Post on 19-Jul-2020
Sol Cusmano Taller de Reflexión Artística IIIAbstract
El presente ensayo explora la obra de la artista ucraniana Alina Zamanova,
relacionando su estilo contemporáneo con el manierismo y el gótico. Zamanova describe
su propia influencia como gótica, gracias a los artistas con los que se fue relacionando en
su carrera, pero además es su técnica la que la relaciona a la corriente del manierismo.
La personalidad artística, la expresión condicionada por el contexto histórico y la
estilización de los cuerpos es lo que se destaca tanto en las obras de Zamanova como en
la de los maestros del manierismo. Este ensayo pretende analizar tanto a la artista como
a la corriente, encontrando sus puntos en común y diferencias.
Palabras clave
Arte - Belleza - Estilo - Expresionismo - Gótico - Idealismo - Ilustración - Manierismo -
Moda - Naturalismo - Romanticismo -
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Sol Cusmano Taller de Reflexión Artística III
“Ugly Beauty”
Alina Zamanova (ver imagen 1) es una artista e ilustradora de moda ucraniana nacida
en Kiev. Su identidad yace en explorar la brecha entre el arte y la moda y borrar los límites
entre la belleza y la fealdad. Su arte va desde pinturas tradicionales e ilustraciones hasta
intervenciones textiles hechas a mano o post producción fotográfica al estilo de garabatos
sobre el cuerpo humano. Desde chica sintió pasión por la ilustración, talento que pudo
desarrollar y perfeccionar mediante sus estudios en la University of the Arts London,
recibiendo un título en Ilustración de Moda hacia el 2015. Durante su carrera tuvo el honor
de trabajar en Alexander McQueen, quien fue una gran influencia en su estilo, logrando
que sus obras se tornaran más profesionales y góticas, según ella misma describe en su
página web personal. La imagen #2 del anexo muestra una colaboración que hizo la
ilustradora con la diseñadora Yana Chervinska para el Ukraine Fashion Week donde
Zamanova realizó el diseño de estampas de la colección y el estilismo de las modelos
para la pasarela. Este trabajo refleja al cien por ciento cómo la artista busca el lado oscuro
en lo que ella caracteriza como “feas ilustraciones” que son la representación de sus
propios sueños e ideas y de las personas que la inspiraron. Al igual que los artistas
góticos, Zamanova rompe con el ideal de belleza, intentando representar la realidad pero
según su propio punto de vista. Lo que la artista rescata de este período es el estilo que
sobresale por su tono sombrío, oscuro y emotivo. Mediante el uso del color y la
exageración de los rasgos se puede encontrar el tinte gótico que la inspira, con el que
intenta reflejar el lado oculto de la belleza: lo que en la cultura popular se caracteriza
como fealdad (Zamanova, 2017).
Todas las obras de Zamanova reflejan y transmiten a la perfección las emociones que
siente al pintarlos, su concepto e ideología se encuentran detrás. Su marca intenta
quebrantar el ideal de belleza mediante ilustraciones deformadas, intervenciones sobre el
mismo cuerpo humano y hasta rompiendo con el esquema de la moda en sus recientes
presentaciones y colecciones. Como se puede ver en la imagen #3 del anexo, una de las
técnicas de la artista es la exageración de los rasgos naturales, así como la estilización
acentuada. Una corriente del arte moderno que utiliza estas mismas técnicas es el
Manierismo.
Se conoce como Manierismo al periodo y estilo artístico que se encuentra entre las
décadas centrales y finales del siglo XVI. Como bien explica Hauser (2002), la etimología
de la palabra “maniera”, que le da el nombre a dicha corriente artística, hace referencia a
la personalidad artística, es decir la impronta estilística de cada artista dentro de sus �2
Sol Cusmano Taller de Reflexión Artística IIIcuadros. Es a partir de este movimiento que el arte se empieza a ser caracterizado por el
virtuosismo (Albelo, 2014), que hace referencia a que la obra es vista como la “realización
perdurable de un virtuoso”. Se apreciaba la habilidad como una virtud positiva en el artista
que producía géneros complejos e ingeniosos. El Manierismo rompe con la estética
predeterminada por el Renacimiento, aunque no nació como una contraposición sino
como prolongación perfeccionada de algunas de sus tendencias del movimiento anterior.
Sin embargo se pretenden solucionar problemas artísticos relacionados tanto en el
contenido como en la forma que llevan a la diferenciación con las obras renacentistas.
Otra de las grandes características del Manierismo, por el cual se lo reconoce mundial
e históricamente, es el artificio. El movimiento no intenta representar la realidad de
manera naturalista según se hacía en el Renacimiento, sino que la hace extraña, hasta un
poco deformada, como un capricho del artista y su “maniera”. Como expresa Albelo
(2014) en su artículo, el estudio de la naturaleza era una parte esencial de la formación de
los artistas y la producción de una obra, pero ellos no se conformaban con realizar una
copia exacta de la realidad sino que consideraban que la misión del arte era mejorar la
naturaleza. Es ahí en donde se lee la impronta caprichosa y de personalidad del artista
manierista. Lo mismo sucede en la contemporaneidad con Zamanova. Su ideología se
basa en contraponerse a la típica ilustración de moda que relaciona belleza con un
modelo ideal de mujer estilizada, delgada y de facciones delicadas. Esto lo logra a través
de un concepto al que nombra como “Ugly Beauty”, lo que se traduce en Belleza Fea en
español, y que intenta expresar cómo la cosifiación de las mujeres se hizo normal y los
estereotipos de belleza fueron establecidos por personas que no tenían conocimiento
para dictarnos qué es bello y qué es feo. Zamanova, en una entrevista realizada para
Hunger Tv, dice: “Estaba explorando el cuerpo de la mujer y nuestra ‘piel fea’ sin importar
la forma que tenga visualmente, ya que siento que el cuerpo femenino es una historia
interesante que tiene muchos secretos”. Todo esto lo hace mediante la utilización de
técnicas estilísticas de representación que exacerban los rasgos femeninos
(especialmente en ciertas zonas erógenas como la boca) y la sobre estilización en modo
de crítica. La imagen #4 del anexo muestra una fotografía de moda en la que la artista,
mediante el estilismo, remarca y ridiculiza los modos de maquillaje habitual, generando
hasta una sensación de mal realizado, con lo que se contrapone a la perfección que se
busca constantemente con el maquillaje. Volviendo a la imagen #3, allí se muestra una
pintura similar a la foto mencionada antes denominada “Vogue Girl” haciendo referencia a
las características chicas Vogue, pero que de típica chica Vogue no tiene nada. Además
de las mismas técnicas en cuanto al maquillaje que se encuentran en la foto, en el cuadro �3
Sol Cusmano Taller de Reflexión Artística IIItambién se lee mejor la sobre estilización, realizada particularmente en el cuello. Estas
dos obras reflejan la referencia con el Manierismo. Primero por el espíritu de
contraposición a la representación exacta y el naturalismo, y segundo por los métodos
estilísticos. Parmigianino fue un pintor italiano y uno de los máximos exponentes
del manierismo. Para él la función del arte era trasmitir sensaciones exquisitas y
excitantes, para lo cual tuvo que crear una necesaria artificiosidad. Una obra que
representa estas características es “La Madonna del cuello largo”, 1534-1540 (ver imagen
5). El cuadro se trata de una Virgen con el niño Jesús, acompañados por ángeles, pero
cuya particularidad, como bien dicta el nombre, son las desproporciones en la figura
humana. La Virgen presenta el cuello y los dedos tan alargados que se ve la intención de
estiramiento del artista con fin de generar elegancia. Si bien entre los dos artistas,
Zamanova y Parmigianino, la intención final es distinta, se encuentra una gran relación en
términos estilísticos, la estilización y desproporción humana.
Por otro lado, algo que se destaca en la obra de Zamanova y se encuentra como una
constante es el uso de la pincelada como medio expresivo. Históricamente, el recurso de
dejar una pincelada sin ocultar se utilizó para generar un efecto que apele a los
sentimientos tanto del artista que lo creó como del espectador. El Manierismo es de los
primeros movimientos que utilizan esta técnica, pero aún así todavía era criticada. El
movimiento que realmente es representativo de esta técnica es el Romanticismo, que
surgió en Alemania y en el Reino Unido a finales del siglo XVIII como una reacción
revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y el Neoclasicismo, priorizando
los sentimientos sobre la educación. Se basó en la manera de sentir y concebir la
naturaleza, la vida y la misma existencia del hombre, y por eso se presentó de manera
distinta en cada país donde se desarrolló, o incluso dentro de una misma región se
pueden distinguir distintas tendencias. Una de las grandes características del
Romanticismo es la priorización de lo instintivo y sentimental, guiándose por el concepto
de que la “belleza es verdad”, como bien establece Heine (2010). Aún así, también se
incentivaba a que cada artista utilizara su libertad y su sensibilidad para reflejar sus
emociones propias, su forma de ver el mundo, que es distinta a las de los otros artistas y
por eso cada cual es capaz de expresarse de forma distinta y totalmente subjetiva. Así se
muestra Zamanova con sus obras. Ella refleja sus sentimientos, sus críticas sobre el
entorno y la “ilustración” de la belleza contraponiéndose al ideal del contexto en el que
vive y también desnaturalizando las tradiciones clásicas que han idealizado determinados
rasgos en cuerpo y rostro la asignación de características positivas.
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Sol Cusmano Taller de Reflexión Artística IIIFrancisco de Goya fue un pintor y grabador español, que es considerado uno de los
artistas con más relevancia histórica en cuanto a su influencia en el arte moderno. Goya
nunca permaneció fiel a un solo estilo, sino que refleja en sus obras diversos estilos a lo
largo del tiempo. En su transformación se muestra como un innovador que cultivó todos
los géneros y técnicas de la época. Para 1792, Goya se antepone a la Academia y
expresa sus ideas respecto a la creación artística, argumentando sobre los supuestos
idealistas y de los cánones neoclásicos vigentes en la época para afirmar la necesidad de
libertad del pintor, que no debe estar sujeta a estrechas reglas. Uno de los cuadros de
Goya es “Dos viejos comiendo sopa” de 1819 (ver imagen 6), donde se ve cómo el artista
irrumpe contra el típico esteticismo sobre la figura humana, mostrando, como bien
describe el nombre, son dos personas mayores de aspectos desmejorado y hasta uno de
los dos casi cadavérico. El artista contrasta con el idealismo de la época creando un
cuadro hasta macabro, especialmente mediante una pincelada bien marcada y
empastada y una paleta de color sombría. Zamanova realiza algo similar con la pincelada,
dejando rastros del trazado y obviando el dibujo previo y los límites de la figura. Los
colores sobrepasan las líneas de la ilustración y hasta utiliza paletas con colores opuestos
para generar un contraste con pigmentos poco frecuentes, como por ejemplo un azul para
pintar la piel. En la imagen 7 del anexo se ve cómo Zamanova también logra una figura un
poco cadavérica y sombría, con rasgos exagerados que contribuyen a la expresión de su
concepto.
En la obra de la ilustradora también se encuentran referencias de artistas como
Kirchner y Egon Schiele. Kirchner se destaca por un estilo plano con colores puros,
inspirado en el arte primitivo y el fauvismo francés. Las características más distintivas de
este grupo son el color antinatural, cálido y subjetivo, y las formas más bien planas, con
poco interés por los volúmenes. Las obras de Kirchner presentan una audacia que no
permite la duda a fin de brindar la mayor expresividad posible. El trazo seguro,
contundente, y hasta muchas veces agresivo rompe la perspectiva de las líneas. En su
obra “Escena de la calle de Berlín” (imagen 8) se logra vincular a los dos artistas mediante
una similitud dentro de los rasgos en la cara de la figura humana con la imagen 7 del
anexo, esta misma impresión moribunda en los rasgos faciales, la paleta de color sombría
y las formas angulosas. La figura corpórea también presenta una desfiguración en cuanto
a proporciones, un estiramiento semejante al del Manierismo. En este cuadro, Kirchner
pinta una serie de mujeres, todas vestidas de la misma forma y con rasgos similares, lo
cual alude a una especie de “industrialización” de la belleza, representando la copia y la
aspiración de un cierto ideal instaurado en la época. Igualmente, se representa de forma �5
Sol Cusmano Taller de Reflexión Artística IIItal que sirve como crítica de los cánones, muestra la falta de individualismo y aún así
ridiculiza contraponiendo con un rostro un poco desagradable.
En complemento a la obra de Zamanova está Egon Schiele, uno de los grandes artistas
f igurativos de principios del siglo XX que conformó lo que se conoce
como expresionismo austriaco. De Klimt adoptó sus principios creativos, en cuanto a
acentuar el dibujo de sus pinturas con unas líneas gruesas, especialmente en la
representación del cuerpo desnudo. Abandonó el estilo rígido de la Academia y giró hacia
el expresionismo, representando al hombre a través de una agresiva distorsión figurativa.
En sus autorretratos (imagen 9) fue deformando su figura con poses extravagantes y
gestos ridículos, destacando la extrema delgadez de la figura, las contorsiones del cuerpo
(Mosqueda 2017). La imagen 10 del anexo muestra una ilustración de Zamanova en la
que se ve una fuerte influencia de Schiele. La distorsión figurativa se impone mediante
unos rasgos excesivamente exagerados, el destaque de las costillas en la figura mediante
el color y donde también se copia el grado en semi perfil del retrato y las poses
extravagantes. Por otro lado, la ilustradora toma el concepto de Schiele en el que el
espacio se convierte en una suerte de vacío que pretende representar la dimensión
existencial del hombre, ya que todas sus pinturas carecen de fondos representados, sino
que muestran fondos planos tanto blancos como negros.
El fundamento teórico de las obras de Schiele radicaba en la idea de “obra de arte
total”, es decir que el arte no se limitaba a las áreas tradicionales sino que también a lo
formal y espiritual que afectaba a la vida diaria. Las obras de Zamanova, al ser una critica
y contraposición a ideales y cánones de belleza de la sociedad contemporánea también
pretenden afectar al espectador de manera espiritual, fomentando la belleza individual y
eliminando la línea que divide lo “lindo” de lo “feo”. Además, tanto las temáticas de Schiele
como la de Zamanova adquieren una tensión emotiva en la sensualidad que contrasta con
la de una soledad angustiosa.
En conclusión, Alina Zamanova se encuentra inspirada por varios movimientos que
fueron surgiendo a lo largo de la historia. Cada uno de ellos añade un elemento a su
técnica que le permite desarrollar obras con una fuerte carga emocional y crítica. Desde
su pincelada marcada, su uso del color contrastante, la sobre estilización de las figuras,
los rasgos faciales marcados, las delineados gruesos, y la coloración recargada y
exagerada contribuyen a la ridiculización de la representación femenina para
contraponerse al ideal de belleza con el que la sociedad se encuentra bombardeada por
el campo de la moda. Zamanova intenta reivindicar estos ideales, otorgando el título de
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Sol Cusmano Taller de Reflexión Artística IIIbello hasta lo que se considera desagradable por la cultura popular, añadiendo a todo
esto un carácter sombrío relacionado con el neogótico, que heredó de su mentor
McQueen. Su concepto de “Ugly Beauty” se ha hecho conocer en los distintos ámbitos en
los que la artista se desenvuelve, contribuyendo a las nuevas tendencias de bellezas sin
límites.
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Bibliografía
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