Entre lo objetivo y lo subjetivo

El espectador.

• La comunicación, el lenguaje del arte requiere del espectador. La última pieza necesaria para que funcione la comunicación.

• El arte, o si se quiere el ámbito artístico es también un modelo de comunicación, de lenguaje en el que es el espectador el receptor y quien cierra el proceso articulado en la obra.

• PUELLES ROMERO, l. Mirar al que mira. Teoría estética y sujeto espectador. Ed Abada Madrid, 2011.

• A lo largo de la Historia el espectador ha consumado diferentes estadios de implicación en la percepción del hecho artístico.

• En líneas generales su actitud ha sido creciente,

• Nadie concibe hoy el desarrollo, al menos teórico, de un arte cerrado. Más que nunca la obra se resuelve como un modelo abierto, siendo en última instancia el espectador quien lo cierra al comprender el mensaje y abrir nuevos campos de reflexión.

• En la etapa pre-artística la función del espectador se mantuvo pasiva. La obra estaba cerrada y el contenido se movía dentro de sus límites formales.

• No cabía interpretación y la mirada del espectador era simplemente receptiva, pasiva.

• Se trataba de un mero receptor que podía conmoverse pero no interactuar con la imagen.

• La imagen frontal le mira. El espectador la reconoce pero entre ambos existe un distancia reverencial.

• Básicamente se trata de una imagen con poder en sí que el espectador usa para conjurar miedos, rogar o como en el caso de referentes no específicamente sagrados, reconocer su historia que a través de imágenes poetizadas adquiría una categoría mítica, por tanto en cierta medida sagrada.

• Es a partir del Renacimiento cuando algunos artistas introducen en las representaciones la mirada del espectador. Su punto de vista e implicación en la escena narrada, se expresa a través de un personaje que adopta su punto de vista.

• El voyerur espectador que amplía la acción escénica, puede en un segundo momento ser también observado quedando la escena en un intermedio entre el que mira y quienes le observan.

• El cuado no define una escena encerrada sino que se convierte en una ventana que se abre y desde la cual también es observado el espectador.

• El barroco abre la escena por el fondo introduciendo el espejo o abriendo el espacio definiendo otro ámbito más iluminado.

• El espectador investiga la escena e imagina ya que no todo puede ser observado su imaginación se activa y comienza a dejar la pasividad anterior en lo que respecta a su mirada.

• Sin embargo, el espectador si bien se integra, no es quien protagoniza la visión del cuadro.

• Es en el siglo XIX cuando algunas pinturas comienza a trabajar lo que científicamente sería la visión propia del supuesto espectador.

CassattEn la ópera

CaillebotteJoven mirando por la ventana

E. Hopper En la ventana

• De esta forma el espectador adquiere una recepción desde la propia pintura por lo que el mensaje se hace más eficaz.

• La representación lo implica como mensaje ya que este espectador forma parte del mismo.

• Esta mayor implicación supone también una mayor difusión del hecho artístico una comprensión más extendida y divulgada.

• El artista entraría en un procedimiento de divulgación de su hacer y por otra parte éste se reproduciría masivamente siendo a través de ello más reconocido.

• Se iría de esta manera entrando en una sociedad donde la imagen como mecanismo de comunicación iría eclipsando a la palabra.

• La obra para hacerse inteligible a una gran mayoría tendería a reducir su intensidad simbólica pero acentuando sus cualidades emocionales.

• El crítico Givanni Sartori a finales del siglo XX se hacía eco del cambio que la sociedad había experimentado y experimentaba como resultado de la sustitución del lenguaje de las palabras por los signos icónicos.

• Se trataba de una profunda transformación cultural, de la que también Gombrich se hacía eco.

• Leer una imagen es más fácil y rápido que comprender un mensaje textual. Además la imagen aún cuando no sea inteligible impacta nuestros sentidos y afecta a nuestras emociones.

• El estudio de cómo la imagen afecta a nuestra pshiké es la psicología del Arte a través de la que se estudia científicamente el impacto que las formas, el color y otros elementos visuales ejercer sobre nosotros conmoviéndonos.

• De este modo como dice Rudolf Arnheim la imagen desarrolla un “pensamiento visual” que actua de forma muy parecida en una gran muestra de espectadores.

• De esta forma la creación de una imagen equivale a plantear una estrategia visual que prevee los movimientos de la recepción (espectador).

• Así la percepción, lejos de ser un fenómeno cabalmente subjetivo se presenta como un desarrollo objetivo que puede ser manejado.

• Existen leyes que indican cierta invariabilidad en sus fundamentos.

• La escuela de la Gestalt (Arnheim) conformada en torno a 1912 experimentó y estudio la psicología de la forma.

• Algunas de las leyes que define la psicología de la forma ya se habían practicado aunque de manera intuitiva.

• Sin embargo su estudio dio paso a la utilización de la imagen como discurso afectivo y por tanto su empleo para la propaganda.

• Sin duda la obra de arte de una u otra manera siempre a estado al servicio de una cierta propaganda, pero esta no era su meta esencial.

• Es a finales del siglo XIX cuando podemos hablar de la propaganda o publicidad en la que su única función es dar a conocer y vender no ya una idea sino un producto concreto.

• Los sectores más conservadores de la Historia del Arte son reacios a considerar la propaganda como un desarrollo artístico. Entran en contradicción con testimonios que se aceptan como arte y cuyo origen era únicamente la propaganda.

• Es el caso de los carteles. El cartelismo que podemos iniciar con la obra del pintor francés Touluse Lautrec.

• Las imágenes publicitarias con el paso de los años pierden su función, dejan de ser reclamos, en tanto que la oferta que hacen está ya caduca, y se transforman en imágenes cuya función es exclusivamente icónica. De este modo las tenemos al mismo nivel que las imágenes artísticas y podemos analizarías conjuntamente.

Julles Chéret

Julles Chéret

Julles Chéret

Mucha

Ramón Casas, 1898

Rafael Penagos

Rafael Penagos

Eduardo Benito

Eduardo Benito

• El cambio que se produce con Warhol promueve el diferente papel del artista y los fines del arte.

• Warhol desarrolló una imaginería personal a partir de objetos completamente impersonales

• Lo que es genial de este país es que América ha iniciado una tradición en la que los consumidores más ricos compran esencialmente las mismas cosas que los más pobres. Puedes estar viendo la tele y ver la Coca-Cola, y sabes que el Presidente bebe Coca-Cola, Liz Taylor bebe Coca-Cola, y piensas que tú también puedes beber Coca-Cola. Una cola es una cola, y ningún dinero del mundo puede hacer que encuentres una cola mejor que la que está bebiéndose el mendigo de la esquina. Todas las colas son la misma y todas las colas son buenas. Liz Taylor lo sabe, el Presidente lo sabe, el mendigo lo sabe, y tú lo sabes.

• Los artistas Pop ingleses introducen elementos de la publicidad en sus cuadros, donde hacen reflexiones sobre la sociedad en la que viven, los reclamos les sirven de punto de partida o inspiración para sus obras.

• Los artistas Pop norteamericanos dan una vuelta más de tuerca y trasladan directamente las imágenes publicitarias a los lienzos, descontextualizándolas y dándoles un valor artístico a modo de ready-mades.

• Los artistas Pop norteamericanos se sienten fascinados por la sociedad de consumo en la que habitan (Warhol, el líder del grupo era un comprador compulsivo), y a través de sus cuadros exteriorizan esa fascinación.

• Un poco antes, el director de arte Helmut Kroneel redactor Julian Koening, ambos de origen alemán, crean junto con el director creativo Dane Bembach, una de las campañas más significativas de la historia de la publicidad, la realizada para Volkswagen.

• Evitar que su profecía se cumpla sobre el fin del arte, éste tendrá que cambiar los espacios de difusión de sus obras. En las últimas ferias internacionales de arte, la calle adquiere cada vez más protagonismo, así como otros soportes de difusión.

• Según la tendencia actual parece que avanzamos hacia dos modelos de producción artística, uno que se mantiene fiel a los métodos pictóricos tradicionales y otro interesado en nuevas técnicas y soportes.

• El primero proseguirá su camino analizando una y otra vez movimientos artísticos anteriores, el segundo modelo de creación artística es muy permeable a las influencias visuales del entorno, y dentro de esas influencias seguro que la publicidad ocupa un lugar muy destacado.