Post on 27-Aug-2020
LA MATíA
INFORME TRABAJO DE GRADO EN MODALIDAD INTERPRETACIÓN CREACIÓN
LAURA DANIELA CASTRO
LINEA DE INVESTIGACIÓN EN COMPOSICIÓN – PROFUNDIZACIÓN EN DIRECCIÓN
COREOGRÁFICA
TUTORA : DORYS ORJUELA
UNIVERSIDAD DISTRITAL FRANCISCO JOSÉ DE CALDAS
FACULTAD DE ARTES ASAB
PROYECTO CURRICULAR ARTE DANZARIO
BOGOTA
2016
La Matía
Dirección: Laura Daniela Castro
Bailarinas intérpretes:
Fernanda Montoya
Cindy Méndez
Laura Daniela Castro
Vivian Staaden
Laura Oyuela
La Matía es una pieza coreográfica que por medio del lenguaje del movimiento busca re-
interpretar el concepto de feminidad, esta obra transita por un espacio imaginario en el que
más que contar una historia se evocan imágenes y atmósferas que nos permiten tejer una
relación entre el cuerpo, la identidad, el movimiento y la estética, 5 mujeres en escena nos
recuerdan sobre una sabiduría antigua, sabiduría de hechiceras, amantes y brujas quienes
nos muestran su belleza y su poder.
Propuesta
Como artista me parece indispensable resolver inquietudes propias que surgen en procesos
de aprendizaje bien sean autónomos o colectivos, en este caso enmarcados en un proceso
de formación dentro del proyecto Arte Danzario, así que voy a referirme a una pregunta que
ha estado presente en gran parte de mi trayectoria o proceso, y más entendiendo la danza
como un campo de conocimiento que se expresa en un lenguaje propio, la inquietud es
¿Para mí que significa la feminidad?, esta pregunta puede ser bastante amplia, así que en
este proyecto, se abordara como punto de partida una investigación con características
auto reflexivas y entendida como una experiencia sensitiva basada en la imagen, la
imaginación y la exploración.
Me interesa crear a partir de la imagen e ir encontrando o indagando sobre una estética
que hile toda la pieza más que contar una historia como tal, que hable tranquilamente desde
mis propias lecturas y reflexiones sobre lo femenino, sin que eso signifique negar las otras
posibilidades de lo que puede definir esta palabra.
Objetivos
General
Crear una pieza de danza a partir de la investigación como reflexión sobre la feminidad y el
misticismo, tejiendo una relación entre ambos.
Específicos
Realizar un laboratorio de creación y movimiento a partir de la improvisación y la
observación.
Encontrar y llevar a la escena imágenes que evoquen la feminidad y el misticismo,
buscando así la creación de una estética propia de la pieza, basados en otras artes como
el cine, la pintura o la literatura
Crear un texto compartiendo la experiencia de crear y dirigir una pieza coreográfica
Metodología
La propuesta de creación no busca una metodología concreta sino más bien comprender y
transitar por otras metodologías como herramientas básicas para labrar un camino más
orgánico, que se adapte a las necesidades de la pieza coreográfica y a la investigación
misma, es por ello que tomare como referentes principales a dos grandes coreógrafas y
directoras en la danza que son Doris Humphrey y Pina Bausch, me interesa trabajar bajo
las teorías de composición que cada una propone, pues están expuestas desde
diferentes ángulos, por un lado Humphrey plantea metodologías específicas para la
composición las cuales quedaron plasmadas en su libro el arte de hacer danza,
mientras Pina, propone una investigación para la interpretación basados en la
improvisación, sin embargo tienen varios puntos de convergencia que me
interesan, durante el proceso investigativo surge una pregunta que guía esta parte del
proceso.
¿Partiendo de las Teorías de composición Coreográfica y escénica de Pina Bausch y Doris
Humphrey se puede crear un acercamiento a una metodología de composición?
Para responder este cuestionamiento es necesario hacer un acercamiento a cada
coreógrafa, así que para empezar fue necesario hacer una contextualización sobre cada
una de ellas.
Desde hace ya algunos años descubrí a Pina Bausch, una de las mayores exponentes de
la danza contemporánea en el mundo, la descubrí por medio de una película de Pedro
Almodóvar, Hable con Ella, enseguida su trabajo me cautivó, la primera obra que tuve
oportunidad de ver, fue Café Muller, a pesar de que me costó mucho entender que
significaba, recuerdo que logró conmoverme, poco a poco he ido siguiendo su trabajo como
directora, me interesa Pina, no solamente por un gusto personal hacia sus obras, sino
porque además de ser un personaje histórico y dejar un gran legado de danza en el mundo,
logra hacer que me cuestione sobre qué es lo que quiero decir a los otros con mi trabajo y
de qué manera puedo hacerlo, otra de las cosas que también resalto y me encantan dentro
de sus creaciones, es la cantidad y la calidad de imágenes estéticas que proporciona al
espectador, pues para mí de eso se trata un poco el arte escénico, que puede conectarse
al arte visual teniendo la posibilidad de crear espacios no existentes ante los ojos del
público, tomando como base la composición de imagen dentro del espacio escénico, por
último Pina me recuerda que el arte siempre tiene la tarea de tocar al otro, que tiene la
posibilidad de conmover y comunicar.
Philiphina nace en una pequeña ciudad en Alemania llamada Solingen el 27 de julio de
1940, a finales de la segunda guerra mundial, se dice que su cuerpo guardó el dolor y el
miedo que observaba en los demás, y que más adelante estos fueron temas principales en
sus obras, viaja y estudia con varios artistas reconocidos y en 1962 vuelve a Alemania,
siendo muy joven toma la dirección del Wuppertal Theater , cuando empieza sus trabajos
como coreógrafa y directora es fuertemente criticada, se hace a sí misma una pregunta
clave en su carrera, ¿para qué y cómo puedo expresar algo?, dice que para expresar lo
que realmente siente su corazón es imposible usar el material coreográfico de otras
personas, no le interesa como se mueve la gente sino que es lo que la mueve.
Durante su carrera tiene una gran influencia en cuanto al diseño escénico gracias a su
esposo y compañero Rolf Borzik, quien era el diseñador de la compañía y fue el quien
ayudo a pina a lograr recrear las imágenes de la naturaleza en la escena, pues para ella el
espacio escénico no solo era el lugar que enmarcaba la danza sino el lugar en donde
incluso podría obstaculizarla, un ejemplo de ello es CAFE MULLER en donde la
escenografía es la que le da vida y hace única a esta obra.
En 1973 crea el Tanztheather Wuppertal, al cabo de un tiempo Pina se vuelve la máxima
representante de la danza teatro en Alemania, e históricamente se convierte en una de las
pioneras de la danza contemporánea en el mundo.
Doris Humphrey nace el 17 de octubre de 1895 en Illinois, Estados Unidos, tuvo la
oportunidad de bailar desde muy niña, perteneció a la compañía Denishawn como bailarina
y profesora, en este lugar intento realizar su propia investigación y resolver sus inquietudes
sobre el movimiento, pero después de algunos intentos fallidos decide retirarse para poder
realizar su propia búsqueda, es así como funda junto a Charles Weidman su propia escuela
en 1928, Doris es considerada una de las bailarinas más importantes de la danza moderna,
una de sus pioneras, presente en su surgimiento y desarrollo, fue quien introdujo el principio
técnico de caída-recuperación, estaba interesada en que la danza siempre contara algo, su
obra tiene un alto contenido expresivo, es por ello que no se concentró totalmente en
desarrollar una técnica específica, sino que exploro para encontrar la expresión dentro del
movimiento, dentro de esta necesidad investigativa escribe varios libros, uno de los más
importantes en este campo The art of making dances publicado en 1959 poco antes de su
muerte.
Piensa que el coreógrafo debe tener una motivación consiente, el movimiento debe
emerger de un propósito para evitar una representación técnica fría y mecánica que no
transmite nada al espectador, la motivación es lo que da sentido a la técnica, sin motivación,
no hay movimiento.
Así mismo también nos cuenta que cuando aprendemos danza, la técnica siempre es
priorizada y la motivación queda de lado, ella plantea la necesidad de la existencia de una
técnica de la expresión de las emociones, ya que de estas parten las motivaciones y el
movimiento, en escena utilizamos derivados de dicha motivación, Doris los llama gestos,
los cuales son útiles en función de comunicar, pues son cercanos al espectador y puede
reconocerlos.
Ya que la propuesta inicial es indagar en cada teoría de composición me fue necesario
hacer una comparación sobre los aspectos que cada una propone a la hora de componer
o que puedo ver reflejado en su obra, así que plasme los elementos que más me interesan
o que me parecen más importantes para componer
Movimiento
El movimiento para ambas debe tener una alta carga expresiva, ninguna de las dos está de
acuerdo con que se deba primar la técnica a la intención o la interpretación, contrario a esto
se busca producir el movimiento por medio de la sensación, Pina desarrolla para sí misma
un lenguaje de movimiento propio que se relaciona mucho a la danza expresionista, está
interesada en que el mismo bailarín descubra y apropie una forma de moverse, bien sea
como su cuerpo o su sentimiento lo decida. Para Doris la danza surge a través de la
motivación y de la técnica (esta no debe estar basada en un vocabulario de movimientos
como es el caso del ballet, sino en la comprensión de los principios que rigen el
movimiento), durante su investigación surge el principio técnico caída - recuperación, este
se funda en la observación de la conducta espontánea (respirar, caminar … ), este eje dual
del movimiento domina la forma de sus composiciones, teniendo en cuenta que siempre
resalta los opuestos y el contraste dentro de las posibilidades de la creación. Doris entiende
la forma como el diseño del movimiento en la coreografía, sin embargo, considera que la
danza no es solo la forma sino el movimiento que surge al pasar de una imagen a otra.
Creación y Composición
Pina busca crear movimiento desde premisas que en su mayoría tienen que ver con los
recuerdos o premisas que lleven a acciones de movimiento concretas , por ejemplo,
pregunta a sus intérpretes, ¿qué harías con un cadáver?, ¿cómo te comportas si pierdes
algo valioso?, lleva un beso desde el punto A hasta el punto B…, en ocasiones también
provee al bailarín movimientos y este tiene que improvisar a partir de ellos pues no solo la
solución a las premisas es el movimiento, sino que puede ser el gesto, una imagen, un texto
e incluso sonidos, su interés radica en que es lo que me puede contar, solía decir que
muchas veces tuvo que sacrificar su danza para lograr la expresión es por ello su arte se
vuelve más interdisciplinar, en Pina podemos observar en el transcurso de sus obras una
serie de imágenes casi fotográficas interrumpidas por fragmentos de movimiento y danza,
para la composición general de sus obras maneja un concepto llamado collage, lo que hace
es colocar todas las escenas que creó con sus intérpretes, y posiciona una encima de otras
sin necesidad de llevar una dramaturgia lineal, recurre mucho al retorno incesante de las
repeticiones, mezcla la palabra y el movimiento y también utiliza la metáfora como un
elemento recurrente, en sus obras utiliza la repetición no solamente como una forma
coreográfica sino más bien como una forma de llegar a un estado físico o un estado
emocional.
Por su parte Doris si nos habla de un compositor quien debe pensar más en términos de
movimiento que pasos, también debe ser un gran observador, tener curiosidad por las
personas con quienes trabaja, analizar sus conductas físicas y emocionales, entender las
diferencias, las capacidades y particularidades, debe tener sentido para la estructura
dramática y el contraste, haciendo coherentes los componentes de una pieza, debe tener
un lenguaje claro para transmitir su intención, velocidad para el juicio, toma de decisiones
y búsqueda de medios y no menos importante tener algo que decir .
Doris nos expone cuatro elementos básicos del movimiento bailado que son el diseño, la
dinámica, el ritmo y la motivación.
Música
Doris fue una de las primeras en experimentar con ella de maneras no convencionales,
decía que no toda la música servía para la danza, afirmaba que la melodía, el ritmo y la
calidad dramática debían ser factores determinantes a la hora de escogerla, se puede
utilizar siempre una pieza musical pero explica que no es necesario atarse a ella, se dice
que es su obra revela una sensibilidad musical extraordinaria, por su parte Pina al tener
una obra más contemporánea habla de sonido, durante toda su trayectoria probó diferentes
formas musicales, como obras de repertorio en el caso de la Consagración, música
tradicional de otros países, música contemporánea o incluso el silencio o la palabra, esta
última es muy importante para ambas como un recurso que puede ayudar a la dramaturgia,
se introduce como un recurso que explora la Narración, el Canto, el Diálogo, los Juegos de
palabras, sus posibilidades y en fusión con la danza, Doris aclara que es importante que
esté justificada para que no sea un elemento arbitrario, ella decía que, “por ejemplo «un
niño trajo la blanca sabana a las 5 de la tarde» evocaba el ambiente a la hora de la muerte
y todas las implicaciones de la mortaja mucho mejor que cualquier efecto luminotécnico o
coreográfico”(MARKESSINIS 1995, pág. 179).
Escenografía
Para Doris la escenografía y utilería no necesariamente tenía que ser literal como en las
formas del ballet clásico, sino más bien podía ser una posibilidad para el uso de otros
planos, como el plano vertical, y de apoyar el tema central de la pieza pero de una manera
más simbólica que permitan tanto al espectador como al estudiante la interpretación, no es
considerada solo como un adorno sino como algo funcional, por su lado pina evoluciona
esta idea pues creía que todo lo que ella imaginaba en el escenario era posible, siempre
trabajo de la mano con su compañero Rolf Borsnik quien era Diseñador Gráfico y Artista
Plástico, creía que el espacio escénico tenía todo un potencial para la creación, en repetidas
ocasiones logro trasladar imágenes de la naturaleza al teatro, logro varias escenografías
memorables, por ejemplo en la consagración de la Primavera llena todo el piso de tierra,
en Café Muller recrea un lugar de su infancia lo llena de sillas, y estas se vuelven parte
indispensable en la coreografía y en la intención de la pieza.
Espacio
Para Doris el diseño puede analizarse en el espacio y desde un punto visual, sobre la
simetría y la asimetría, Doris acoge la primera como un punto de descanso sin embargo
puede llegar a ser monótona y aburrida, mientras que la asimetría por su parte puede
demostrar emoción, conflicto y fuerza, el diseño y la forma deben crearse con la intención
de representar una idea.
Pina por su parte maneja el espacio de maneras diferentes dependiendo lo que se quiera
decir, un ejemplo es, La Consagración de la Primavera, en ella retoma formas sencillas
para evocar momentos importantes en la escena, maneja el circulo como símbolo del ritual,
ella combina y contrasta el espacio con varias diagonales, cardúmenes y recorridos al azar
por los bailarines en el espacio.
Según Doris existen en el escenario convencional puntos fuertes y puntos débiles, zonas
débiles y zonas fuertes y recorridos o líneas en el espacio que el director debe conocer, las
áreas del espacio utilizadas pueden apoyar y resaltar diferentes conceptos o sensaciones,
también negarlos, aquí el coreógrafo puede dar su propio criterio, la fuerza de las áreas
escénicas puede ser modificada por la luz o la ejecución del bailarín.
Procesos para la Creación
Después de observar y analizar cada teoría de composición surgieron aún más inquietudes,
pero también varios caminos para empezar a construir obra, como primera instancia la
bitácora se convierte en una herramienta vital, cada artista la maneja de formas diferentes,
es el lugar donde se plasma cualquier cosa que se relacione con la investigación, en este
caso sobre dos conceptos específicos, feminidad y misticismo, en ella plasmo ideas,
pensamientos, propuestas coreográficas, escenas o referentes de cualquier tipo, cabe
resaltar que la investigación ligada a la creación, tiene diferentes parámetros y procesos
para llevarse a cabo, es por ello que al tomar la investigación como una experiencia
sensitiva, es decir que se permea y toma todo lo que percibe a su alrededor, permite al
director entender y sistematizar información, brindado aún más posibilidades para la
creación, la bitácora no solo funciona como herramienta inicial sino que además apoya el
proceso, cuando inicié la investigación tenía la idea de trabajar en una pieza en donde solo
yo bailara e interpretara mis propias ideas, sin embargo a la hora de la exploración empecé
a concebir la idea de un grupo de mujeres que pudiera apoyarme con sus propias
reflexiones sobre el tema, así que busque intérpretes que estuvieran dispuestas e
interesadas, como primera tarea cada una debía llevar una bitácora.
En el proceso de creación se construye casi un dialogo con el método pues varía
dependiendo de las necesidades de la creación, para dicho fin me es necesario llevar a
cabo dos procesos paralelos que se entretejen todo el tiempo y son la investigación teórica
y la exploración corporal, es por ello que de aquí en adelante ambos temas se verán
combinados o unidos.
Para comenzar realice un taller de exploración que en un principio pretendía indagar sobre
el movimiento, teniendo como premisa inicial encontrar diferencias entre lo que veíamos
como movimiento masculino y femenino, sin embargo en el transcurso del mismo se
convirtió más bien en un laboratorio sensitivo, que enseguida se conectó con el otro termino
a indagar que era el misticismo, así que allí se profundizó sobre cuál era la sensación que
teníamos de lo femenino, este laboratorio se desarrolló en torno a la improvisación sobre
premisas que fueron siguiendo en las diferentes sensaciones, muchas de ellas salían de
elementos que encontraba incluso aleatoriamente en mi bitácora, estas prácticas nos
llevaron no tanto a la creación de movimiento danzado, sino a la creación de acciones
concretas y gestos, relacionado a esto también pensé en cuál era el entrenamiento o un
calentamiento adecuado para el cuerpo, para ponerlo en disposición de crear y bailar,
guiada por Doris y Pina, decidí realizar un espacio circular en donde cada una podía
proponer lo que sentía que su cuerpo necesitara para iniciar, este momento se convierte
de nuevo en un ritual que adoptamos como grupo.
Para encontrar un hilo conductor en el laboratorio de creación y como era uno de mis
objetivos principales busque en la pintura pues somos seres visuales sumergidos en una
cultura visual, en su gran mayoría percibimos el mundo por medio de imágenes, y somos
nosotros mismos quienes les damos significado, hablamos de la imagen como una
construcción colectiva de la cultura de cada sociedad, es decir que entre todos formamos
acuerdos de una misma estética para saber que es bello y que no lo es, así mismo cada
cultura tiene un imaginario y hace una construcción de cuerpo distinta, empecé tomándola
como eje principal de la investigación, indague entonces sobre la pintura buscando lo
femenino y encontré miles de referentes, infinidad de pinturas de mujeres desnudas, musas
inmortalizadas y plasmadas, siempre me ha llamado la atención el por qué durante la
historia del arte han existido una gran cantidad de cuadros de mujeres desnudas, unas muy
reconocidas y además con un gran valor histórico, pero solamente hechas por hombres,
decido estudiar 20 pinturas que elijo por su valor histórico y sus cualidades estéticas, la
mayoría de estos cuadros me parecen bellísimos, analizo la composición de la imagen,
como los volúmenes del cuerpo se vuelven el eje principal, veo siempre, flores y frutas, que
pienso pueden relacionarse a la belleza y a la fertilidad, encuentro y puedo leer los cánones
de belleza que se dan en diferentes momentos, sin embargo cuando busco vagamente por
una mujer que pinte a otras mujeres desnudas me doy cuenta de que este arte está casi
colonizado por hombres, es por ello que empiezo a analizar sobre dichos cánones de
belleza, y reafirmo la idea de que han sido manipulados siempre, y que actualmente
concebimos la idea de feminidad como los diferentes medios la venden, con la
globalización, el internet y el constante bombardeo de la publicidad, me atrevo a decir que
hemos creado un imaginario colectivo de cuerpo ideal, sin entender el trasfondo que ello
tiene, pues es claro que transgrede la forma como nos reconocemos a nosotros mismos y
como percibimos al otro a partir de ese imaginario, el canon siempre responde a los factores
culturales e históricos, por esto mismo se van modificando a través del tiempo.
Decido entonces devolverme a los orígenes, no de la pintura, sino de la conformación de
sociedad y el papel de la mujer tal y como la conocemos hoy en día, busco a las dos mujeres
que en nuestra sociedad tiene la tarea de representar lo femenino, las dos descritas por la
iglesia católica y presentadas desde extremos ellas son Eva, la mujer que nace de la costilla
del hombre y se crea para ser compañera y poblar el mundo, y María, a quien se le anuncia
que será madre del hijo de Dios, sin ser jamás tocada y gracias a ello se le asocia a una
vida santa.
Al tener una gran cantidad de información, que incluye pensamientos, ideas, reflexiones,
referentes etc, me es indispensable realizar un proceso de categorización para analizarla
de una forma más ordenada, después de esto me dedico a la construcción de un guion
coreográfico, este no es un guion inamovible sino que es una posibilidad que le permite al
director encontrar más fácilmente herramientas creativas, este documento jamás esta
estático, sino que por el contrario está en constante cambio pues se retroalimenta del
proceso que se lleva paralelamente en los laboratorios coreográficos, pues así como
propone algo en cada laboratorio, al terminar se renueva, en un principio dicho guion no
tendrá un orden especifico sin embargo dividirá la investigación en cuadros (los llamo de
esta manera pues en esta parte del proceso no logran ser escenas concretas), cada cuadro
debe tener las siguientes especificaciones que podrán ser modificadas:
Premisa, movimiento, Imagen, Referente - Situación, Música, Color, Luz, elementos, otros,
espacio, dramaturgia
Como dije anteriormente la creación artística no es convencional y esta es una herramienta
que puede funcionar o no, en este caso puedo decir que colaboro con la mayoría de la
creación de la pieza, por ahora no existe un método claro de cómo llenar este cuadro que
propongo, con todos los ítems que mencione anteriormente, sin embargo en un principio
me fue muy útil para buscar las premisas que quería trabajar con las bailarinas, aquí tomo
como referente a pina, quien buscaba pautas que llevaran a acciones concretas por medio
de la improvisación, pues al igual que ella me interesa encontrar un movimiento genuino o
más sincero en cada intérprete.
Para explicar mejor como funciona mi versión de un guion coreográfico, colocare un ejemplo
de la obra.
Imagen: Eva siento tentada a comer la manzana
Elementos: Manzana
Premisa: Atrapar, quieres besar algo, pero no te lo permiten.
Referente: Escena de Jeux des Enfants (película)
Situación: Dos niños están en el paraíso y entre ambos comen la manzana, después dios
quien en realidad es el director de su escuela, empieza una retahíla de todo lo que conlleva
esta acción.
Movimiento: Suave pero atento
Música: Voz femenina
Color: Rojo, piel
Dramaturgia: Un grupo de mujeres jugando para obtener la manzana
Luz: Atardecer, tenue, ámbar
Espacio: Jardín en otoño
Otros: Eva esta desnuda, sin sentir vergüenza
En este caso lo primero que entro al guion fue el momento en que en la biblia, dios condena
a Eva por morder el fruto prohibido, así que esa es la imagen que rescaté, pues fue el
momento en que la religión condena a padecer por el hecho biológico de nacer como mujer,
es decir que si queremos tener hijos se está sometida a sentir dolor, y además de eso se
lleva una carga con todas las culpas que aquejan el mundo, por su rebeldía, entonces aquí
naturalmente aparece un elemento primordial que es la manzana, pensé entonces como
transformar esta imagen en una premisa, y se me ocurrió que podría ser ¨ Quieres besar
algo pero no te lo permiten ¨, sin ningún otro elemento me dirijo al espacio del laboratorio,
en la exploración, encuentro como llenar otros campos vacíos, pues la respuesta a la
premisa, fueron unas niñas jugando con la manzana, en seguida recordé una escena de
una película que vi hace algún tiempo llamada juego de niños en donde hay una escena
que se asociaba a la situación dada, coloco siempre juntos referencia y situación pues a
veces es necesario saber por qué se coloca esto allí como referente. Vuelvo al cuadro y
encuentro más formas de tejer relaciones, por ejemplo en el ítem de color imagino a Eva
desnuda, lo que me hace pensar en el color piel , en contraste con el rojo de la manzana,
en varias ocasiones he leído que en realidad es de color verde, sin embargo decido dejar
la manzana roja en el guion por la connotación que tiene ese color, pienso de nuevo en el
ejercicio de exploración, recuerdo la calidad de las intérpretes, y la describo lo más
fielmente posible, para los espacios que me quedan y que no puedo contestar empiezo a
atar cabos sueltos, Doris siempre nos aconseja hablar desde los opuestos, pues así ella
formo su propio trabajo, así que por este momento decido completar los demás elementos
haciendo uso en lo antónimos, imagino como era la luz y pienso en una mañana, así que
busco lo contrario, una luz tenue y color ámbar, en cuanto al espacio se habla de un jardín,
que cuando está en su máximo esplendor se encuentra en primavera, el antónimo seria el
otoño donde los frutos mueren, para el sonido busco paz y calma, me imagino una voz
femenina, finalmente en otros quiero resaltar la desnudes de Eva así que lo coloco allí para
tenerlo presente.
Descripción de cada uno de los resultados alcanzados
Poco a Poco este guion fue tomando una forma más clara y se logró concretar la obra,
dentro de ella es claro que se habla desde un discurso femenino, que comprende la
particularidad de cada bailarina pero que a su vez coloca en dialogo al movimiento y la
dramaturgia, cada uno de los elementos que se utilizan dentro de la obra tejen una
cuidadosa relación con la idea del ritual
Como resultado final se logró concretar una pieza de 25 minutos aproximadamente, en
donde se utiliza el lenguaje de la danza como medio principal para comunicar, la pieza todo
el tiempo recurre a movimientos que recuerdan la feminidad ligada un poco a la tristeza o
nostalgia, en su gran mayoría los movimientos tienen una calidad suave, siempre cargados
de expresión, sin embargo en busca del contraste y también haciendo caso a las
necesidades de ritmo, se utilizaron movimientos rápidos y fuertes, además la repetición y
el juego coreográfico fueron elementos indispensables para que la obra adquiriera una
identidad.
En cuanto a la música, fue uno de los elementos más contundentes, lleva casi toda la
dramaturgia y el ritmo de la obra, se utilizaron en su gran mayoría voces femeninas y música
instrumental celta, en cuanto al espacio decidí trabajar la mayoría del tiempo grandes coros
y también planimetrías asimétricas, sin embargo, se puede notar un orden y una planeación
en cada coreografía, el espacio se vuelve un lienzo en blanco para empezar a dibujar como
más convenga, así que decidí contrastar entre un espacio dinámico, es decir que las
planimetrías van cambiando constantemente a un espacio más plano.
Uno de los objetivos era trabajar sobre las imágenes que me evocaban otras disciplinas del
arte, es por ello que se traen a escena varios elementos que complementan la idea de lo
femenino, varios componentes interesantes como la insinuación de ritual que está asociado
al misticismo, utilizando elementos como pintura negra, agua, velas, pétalos de flores, que
en el marco general de la pieza circulan alrededor de la imagen del ritual femenino en
intimidad, es por ello que también se utiliza el desnudo, pues se recuerda la vulnerabilidad
del cuerpo humano y su belleza, ligada a la fortaleza de la mente y la sabiduría femenina.
Análisis de resultados, Productos, Alcances e impacto del trabajo de Grado
Como resultado se logra transitar dentro de una obra que logra hablar tranquilamente desde
un discurso femenino, haciendo una investigación o una búsqueda que pretende volver a
indagar sobre lo más básico como seres humanos y desde donde parte nuestra identidad,
en este caso cuál es nuestra identidad como mujeres o colectivamente como nos sentimos
identificadas sin tener que ser definidas, este trabajo no pretende limitar lo que significa la
feminidad sino más bien contemplar lo que durante la historia ha significado y como tal vez
replantearlo y volver a encontrarlo.
Se estrenó la obra el 5 de diciembre de 2016 en el Aula Máxima, se presentó principalmente
a amigos, familiares, maestros y a la comunidad universitaria, considero que como grupo
logramos conectarnos y expresar una misma idea en la escena, es importante reconocer la
danza como un mundo infinito de expresión y así mismo validar otras formas como las que
intentamos construir como grupo y que se ven reflejadas en la Matía.
Evaluación y cumplimiento de los objetivos
Como objetivos principales se tienen como premisas acudir a otras disciplinas del arte como
fuentes investigativas, y usar laboratorios para la creación de movimiento lo cual
ayudó drásticamente en la concepción de la pieza y su realización, este trabajo de grado
más que ser un resultado final mejor logra ser un punto de partida sobre esta gran pregunta
y cuestionamiento sobre la feminidad, que espero seguir trabajando y desarrollando en mis
trabajos artísticos como profesional.
Considero que a nivel general se cumplen todos los objetivos que se plantean desde la
propuesta inicial, pasando por el laboratorio de creación que nos brindó herramientas
coreográficas y dramatúrgicas y finalizando con la pieza coreográfica que expone el punto
de partida de esta investigación.
Conclusiones
Considero que esta pieza logra recolectar las inquietudes que surgieron en mi carrera y
logra llevarlas a la escena, además de eso al construir este texto, me llevo la grata sorpresa
de que poco a poco voy encontrando sin querer o sin ser esta la intención principal, un
método propio de construcción de obra basado en otros ya existentes, como lo dije
anteriormente sobre todo en las teorías de composición de Pina Bausch y Doris
Humphrey, logrando hacer una adaptación propia de las cosas que más me interesaban
de cada una y sumando elementos que fui construyendo y adaptando a mis propias
inquietudes y necesidades creativas.
Referentes
Markessinis, A (1995) Historia de la Danza desde sus orígenes, Madrid: librerías deportivas
Esteban Sanz Martier, S.L
Humphrey D, (1987) The Art of making Dances , Hightstown : Princeton book Company
www.pina-bausch.de
http://www.danceheritage.org/treasures/humphrey_essay_siegel.pdf
www.prelectur.stanford.edu/lecturers/bausch/
http://revistas.utadeo.edu.co/index.php/RLT/article/viewFile/317/316
LAURA DANIELA CASTRO CORDOBA
Cod Estudiante : 20112102020
Trabajo de Grado
Modalidad en Interpretación Creación