y oriundos, se encuentra kamagasaki. Este barrio de Osaka, que apenas
cuenta con mujeres y niños, posee el mayor asentamiento de vagabundos de todo Japón. En su mayor parte deambulan en torno a un edificio abierto al exterior, cuya segunda planta
alberga la oficina de empleo local. En tiempos de prosperidad económica en esta oficina se llegaban a ofrecer 15000 yenes (135 euros) por un día de trabajo en la industria de la construcción.
Con el estallido de la burbuja inmobiliaria en los 90, las ofertas laborales comenzaron a escasear, y el edificio de la oficina de empleo de Kamagasaki se fue convirtiendo en el refugio de
cientos de personas a la espera de alguno de los pocos trabajos disponibles. Hoy en día los habitantes de este inmueble, con nulas esperanzas de encontrar trabajo, viven bajo condiciones de
pobreza. La sociedad japonesa apenas conoce su existencia.
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“Kamagasaki: sobras de neón” Fotografía digitale en color. 114 x 76 cm Impresión sobre papel fotográfico Fujifilm DPII Lustre Profesional
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“Kamagasaki: sobras de neón” Fotografías digitales en color. Tamaño Original: 41.1 x 27.4 cm
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TURISTAS
Es una reflexión sobre el individualismo del ser humano y su escasa capacidad de poner el bien común por sobre el beneficio individual. A pesar de que cada uno tiene concepciones
distintas de la vida, según sus experiencias, estas pocas veces se comparten y ponen en diálogo con la experiencia de otro. Por otro lado, tendemos a juntarnos solo con nuestros pares
cercanos, con individuos de nuestra misma clase social, en la comodidad de una burbuja, donde las diferencias son mínimas para minimizar los riesgos que trae consigo el
enfrentarse a realidades, modos de vidas y cosmovisiones distintas. Este sistema cerrado limita nuestra experiencia, cuando viajamos, por ejemplo, visitamos principalmente lugares
turísticos, pasteurizados para ser digeridos por un ojo acrítico y escasamente nos relacionamos con los que habitan fuera de estos paisajes que han sido montados como maquetas, y
finalmente volvemos a casa con una visión manipulada de la realidad.
Felipe Coddou 2010
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Turistas #3. 110x150 cm. Tintas pigmentadas sobre papel RC, laminado mate y montada sobre dibond. Copia 1/5 más 2 P/A.
Ignacio LLamasEspaña
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…En medio de una sociedad altamente tecnificada donde el hiperrealismo supremo destruye la posibilidad de ensoñación, donde los mapas trasestéticos nos hablan de relajamiento existencial
y seducción de lo ornamental, donde espectadores y artistas son enajenados por lo virtual, … “han ido desapareciendo las metafísicas trascendentales y las estéticas esenciales para dar paso a la
concepción del simulacro, de la mentira, de lo inauténtico, con un cierto metalenguaje de lo banal, lo cursi, lo kitsch. En un mundo de imágenes banales –donde se desea hacer desaparecer los problemas
esenciales de la existencia por medio de la saturación y la construcción de realidades virtuales- se instaura el simulacro de que la realidad social desaparece y que la problemática esencial del ser no
posee importancia para la creatividad humana”1.
Ante este panorama en el que nos hallamos inmersos percibimos como en el desencantamiento posmoderno generalizado se ha diluido el sentido de lo sublime, la necesidad de trascendencia
por medio de la obra de arte, y su inquietante capacidad para abordar la otra orilla, de mirar lo invisible.
Sin embargo, todavía quedan Refugios del misterio que se nos ofrecen sin simulacros. También hoy hay artistas que valoran la sinceridad y honestidad en el trabajo artístico. Un trabajo que
conciben como camino de perfección creativa y personal, como lugar de búsqueda, de preguntas y respuestas. Las obras de Ignacio Llamas, un artista que intenta abordar los problemas esenciales del ser
humano, no responden al cliché de imágenes inmediatas de fácil consumo, no son objetos vacíos de sentidos, sino lugares de encuentro que fomentan la necesidad de impulsar la vida hacia otras
esferas…
…Aristóteles concebía que el fin de la tragedia es conseguir una sensibilidad purificadora, una catarsis, por medio del temor y de la compasión. Esto era posible porque hace experimentar al
espectador los hechos como si fuera él mismo la víctima o el héroe, transformándolo por un acto de intersubjetividad estética, en actor-espectador, creador del drama. “La tragedia era precisamente la
imitación de acciones que producen estos estados emotivos”2.
Podemos situarnos ante las obras de Ignacio Llamas como ante pequeñas tragedias, porque requieren de nosotros, no que miremos por sus oquedades como quien se asoma por la ventana de
casa para ver qué ocurre fuera. Apelan a nuestra sensibilidad estética para, en comunión con ellas, descubrir a través de sus líneas, de sus objetos abandonados y de sus luces el misterio que allí se
esconde, lo que de universal tiene la inquietud del artista. Sentidos ocultos que se deben descubrir por medio de un ejercicio del espíritu…
Pilar Cabañas
(Fragmentos del texto: El sentido de abandono como fuente de luz
perteneciente al catálogo refugios del Misterio)
1 FAJARDO, Carlos (2005). Estética y sensibilidades posmodernas. Estudio de sus nuevos contextos y categorías. Jalisco: Iteso, p. 164
2 ARISTÓTELES (1972). Poética. Madrid: Aguilar, p. 94
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ST IV, de la serie: “Cercar al silencio”
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ST I, de la serie: Cercar al silencio. 2009. 106x158.Impresión digital de tintas pigmentadas sobre papel de algodón
adhesivado a dibón.Tirada de 3 ejemplares.
Desolaciones III, de la serie: Cercar al silencio. 2009. 106x126. Impresión digital de tintas
pigmentadas sobre papel de algodón adhesivado a dibón. Tirada de 3 ejemplares.
ST II, de la serie: Cercar al silencio. 2009. 90x134.Impresión digital de tintas pigmentadas sobre papel de
algodón adhesivado a dibón.Tirada de 1 ejemplar.
ST V, de la serie: Cercar al silencio. 2009. 106x156.Impresión digital de tintas pigmentadas sobre papel de
algodón adhesivado a dibón.Tirada de 3 ejemplares.
ST VI, de la serie: Cercar al silencio. 2009. 106x154,5.Impresión digital de tintas pigmentadas sobre papel de
algodón adhesivado a dibón.Tirada de 3 ejemplares.
ST VII, de la serie: Cercar al silencio. 2009. 106x163.Impresión digital de tintas pigmentadas sobre papel de
algodón adhesivado a dibón.Tirada de 3 ejemplares.
ST VIII, de la serie: Cercar al silencio. 2009. 106x162,5.Impresión digital de tintas pigmentadas sobre papel de algodón
adhesivado a dibón.Tirada de 3 ejemplares.
ST X, de la serie: Cercar al silencio. 2009. 81,5x120.Impresión digital de tintas pigmentadas sobre papel de
algodón adhesivado a dibón.Tirada de 3 ejemplares.
ST XIII, de la serie: Cercar al silencio. 2010. 106x155,5.Impresión digital de tintas pigmentadas sobre papel de
algodón adhesivado a dibón.Tirada de 3 ejemplares.
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ST XIV, de la serie: Cercar al silencio. 2010. 90x141.Impresión digital de tintas pigmentadas sobre papel de
algodón adhesivado a dibón.Tirada de 3 ejemplares.
ST XVI, de la serie: Cercar al silencio. 2010. 106x172,5.Impresión digital de tintas pigmentadas sobre papel de algodón
adhesivado a dibón.Tirada de 3 ejemplares.
ST XVIII, de la serie: Cercar al silencio. 2010. 92,5x150.Impresión digital de tintas pigmentadas sobre papel de
algodón adhesivado a dibón.Tirada de 3 ejemplares.
ST XIX, de la serie: Cercar al silencio. 2010. 106x171,5.Impresión digital de tintas pigmentadas sobre papel de
algodón adhesivado a dibón.Tirada de 3 ejemplares.
ST XX, de la serie: Cercar al silencio. 2010. 106x158,5.Impresión digital de tintas pigmentadas sobre papel de
algodón adhesivado a dibón.Tirada de 3 ejemplares.
Ingar KraussAlemania
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Birds of passage
It is speechless, silent, serious, ceaseless and lonely work along the great silence of the unshaded land.
James Agee, Let us now praise famous Men
Seasonal labourers, who work as harvest hands in foreign countries, have a long tradition. This kind of migration used to exist all over the world already long before the age of globalization.
The direction of working migration in Europe today goes from East to West. Most of the seasonal labourers have to travel very far to reach their working places.
Also to Germany come more than 300.000 harvest hands every year from Eastern Europe (and these are only the legal ones). Their season starts with the asparagus harvest in April and ends
with cabbage and grapes in autumn. It is interesting to watch the internal dynamics in this kind of migration, because usually most of the workers came from Poland, but during the last years
more and more people come from further Eastern Europe, from Romania or the Ukraine, while a lot of Polish workers went meanwhile as far as Sweden and England because they get better
paid there.
The seasonal workers are men and women, young and old. Most of them come from the poor rural areas in Poland or Romania. They live for weeks and months together in temporary shacks
with double-decker beds, they work 7 days a week and have usually no contacts to the local Germans, they often don’t speak one word German, so they stay invisible to the most of people in
the country that they come to work in. The German farmers need them urgently, the whole harvest depends on those workers from abroad because there are not enough Germans who are
willing to do such an underpaid and hard physical work. So thousands of harvest hands come and go every year like birds of passage.
In spring 2006 and 2007 I took portraits of such workers coming to us a long way. Near Berlin there are big and rich asparagus farms which were founded by West-German farmers quickly
after the wall came down (the sandy ground is perfect there for growing asparagus) and I went especially to these places because I know this area since long and was curious to see who is
actually doing the hard work on those huge farms. The asparagus harvest is a physical exhausting handmade work and that is the reason why there are only men working in those fields. At
one big asparagus farm there are between 600 and 800 workers during the high season. This work is still done like it was 100 years ago and I wanted to find pictures for that: for the hard and
heroic physical work.
I have met the workers directly in the fields, sometimes also in the evening sitting in front of their shacks. Unfortunately I don’t speak Polish or Romanian so while I was taking the pictures the
communication was based more or less on sign language or sometimes also my school Russian.
I would have been interested to get more close and get to know more about them but that was almost impossible not only due to language barrier but also because they were working all day
long and I always had only very short time to do the pictures. However, while meeting these men the idea arised that this project should have a counterpart, that I should follow the workers
on their way back to their homelands to see where they do come from, as a „migrant photographer“ travelling the opposite way. I started this journey in late summer 2008, it is still on-going.
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The pictures are handmade Silvergelatinprints, mounted on Aluminium plates. The size of each picture is 83 x 101 cm, plus frame.
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The pictures are handmade Silvergelatinprints, mounted on Aluminium plates. The size of each picture is 83 x 101 cm, plus frame.
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The pictures are handmade Silvergelatinprints, mounted on Aluminium plates. The size of each picture is 83 x 101 cm, plus frame.
Juan Carlos MartínezEspaña
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University Neighbours
University Neighbours es un proyecto que se desarrolla en un entorno real de residencias universitarias en la ciudad de Paris. En él se dan temas recurrentes en mi práctica artística. Surgen in situ tras la
experiencia vivida en el lugar y en donde se plantean cuestiones relativas a los hábitos de la mirada y la manera en cómo esta arrastra, incluso a nuestro pesar, los tabúes que la tradición ha impuesto.
Aprovechando las connotaciones sicalípticas que se le han atribuido al entorno universitario y a la morfología especifica de aquel lugar, porque ofrecía múltiples ocasiones para observar espacios
interiores desde el exterior; quise llevar a cabo una serie de retratos a través de las propias ventanas, que revelaban en la oscuridad las estancias interiores de aquellos estudiantes que vivían a nivel del
suelo.
De alguna manera, pretendía hacer una analogía con las imágenes encontradas a través de la red. Personajes desconocidos solo tangibles a través de la imagen. Eran encontrados rondando al otro lado
de las ventanas, que cual pantallas, nos conectaban con situaciones ajenas cargadas de espontaneidad y ante las cuales quedábamos fascinados con una inquietante extraña sensación de desamparo
platónico.
En esta ocasión los internos, salen de su ensimismamiento para descubrirse descaradamente al espectador, son conscientes de ser el blanco de las miradas, con lo que invirtiendo el proceso hopperiano,
se nos revelan cómplices como agentes activos en la contemplación, pero inaccesibles a través de las “barreras” y el distanciamiento.
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University Neighbours. -nº7. 2009. Impresión lambda sobre papel brillo. 150x200 cms. Ed: 1/5 + 2 P.A
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University Neighbours. -nº1. 2009. Impresión lambda sobre papel brillo . 150x200 cms. Ed: 1/5 + 2 P.A
University Neighbours. -nº2. 2009. Impresión lambda sobre papel brillo . 150x200 cms. Ed: 1/5 + 2 P.A
University Neighbours. -nº3. 2009. Impresión lambda sobre papel brillo. 150x200 cms. Ed: 1/5 + 2 P.A
University Neighbours. -nº8. 2009Técnica: Impresión lambda sobre papel brillo. 150x200 cms. Ed: 1/5 + 2 P.A
University Neighbours. -nº9. 2009. Impresión lambda sobre papel brillo. 150x200 cms. Ed: 1/5 + 2 P.A
University Neighbours. -nº10. 2009. Impresión lambda sobre papel brillo. 150x200 cms. Ed: 1/5 + 2 P.A
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University Neighbours. -nº4. 2009. Impresión lambda sobre papel brillo. 150x200 cms. Ed: 1/5 + 2 P.A
University Neighbours. -nº5. 2009. Impresión lambda sobre papel brillo. 150x200 cms. Ed: 1/5 + 2 P.A
University Neighbours. -nº6. 2009. Impresión lambda sobre papel brillo. 150x200 cms. Ed: 1/5 + 2 P.A
Julio GaleoteEspaña
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PROYECT “ALL-ALONE”
“All-alone” surge como búsqueda de una mirada distinta acerca de ciertos objetos que usamos habitualmente y plantearnos su uso en nuestra cotidianeidad, al igual que nuestra interacción y relación con los
mismos. Para este fin, se recrean espacios únicamente fabricados para la realización de la imagen y se observa como los objetos están íntimamente relacionados con el espacio que habitan. En este caso, por su
carácter efímero, los espacios no han sido ni serán habitados, dando un carácter de teatralidad a la imagen, representando los escenarios en los que se convierte el espacio.
El proceso de construir un espacio y fotografiarlo se convierte en uno solo, dando un carácter escultórico al motivo a representar. Se hace referencia a como el espacio se transforma en cada imagen haciendo que
el mecanismo de construcción del espacio se haga evidente, sugiriendo la idea de artificio. Este cambio, pretende alterar la percepción de la imagen, observando el espacio y los objetos de una manera distinta.
En cada espacio creado se mostrara una acumulación de objetos enfrentados a una unidad del mismo, muestra como los objetos habitan el espacio y cómo cambian de significación y uso dependiendo del orden
que poseen dentro de un lugar. Al enfrentar una acumulación de objetos frente a una sola unidad, se dota al objeto representado de personalidad, destacando la unidad sobre los demás.
Entre los objetos siempre hay uno que se salta la norma: se queda al otro lado, decide no seguir el orden que supuestamente le corresponde, se libera de las ataduras, opta por no cruzar al otro lado, buscando y
adquiriendo su propia libertad.
Julio Galeote
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S/T, 2009, 100 x 120 cm, tintas pigmentadas sobre papel RC, montada sobre dibond y moldura de madera, Ed. 5 copias
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S/T, 2008, 120 x 85 cm, tintas pigmentadas sobre papel RC, montada sobre dibond y moldura de madera, Ed. 5 copias
S/T, 2008, 120 x 95 cm, tintas pigmentadas sobre papel RC, montada sobre dibond y moldura de madera, Ed. 5 copias
S/T, 2009, 120 x 95 cm, tintas pigmentadas sobre papel RC, montada sobre dibond y moldura de madera, Ed. 5 copias
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S/T, 2008, 95 x 120 cm, tintas pigmentadas sobre papel RC, montada sobre dibond y moldura de madera, Ed. 5 copias
S/T, 2008, 95 x 120 cm, tintas pigmentadas sobre papel RC, montada sobre dibond y moldura de madera, Ed. 5 copias
S/T, 2008, 85 x 120 cm, tintas pigmentadas sobre papel RC, montada sobre dibond y moldura de madera, Ed. 5 copias
S/T, 2008, 85 x 120 cm, tintas pigmentadas sobre papel RC, montada sobre dibond y moldura de madera, Ed. 5 copias
Luis Miguel RomeroEspaña
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Budapest: Ruta turística alternativa
Las fotografías de la serie “Budapest: Ruta turística alternativa” presentan diversos patios interiores de edificios de Budapest (Hungría) por el que pasean jóvenes que se encuentran
temporalmente viviendo en esos edificios y en esa ciudad por cuestiones académicas o laborales. Junto a las imágenes se escribe la dirección exacta donde ha sido realizada la
fotografía, la calle, su número y el distrito, como si se trataran de postales de edificios para visitar dentro de una supuesta ruta turística alternativa de la ciudad. Los jóvenes
fotografiados en esta serie, proceden de diferentes países: Alemania, Portugal, Suecia, Lituania, Inglaterra, Islandia, Uruguay, Rusia, Francia, Italia, Hungría y España. En concreto la
fotografía seleccionada “Eötvös ut, 9” (“Calle Eötvös, 9” en húngaro), muestra a tres jóvenes: dos chicas lituanas y un chico español que compartieron piso durante varios meses.
La intención de esta serie es tratar diversos aspectos. Por una parte hablar de las personas que se encuentran en situaciones de cambio en una nueva ciudad, como estos jóvenes
que viven durante meses la experiencia de trasladarse a un país diferente con lo que supone el duro proceso de adaptación a una nueva vida, a un nuevo idioma, a nuevas personas
y a nuevas actividades. Por otra parte hablar de la vida interna y desconocida de las ciudades, más allá de los lugares emblemáticos que se visitan cuando se hace turismo. Esos
lugares, monumentos o edificios emblemáticos solo se aprecian durante un instante, de forma superficial y de los cuales se sabe realmente muy poco pero que albergan en su
interior mucha historia que pasa desapercibida para los turistas. Es por ello que en las fotografías se muestra a estos jóvenes como una especie de turistas que visitan los propios
edificios donde viven, para destacar tanto las diferencias como las similitudes entre el turista pasajero y el habitante temporal, entre la ciudad turística y la ciudad del día a día,
entre conocer rápidamente una nueva ciudad en el breve periodo vacacional y descubrirla poco a poco como parte de tu nueva vida.
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“Eötvös ut, 9”. Medida: 80x107 cm. Medida con marco: 87x113 cm. Impresión inkjet 12 tintas pigmentadas. Ilford Gallery Cristal. 100% algodón. 300 gramos. Forex 3 mm.
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“Murányi utca, 42”
Medida: 80x107 cm. Medida con marco: 87x113 cm.Impresión inkjet 12 tintas pigmentadas. Ilford Gallery Cristal. 100% algodón. 300 gramos. Forex 3 mm.
“Bocskai ut, 21”
“Akácfa utca, 7”
“Károly körút, 24”
“Lónyay ut, 13” “Pipa utca, 4”
“Rózsa ut, 64” “Felsö Erdösor ut, 7” “Andrássy utca, 92”
Mikel BastidaEspaña
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War Theatre
“War Theatre” es un recorrido por el imaginario de la Segunda Guerra Mundial, un acercamiento a la historia recreada.
Reenactors de todo el mundo representan episodios de la guerra en escenarios históricos y campos de batalla ficticios.
Esos espacios se transforman en un enorme decorado donde los individuos interpretan una ficción común.
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War Theatre. Utah Beach (France). 118 x 85 cm.Giclée sobre papel baritado. Montaje en dibond con moldura de madera y vitrina. 2010. Edición de 7.
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War Theatre. Baldellou (Spain). 118 x 85 cm.Giclée sobre papel baritado. Montaje en dibond con moldura de
madera y vitrina. 2010. Edición de 7.
War Theatre. Baldellou II (Spain). 118 x 85 cm.Giclée sobre papel baritado. Montaje en dibond con moldura de
madera y vitrina. 2010. Edición de 7.
War Theatre. Paddock Wood (England). 118 x 85 cm.Giclée sobre papel baritado. Montaje en dibond con moldura de
madera y vitrina. 2010. Edición de 7.
War Theatre. Mayenne (France). 118 x 85 cm.Giclée sobre papel baritado. Montaje en dibond con moldura de
madera y vitrina. 2010. Edición de 7.
War Theatre. Levisham (England). 118 x 85 cm.Giclée sobre papel baritado. Montaje en dibond con moldura de
madera y vitrina. 2010. Edición de 7.
War Theatre. Recogne (Belgium). 118 x 85 cm.Giclée sobre papel baritado. Montaje en dibond con moldura de
madera y vitrina. 2010. Edición de 7.
War Theatre. Skegness (England). 118 x 85 cm.Giclée sobre papel baritado. Montaje en dibond con moldura de
madera y vitrina. 2010.. Edición de 7.
War Theatre. Serracanya (Spain). 118 x 85 cm.Giclée sobre papel baritado. Montaje en dibond con moldura de
madera y vitrina. 2010. Edición de 7.
War Theatre. Tabernas (Spain). 118 x 85 cm.Giclée sobre papel baritado. Montaje en dibond con moldura de
madera y vitrina. 2010. Edición de 7.
Pilar GarcíaEspaña
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Desequilibrios
“Escalera hacia el cielo”
Es una fotografía realizada en el año 2010 a partir de la puesta en escena y la recreación de pequeños espacios.
La imagen se centra en la dimensión psicológica del ser humano, profundizando en conceptos como el miedo, la soledad y la angustia.
Forma parte de la serie “Desequilibrios”, proyecto compuesto por un conjunto de fotografías cargadas de simbolismo sobre el ciclo vital del ser humano
y sus posiciones reflexivas sobre la existencia.
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Desequilibrios. Escalera hacia el cielo.
Fotografía digital b/n. 80x120 cm. Tamaño exterior 98x138 cm. Papel Hahnemühle Fine Art Pearl 100% algodón. Soporte Egafix 100% ph neutro y moldura negra.
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Desequilibrios. El espíritu olvidado.
Fotografía digital b/n. 80x120 cm. Tamaño exterior 98x138 cm. Papel Hahnemühle Fine Art Pearl 100% algodón. Soporte Egafix 100% ph neutro y moldura negra.
Desequilibrios. El profeta del vacío.Desequilibrios. El profeta del vacío II. Desequilibrios. Dualidades.
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Desequilibrios. El pensador pesimista. Desequilibrios. La luz.
Fotografía digital b/n. 80x120 cm. Tamaño exterior 98x138 cm. Papel Hahnemühle Fine Art Pearl 100% algodón. Soporte Egafix 100% ph neutro y moldura negra.
Desequilibrios. Retorno al pasado. Desequilibrios. El fin. Desequilibrios. Estación Central.
Ricardo VenturiItalia
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El terribile terremoto que sacudió Haití el 12 enereo del 2010.
El costo en termino de victimas fatales fue tremendo. Se calucula que murieron mas de 250.000 personas.
Tambien devastó gran parte de sus escasas infraestructuras. Puerto Príncipe, capital del país quedó praticamente destruida: hosiptales, edificios ministeriales, el Palacio Presidencial,
bancos... Hasta la Carcel de Haiti, quedó gravente dañada y los presos, muchos de ellos muy peligrosos, pudieuron huir.
La ciudad en pocos minutos cayó en el caos, la gente abandonada, días y días sin agua, comida, medicamentos basicos.
La ausencia total del estado y de las fuerzas de seguridad hicieron que en las calles el descontrol fuera total, con saqueos homicdios, robos, incendios. La ciudad se convirtió en un
verdadero infierno.
A pesar de la llegada muy pronta de ayudas humanitarias y de fuerzas de seguridad desde todo el mundo, la situación quedó y queda todavía en un estado de extrema emergencia.
Haití sempre fue un país de mucha pobreza( el mas pobre de América Latina ), de mucha violencia y corrupción política. Este tremendo terremoto pone en duda hasta la exsistencia
misma del Estado Independente.
Más de un milion y medio de personas, según estimas UNHCR, son desplazados , sin agua y ningún tipo de servicio higiénico.
El proyecto fotográfico documenta, durante todo el 2010, las dramáticas consecuencias del terremoto: desde los primeros días de caos, a la epidemia de colera a las elecciones
presidenciales: Haití busca un futuro posible enfrentando un presente terribile.
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HAITI PORT AU PRINCE HEARTHQUAKE 16 JANUARY 2010 : a man working on top of a destroyed building.80x110 format Photographic print series 1/6
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All the picures are digital files 35 milliliters format.
Haiti untitled 1 Haiti untitled 2 Haiti untitled 3
Haiti untitled 5 Haiti untitled 6 Haiti untitled 7
Haiti untitled 8 Haiti untitled 9 Haiti untitled 10
Rodrigo VegaEspaña
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TRANSITO 37%
El intervalo forma parte del ser humano. Una gran parte de nuestra vida es espera. Es en ese momento cuando nos mostramos de forma más provisional ante
nuestros semejantes. Es el momento donde probablemente nos sintamos más inermes e incluseros.
El interior de las urnas nos muestran mujeres inertes, congeladas en un vapor frio, gélido, preservador. A modo de recipientes de formol portátiles, nos descubren
una realidad que solo dura el tiempo de tránsito de las personas.
Es la precipitación del agua la que crea cambios de temperatura que generan dos mundos disociados por medio de cristales. La visión del exterior proporciona una
sensación desahogada en la que se genera una intimidad incierta, ilusoria, en la que la sensación de amparo nos permite ser más vulnerables...
Rodrigo Vega. Madrid 2010
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FORMOL37% (#). 100 x 100 cmDiapositiva 35mm Fuji provia 400 ASA escaneada. Impresión Papel fotográfico baritado sobre dibond con moldura wenge 4x4 rebajada.
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Diapositiva 35mm Fuji provia 400 ASA escaneada. Impresión Papel fotográfico baritado sobre dibond con moldura wenge 4x4 rebajada.
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Diapositiva 35mm Fuji provia 400 ASA escaneada. Impresión Papel fotográfico baritado sobre dibond con moldura wenge 4x4 rebajada.
Sergio BelinchónEspaña
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METROPOLIS
La serie fotográfica “METROPOLIS” es una actualización en 2009 de la serie homónima que realicé en el año 1997 en París, siendo el primero de mis trabajos en torno a la ciudad y lo
urbano.
Pasado el tiempo sentía que necesitaba revisitar ese trabajo para poder reformularlo técnicamente, quería hacer una película y quería desprenderme del efectismo y el dramatismo
que el contrastado blanco y negro original aportaban al trabajo. Creo que las imágenes son suficientemente fuertes por lo que se muestra y quería que fuera lo real lo que diera el
grado dramático a las fotografías.
Así, muestro un retrato de lo que la ciudad contemporánea puede significar. En todas mis series sobre lo urbano he tratado de desarrollar un aspecto diferente de lo que significa la
ciudad. En este caso muestro cómo la gente en la ciudad está condicionada por el espacio en el que se mueve, cómo la arquitectura y lo urbano modifica nuestro comportamiento,
convirtiéndonos en una especie de pequeños actores en un inmenso decorado.
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metropolis02 100 x 140 cm.
Las fotografías que componen la serie “METROPOLIS” tienen 2 formatos, 70 x 100 cm y 100 x 140 cm.Inyección de tinta en papel Epson, montadas en metacrilato mate y enmarcadas en negro.
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metropolis03 70 x 100 cm.
Las fotografías que componen la serie “METROPOLIS” tienen 2 formatos, 70 x 100 cm y 100 x 140 cm.Inyección de tinta en papel Epson, montadas en metacrilato mate y enmarcadas en negro.
metropolis01 100 x 140 cm. metropolis04 100 x 140 cm.
metropolis05 70 x 100 cm. metropolis06 100 x 140 cm. metropolis07 70 x 100 cm.
metropolis08 70 x 100 cm. metropolis09 100 x 140 cm. metropolis10 100 x 140 cm.
Sergio Arturo De la TorreEEUU
Vanessa PradoEspaña
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"Calígula- Entonces hay dos clases de felicidad y yo he elegido la de los asesinos. Pues soy feliz. Hubo un tiempo en el que creí haber llegado al límite del dolor. Pues bien, no, todavía es posible ir
más lejos. En el confín de esta comarca hay una felicidad estéril y magnífica. (Cesonia se vuelve hacia él.) Me río, Cesonia, cuando pienso que durante varios años Roma entera evitó pronunciar
el nombre de Drusila. Pues Roma se equivocó durante esos años. El amor no me basta: eso es lo que comprendí entonces. Es lo que comprendo también hoy, al mirarte. Amar a una persona es
aceptar envejecer con ella. Yo no soy capaz de este amor. Drusila vieja era mucho peor que Drusila muerta. Suele creerse que un hombre sufre porque la persona a quien amaba muere un día.
Pero su verdadero sufrimiento es menos fútil: es advertir que tampoco la pena dura. Hasta el dolor carece de sentido. Ya ves, yo no tenía excusa; ni siquiera la sombra de un amor, ni la amargura
de la melancolía. No tengo coartada. Pero hoy soy más libre que hace años, libre del recuerdo y de la ilusión. (Ríe apasionadamente.) ¡Sé que nada dura! ¡Saber esto! Sólo dos o tres en la historia
hemos pasado por esta experiencia, hemos logrado esta felicidad demente. Cesonia, has seguido hasta el fin en una tragedia muy curiosa. Es hora ya de que caiga para ti el telón.
(Pasa de nuevo tras ella y desliza el antebrazo en torno al cuello de Cesonia.)"
Albert Camus, Calígula, Escena XIII
El fotógrafo del más allá
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25 x 35 cm, impresión sobre papel fotográfico, montado en cartón pluma. Pass partout y fondo con cristal y marco.
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25 x 35 cm, impresión sobre papel fotográfico, montado en cartón pluma. Pass partout y fondo con cristal y marco.
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25 x 35 cm, impresión sobre papel fotográfico, montado en cartón pluma. Pass partout y fondo con cristal y marco.
Wolfgang BittnerAustria
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Collages
Why do the images we shoot on travels, collect in photo albums and show around to friends look so much alike? Do all people experience the same? Do they see the same things
the same way? Do the pictures taken home from our journeys represent what we have encountered? Is photography more than just a medium to remember and shape memory?
And, what is the impact on our perception of the world having seen all these sites on photographs before seeing them with our own eyes? Is there some kind of interaction
between the subjective and the collective memory?
With these questions in mind, I started focussing on certain popular sites around the world. Collecting thousands of tourist photo snapshots via the internet, I began
reassembling these places using the individual photographs by collage.
Their superimposition makes the focal point of the photographs become visible. While each layer is provided with transparency [ additive blending ], the motive focused on
becomes blurred out, and the peripheries of the tourist gaze become visible.
The points of interest are transformed into vanishing points. As a result, the periphery of this gaze is processed into a spatio - temporally compressed space of the popular view,
where formerly hidden details emerge.
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6 ] Manhattan [ detail ]C print on dibond | 55 x 76 cm. Digital Photo Collage | view from Empire State Building towards Manhattan
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1 ] RevueC print on dibond | 320x40cm (8 prints a 40x40cm). Digital Photo Collage | 360° view from Arc de Triomphe
2 ] Revue [ detail ]C print on dibond | 320 x 40 cm (8 prints a 40 x 40 cm)
Digital Photo Collage | detail from 360° view from Arc de Triomphe
3 ] Revue [ details ]C print on dibond | 320 x 40 cm (8 prints a 40 x 40 cm)
Digital Photo Collage | details from 360° view from Arc de Triomphe
4 ] Grand TourC print on dibond | 70 x 70 cm
Digital Photo Collage | 360° [ Cyclorama ] view from Eiffel Tower
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5 ] ManhattanC print on dibond | 55 x 76 cm
Digital Photo Collage | view from Empire State Building towards Manhattan
11 ] Salzburg Panorama [ details ]C print on dibond | 384 x 87 cm (4 segments a 96 x 87 cm)
Digital Photo Collage | 360° view from Festungsberg at the City of Salzburg
7 ] Manhattan [ detail ]C print on dibond | 85 x 85 cm
Digital Photo Collage | view from Empire State Building towards Manhattan
8 ] LykavittosC print on dibond | 70 x 61 cm
Digital Photo Collage | view from Acropolis towards Lykavittos Hill
9 ] HollywoodC print on dibond | 40 x 30 cm
Digital Photo Collage | views on the Hollywood Sign
10 ] Salzburg PanoramaC print on dibond | 384 x 87 cm (4 segments a 96 x 87 cm)
Digital Photo Collage | 360° view from Festungsberg at the City of Salzburg
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